Art Japonais: Histoire, Types, Styles 1 564 Automatique traduire La modification de cette section n'est pas encore terminée

Voici une brève introduction aux origines, aux influences et au développement historique de cinq types importants d’arts visuels japonais.

Pour l’influence des estampes japonaises Ukiyo-e et d’autres arts décoratifs sur les artistes européens, voir: Le japonisme (1854-1900).

Poterie en céramique Jomon

"Jomon" est le nom donné à poterie ancienne produit au Japon à l’époque de art préhistorique : c’est-à-dire que tous les pots, vases et figurines décoratives en céramique cuits à l’argile ont été fabriqués de 14 500 avant notre ère à environ 100 ans avant notre ère. La culture Jomon commence donc à l’ère de Art Paléolithique et se poursuit tout au long de la période de Art néolithique (10 000-2 000 AEC). En fait, le terme "Jomon" est maintenant utilisé pour désigner toute la période du japonais Art de l’âge de pierre . Pour voir comment la céramique Jomon s’inscrit dans la chronologie de la fabrication de la poterie à travers le monde, voir: Chronologie de la poterie (26 000 avant notre ère – 1900).

Les navires Jomon ont été presque certainement influencés par Poterie chinoise , produit de manière continue depuis Poterie de la grotte de Xianrendong (18 000 AEC) et Poterie Cave Yuchanyan (16 000 AEC). Vers 14 500 avant notre ère, les techniques chinoises se propagèrent de l’autre côté de la frontière en Sibérie, comme en témoigne le début de Poterie du bassin de l’Amour , datant de 14 300 avant notre ère, et probablement aussi traversé la mer du Japon à Honshu. En tout état de cause, nous savons que la poterie japonaise a également commencé à cette époque, comme le montrent les dates au radiocarbone obtenues sur les sites Jomon les plus anciens, à savoir: le site Odaiyamamoto I (Tohoku) (14 540 AEC); Grotte de Fukui (Kyushu) (14 000 ans avant notre ère); et Kamino (Kanto) (13 500 AEC).

Poterie Jomon a évolué en six périodes: Jomon 14500-8000 ACE débutant; Initial Jomon 8000-5000 AEC; Jomon ancien 5000-2500 AEC; Middle Jomon 2500-1500 avant notre ère; Jomon 1500–1000 avant notre ère; Jomon final 1000–100 avant notre ère. Pour voir comment le japonais Art ancien , s’inscrit dans l’évolution des arts et de l’artisanat à travers le monde, voir: Chronologie de l’art préhistorique (à partir de 2, 5 millions AEC).

Early Jomon art céramique a été faite d’argile non raffinée, chauffée à basse température dans des feux de joie en plein air. Les formes des vaisseaux se limitaient à de simples bols et bocaux à base pointue ou ronde, tandis que la décoration se limitait à des marques de corde sur les surfaces extérieures. Cependant, à mesure que le néolithique se développait, la fabrication de la poterie devenait plus raffinée. (Voir également: Art néolithique en Chine : 7500-2000 AEC.) Ainsi, la forme des vaisseaux est devenue plus variée, avec des bases plates et des types de décoration plus ornés. Les techniques de cuisson ont été améliorées et des fours primitifs ont été introduits, tandis que les changements sociaux ont conduit à une demande accrue de nouvelles gammes d’objets en céramique. En temps utile, de nouveaux types de navires ont été créés pour les cérémonies religieuses ou rituelles. Le milieu et la fin de Jomon ont été témoins de la prolifération de figurines en argile "dogu" – une gamme de figures anthropomorphes, y compris d’étranges formes à "yeux masqués" (voir image, à gauche).

Art des temples bouddhistes

Le Japon est un trésor de certains des plus grands du monde sculpture , presque tout bouddhiste, et d’abord fortement dépendant de prototypes de Art chinois . Cependant, au Japon, l’art bouddhiste médiéval est souvent beaucoup mieux préservé qu’en Chine ou en Corée et, en raison du manque d’exemples corrélatifs, il est souvent difficile de décider si art religieux est importé, ou par un Japonais ou par un immigrant.

Avant l’arrivée du bouddhisme, l’histoire japonaise est divisée en trois grandes époques: Jomon (environ 7500-200 AEC), Yayoi (200 AEC – 200) et Tumulus (200 à 600 CE). survit. Les figurines néolithiques de Jomon sont en terre cuite grise et rouge, leurs traits corporels définis avec des crêtes et des incisions peu profondes, de grands yeux ronds donnant une vie abstraite à l’image. La période Tumulus tire son nom des grands tertres funéraires construits par ses souverains, autour desquels de haniva ont été découverts – des cylindres en céramique surmontés de personnages, de femmes, d’animaux et de maisons. Selon un texte ancien, la haniva était un substitut du vivant et un objet réel qui accompagnait autrefois les grands jusque dans la tombe – même si l’archéologie ne l’a pas corroboré.

La première vague d’influence bouddhiste est venue au Japon du royaume de Paekche en Corée; il a été rapporté que le roi de Corée avait envoyé à l’empereur du Japon une image en bronze doré du Bouddha en 538. L’empereur se déclara profondément ému par la profonde doctrine bouddhiste, mais, comme la peste se répandit dans son sillage, ce cadeau fut jeté dans un canal. Cependant, plus d’images, puis d’artistes (dont un maître connu, Tachito, de Chine – voir Sculpture bouddhiste chinoise ), et à la fin du sixième siècle, le prince Shotoku, régent du Japon, accueillait ouvertement le bouddhisme. Le célèbre monastère de Horyu dans la région de Nara a été fondé, entre autres, et des images ont commencé à être produites en grand nombre. Au début, la sculpture bouddhiste était limitée à quelques sujets – Shaka (le Bouddha historique), Yakushi (le Bouddha guérisseur), Miroku (ou Maitreya, le Bouddha du futur), Kwannon ou Kannon (le Bodhisattva de la compassion) et le tuteur rois du nord, est, sud et ouest. Deux trinités bouddhistes (Bouddha entouré de deux Bodhisattvas) en bronze sont enregistrés par la main de Tori, petit-fils de l’immigré Tachito, qui a été récompensé d’un statut social plus élevé. Le style de cette première sculpture japonaise est clairement dérivé d’exemples chinois (comparez, par exemple, ceux de Longmen et de Yungang), souvent importé au Japon par le truchement de la Corée – comme dans "Le Kudam (Paekche) Kannon", traditionnellement attribué à un artiste coréen. Les formes sont quelque peu raides et allongées, lissées dans des surfaces légèrement dégradées marquées d’une calligraphie de plis tombants et d’extrémités de plis gracieuses. (Remarque: pour voir comment les arts et l’artisanat à la chinoise se répandent en Asie de l’Est, voir: Art coréen .)

Pour plus de détails sur l’art bouddhiste chinois ancien, voir: Arts des Six Dynasties (220-589) et Art de la dynastie Sui (589 à 618).

Aux VIIe et VIIIe siècles, bois est devenu un moyen privilégié des sculpteurs japonais. Il a été sculpté et poli en volumes doucement ondulants, formés de contours doux, plus ou moins animés par des motifs linéaires. (Voir également: Sculpture de jade .) L’un des plus beaux exemples de cette période est cependant en bronze, la trinité bouddhiste colossale et autoportante du temple Yakushi à Nara, probablement du début du VIIIe siècle. Les lignes de drapé s’enroulent librement autour du magnifique et imposant Yakushi; les bodhisattvas, aussi, sont charnus, symbolisant l’élégance. De telles images gigantesques, probablement dérivées directement des prototypes chinois Tang, maintenant perdues, ont souvent été commandées pendant la période de Nara (710-84) dans chaque province pour célébrer le passage d’une peste, l’avènement d’un empereur, etc. Celui qui a survécu au temple Todai à Nara est constitué de près de cinq tonnes de métal, même si les personnages sont creux, moulés à la cire perdue. Pour un guide sur les principes esthétiques de l’art oriental, tels que la peinture, la sculpture et de nombreux objets d’artisanat en Chine, voir: Art Chinois Traditionnel: Caractéristiques .

Une autre veine de sculpture, en argile non cuite, apparaît dans les petites figures librement dessinées de disciples en deuil du tableau de la Mort du Bouddha (711) au monastère de Horyu. Chaque disciple est conçu comme un individu distinct. Un réalisme similaire retentit sur le magnifique portrait en laque sèche du moine chinois Ganjin, fondateur du monastère Toshodai et largement vénéré comme un saint au Japon. De Chine, il semble avoir amené avec lui des artistes et une nouvelle vague d’influence. L’immense Kannon du temple Toshadai, d’une hauteur de 5, 5 mètres, avec ses milliers de bras (en fait 953) créant autour du visage calme une fantastique auréole, est également en laque sèche. Alors que le Ganjin initie une nouvelle et puissante tradition de la sculpture de portrait, certainement liée à la tendance chinoise qui a culminé dans les figures individualistes de Luohans, le Kannon révèle un nouveau style pesant et statique, avec un drapé de lourds plis incurvés.

À l’ époque de Heian (784-1185), une secte ésotérique, les bouddhistes Shingon , commença à prospérer. leurs rituels prolongés nécessitaient un grand nombre d’images incorporant un panthéon ramifié de pouvoirs spirituels, chacun possédant des attributs distincts, souvent élaborés de manière fantastique. Au XIe siècle, les sculpteurs ont eu recours à la technique ( yosegi ) consistant à assembler des sections de bois sculpté en irder pour produire des figurations de plus en plus complexes. Les rituels élaborés pratiqués pendant le shogunat de Kamakura (1185-1392) n’étaient plus sous le patronage de l’État, bien que de nombreuses sculptures, de grande taille et de grande qualité, continuent à être réalisées pour eux, avec une invention de plus en plus dynamique et un réalisme persistant. Deux grands sculpteurs sur bois du XIIIe siècle, Unkei et Kaikei , étaient célèbres; leurs statues de divinités gardiennes sont magnifiquement menaçantes.

Les temples bouddhistes étaient garnis non seulement de sculptures, mais aussi de peintures murales avec des bannières brodées, des soies figurées, des manuscrits illustrés, dessins et des parchemins imprimés en bloc. Les particuliers possédaient à la fois des versions miniatures des images des temples et de petits sanctuaires portables, parfois sculptés dans des matériaux précieux.

Peinture à l’encre zen

" Zen " est la prononciation japonaise du chinois " Chan " – la secte bouddhiste fondamentaliste vigoureuse qui a prospéré pour la première fois en Chine à l’époque de Art de la dynastie Tang (618-906). Cela signifiait le rejet des rites et devoirs élaborés du bouddhisme traditionnel pratiqué dans les grands monastères, avec son immense appareil de cérémonie, ses trésors de peintures et de sculptures; Les moines zen cherchaient l’illumination par le biais de leur dévouement personnel, de l’austérité et d’une méditation concentrée, et espéraient l’atteindre au beau milieu du cours ordinaire de leurs activités quotidiennes.

Pendant le shogunat de Kamakura (1185-1332), le bouddhisme zen fut adopté par une grande partie de la classe des guerriers. Les shogunats étaient des dictatures militaires régnant au Japon au nom d’un empereur fantoche, considérés avec ses courtisans par le shogunat comme effacés, frivoles, encombrés de cérémonies. Les shogunats ont favorisé par contraste le bouddhisme zen et la caste et le code des samouraïs ("guerriers") dont l’éthique et les prouesses étaient fondées sur les préceptes du zen. Dans leurs arts martiaux comme épée, arc et lance, la discipline zen, l’entraînement par lequel l’illumination pouvait être atteinte, a joué un rôle important. Les coups du Samouraï devaient être spontanés et immédiats, sans pensée extérieure s’interposant entre besoin et acte. Une qualité similaire a été cultivée dans la peinture à l’encre.

Au XIVe siècle, dans la période Muromachi (1333-1573), la peinture à l’encre – telle qu’elle était pratiquée par les peintres de prêtres zen – dominait les arts au Japon. Art asiatique sur le continent chinois. Il a été fondé sur le peinture à l’encre et au lavis de Song China: l’encre de chine pure ( suzboku ) était le médium principal et ses sujets étaient également tirés du répertoire chinois – avant tout paysages et les saisons, mais aussi des portraits . Son esthétique exigeait une vision directe, une réflexion spontanée de la sensibilité à la Nature – elle était étroitement inspirée des canons chinois, mais réalisée grâce aux techniques de méditation zen. Une série de peintres ont progressivement instauré ce style chinois au Japon, parmi lesquels Shubun (actif au XIVe siècle) et Bunsei (au XVe siècle actif); le plus grand d’entre eux était Sesshu (1420-1506), qui était peut-être le plus grand peintre à l’encre distinctement japonais, bien que lui aussi soit toujours fortement influencé, à l’instar de ses prédécesseurs, par les grands peintres de l’époque de l’art. Art de la dynastie Song (906-1279), y compris le moine zen Muqi , mais aussi par le peintre Ming Dai Jin . Il a été rapporté que Sesshu avait étudié pendant ses études en Chine (1467-68) comme le plus grand peintre à l’encre vivant de la région. En fait, le trait de pinceau de Sesshu était plus dur et plus anguleux que celui des peintres Song, exprimant son expérience de la Nature avec une plus grande liberté et une personnalité plus forte, dominant l’harmonie académique de forme et d’esprit à laquelle aspiraient alors les maîtres chinois. Les générations suivantes d’artistes japonais s’appuieront sans cesse sur son exemple, notamment les peintres de l’école de la famille Kano .

Selon la tradition, le fondateur de l’école de Kano était Kano Masanobu (1434-1530), qui a commencé à peindre dans le style doux de son maître Shubun, puis a développé une expression plus décorative dans des compositions remarquablement claires et équilibrées, notamment dans une immense série. principalement des peintures murales et des sérigraphies de monastères zen. Son fils Kano Motonobu (1476-1559) a consolidé le style de Kano dans des contours forts et lyriques reflétant son admiration pour Sesshu, mais aussi pour les styles des grands maîtres de Song China. Comme son père, il travailla pour les monastères zen et il fit beaucoup pour que l’école de Kano obtienne son statut officiel auprès du shogunat.

Les grands châteaux érigés sur des socles de pierre construits par les nobles pendant le règne des Momoyama Shoguns (1568-1615) en réponse à l’importation de canons offraient d’énormes étendues de murs à peindre – une opportunité à laquelle les artistes de Kano ont répondu avec énergie et imagination. Le grand génie était Kano Eitoku (1543-1590), petit-fils de Motonobu. Il a injecté dans le style de peinture à l’encre discret la riche couleur et la feuille d’or caractéristiques des traditions décoratives séculaires de Yamato-e, et a placé sur ses écrans d’énormes arbres ou rochers, tracés en grandes lignes, contre un fond doré, flou, immatériel. Contexte. Malheureusement, il a peu survécu à la destruction des palais et des châteaux dans lesquels il travaillait. Il y a aussi des écrans décoratifs, atmosphériques et asymétriques, de son contemporain Hasegawa Tohaku (1539-1610), qui est cependant plus connu pour sa peinture monochrome et la subtilité de ses coups de pinceau apparemment décontractés. L’école de Kano a continué à prospérer jusqu’au XVIIIe siècle, perdant peu à peu son inspiration.

Le style strict de la peinture zen a repris vie à la période Edo (1615-1867), époque à laquelle simplicité et franchise ont été réaffirmées par Niten (1584-1645), peintre à l’encre et sabreur Samouraï, dont le travail au pinceau a une qualité rapide et correspondante correspondante.. Le pinceau monochrome vif de Niten était assorti à celui de ses contemporains Sotatsu (d.1643) et Koetsu (1558-1637), qui n’étaient pas seulement des peintres à l’encre (mais pas dans le style zen), mais aussi des artistes décorateurs, qui ont contribué à la renaissance de Yamato-e. La conception du zen n’était plus aussi austère à cette époque; la cérémonie du thé, pratiquée à l’origine par les moines comme un rituel contemplatif, en vint à être cultivée plus comme une esthétique que comme une activité religieuse, et c’est à partir de la période Momoyama et du début de l’ Edo que survivent les plus beaux vaisseaux décorés qui lui sont associés.. Le renouveau du zen a également stimulé le développement du haïku, forme allusive et épigrammatique à 17 syllabes, et de son pendant pictural le haïga , mis au point par la poète-peintre Yosa Buson (1716-1783). Une esthétique très proche a inspiré le tableau pratiqué par les moines zen afin de tester leur intuition intuitive – une version extrême "minimale" du principe qui a toujours guidé la peinture à l’encre japonaise pour qu’elle exprime le plus avec le moins possible.

Pour connaître les dates importantes de l’évolution de la culture est-asiatique, voir: Chronologie de l’art chinois (18 000 AEC – présent).

Yamato-e

Le style essentiellement séculaire de la peinture japonaise appelée yamato-e , "peinture japonaise", est né à l’origine de styles de la dynastie Tang chinoise qui ont pénétré au Japon et ont été assimilés au début du Moyen Âge. C’était à l’origine un style de cour, nettement distinct du tableau, directement inspiré de l’exemple chinois ultérieur, qui dominait art pendant les shogunats de Kamakura et de Muromachi (1185-1573). Son esthétique plus formelle, plus décorative et plus colorée était totalement opposée à la spontanéité, à l’intuition et à l’expression personnelle – généralement monochrome – des peintres à l’encre zen, même si, comme nous l’avons déjà vu, les deux modes interagissaient dans une certaine mesure.

Les premiers portraits de dignitaires de la cour, réalisés par Fujiwara Takanobu (1141-1204), illustrent bien les caractéristiques de Yamato-e, reflétant les conventions extrêmement strictes régissant les relations entre la noblesse médiévale japonaise. Les visages semblent maintenant très stylisés, mettant l’accent sur un design graphique simple, agrémenté de détails décoratifs. À leur époque, cependant, leur réalisme a provoqué un certain scandale.

Les exemples les plus importants de yamato-e sont les rouleaux peints. Au cours de la période de Heian (784-1185), des rouleaux du bouddhisme Tang importés de Chine ont probablement inspiré le développement de longs rouleaux narratifs, emakimono , reflétant les plaisirs sophistiqués et cultivés de la cour impériale. Un groupe des plus anciens et des plus raffinés illustre le célèbre roman de la vie courtoise du onzième siècle de la dame Murasaki , "Le conte de Genji", les scènes alternant avec des passages de texte. Les figures, encadrées à l’encre noire, sont dessinées selon une formule; ce sont leurs robes à la mode qui définissent leur identité et leur statut, plutôt que les visages réduits à des ovales vides, le nez étant représenté par de petits crochets, les yeux par de minuscules tiques noires. Les bâtiments sont généralement sans toit et dans une projection permettant de voir les scènes intérieures.

D’autres manuscrits narratifs de types différents mais d’un style apparenté étaient consacrés à la vie des saints bouddhistes du Japon ou à l’histoire souvent féroce du Japon, vendue parfois de manière satirique, parfois très dramatique. Les rouleaux de Ban Dainagon du XIIe siècle sont peut-être les plus dramatiques. Ils sont remarquables en ce sens que les épisodes successifs sont intégrés dans une représentation continue, reportée dans d’innombrables figures animées, dessinées de manière vivante, atteignant à peine quelques millimètres de hauteur, le long parchemin ayant été déroulé de droite à gauche. Toutes les catégories de personnes, des nobles aux paysans, sont représentées dans une série de gesticulations trépidantes exprimant des émotions violentes.

Le talent de représenter un genre vivant avec une ligne élégante et une couleur décorative devait être mis en pratique et développé vigoureusement à partir de ces premiers prototypes dans une longue série de manuscrits narratifs atteignant pratiquement les temps modernes. La tradition était dominée par l’école de la famille Tosa , établie dans l’environnement conservateur et cérémonieux de la cour impériale sacrée de Kyoto . Les premiers artistes de Tosa cultivaient des techniques raffinées de décoration de surface, avec une coloration riche et beaucoup de feuilles d’or; Au début du shogunat, l’école déclina, mais sa splendeur décorative réintégra le grand public de la peinture japonaise aux XVIe et XVIIe siècles, après avoir été réanimée par Tosa Mitsunobu (1434-1525). À partir de l’exemple de l’école de Tosa, les artistes Koetsu et Sotatsu (célèbres aussi pour leurs expériences en matière de peinture à l’encre, voir ci-dessus) ont développé au début du XVIIe siècle à Kyoto un style coloré, repris par Ogata Korin (1658-1716)., fervent admirateur de Sotatsu. Les écrans et les parchemins superbement élégants de Korin combinent des éléments de l’image traditionnelle de peinture chinoise avec le folklore japonais, présenté dans des conceptions dramatiques et avec un sentiment extraordinaire pour la couleur et la texture. Il a également peint, contrairement à la splendeur formelle de ses œuvres purement décoratives, de vives études naturalistes.

La dernière et remarquable période de yamato-e date du déplacement du shogunat de Kyoto à Edo , Tokyo moderne, en 1615. L’art pour les citoyens d’Edo, une classe urbaine d’un nouveau type prospère, ne relevait pas du cérémonial social. ni d’expression religieuse, mais était purement pour le plaisir. Pour leur délectation, le style réactivé yamato-e a été appliqué à peintures de genre comme celui des écrans Matsuura , peuplé de dames vêtues de magnifiques robes contemporaines. Tel serait le sujet de l’ukiyo-e; et le médium principal des artistes ukiyo-e, l’ imprimé au bloc de bois , a été développé à Edo au XVIIe siècle, notamment par Moronobu (vers 1618-94), qui fut l’un des premiers à utiliser le procédé pour illustration du livre . Moronobu se considérait comme un partisan de la tradition yamato-e et se signait en conséquence. L’art érotique était pratiqué par tous les artistes Edo. Sigimura Jihei (actif à la fin du XVIIe siècle) réalisa de magnifiques gravures de tendance érotique très populaires.

Note: Un autre artisan japonais inventé durant la période Edo est Origami , l’art du pliage de papier.

La gamme d’expression de yamato-e s’étend de la formalité sophistiquée qu’elle était au début aux styles sentimentaux, très opulents et parfois crus; pas le moindre de ses nombreux rejetons était l’art de la peinture à laque. Plusieurs peintres célèbres ont expérimenté la laque, notamment Koetsu et Korin au XVIIe siècle; Laque chinoise avait été faite depuis l’Antiquité et est devenu très populaire au cours de l’ère de Art de la dynastie Ming (1368-1644). Pendant la période Edo, les Japonais développèrent une habileté assez extraordinaire pour peindre de petites tasses et plats en laque, et en particulier des boîtes à médicaments à compartiments appelées inro . Celles-ci étaient attachées à la ceinture du porteur par une cordelette fixée avec un netsuke , une petite sculpture en bois, en ivoire ou une pierre semi-précieuse. Que ce soit en relief ou en rond, les artisans japonais parviennent à créer des effets étonnants et fantastiques dans une boussole miniature de taille remarquable.

Ukiyo-e

Le sujet de l’ ukiyo-e , "des images du monde flottant", est apparu pour la première fois sur des écrans et des rouleaux suspendus, mais a été repris à la fin du XVIIe siècle par des imprimeurs sur bois. Gravures sur bois Ukiyo-e , publiés à la fois comme illustrations de romans et comme images indépendantes, ont été réalisés dans les magasins de spécialistes gravure artisans aux dessins d’artistes, et leur style typiquement calligraphique était déjà inscrit dans les impressions coloriées à la main réalisées par Kaigetsudo Ando (actif entre 1700 et 1414) et ses associés. Dans les images à une seule figure de Kaigetsudo Ando, ​​représentant les beautés célèbres du Yoshiwara , le quartier des maisons closes d’Edo (aujourd’hui Tokyo), l’accent a été mis sur les superbes dessins des kimonos, représentés avec des courbes vives et des angles forts et larges composition dimensionnelle. (Voir également: Gravures sur bois .)

Des laques apparurent vers 1720, dans lesquelles certaines parties du dessin, telles que la ceinture de kimono, étaient peintes à l’encre brillante, tandis que d’autres étaient recouvertes de colle et saupoudrées de poudre métallique – une technique exploitée plus tard dans le siècle par Sharaku. . Suzuki Harunobu (1724-1770) a inventé l’imprimé couleur multi-blocs qui a vu le jour en 1765. Les images de Harunobu tournaient autour d’un type fragile de femme presque enfantine qui trébuchait dans la rue ou se photographiait à la maison love: c’est Harunobu qui a instauré l’humeur prédominante de l’ukiyo-e dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, en tant que vision de la réalité quotidienne investie d’un glamour élégant.

Parmi une multitude d’artistes considérables à l’œuvre pendant la première maturité de la gravure Edo, trois géants, Koryusai , Kiyonaga et Utamaro . Au début, le style de Koryusai (actif de 1765 à 1784) était très proche de celui de son maître Harunobu, mais après la mort de Harunobu, il commença dans les années 1770 à concevoir un nouveau format plus grand (qui devint bientôt la norme pour d’autres artistes) et commença une longue série d’images de courtisanes – beautés du Yoshiwara, debout ou se promenant, seules ou avec des préposés – dont il a présenté les images dans de splendides compositions, utilisant des gerbes de lignes pour définir des cascades de draperies et de grands plis. Il était également très connu dans les compositions d’oiseaux et de plantes et, comme presque tous les autres artistes Edo, il produisit des estampes montrant l’amour en action. Kiyonaga (1752-1815) se spécialise dans les compositions étendues de personnages en contexte architectural ou paysager, ces paysages se distinguant par une perspective aérienne remarquablement subtile. Ses dessins étaient souvent continus sur un certain nombre de feuilles – deux ou trois ou plus -, ce qui permettait à de nombreux récits d’être à la portée de l’imprimé.

Utamaro (1735-1806) est souvent considéré comme le plus grand des imprimeurs d’ukiyo-e. Il a développé un nouveau type de beauté féminine, gros corps, doux mais fort, évoquant des lignes en boucle – et a également utilisé ce type dans ses illustrations de légende et de folklore japonais. Il était fertile en techniques, introduisant des effets traduisant la transparence des tissus et coupant les figures par les limites de la composition – un truc qui devait être admiré et imité par Impressionnistes .

Ces artistes étaient rivalisés à la fin du XVIIIe siècle par une génération plus jeune, y compris le mystérieux Sharaku (actif de 1794 à 1795). On pense qu’il a été acteur de profession dans le théâtre traditionnel Noh ; Il se tourna vers les gravures pendant dix mois en 1794-1795, produisant au moins 136 portraits remarquables d’acteurs de Kabuki. Son dessin énergique et recherché est savouré maintenant, mais ses caractérisations dures ne semblent pas avoir séduit le public à l’époque.

Hokusai (1760-1849) avait au contraire une carrière extrêmement longue: dans ses dernières années, il se faisait signer par le vieil homme fou de dessin et c’était un artiste expérimental, plein d’humour et qui appréciait les singularités de la vie et de l’art. Jusqu’aux environs de 1823, il réalisa des estampes d’acteur et de courtisane relativement classiques et, en 1798, une toute petite série de Views of Edo , ses premiers paysages. Puis entre 1823 et 1829, il trouva la gloire avec ses trente-six vues du mont Fuji (plus tard composées de 46 estampes): aucun autre artiste ukiyo-e ne s’était intéressé aussi directement au drame du paysage, emporté dans une telle design audacieux. Il était extrêmement prolifique, non seulement en gravures, mais aussi en illustrations d’oiseaux et de fleurs, de cartes de vœux illustrées et de dessins (son manga ) recueillis en 1814 en 13 volumes. Voir son mont Fuji par temps clair (c.1829) dans le Musée anglais , Londres.

Hokusai était un artiste majeur, mais aussi une figure de transition reliant le dix-huitième siècle au dix-neuvième. Sous la pression des censeurs, le sujet des empreintes a changé. C’était Hiroshige (1797-1858) qui est devenu le plus grand artiste de paysage. Ses vues, bien que certainement influencées par le style de Hokusai, ont abandonné sa bravoure et étaient pleines d’une atmosphère poétique, avec une observation empreinte de sympathie des gens ordinaires au sujet de leurs activités quotidiennes. Kuniyoshi (1797-1861) développa un tout autre mode, le riche répertoire de légendes du Japon, la guerre des Samouraïs. Dans des ensembles de grands caractères, y compris certains dans triptyque Au format PDF, il a illustré des héros aux prises avec de terribles probabilités et des monstres. Mais le travail de Kuniyoshi et de Hiroshige est variable; L’influence occidentale et le déclin des normes techniques en vigueur érodaient la qualité des estampes japonaises à peu près au même moment où les peintres occidentaux commençaient avidement à les collectionner et à incorporer leurs dessins audacieux et leur couleur superbement décorative dans leur propre travail.

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