Art chinois: caractéristiques, histoire Automatique traduire

introduction

Coupée par les montagnes, les déserts et les océans d’autres centres d’évolution humaine, la Chine a développé son propre civilisation , qui comportait une étonnante combinaison de technologie progressive, Art ancien et sensibilisation culturelle. Le plus du monde poterie ancienne , par exemple, est le Poterie de la grotte de Xianrendong , de la province de Jiangxi, et Poterie Cave Yuchanyan du Hunan. Ce développement de céramique influent s’est étendu en Sibérie – voir le Poterie du bassin de l’Amour (14 300 AEC) – et le Japon, sous la forme de Poterie Jomon (14 500 AEC). Étrangement cependant, peu de preuves sont apparues à ce jour concernant une tradition significative de art rupestre sur le continent chinois.

Le centre originel de la culture chinoise était le long du grand fleuve Jaune qui traverse la plaine du nord de la Chine, où des colonies stables remontent à au moins 4000 ans avant notre ère. Pour plus de détails, voir: Art néolithique en Chine (7500-2000 AEC). Les découvertes archéologiques – provenant notamment des tumulus funéraires d’individus prospères – indiquent que vers 2500 avant notre ère, les vers à soie cultivés par les Chinois possédaient des outils magnifiquement finis et produisaient une grande variété d’artefacts culturels. Par la suite, entre 2500 et 100 avant notre ère, les artistes chinois ont maîtrisé de nombreuses formes de l’art visuel , comprenant: Poterie chinoise (qui a commencé en Chine vers 10 000 ans avant notre ère et comprend Porcelaine chinoise ) sculpture de jade et d’autres types de travail des métaux et bijoux art ; bronzes (principalement des vaisseaux de cérémonie); Sculpture bouddhiste et profane sculpture en terre cuite (illustré par l’ armée de terre cuite chinoise ); peinture chinoise et calligraphie ; aussi bien que artisanat comme la laque. En plus de l’art, la Chine possède sa propre histoire d’inventions scientifiques et technologiques, dont beaucoup se sont propagées de l’Est en Europe. De plus, en 1800 avant notre ère, la culture avancée de la Chine avait également développé un système d’écriture qui constitue toujours le fondement de l’écriture chinoise moderne. Voir également: Chronologie de l’art préhistorique (2.500.000-500 AEC). Pour les arts du sous-continent indien, voir: Inde, peinture et sculpture .

Les dynasties chinoises: une chronologie simple

La Chine est datée de ses dynasties, un mot qui a été inventé par les historiens occidentaux à partir de la racine grecque pour «pouvoir, force ou domination». Des vagues successives d’envahisseurs sont venues de la masse terrestre de l’Asie centrale, des steppes et du fleuve Turcu, conquises, dirigées et à leur tour assimilées par les Chinois. Le différent types d’art en Chine s’est développé en fonction de l’intérêt et du patronage de chaque dynastie, ainsi que des caprices des dirigeants régionaux. Les relations commerciales avec ses voisins d’Asie de l’Est ont également fortement stimulé le développement des arts visuels chinois, notamment de la poterie et des laques.

Dynastie Xia (2100-1700 AEC)
Dynastie Shang (1700-1050)
Dynastie des Zhou (1050-221) [inc. La période des Royaumes combattants 475-221]
empereur Qin et dynastie de 3 ans (221-206)
Dynastie des Han (206 AEC – 220 CE)
Période des six dynasties (220-589)
Dynastie Sui (589-618)
Dynastie des Tang (618-906)
Période des cinq dynasties (907-60) [les dirigeants militaires avaient le pouvoir]
Dynastie Song (960-1279)
Dynastie des Yuan (1271-1368)
Dynastie Ming (1368-1644)
Dynastie Qing (1644-1911)

Pour un guide sur chaque dynastie, voir ci-dessous: Histoire de l’art chinois .

Caractéristiques de l’art chinois

Aspect métaphysique, taoïste
Depuis l’ère de Art préhistorique La société chinoise – elle-même presque entièrement agricole ou rurale jusqu’au 20ème siècle – a toujours attaché une grande importance à la compréhension du modèle de la nature et à sa coexistence. La nature était perçue comme la manifestation visible de la créativité de Dieu, utilisant l’interaction des forces de la vie yin (femme) et yang (homme). L’objectif principal de l’art chinois – initialement centré sur la propitiation et le sacrifice – s’est rapidement tourné vers l’expression de la compréhension humaine de ces forces de la vie, dans une variété de formes d’art, y compris La peinture (notamment celle des paysages, du bambou, des oiseaux et des fleurs), de la poterie, de la sculpture en relief, etc. Les Chinois croyaient également que l’énergie et le rythme générés par un artiste étaient étroitement liés à la source ultime de cette énergie. Ils pensaient que l’art – en particulier la calligraphie et la peinture – avait la capacité de rafraîchir l’artiste ou de le retarder spirituellement, selon l’harmonie de sa pratique et le caractère de l’individu lui-même. Voir également: Art Chinois Traditionnel: Caractéristiques .

Aspect moral, confucéen
L’art chinois avait également des fonctions sociales et moralistes. Le plus tôt peintures murales , par exemple, décrivaient des empereurs bienveillants, des ministres sages, des généraux fidèles, ainsi que leurs adversaires diaboliques, à titre d’exemple et d’avertissement pour les observateurs. Portrait d’art avait une fonction morale similaire, qui visait à souligner non pas les traits du visage ni les traits figuratifs du sujet, mais aussi son caractère et son statut dans la société.

Inspirational mais pas essentiellement religieux
Les peintres de la cour ont souvent été chargés de décrire des événements propices et mémorables, mais la haute peinture religieuse est inconnue dans l’art chinois. Même le bouddhisme, qui a stimulé la production de nombreux chefs-d’œuvre, était en réalité une importation étrangère. L’essentiel est que les thèmes utilisés dans l’art chinois traditionnel soient presque toujours nobles ou inspirants. Ainsi, les sujets trop réalistes tels que la guerre, la mort, la violence, le martyre ou même le nu, ont été évités. De plus, la tradition artistique chinoise ne sépare pas la forme du contenu: il ne suffit pas, par exemple, que la forme soit exquise si le sujet n’est pas édifiant.

Apparence intérieure pas apparence extérieure
Contrairement aux artistes occidentaux, Peintres chinois n’étaient pas intéressés à reproduire la nature ou à créer une représentation réelle d’un paysage (par exemple). Au lieu de cela, ils se sont concentrés sur l’expression de l’essence intérieure du sujet. Rappelez-vous, les roches et les ruisseaux étaient vus comme des choses "vivantes", des manifestations visibles des forces invisibles du cosmos. Il incombait donc à l’artiste de saisir les caractéristiques spirituelles plutôt que matérielles de l’objet en question.

Symbolisme dans les arts visuels chinois
L’art chinois regorge de symbolisme , en ce sens que les artistes cherchent généralement à décrire un aspect d’une totalité dont ils ont une conscience intuitive. En outre, l’art chinois regorge de symboles spécifiques: le bambou représente un esprit qui peut être plié par les circonstances mais non brisé; le jade représente la pureté; un dragon symbolise souvent l’empereur; la grue, longue vie; une paire de canards , la fidélité dans le mariage. Les symboles végétaux comprennent: l’ orchidée , un autre symbole de pureté et de loyauté; et le pin , qui symbolise l’endurance. Certains critiques d’art préfèrent toutefois décrire l’art chinois comme étant essentiellement expressionniste plutôt que symbolique.

L’impact de l’artiste amateur
Au cours de la période des Royaumes combattants et de la dynastie Han, la croissance d’un groupe de marchands et de propriétaires fonciers a entraîné une augmentation du nombre d’amateurs d’art et de mécènes avec du temps qui passe. Cela a conduit à l’émergence, au troisième siècle de notre ère, d’une classe d’élite d’artistes amateurs érudits, impliquées dans les arts de la poésie, de la calligraphie, de la peinture et de nombreux métiers. Ces amateurs avaient tendance à baisser les yeux sur l’artiste professionnel de la classe inférieure, employé par la cour impériale, et par d’autres autorités régionales ou civiques. De plus, cette division d’artistes a eu par la suite une influence significative sur le caractère de l’art chinois. À partir de la dynastie Song (960-1279), les artistes-gentlemen s’associaient de plus en plus à des formes de plus en plus raffinées. peinture à l’encre et au lavis et la calligraphie, et leurs œuvres sont devenues un important moyen d’échange dans une économie sociale où la présentation de cadeaux était une étape essentielle dans la constitution d’un réseau personnel. Tout comme les compétences pour écrire des lettres ou de la poésie, la capacité à exceller en calligraphie et en peinture a contribué à asseoir son statut dans une société de personnes instruites.

Histoire de l’art chinois

Pour une liste des dates concernant les arts et la culture en Chine (plus celles de la Corée et du Japon), voir: Chronologie de l’art chinois (18 000 AEC – présent). Voir également: Art de l’âge de pierre: 100 œuvres d’art .

L’art du bronze sous la dynastie Shang (1600-1050 av. J.-C.)

La dynastie des Shang était supposée être mythique jusqu’à la découverte, dans le nord-ouest de la Chine, en 1898, d’une réserve d’inscriptions sur les omoplates de bœufs. (Mais voir aussi: Culture de la dynastie Xia 2100-1600.) Dans la même région, près d’Anyang, des quantités de vases de bronze ont été découvertes avec des inscriptions en écriture chinoise ancienne. Une fois déchiffrés et comparés, ils ont permis aux érudits de reconstituer l’histoire de la société Shang avec les noms et les dates des rois. C’était une fédération lâche de cités-états dont les armes en bronze leur permettaient de dominer la vallée du Hoang-ho (fleuve jaune) et de son affluent, le Wei. À bien des égards, les Shang ressemblaient aux princes mycéniens célébrés par Homère. Leurs vases et vases en bronze – la réalisation essentielle de Art de la dynastie Shang – ont été fabriqués par la méthode de coulée directe ainsi que par le procédé cire-perdue (cire perdue). Les rois et leurs assistants les utilisaient pour des cérémonies rituelles et sacrificielles. Les inscriptions qu’ils portent donnent le nom du propriétaire et du fabricant avec le but de la cérémonie. Les navires ont été enterrés avec leurs propriétaires et ils ont acquis une patine verte, bleue ou rouge en fonction de la nature du sol. Ils se répartissent en trois catégories principales: les récipients pour la cuisson ou contenant des aliments rituels, les récipients pour chauffer ou verser le vin de mil et les récipients pour le lavage rituel. C’étaient des objets utilitaires et fonctionnels, mais cela ne les empêchait pas d’être de superbes œuvres d’art. Leur but rituel et leurs connotations magiques expliquent la nature symbolique de la décoration ancienne. Les motifs du monde animal étaient principalement utilisés – le dragon et la cigale (vie et fertilité) ou le fabuleux tao-tieh – qui ressemble à un croisement entre un bœuf et un tigre.

Note: À partir de 1986, les archéologues ont effectué une série de découvertes sensationnelles sur le site archéologique de Sanxingdui situé près du canton de Nanxing, comté de Guanghan, province du Sichuan. Ces découvertes comprenaient de nombreux exemples monumentaux de sculpture en bronze de l’ère de la dynastie Shang (1700-1050), qui ont été datées au carbone à environ 1200-1000 avant notre ère. Ils révèlent une culture avancée de Sanxingdui qui, contrairement à toutes les études historiques antérieures, semble avoir évolué indépendamment des autres cultures du fleuve Jaune. Voir: Sanxingdui Bronzes (1200-1000 AEC).

Une autre réalisation de la dynastie des Shang est l’invention de la calligraphie vers 1700 av. En plus, aquarelle , qui a commencé, dit-on, vers 4000 avant notre ère, était également à la mode. Pour les formes d’art comparées de la période, voir: Art mésopotamien (4500-539 AEC) et le dernier Art égyptien (3100 avant notre ère – 395 de notre ère).

Art de l’âge de fer de la dynastie des Zhou

L’État de Shang est devenu dominé par les montagnards Zhou de l’ouest qui ont capturé la capitale Anyang en 1027 av. Art de la dynastie Zhou beaucoup emprunté à la culture Shang et produit le même type de vaisseaux mais avec quelques différences. L’évolution stylistique a été progressive et un changement marqué est apparu seulement après que les Zhou se soient déplacés vers l’est vers une nouvelle capitale, Luoyang, en 722 av. Le haut sculpture en relief des motifs Shang cédèrent la place au bas relief et aux registres. L’ornement est devenu de plus en plus géométrique jusqu’à ce qu’il soit réduit à des motifs d’ailes et spirales et de crochets et volutes. Avec les outils de l’âge du fer, il devint possible d’introduire des incrustations d’or et d’argent. C’était la période des Royaumes combattants (environ 475-221 avant notre ère), lorsque l’État Zhou s’était désintégré en territoires féodaux en conflit. Confucius, décédé au début de cette période, était un moraliste intègre et le conseiller infructueux d’un des dirigeants des Zhou. Enseignant itinérant, il a donné des conférences sur l’éthique politique, la non-violence et la piété filiale. Sa doctrine fut réunie beaucoup plus tard dans les Analect, qui devinrent l’évangile de la toute-puissante classe de fonctionnaires érudits, le demeurant jusqu’à l’époque moderne, et qui marquèrent profondément le code de conduite chinois.

Taoïsme

Parmi les «Cent écoles de philosophie qui se sont adressées aux classes dirigeantes chinoises pendant la période des Royaumes combattants», la plus remarquable est peut-être celle des taoïstes (taoïstes). Dao (Tao) signifie la voie ou le principe universel. Le taoïsme est une attitude envers la vie et non un système. Cela implique d’être en harmonie avec la nature et d’éviter tous les dogmes et les codes moraux restrictifs. Ses théoriciens les plus célèbres étaient Laozi (Lao-tzu), un auteur énigmatique qui s’exprimait par des paroles paradoxales, et Zhuangzi (Chuang-tzu) (environ 350-275 av. J.-C.) qui écrivait des paraboles imprégnées d’une ironie subtile. les motivations de l’homme. Pour certaines personnes, ils semblent combiner le meilleur du christianisme, du bouddhisme zen et du yoga. Le taoïsme était destiné à avoir une profonde influence sur la peinture chinoise.

Empereur Qin et dynastie de 3 ans (221-206 AEC)

La dictature (221-206 AEC) de l’empereur Qin Shihuang, originaire de l’état de Qin (anciennement Ch’in, d’où le nom Chine), a mis fin à la confusion politique. Il a brisé le féodalisme et remplacé les chefs de guerre par des fonctionnaires ou des commissaires. Ses conseillers appartenaient aux écoles légalistes qui affirmaient l’autorité de l’État. Les traditions devaient être oubliées et tous les livres détruits, en particulier les écrits de Confucius . Art de la dynastie Qin était sans importance par rapport à ses activités politiques et administratives. Qin Shihuang a donné à la Chine une administration unifiée et un système routier; il a construit des canaux et étendu les frontières de la Chine. Il a également commandé la vaste série de figurines en terre cuite, connue sous le nom de Armée de terre cuite (c.246-208 AEC). La fabrication des 8 000 statues a pris environ 38 ans et a impliqué environ 700 000 maîtres artisans et autres ouvriers.

Après la mort de Qin Shihuang et une période de guerre civile, un puissant bandit, Liu Pang, monta sur le trône et inaugura la longue dynastie des Han, qui réhabilita Confucius tout en conservant les réformes administratives de Qin Shihuang et gouvernant la Chine avec l’aide d’un président. administration centralisée.

Art de la dynastie des Han (206 AEC – 220 EC)

Pendant l’ère de Art de la dynastie Han une nouvelle perspective naturaliste a prévalu dans l’art figuratif. Cela est particulièrement évident dans les bronzes et dans les statues de poterie appelées ming-chi que les gens avaient enterrés avec eux dans leurs tombes. Les Chinois croyaient en une vie après la mort et ils aimaient s’entourer de représentations de paysages familiers, en particulier de choses qui leur avaient procuré du plaisir sur terre, comme des chiens et des chevaux, des danseurs et des concubines. Ces chiffres nous permettent de savoir précisément comment les sujets de la dynastie Han étaient habillés, ce qu’ils mangeaient, quels outils ils utilisaient, quels jeux ils jouaient, les animaux domestiques qu’ils élevaient et l’aspect des maisons dans lesquelles ils vivaient. Beaucoup de personnages étaient recouverts d’une glaçure de plomb; d’autres ont été peints. Tous sont intéressants et leur élégance stylisée est souvent d’une beauté saisissante. Les vases en bronze ont été fabriqués en quantité; Il en a été de même pour les sculptures en bronze d’hommes et de chevaux illustrant le même naturalisme stylisé que les figures de poterie. C’était aussi un grand âge pour Laque chinoise , tissus de jade et de soie.

Han Peinture et impression

Le mûrier était cultivé depuis un certain temps en Chine et la soie était devenue un monopole chinois. C’était le principal article d’exportation en Perse et au Proche-Orient via les routes caravanières à travers l’Asie centrale, connue sous le nom de "Route de la soie". La peinture et le dessin des Han, que ce soit sur de la soie, de la laque ou sur de la pierre et des carreaux, montrent une main très vivante et une grande légèreté au toucher. Vers la fin du règne (Ier siècle de notre ère), une technique de fabrication du papier a été découverte. Cela a contribué de manière significative aux arts en fournissant un support peu coûteux et répandu à la fois pour la peinture et l’écriture. Cela a également conduit à l’art chinois du pliage du papier, ou zhezhi, et aussi à la Art japonais de Origami . Lorsque le bloc d’impression fut inventé plus tard, les Chinois possédaient le moyen de diffuser les lois et la littérature dans tout l’Empire. Les langues étaient nombreuses et variées, mais l’écriture idéographique était la même dans tout le pays. Cela facilitait la tâche des administrateurs et fournissait au peuple chinois une culture unifiée. Dans sa forme calligraphique, l’écriture est devenue un art à lui seul, la forme d’art qui occupait la plus haute importance dans l’estime de l’intellectuel chinois. Il devint un mode de vie, l’apanage de quelques-uns, parmi lesquels les peintres, les poètes et les érudits, ceux dont l’art était fondé sur la calligraphie.

Bouddhisme et Anarchie

Après la disparition de la dynastie des Han en l’an 220 de notre ère, la Chine devait connaître près de quatre siècles de fragmentation au cours de la période des six dynasties (220-589). Cet état de chaos a été aggravé par les invasions d’Asie septentrionale et centrale. Les cavaliers affamés des steppes étaient attirés irrésistiblement par une société agricole dotée de grandes villes. Ils ont adopté la culture chinoise supérieure, sont devenus assimilés et sédentaires – un processus répété plusieurs fois. Parmi les envahisseurs du 6ème siècle, il y avait un peuple d’Asie centrale appelé les Tuoba, qui fonda la dynastie Wei et gouverna la moitié nord de la Chine de 386 à 534. Leur contribution artistique la plus mémorable à la arts de la période des six dynasties (220-589) était l’adoption officielle du bouddhisme , une religion née en Inde, qui infiltrait la Chine depuis un certain temps. (Remarque: il est arrivé au cours du premier siècle de notre ère, bien qu’il fût largement pratiqué avant environ 300 ans.) Son fondateur, le Bouddha vivant, habitait à la frontière du Népal peu avant Confucius. Le bouddhisme s’était répandu via Gandhara tout au long de la route de la soie vers l’est. Finalement, il atteignit la frontière chinoise où les vastes sanctuaires de Dunhuang et de Yungang révélaient des peintures murales et des banderoles ainsi qu’une multitude de statues gravées dans des rangs serrés sur les murs d’une falaise et d’une grotte. De race non chinoise, les Wei ont adopté le bouddhisme comme moyen de s’affirmer. L’élite confucéenne a toujours considéré cette doctrine comme une doctrine extravagante et superstitieuse. L’art bouddhiste chinois – comprenant la peinture, la sculpture et l’architecture a prospéré tout au long de la dynastie Jin orientale (317-420), des dynasties méridionale et septentrionale (420-581), de la dynastie Sui (589-618) et de la plus grande partie de la dynastie Tang (618-906).

Sculpture bouddhiste

Sans pour autant Sculpture bouddhiste chinoise il y aurait très peu de chinois sculpture en pierre . Les écoles de bouddhisme mahayana et amitabha qui prévalaient en Chine exigeaient la représentation de Bouddha dans sa forme passée, présente et future, ainsi que des Bodhisattvas (aspirants bouddhas) et de leurs assistants. Après l’expansion du monachisme bouddhiste, ceux-ci devaient proliférer dans tout le pays, que ce soit en pierre ou en bronze. Wei sculpture , particulièrement dans les grottes de Lung Men, a une beauté transcendante: des figures idéalisées et allongées, à la tête oblongue et aux sourires énigmatiques, assis en tailleur, dans de longues robes cascadant dans des plis rythmés, l’image même du bonheur mystique. La posture, les gestes et les symboles étaient des stéréotypes dérivés des origines indiennes. Les Chinois semblaient trouver dans le bouddhisme une réponse au problème de la souffrance humaine, une réponse de l’amour et de la prière et un espoir du Nirvana.

Art de la dynastie Tang (618-906)

La Chine a été réunie en 589 de notre ère par un puissant général qui a fondé la dynastie Sui (589-618). Un régime politique et militaire, Art de la dynastie Sui Elle était presque entièrement inspirée du Bouddha et était suivie par la dynastie Tang (618-906) dont le plus grand dirigeant, l’empereur Taizong (T’ai-tsung), étendit l’empire jusqu’en Asie centrale et en Corée et permit à toutes les religions et races de s’épanouir. une atmosphère de tolérance et de curiosité intellectuelle. La capitale, Changan, devint un grand centre cosmopolite, tout comme Guangzhou (Canton) et d’autres ports du sud. Les musulmans, les chrétiens (nestoriens) et les manichéens vivaient et adoraient côte à côte avec les bouddhistes, les taoïstes et les confucianistes. Taizong succéda à son fils et à une concubine habile mais féroce, l’impératrice Wu, qui favorisa le bouddhisme et tomba même sous le charme d’un moine à la Raspoutine. Son successeur, l’empereur confucianiste, Xuanzong (Hsuan-tsung), présida une cour des plus brillantes et fonda l’Académie des lettres. il aimait la musique, la peinture et la poésie, ainsi que les chevaux. La société Tang débordait de vitalité et d’optimisme. Le dynamisme des Tang se fait sentir dans tous les arts. La sculpture en pierre, influencée par le style indien Gupta, présente des formes rondes et gonflées, combinant la chair indienne avec le rythme linéaire chinois.

Le tang fresques de Dunhuang montrent une ligne de pinceau dynamique et la même ampleur de forme dans des couleurs criardes. Les peintures funéraires séculaires sont encore plus vives; ils représentent des hommes puissants et des femmes opulentes vêtus de robes amples et d’apparences théâtrales, affichant un plaisir profond de la vie. Peu de peintures sur soie ou sur papier ont survécu – suffisamment pour témoigner du même amour des couleurs vives et de l’intérêt pour la peinture de paysage qui devait porter ses fruits sous les dynasties successives. C’est à cette époque que l’art de la poésie, intimement lié à la peinture et à la calligraphie, produit ses premiers chefs-d’œuvre, notamment ceux de Bai Juyi (Po-chu-i), de Ling-po et du peintre Wang-wei.

Quant à l’orfèvrerie et aux métaux précieux, en particulier l’argent, elle révèle l’influence de Art persan ancien : un certain nombre d’artistes iraniens, fuyant les conquérants arabes, se sont installés en Chine, mais comme pour toutes les autres influences étrangères, le persan a été absorbé et est devenu indéniablement chinois, en esprit et informé. Quelques-uns des plus beaux exemples de Tang art décoratif doivent être vus dans le trésor Shoso-in du complexe du temple Todai-ji à Nara, au Japon. Les Japonais se tournaient déjà vers la Chine pour trouver leur inspiration.

Remarque: pour voir comment les arts et l’artisanat à la chinoise se répandent en Asie de l’Est, voir: Art coréen (environ 3000 ans avant notre ère).

Développements dans la peinture Tang

chinois peinture de paysage a été revitalisée au début de la dynastie Tang, lorsque les artistes ont commencé à créer des paysages dans un style monochromatique épars – non pas tant pour reproduire la réalité réelle du paysage que pour saisir l’ambiance ou l’atmosphère du lieu. Treize siècles plus tard, Peintres impressionnistes comme Claude Monet utiliserait un raisonnement similaire pour créer un type de paysage totalement différent.

En plus, dessin de la figure mis en scène un retour. Utilisant des couleurs vives et des détails élaborés, des artistes tels que Zhou Fang ont dépeint la splendeur de la vie de la cour Tang dans des peintures de l’empereur, de ses dames du palais et de ses chevaux. Contrairement à la richesse colorée de Zhou Fang, l’artiste des Tang, Wu Daozi, n’utilisait que de l’encre noire et des touches fluides pour produire des peintures à l’encre aussi passionnantes que la foule se rassemblait pour le regarder peindre. Dorénavant, dit-on, les peintures à l’encre ne seraient plus simplement des dessins être rempli de couleur; au lieu de cela, ils étaient considérés comme des œuvres d’art finies.

Poterie Tang et Porcelaine

La poterie contemporaine, et en particulier les figures de tombes ( ming-chi ), nous fournit un aperçu saisissant de la société Tang: les chevaux, que les Tang aimaient tant, les chameaux, les musiciens, les jongleurs, les marchands itinérants, dont beaucoup ont des personnages, des danseuses, des dignitaires et des généraux, des gardiens des tombes et des esprits de la terre; Tous ces témoins de cette époque sont colorés de glaçures riches, polychromes et à écoulement libre – une invention chinoise récente réalisée avec des oxydes de cuivre, de fer et de cobalt, ainsi que les vases et autres vases en grès ou en terre cuite. Ceux-ci sont ronds, magnifiquement réalisés et toujours superbement équilibrés.

À ce moment-là, les Chinois avaient retrouvé et perfectionné une autre de leurs inventions, l’art de fabriquer de la porcelaine (une vaisselle dure et translucide soudée à haute température à l’aide de «pierre chinoise» (pétuntse) et de feldspath). Cet art avait été perdu depuis l’époque de la dynastie Shang (1600-1050 AEC). La porcelaine blanche de la plus haute qualité a été fabriquée à l’époque de Art de la dynastie Tang et il a rapidement trouvé son chemin vers le Japon, la Perse et le Proche-Orient. La Chine n’a jamais autant ouvert ses frontières au commerce extérieur et aux idées étrangères que pendant la période Tang, lorsque la marine marchande était florissante et lorsque les armées chinoises pénétraient dans le Turkestan occidental. Le long de la route de la soie, une succession de royaumes oasis influencés par la Chine assuraient la circulation dans les deux sens d’objets et d’idées entre l’Est et l’Ouest. La Chine a vendu sa porcelaine, ses rouleaux de soie et ses vêtements et, en retour, a importé du cobalt persan, des techniques métallurgiques et des idées stylistiques. Tout cela a cessé en 751 lorsque l’armée chinoise a subi une défaite écrasante à Tallas dans le Turkestan, aux mains des envahisseurs musulmans, qui avaient conquis la Perse et envahi l’Asie centrale. Un lien restait avec le monde extérieur: les ports du sud de la Chine avec leurs grandes colonies de marchands étrangers; mais ceux-ci ont été anéantis par une vague de nationalisme à la fin de la dynastie et la Chine a inauguré une politique d’isolement qui s’est poursuivie.

Art de la dynastie des Song (960-1279)

Après une période de désordre connue sous le nom de période des cinq dynasties (907-60), un général vigoureux a de nouveau réuni la Chine en fondant la dynastie Song. Malgré la menace constante d’invasion, Kaifeng, la nouvelle capitale, est devenue l’un des centres de civilisation les plus raffinés jamais connus, notamment sous le règne du peintre empereur Huizong, entouré d’artistes et qui a acquis une fabuleuse collection de leurs œuvres. Il consacra trop de temps aux arts aux dépens de son armée, car lors d’un raid éclair, les barbares Donghu appelés les Jurchen s’emparèrent du tribunal et détruisirent Kaifeng et toute la collection d’art. L’ensemble du nord de la Chine est tombé aux mains des Jurchen; les survivants de la chanson se sont installés à Hangzhou sur le fleuve Yangtsé, au sud, où ils ont poursuivi leurs activités de culture et de beauté jusqu’à ce qu’ils soient définitivement submergés par l’attaque mongole qui avait déjà réduit l’Asie et menacé l’Europe. L’idéologie dominante à l’ère de Art de la dynastie Song (960-1279) était le néo-confucianisme , un mélange des idées de Confucius et de celles du taoïsme avec une certaine ascèse bouddhiste. Cela allait de pair avec un intérêt renouvelé pour les traditions anciennes de la Chine, les écrits des auteurs classiques et un fort parti pris antiquaire, qui a conduit à la copie des bronzes Shang et Zhou. Le bouddhisme de la persuasion amitabha s’affaiblissait et dégénérait en superstition.

Mais une nouvelle vision spirituelle est apparue sur la scène avec la philosophie dhan (zen japonais) dans laquelle l’homme se réconcilie avec lui-même et la nature à travers un éclair d’intuition momentané. Cette idéologie devait influencer la peinture, la calligraphie et la poterie. Muqi Fachang (Mu-ch’i) était l’un de ses représentants les plus célèbres. La sculpture Song a continué la tradition des Tang, mais avec plus d’élégance et un rythme magistral de lignes fluides, comme on peut le voir dans les représentations du Bodhisattva Kuan-yin, l’esprit de miséricorde qui est devenu pour les Chinois ce que la Vierge est devenue pour de nombreux Européens.

NOTE: Pour une comparaison intéressante avec la sculpture de l’époque Song en Asie du Sud-Est, voir les statues de Bouddhas et de Bodhisattvas au 12ème siècle. Temple d’Angkor Wat Khmer (1115-1145) au Cambodge.

Peinture de chanson

C’est dans les domaines de la peinture et de la poterie que la civilisation de Song a atteint son sommet. Avant la chute de Kaifeng, il existait deux écoles de peinture distinctes: celle des artistes de la cour, des virtuoses qui manifestaient une compétence suprême, mais sans âme, en couleur ou en encre, en soie ou en papier, dont les sujets étaient des fleurs et des animaux, des pousses de bambou et des paysages; et celle des amateurs et des individualistes. Ces fonctionnaires, érudits et poètes ont peint comme une forme d’expression personnelle, aussi bien intellectuelle que spirituelle, un moyen pour l’individu de se réconcilier avec lui-même par la communion avec la nature, en traduisant l’essence d’un paysage, une branche de bambou. ou une libellule. L’expérience était tellement personnelle qu’il y avait cent styles, cent façons de dessiner une feuille, un rocher, un nuage, tout comme il existe cent façons de représenter un personnage, car le coup de pinceau sur de la soie ou du papier ne permettre une hésitation ou une correction; cela procède directement de l’esprit et cela ne peut se faire spontanément sans une profonde contemplation préalable. Les Chinois ont inventé l’art de la peinture de paysage en tant que genre, mais ce n’était jamais purement descriptif, aussi proche de la réalité. C’était un exercice spirituel qui allait au cœur des choses.

En fait, après la calligraphie, le paysage est considéré comme la forme la plus haute de la peinture chinoise. La peinture de paysage classique chinoise aurait été commencée par le célèbre artiste de la dynastie Jin Gu Kaizhi (344-406). Cependant, la période (907-1127) est connue sous le nom de «Grand âge du paysage chinois». Au nord du pays, des artistes chinois tels que Fan Kuan, Guo Xi et Jing Hao ont produit des images de hautes montagnes, en utilisant des lignes noires fortes, un nettoyage à l’encre et des coups de pinceau pointus pour suggérer des pierres brutes. Dans le sud, Ju Ran, Dong Yuan et d’autres ont décrit des collines et des rivières avec des coups de pinceau plus doux et frottés. Ces deux types de sujets et de techniques de plein air ont évolué pour devenir les principaux styles classiques de la peinture de paysage chinoise. Plusieurs nouvelles techniques de peinture sont apparues. Les artistes ont commencé à décrire la profondeur en utilisant des contours flous et un traitement impressionniste des éléments situés au centre et au loin de leur peinture. Dans le même temps, on a mis l’accent sur les qualités émotionnelles / spirituelles de l’image et sur la capacité de l’artiste à afficher l’harmonie entre l’homme et la nature.

Poterie chanson

Ces peintres et poètes étaient aussi de grands amoureux de art céramique , pour un beau vase, comme un morceau de jade, était à la fois un poème et un tableau. Les céramiques ont été conçues pour être utilisées et contemplées. Leur qualité résidait dans l’équilibre entre leur forme, réduite à l’essentiel, et leur glaçure, à travers laquelle ils faisaient appel aux sens visuel et tactile. La richesse de l’artisanat qui sous-tendait leur élégante réticence était une satisfaction pour l’esprit confucéen. Partout en Chine, des fours fonctionnaient avec différentes argiles et glaçures. Parmi les plus célèbres figuraient ceux qui produisaient les articles "craquelés" "kuan" et les rares "ju". La porcelaine, comme le Ting ware blanc crème ou le Ch’ing-pai bleu pâle à la décoration incisée, est au plus près de la perfection.

Art de la dynastie des Yuan (1271-1368)

Les Mongols qui ont envahi la Chine dans les années 1270 et proclamé leur nouvelle dynastie des Yuan ont rapidement adopté la culture chinoise. Nous avons une description de la cour de Kublai Khan écrite par le marchand vénitien, Marco Polo, le premier Européen à avoir visité la Chine (1275). Manque de patronage officiel à l’ère de Art de la dynastie des Yuan de nombreux peintres et calligraphes chinois se sont retirés de la vie publique, où ils ont créé un style d’art plus érudit et spirituel. La période du yuan était particulièrement remarquable pour ses peintres, en particulier les «Quatre grands maîtres» qui se tenaient à l’écart de la cour mongole. Outre les beaux-arts (qui comprenaient également la sculpture bouddhiste), l’ère Yuan est réputée pour ses arts décoratifs, notamment sa porcelaine bleu et blanc sous-glacée, ses vernis et ses jades.

Art de la dynastie Ming (1368-1644)

Les Mongols ont été renversés par une insurrection populaire dirigée par un chef de berger et de guérilla qui a fondé la dynastie Ming, dont la capitale est Nanjing (Nankin), qui a ensuite été transférée à Beijing (Pékin). La cour Ming était aussi prestigieuse que celle des Tang, mais corrompue et paralysée par des conflits internes. La peinture continua comme avant de s’affiner à la fin de la dynastie. Plus de styles de peinture ont émergé, y compris l’école Wu et l’école Zhe. Mais Art de la dynastie Ming est particulièrement célèbre pour sa porcelaine bleue et blanche, où le bleu de cobalt est appliqué sur la pâte sous un vernis transparent. Plus tard, les céramistes ont commencé à utiliser des émaux brillants en trois ou cinq couleurs. (Remarque: émaillage – principalement Émaillage cloisonné – est devenue une spécialité des dynasties Ming et Qing.) Les pièces étaient décorées d’allégories, de symboles taoïstes et bouddhistes et d’une variété de motifs d’oiseaux, de fleurs et de dragons. Beaucoup de chinois architecture cela a survécu aux dates de cette période, mais il manque l’imagination des bâtiments de Song avec leurs avant-toits en porte-à-faux et leurs consoles.

L’art sous les Mandchous et la dynastie Qing (1644-1911)

En 1644, les Mandchous du Nord ont profité des troubles économiques et sociaux en Chine. Ils étaient une course militaire avec une grande admiration pour la culture chinoise. Leurs empereurs étaient des hommes puissants qui administraient le pays d’une main forte jusqu’à la fin du XIXe siècle, mais l’élite chinoise ne se mêla pas longtemps aux Mandchous. Cela nuisait au progrès de la civilisation chinoise, au moment où les Européens devenaient importants en Asie.

Une réaction contre les règles traditionnelles de la peinture s’est produite à l’époque de Art de la dynastie Qing , les peintres dits "individualistes" ont commencé à utiliser un style de pinceau plus souple et plus libre. Cette nouvelle méthode a été encouragée dans les années 1700 et 1800, lorsque de riches clients de centres commerciaux tels que Yangzhou et Shanghai ont commencé à charger des artistes de produire de nouvelles peintures audacieuses.

Mais l’empereur Kangxi et l’empereur Qianlong seront toujours associés à des types de porcelaines connues sous le nom de famille verte et famille rose , plus appréciées des Européens que des Chinois qui préféraient les monochromes subtils. (Note: Famille verte . [Appelé Kangxi de wucai ou Susancai] utilise le rouge vert et le fer avec d’ autres glaçures colorées Famille rose [appelé Fencai ou Ruancai, ce qui signifie «couleurs douces», ou Yangcai, ce qui signifie «couleurs étrangères»] utilisé principalement rose ou pourpre et était très en demande aux 18e et 19e siècles.) Entre l’abdication de Qianlong en 1795 et le 20e siècle, la Chine a continué à produire des objets de qualité, mais l’inspiration a échoué et les formes ont été encombrées de détails décoratifs.

NOTE (1) Mode de décoration pseudo-chinoise, connue sous le nom de Chinoiseries , répartis dans toute l’Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles.

NOTE (2) Voir aussi les deux grands artistes Ukiyo-e de la période Edo au Japon: Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797-1858).

La peinture traditionnelle chinoise a subi de nouvelles pressions à la fin des années 1800 et au début des années 1900, alors que les artistes étaient de plus en plus influencés par l’art occidental, aboutissant à l’introduction de peinture à l’huile sur le continent chinois.

Art chinois du XXe siècle

À la suite de la prise du pouvoir par les communistes en 1949, de nombreuses traditions de l’art chinois ont été qualifiées de réactionnaires. Nouvelles formes de art moderne axé sur la glorification socialiste – comme Réalisme socialiste – est apparu dans la musique, la littérature et les arts visuels. En 1966, la Révolution culturelle a accéléré ce processus. En dépit de ce modernisme politique, les arts traditionnels chinois non seulement continuent à former de jeunes artistes chinois et inspirent d’autres artistes du monde entier, mais se sont combinés à des formes d’art plus expérimentales du XXe siècle pour créer un marché dynamique pour l’art contemporain chinois.

Art contemporain en Chine

L’art contemporain en Chine comprend des œuvres produites après la révolution culturelle (1966-1969). Malgré de courtes périodes de liberté artistique, l’incertitude quant à la définition du contenu et du style "officiellement acceptable" continue de gêner de nombreux artistes en Chine. Récemment, les autorités chinoises se sont montrées plus tolérantes, même si des doutes subsistent. L’art moderne chinois comprend généralement un large éventail de formes d’art, notamment la peinture, la sculpture, le film, la vidéo, la photographie, l’installation et la performance, ainsi que des versions ravivées de la céramique traditionnelle. L’émergence de nouvelles zones commerciales, comme le 798 Art District de Dashanzi à Beijing, s’est révélée utile pour de nombreux artistes. En 2000, la Chine a organisé le festival de la biennale de Shanghai et, en 2003, un certain nombre d’artistes chinois étaient représentés à la biennale de Venise de 2003.

Selon le rapport Artprice , le total des revenus générés par une centaine d’artistes chinois (qui ont généralement grandi dans une Chine post-Mao) en 2003-2004 s’élevait à seulement 860 000 £. De juillet 2007 à juin 2008, la même centaine a vendu des peintures, des sculptures et d’autres œuvres pour un montant de 270 millions de livres sterling. Parmi eux, trois artistes ont chacun réalisé plus de 25 millions de livres sterling. Sans surprise, de nombreuses œuvres d’artistes asiatiques contemporains sont maintenant représentées dans des galeries et des musées du monde entier, et l’éminent collectionneur d’art britannique Charles Saatchi a ouvert sa nouvelle galerie à Chelsea avec une exposition d’artistes chinois contemporains.

En 2006, une peinture de Zhang Xiaogang datant de 1993 représentant des membres de la famille au visage blanc du milieu des années 1960 a été vendue 2, 3 millions de dollars. Parmi les autres transactions artistiques récentes, citons: l’achat du tableau "Toutes les montagnes couvertes de rouge" de 1964 pour 35 millions de dollars HKD; l’achat du chef-d’œuvre de 1939 de Xu Beihong, "Posez votre fouet", pour 72 millions de dollars HKD.

Artistes chinois contemporains célèbres

Parmi le nombre considérable de peintres et de sculpteurs talentueux de la République populaire de Chine, faites attention aux points suivants:

Zhang Xiaogang (b.1958)
Actuellement numéro 5 sur la liste des plus grands artistes contemporains du monde, Zhang Xiaogang – l’un des chefs de file des Chinois Réalisme cynique mouvement – est connu pour ses peintures surréalistes, influencées par Pablo Picasso et Salvador Dali, ainsi que pour sa série de peintures "Bloodline", présentant des portraits monochromes officiels de sujets chinois.

Zeng Fanzhi (b.1964)
Actuellement numéro 6 dans la liste du monde meilleurs artistes contemporains , Zeng Fanzhi est réputé pour ses œuvres figuratives exécutant une combinaison d’expressionnisme et de réalisme, ainsi que pour sa séquence de peintures ironique de Great Man, parmi lesquelles figurent Mao, Karl Marx et Lénine.

Yue Minjun (b.1962)
Actuellement numéro 7 dans la liste des meilleurs artistes contemporains du monde, Yue Minjun est un membre éminent de l’école chinoise "Cynical Realist". Il est connu pour sa série bizarre et distinctive de peintres de Doppelganger.

Wang Guangyi (n ° 1957)
Actuellement numéro 9 dans la liste des meilleurs artistes contemporains du monde, l’artiste de la "pop politique" Wang Guangyi mélange des logos de consommateurs populaires avec le style et l’esthétique des affiches de propagande communiste agitprop. La galerie Saatchi décrit Wang Guangyi en tant qu’artiste de techniques mixtes qui adopte le langage de la guerre froide des années 1960 pour explorer les polémiques contemporaines de la mondialisation.