Art coréen:
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Traditionnellement, l’art coréen a beaucoup emprunté à l’esthétique de l’art chinois et japonais, en utilisant des concepts, des motifs, des techniques et des formes similaires. Mais malgré ce lien étroit avec les caractéristiques de l’art traditionnel chinois, les artistes coréens ont développé leur propre style au fil des siècles. L’originalité de l’art coréen réside dans sa simplicité et sa spontanéité, ainsi que dans son sens de l’harmonie avec la nature.

L’une des principales caractéristiques de l’art coréen est son étroite association avec le naturalisme, caractéristique de la période des Trois Royaumes (c. 57 BCE-668 CE) mais pleinement établie dans la période Silla (668-935). La pratique consistant à accepter la nature telle qu’elle est a conduit à une appréciation très développée de la simplicité et de l’absence d’embellissement. Par exemple, dans la sculpture sur bois, les sculpteurs coréens privilégiaient la beauté inaltérable du grain naturel du bois. Dans l’art de la céramique, les potiers coréens ne cherchaient pas à atteindre la perfection technique (dans les surfaces, les courbes ou les formes) mais à faire ressortir les caractéristiques naturelles des matériaux et du support.

La simplicité s’appliquait également à l’utilisation de dispositifs et de motifs décoratifs, et l’intervention de la main de l’homme était réduite au minimum. En outre, l’évitement des extrêmes était une caractéristique commune à la plupart des œuvres d’art en Corée. Par exemple, il est rare de trouver des lignes extrêmement droites ou extrêmement courbes. Ainsi, la ligne droite audacieuse d’un bol chinois fabriqué pendant la dynastie des Song (960-1279) devient une courbe modeste dans un récipient coréen de la même période.

En fait, les artistes coréens avaient tendance à éviter toutes les lignes audacieuses, les angles aigus et les plans fortement inclinés, ainsi que les couleurs extrêmes. Il n’est donc pas surprenant que le toit chinois fortement incurvé soit transformé en une version douce dans l’architecture coréenne . En termes d’impact global, l’effet d’une œuvre d’art coréenne est généralement doux et fluide : les lignes sont lisses et une impression d’harmonie intérieure subtile est créée.

Dates importantes dans le développement de l’art et de la culture asiatiques voir : Chronologie Art chinois (18 000 av. J.-C. à nos jours).

Histoire et développement

Culture préhistorique

Des preuves archéologiques suggèrent que des hommes sont arrivés en Corée depuis la Sibérie via la Mandchourie à la fin de l’âge de pierre. La péninsule coréenne contient de nombreuses traces d’art préhistorique et d’artefacts appartenant à la culture paléolithique (jusqu’à 10 000 av. J.-C.). Par exemple, des peintures rupestres de style sibérien aux rayons X ont été découvertes près de la côte sud-est de la Corée, ainsi qu’un certain nombre de pots et d’ustensiles primitifs en argile. La poterie ancienne coréenne s’est améliorée au cours de la période néolithique (vers 10 000-3 000 av. J.-C.), avec l’apparition de récipients à fond plat décorés de motifs en zigzag, puis de poteries festonnées (vers 3 000 av. J.-C.). Ces styles peuvent avoir emprunté des éléments à l’art néolithique de la Chine (vers 7 500-2 000 av. J.-C.), mais il est plus probable qu’ils aient été influencés par les traditions sibériennes. Pour plus de détails chronologiques, voir : Chronologie de l’art de la poterie (26 000 av. J.-C. - 1900).

Voir aussi : L’art de l’âge de pierre ancien : 100 œuvres les plus anciennes .

Des signes plus clairs de l’influence chinoise sur l’art ancien de la péninsule coréenne sont apparus à l’âge du bronze, lorsque la vaisselle peinte coréenne a commencé à être influencée par la culture Xia (vers 2100-1600), l’art de la dynastie Shang (vers 1600-1050), et l’art de la dynastie Zhou (1050-221 av. J.-C.). Cependant, l’influence sibérienne a survécu, notamment sous la forme de poignards en bronze et de miroirs très semblables à ceux utilisés par les peuples scythes de la steppe eurasienne.

La métallurgie coréenne de l’âge du bronze présente également des points communs avec la culture celtique de Hallstatt, qui s’est épanouie en Europe centrale à cette époque (vers 1000 av. J.-C.). La pratique de la sculpture du jade a également commencé à l’âge du bronze. La fabrication de petits jades» en forme de virgule et de tube «à l’aide de pierres telles que le jade, la microcline, le jaspe, etc., a débuté bien plus tôt en Corée du Sud, au cours de la période intermédiaire de la poterie de Mumun (vers 850-550 av. J.-C.), et s’est poursuivie jusqu’à la période des Trois Royaumes. La poterie de Mumun a eu une grande influence sur les céramiques japonaises et Jōmon de cette période.

L’influence de l’art chinois de la dynastie Han (206 av. J.-C. - 220 apr. J.-C.) est devenue évidente au début de l’âge du fer (à partir de 300 av. J.-C.), lorsque la Chine a commencé à établir des colonies dans le nord-ouest de la Corée, vers 108 av. J.-C.. L’une de ces colonies, Nannan, située près de l’actuelle Pyongyang, est devenue un centre de poterie chinoise, ainsi que de sculpture en bronze et de métallurgie, ce qui a conduit à la diffusion de la culture chinoise dans la péninsule.

La période des Trois Royaumes (v. 57 BCE-668 CE)

L’histoire de l’art coréen commence en 57 avant notre ère, début de la période des Trois Royaumes (v. 57 av. J.-C. - 668 av. J.-C.), au cours de laquelle le pays était dirigé par trois monarchies : le royaume de Goguryeo (v. 37 av. J.-C. - 668 av. J.-C.), dont la culture ascétique liée à la Chine du Nord s’épanouissait dans le nord du pays (capitale Pyongyang) ; le royaume de Baekje (Baekje) (v. 18 av. J.-C.) ; et le royaume de Pyeongchang (v. 18 av. J.-C.). Le royaume de Baekje (Baekje) (vers 18 av. J.-C.), basé dans la région de Gongju-Puyo au sud-ouest de la Corée, dont la cour était plus amicale envers la Chine méridionale ; et le royaume de Silla (57 av. J.-C.-668 av. J.-C.), plus éloigné, qui était situé au sud-est de la Corée (capitale Gongju ou Gyeongju), à l’est de la rivière Nakdong.

Les cours Baekje et Silla ont également développé des liens étroits avec le Japon. Par exemple, les souverains Baekje ont été les premiers à introduire l’écriture chinoise au Japon, et les poteries grises de Silla ont été reproduites au Japon sous le nom de poteries Sue de la période Tumulus, ou Kofun.

Un catalyseur important pour le développement des arts visuels pendant la période des Trois Royaumes a été l’introduction du bouddhisme à Goguryeo depuis la Chine vers 372 après JC. La conception architecturale des temples et des pagodes bouddhistes, les arts plastiques, sous forme de statues et de reliefs, y compris la sculpture terakote, le bronze, ainsi que le jade et la sculpture sur ivoire, ont tous bénéficié du nouveau mécénat de l’art religieux. Au sixième siècle, le bouddhisme était devenu la foi nationale et, depuis lors et jusqu’au quinzième siècle, il a fourni presque tous les thèmes les plus importants de l’art coréen.

Dans la sculpture coréenne , le visage du Bouddha est généralement plus rond et plus expressif que dans l’idiome asiatique habituel, et arbore le sourire caractéristique «de Baekje». Ce style s’apparente au modelage sculptural pratiqué dans le sud de la Chine, en particulier sous la dynastie Nan (sud) Liang (502-557), époque à laquelle de nombreux sculpteurs et autres artisans chinois sont censés s’être rendus à Baekje.

La calligraphie est apparue en Corée à l’époque des Trois Royaumes, vers 300-400 de notre ère. - La pratique de la calligraphie s’est développée - peut-être en même temps que le bouddhisme - et s’est intensifiée pendant la période Silla, lorsque Kim Saeng a été reconnu comme le premier maître coréen de la calligraphie.

L’art funéraire était une autre branche importante de l’art coréen de cette période, bien que peu de choses aient survécu. Une exception notable est la tombe du roi Munyong à Kongju, datant du VIe siècle (aujourd’hui site du patrimoine mondial), fouillée en 1971, qui contenait un grand nombre d’objets précieux, y compris de beaux exemples de bijoux, ainsi qu’un ensemble d’œuvres décoratives telles que des peintures et des exemples de laques de style chinois. En fait, les tombes coréennes étaient souvent décorées de peintures murales aujourd’hui en grande partie détruites - généralement exécutées dans de riches couleurs jaune, brun-rouge, vert, violet et noir.

A partir du VIe siècle environ, cette peinture à fresque montre des signes d’amélioration considérable en subissant l’influence de l’art chinois des Six Dynasties (220-618 CE) et de la Dynastie Sui (589-618). La couleur s’intensifie, les thèmes taoïstes sont introduits, remplaçant le style obsolète de la peinture de genre, et l’art du portrait apparaît pour la première fois dans les tombes .

Dans les dernières décennies de la période des Trois Royaumes, la sculpture sur pierre devient populaire dans le royaume de Silla, avec Gongju comme centre de production. L’impulsion a été donnée par l’art de la dynastie Tang (618-906) avec son intérêt caractéristique pour la masse corporelle.

Dans les arts décoratifs, le traitement des métaux précieux s’est particulièrement développé à l’époque des Trois Royaumes, donnant lieu à une large gamme de bijoux en or, bronze doré, argent, jade et verre. Les couronnes et les diadèmes, les boucles d’oreilles, les colliers, les bracelets et les anneaux de doigt sont des pièces typiques.

Le type de poterie coréenne le plus représentatif de la période des Trois Royaumes est la poterie dure, grise et non vernissée fabriquée dans la région de Silla. Les formes prédominantes des récipients sont les cruches et les gobelets à charnière. Les épaules de ces cruches en poterie grise sont généralement décorées d’une variété de figures humaines et animales. Au septième siècle, à Baekje, un certain nombre de tuiles d’argile avec des représentations de paysages en relief sont apparues, ce qui a été un précurseur de l’apparition de la peinture de paysage dans la péninsule coréenne .

La période Silla (668-935)

En 668, les royaumes de Baekje et de Goguryeo sont conquis par le souverain de Silla en alliance avec les Tang chinois. C’est le début de près de trois siècles de culture Silla, l’âge d’or de l’art coréen ancien. Des érudits et des moines bouddhistes se rendent en Chine pour goûter à sa culture cosmopolite et enivrante, et la ville de Gongju s’inspire de la capitale des Tang, Changgang. Désormais, le sud-est de la Corée devient le centre culturel du pays, tandis que les territoires du nord déclinent.

Le bouddhisme a connu une renaissance sous le règne de Silla, avec la construction de plusieurs temples de grande qualité dans la province de Gyeongsang. Parmi les autres réalisations architecturales, on peut citer l’utilisation intensive du granit. Les pagodes coréennes en granit, par exemple, contrastent fortement avec les pagodes en bois du Japon et les pagodes en briques de la Chine. Les bronziers ont produit un grand nombre de cloches de temple, ainsi que des récipients spéciaux pour les cendres sacrées du Bouddha Shakyamuni (boîtes à sharira) et des statues bouddhistes. À la fin du IXe siècle, les réserves de bronze étant presque épuisées, de nombreuses statues ont commencé à être fabriquées en fer.

La période Silla marque l’apogée du naturalisme coréen en matière de sculpture. D’abord fortement influencée par le style lourd des Tang, elle commence à prendre une apparence naturaliste plus douce au VIIIe siècle, comme en témoignent l’Amitabha et le Maitreya debout (vers 721) du temple de Kamsan et le corps massif mais gracieux et le visage rond et calme du principal bouddha monumental du temple troglodyte de Seokguram. Les bodhisattvas coréens ont également été inspirés par les figures Tang, comme les sculptures du temple Baojing à Xi’an, en Chine (vers 703). Dès les années 770, cependant, la sculpture de Silla avait déjà commencé à se détériorer, un processus qui s’est accéléré au début du IXe siècle en raison du déclin général du royaume de Silla lui-même.

Dans le domaine des arts décoratifs et de l’artisanat, la poterie de Silla se caractérise par des urnes, qui se distinguent par une glaçure au plomb vert jaunâtre et sont décorées de motifs floraux estampés. En outre, des tuiles en argile pour les toits et les sols, décorées de fleurs de lotus et d’autres motifs floraux, ont été commandées pour les temples et les palais bouddhistes. Les cloches en bronze étaient une autre spécialité de Silla, comme en témoigne l’énorme cloche en bronze du roi Songdok (771, musée national de Gongju) coulée pour le temple de Pondok. Des sanctuaires miniatures en bronze étaient également fabriqués pour les temples bouddhistes.

La dynastie Goryeo (918-1392)

C’est sous la dynastie Goryeo que la Corée est connue du monde occidental ; le nom moderne du pays est dérivé du nom «Goryeo». Le fondateur de Goryeo, Wang Kyung (918-943), établit une nouvelle capitale à Kaesong, dans l’actuelle Corée du Nord. Sa politique d’expansion vers le nord a entraîné des conflits sur la frontière septentrionale. Malgré les attaques successives des tribus nordiques de Mandchourie, les échanges culturels avec la dynastie chinoise des Song se sont développés au début de la période Goryeo, marquant profondément l’art et l’artisanat de Goryeo.

Le XIIe siècle est une période de paix et de prospérité pour la Corée. C’est à cette époque que les meilleures poteries céladon ont été fabriquées. Les céladons glacés de Goryeo, de style classique et de couleur jade, étaient particulièrement populaires en Chine, à l’époque de la dynastie Song, où ils étaient connus comme «les premiers sous le ciel». Les céladons de Goryeo se caractérisent par leur décoration sanggam incrustée unique.

Un oreiller en céladon dur de la période Goryeo (vers 1150), aujourd’hui conservé au British Museum de Londres, est typique de ceux fabriqués pour l’aristocratie et les moines bouddhistes. Utilisé pour dormir la nuit, cet oreiller était souvent enterré avec son propriétaire après sa mort. Décoré de fines incrustations de sanggam, le spécimen du British Museum présente un motif ajouré basé sur des chaînes de connexion. L’incrustation de différents types de matériaux était largement utilisée pendant la période Goryeo, non seulement sur la vaisselle, mais aussi sur la laque et le métal. On trouve des incrustations dans les œuvres d’art les plus raffinées de la période Goryeo.

Si de nombreux exemples de l’art décoratif de Goryeo ont survécu, il ne reste que peu de choses de la peinture profane de la dynastie. Yi Nyong (actif sous le règne d’Injong, 1122-1146) était un peintre renommé, et son travail a été hautement loué par l’empereur Huizong de la dynastie Song. Un passe-temps érudit à la mode de la période Goryeo consistait à créer des peintures à l’encre et au lavis des soi-disant «quatre gentilshommes» - bambou, fleur de prunier, orchidée et chrysanthème.

Un coup d’État a eu lieu en 1170, après quoi les militaires ont conservé le pouvoir pendant près d’un siècle, jusqu’à ce que les invasions mongoles (1231-59) restaurent le pouvoir politique de la cour. En 1259, le souverain de Goryeo signe un traité de paix avec les Mongols, qui sont bientôt officiellement gouvernés par la dynastie Yuan sous la direction de Khubilai Khan (1215-1294). Pour la première fois, la péninsule coréenne (ainsi que la Chine elle-même) était sous le contrôle d’une nation étrangère.

La mongolisation à grande échelle de la cour de Goryeo est lancée : les princes héritiers de Goryeo sont contraints de vivre dans la capitale des Yuan jusqu’à ce qu’ils deviennent rois et d’épouser des princesses mongoles ; les gens sont obligés de prendre des noms mongols, de parler la langue mongole et d’adopter des vêtements et des coiffures mongols. Comme en Chine, l’art de la dynastie Yuan n’était pas réputé pour son intérêt ou son encouragement à la culture coréenne indigène.

C’est sous les Mongols que le néo-confucianisme a été introduit en Corée depuis la Chine. Des artistes chinois sont invités en Corée, et de nombreux exemples exquis d’art bouddhiste sont produits durant cette période. À la demande de la cour chinoise de la dynastie Yuan, des scribes érudits et des artistes de Goryeo se rendirent en Chine, apportant avec eux des sutras enluminés, comme le manuscrit enluminé «du Sutra de l’Avatamsaka» (Hwaomgyeong) (XIVe siècle, Cleveland Museum of Art). Le frontispice brossé à l’or de ce texte sacré en plusieurs volumes représente une cour de temple devant laquelle se tient un groupe de personnages. Le plus grand d’entre eux, le Bouddha du futur (Maitreya), s’adresse à un pèlerin agenouillé qui l’interroge sur la voie de l’éveil spirituel. L’ensemble du texte du sutra est écrit à la peinture argentée.

Les manuscrits enluminés de Goryeo, ainsi que les peintures bouddhiques, étaient utilisés comme offrandes et appréciés en Chine pour leurs qualités esthétiques et religieuses. Ces manuscrits étaient également très appréciés dans le Japon de Muromachi, où un grand nombre d’œuvres de Goryeo sont conservées dans les temples bouddhistes.

Au cours de cette période, le bouddhisme a été accepté comme religion d’État. Le nombre de temples bouddhistes augmente et tous les aspects de l’art bouddhiste s’épanouissent. Le désir de promouvoir le bouddhisme a en fait conduit au développement de l’impression de livres en Corée. Par exemple, au début du treizième siècle, des caractères métalliques mobiles ont été inventés pour faciliter la distribution des textes. Le «Jikji» («Anthologie des enseignements zen des grands prêtres bouddhistes») est le plus ancien livre imprimé sur métal qui subsiste au monde. - Contient les principes fondamentaux du bouddhisme zen.

Entre-temps, l’ensemble du codex bouddhiste a été gravé sur plus de 80 000 blocs de bois connus sous le nom de «Tripitaka Koreana». Vers la fin de la dynastie Goryeo, cependant, le bouddhisme a commencé à perdre son pouvoir en tant que doctrine officielle de l’État. La corruption et le déclin du bouddhisme au cours de la dernière période de Goryeo ont contribué à la chute de la dynastie Goryeo elle-même.

La dynastie Joseon (1392-1910)

Les souverains Joseon abandonnent le bouddhisme de Goryeo et adoptent le néo-confucianisme comme idéologie officielle de la Corée. Pour accélérer le déclin de la pensée bouddhiste et transformer le pays en une société néoconfucianiste, le roi fondateur de Joseon, Yi Songgyo (1335-1408), et ses conseillers néoconfucianistes ont annoncé une série de mesures anti-bouddhistes visant à réduire la richesse et l’influence des monastères bouddhistes ainsi que des clans familiaux aristocratiques qui contrôlaient encore les affaires de l’État. Tout cela a conduit à l’émergence d’une nouvelle classe d’élite, les lettrés néoconfucéens, qui ont pris le contrôle de la bureaucratie au pouvoir.

La dynastie Joseon a fait revivre les traditions culturelles originelles de la Corée tout en maintenant la Chine des Ming et sa place au centre de la civilisation confucéenne . La Corée de l’époque Joseon s’inspire des sources classiques chinoises et le paysage devient un genre majeur de la peinture .

Ahn Kyung (actif de 1440 à 1470), peintre officiel de la cour de Joseon, est le peintre le plus important de Corée au XVe siècle. Il a adopté les modèles chinois classiques de l’époque Song, mais a créé un style et une vision esthétique distinctement Joseon. Son approche de la peinture de paysage a influencé de nombreux autres artistes coréens au cours de sa vie. Dans son tableau «Voyage de rêve au pays des fleurs de pêcher (1447, Bibliothèque de l’Université Tenri, Nara, Japon), peint à l’encre et en couleur sur un rouleau de soie, Ahn Kyung a utilisé des zones claires et sombres fortement contrastées et un coup de pinceau vigoureux pour dépeindre un rêve que lui a raconté son mécène, le prince Anpyeong. Le beau pays des fleurs de pêcher est visible sur le côté droit de la peinture, entouré d’un anneau de pics déchiquetés. An Gyeong a non seulement compris et pratiqué les traditions de la peinture chinoise, mais il les a également interprétées avec un regard neuf.

En plus de créer des œuvres imaginatives de ce type, les artistes de la cour devaient peindre des portraits de membres de la famille royale et de fonctionnaires, ainsi que des comptes rendus picturaux des cérémonies de la cour. De nombreux lettrés et fonctionnaires coréens étaient eux-mêmes des artistes, spécialisés dans la calligraphie et les arts connexes de la peinture à l’encre et au pinceau, deux des beaux-arts les plus prestigieux et donc les plus adaptés à la classe des lettrés.

La suppression du bouddhisme a eu pour conséquence que l’art religieux a décliné en volume et en qualité, bien que les idées bouddhistes soient restées une force culturelle puissante, en particulier parmi les classes inférieures. L’iconographie bouddhiste se reflète également dans l’art populaire coréen, ou minhwa, un style de peinture naïf représentant des figures mythiques et des symboles joyeux tels que des cerfs, des tigres et des grues. À partir du XVIIe siècle, les œuvres minhwa ont été produites en grande quantité pour satisfaire l’appétit du public pour ce type d’images. Les artistes du Minhwa étaient généralement des gens ordinaires qui parcouraient le pays pour peindre des tableaux destinés à commémorer un événement de la vie.

Dans le domaine de la céramique, le genre le plus prisé de la période Joseon - période qui coïncide avec l’art de la dynastie Ming était la porcelaine blanche, considérée comme l’incarnation des idéaux néo-confucéens de pureté et d’économie. Au début de la dynastie Joseon, cependant, la production de grès buncheon s’est développée en parallèle. Le buncheon (à l’origine «bunjang chocheon sagi», un grès décoré de poudre gris-vert) se reconnaît à la couleur de la glaçure, qui va du gris-vert au bleu. Les céramistes utilisant la technique du sgraffito (grattage) appliquaient d’abord une barbotine blanche sur la surface de la pâte d’argile et y gravaient ensuite un dessin. Les traces restantes de l’engobe étaient ensuite enlevées, mettant à nu le corps de la céramique ; la pièce était émaillée puis cuite. Le style Buncheon a disparu après le XVIe siècle, les potiers de Joseon s’étant intéressés à la porcelaine chinoise , en particulier à la porcelaine Ming

Pour en savoir plus sur les arts et l’artisanat produits en Inde sous la dynastie Joseon, voir Peinture indienne postclassique (14e-16e siècle), Peinture moghole (16e-19e siècle), et Peinture rajpoute (16e-19e siècle).

A la fin du XVIIe siècle, l’identité émergente de la Corée en tant qu’État indépendant commence à se refléter dans son art.

Au XVIIIe siècle, la réalisation la plus remarquable de la peinture coréenne a été le développement du jingyeong sansu (paysage d’apparence réelle). Au lieu de peindre des paysages idéalisés dans le style chinois, des artistes coréens comme Jeongseon (1676-1759) ont représenté des paysages coréens, comme en témoigne son chef-d’œuvre intitulé «Wide View of Diamond Mountains» (1734, Lium, Samsung Museum of Art, Corée du Sud).

Les Coréens de Joseon percevaient la Chine de l’ère Ming (1368-1644) comme le centre légitime de la civilisation confucéenne, l’élite Joseon connaissait les classiques chinois et les artistes peignaient des paysages idéalisés d’après des modèles chinois. Cependant, tout a changé lorsque la Chine est tombée aux mains de la dynastie mandchoue des Qing en 1644. Dès lors, la Corée de Joseon a commencé à se considérer comme la gardienne de la civilisation confucéenne, et la terre et le peuple coréens sont devenus la préoccupation de nombreux érudits. C’est dans ce contexte que Choson a produit cet ouvrage.

Une autre tendance importante est la création de peintures de genre avec des représentations humoristiques de la vie, comme «Le battage du riz» (1780), dans lequel Gim Hondo (1745-1806) dépeint un fermier paresseux, fumant la pipe, observant des paysans qui travaillent dur. Ces œuvres plaisaient à la classe moyenne coréenne en plein essor. La peinture Gim «Seodan (École de village)» (fin du XVIIIe siècle, Musée national de Corée, Séoul) représente un professeur confucéen et ses élèves. La peinture est typique de son genre en ce sens que l’artiste se concentre sur les visages et leurs expressions, laissant l’arrière-plan vide.

Au cours de la dernière phase, la société Joseon a adhéré moins strictement aux vertus confucéennes de la première période et a connu une plus grande prospérité. L’utilisation somptueuse du pigment colorant bleu de cobalt devient à la mode, et la production de porcelaine coréenne bleue et blanche est florissante.

La prospérité croissante de la classe moyenne a entraîné un goût pour le luxe dans les arts appliqués, et les laques incrustées de nacre dans des motifs élaborés sont devenues populaires. Malheureusement, bien que la vie culturelle coréenne ait été florissante tout au long du XIXe siècle, le pays a été confronté à des rébellions internes et à des agressions étrangères. En 1910, la dynastie Joseon s’est finalement effondrée après l’invasion de la Corée par l’Empire japonais dans le cadre de sa politique expansionniste.

Période moderne

Au début de l’invasion japonaise, la peinture traditionnelle coréenne est dirigée par Cho Seok-chin (1853-1920) et Ahn Chun-sik (1861-1919). Cho était le dernier des peintres de la cour de l’ère Joseon, et Ahn était le dernier artiste érudit. Mais tous deux pratiquaient le style méridional de l’art de la dynastie Qing, qui mettait l’accent sur la technique des doigts.

Il est important de comprendre que les occupants japonais de la Corée ont délibérément tenté de supprimer l’art indigène en Corée en détruisant les peintures à sujets coréens, en fermant les écoles d’art coréennes et en forçant les quelques artistes restants à peindre des sujets japonais dans le style japonais. L’intention était de transformer l’art coréen en art japonais.

L’art coréen traditionnel

En 1911, l’ancienne famille impériale coréenne fonde une académie de peinture pour promouvoir le style traditionnel qui, malgré sa fermeture en 1919, a formé un certain nombre d’artistes importants.

Dans les années 1930, le style de la peinture coréenne commence à changer sous l’influence japonaise et européenne. En 1922, par exemple, les Japonais ont créé une exposition annuelle de peinture pour les artistes coréens afin de promouvoir un nouveau «type japonais de peinture académique». À cette époque, les seuls outils modernes pour l’étude de la peinture étaient contrôlés par les Japonais. Ainsi, malgré la résistance des traditionalistes coréens, la tradition japonaise est dominante. Parmi les artistes notables de cette période, on peut citer Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-bom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyung Kwang-sik (1899-1976), et Noh Soo-hyun (1899-1978).

Après la Seconde Guerre mondiale, la peinture traditionnelle a pris des formes d’expression plus modernes, comme en témoignent les œuvres d’artistes radicaux tels que Kim Ki-chang, sa femme Park Nae-hyun et Park No-soo. Tous ces artistes maîtrisaient les techniques traditionnelles telles que la peinture à la plume et à l’encre, la peinture à l’encre et au lavis et l’aquarelle . Leurs peintures démontrent un sens sûr de la composition et de la couleur, et ont la qualité d’un véritable art abstrait .

L’art coréen de style occidental

En ce qui concerne l’art de style occidental, la principale tradition de peinture à l’huile coréenne pendant l’occupation japonaise était une école de beaux-arts enracinée dans l’impressionnisme . Parmi les meilleurs artistes de cette catégorie figurent Yi Jong-woo, To Sang-bong (1902-1977), Kim In-sun (1911-2001) et Park Tuk-sun.

Outre le nouveau médium qu’est l’huile, l’art occidental a introduit à la Renaissance le concept de représentation réaliste avec illusion tridimensionnelle et perspective linéaire, ainsi que l’idée de l’art comme une profession à exercer à plein temps et non comme un simple passe-temps de gentlemen. Cependant, comme nous l’avons vu, presque tous ces changements ont été introduits pendant l’occupation japonaise de 1910 à 1945, tout l’art moderne coréen de cette période étant réfracté par le Japon.

Ce dualisme entre peinture traditionnelle et peinture occidentale persiste après la guerre : la peinture de style occidental est pratiquée par des artistes formés au Japon comme Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) et Kim Hwan-ki (1913-1974) ; la peinture traditionnelle de style oriental est pratiquée par des artistes comme Lee Sang-bom et Kim Eun-ho (1892-1979), qui utilisent soit de l’encre traditionnelle, soit de l’encre de couleur.

Au milieu des années 1950, un groupe de jeunes artistes progressistes a formé un mouvement appelé Informel (en l’honneur du style européen de l’Art Informel) qui a promu un style occidental d’art abstrait, qui avait ses origines dans l’Expressionnisme abstrait en Amérique. En revanche, l’art monochrome des années 1970 était une tentative de recréer l’art coréen authentique, utilisant la surface plane de la toile comme base fondamentale pour exprimer une harmonie passive, calme et méditative.

Dans les années 1980, les artistes appartenant au mouvement Minjung Misul (art populaire) ont commencé à explorer des thèmes sociaux et ont été associés aux protestations politiques de cette décennie. Un autre représentant important de l’art coréen contemporain est le vidéaste Nam Jun Baek (1932-2006). Après avoir quitté la Corée pendant la guerre civile coréenne, il a commencé à s’engager dans l’art de la performance, puis est passé à la vidéo et à l’installation.

Ressources complémentaires

Pour plus d’informations sur les arts et l’artisanat d’Asie de l’Est, voir :

Armée chinoise en terre cuite (ca. 208 BC)
Inde : peinture et sculpture
Gravures sur bois Ukiyo-e (ca. 1670-1900)

ÉVOLUTION DE L’ART
Pour les dates des autres cultures primitives, voir : Chronologie de l’art préhistorique . Pour les dates ultérieures et la chronologie : Chronologie de l’histoire de l’art . Sur les mouvements et les périodes : Histoire de l’art .