Art coréen: caractéristiques, histoire, développement Automatique traduire

Les caractéristiques

Traditionnellement, l’art coréen a beaucoup emprunté à la esthétique des deux Art chinois et Art japonais , en utilisant des concepts, motifs, techniques et formes similaires. Mais malgré cette association étroite avec le caractéristiques de l’art traditionnel chinois , Les artistes coréens ont développé au cours des siècles un style distinctif. Le caractère unique de l’art coréen réside dans sa simplicité discrète et sa spontanéité, associées à un sentiment d’harmonie avec la nature.

L’une des principales caractéristiques de l’art coréen est son association étroite avec naturalisme , caractéristique déjà perceptible à l’époque de la période des Trois Royaumes (environ 57 avant notre ère – 668 de notre ère), mais pleinement établie par la période Silla (668-935). La pratique d’accepter la nature telle qu’elle est conduit à une appréciation très développée des simples et des sans fioritures. Dans Sculpture sur bois par exemple, les sculpteurs coréens ont privilégié la beauté inaltérée du grain naturel du bois. Dans art céramique , le potier coréen ne souhaitait pas atteindre la perfection technique (sur ses surfaces, ses courbes ou ses formes), mais bien faire ressortir les caractéristiques naturelles de ses matériaux et de son médium.

La simplicité s’applique également à l’utilisation de dispositifs et de motifs décoratifs et l’intervention de la main humaine est réduite au minimum. En outre, l’évitement des extrêmes a été une caractéristique courante de la plupart des types d’art en Corée. Par exemple, les lignes avec une extrême rectitude ou des courbes extrêmes sont rarement vues. Ainsi, la ligne droite audacieuse d’un bol chinois fabriqué à l’époque de Art de la dynastie Song (960-1279) devient une courbe modeste sur un navire coréen de la même période. En fait, les artistes coréens ont tendance à fuir les lignes audacieuses, les angles aigus, les plans inclinés, ainsi que les couleurs extrêmes. Sans surprise donc, en coréen architecture , le toit chinois fortement incurvé devient une variante en pente douce. En termes d’impact global, l’effet d’une pièce d’art coréen est généralement doux et moelleux: les lignes sont fluides et l’impression est celle d’une subtile harmonie intérieure. Pour les dates importantes dans l’évolution de Art asiatique et culture, voir: Chronologie de l’art chinois (18 000 AEC – présent).

Histoire et développement

Culture préhistorique

Les preuves archéologiques indiquent que des personnes sont arrivées en Corée de Sibérie, via la Mandchourie, à la fin de l’âge de pierre. La péninsule coréenne contient de nombreuses traces de art préhistorique et des artefacts datant de Culture paléolithique (avant 10 000 ans avant notre ère). Rayon X Sibérien art rupestre , par exemple, a été trouvé près de la côte sud-est de la Corée, avec une gamme de pots et d’ustensiles en argile primitifs. coréen poterie ancienne amélioré pendant l’ère de Art néolithique (environ 10.000 à 3.000 ans av. J.-C.) avec la création de vases à fond plat décorés de motifs en zigzag, suivis de poteries à motifs en peigne (environ 3 000 avant notre ère). Ces styles peuvent avoir emprunté des éléments de Art néolithique en Chine (environ 7 500-2 000 ans avant notre ère), mais sont plus susceptibles d’avoir été influencés par les traditions sibériennes. Pour plus de détails chronologiques, voir: Chronologie de la poterie (26 000 avant notre ère-1900).

Voir également: Art de l’âge de pierre le plus ancien: Les 100 premières œuvres .

Des signes plus clairs de l’impact de la Chine sur Art ancien dans la péninsule coréenne a émergé à l’âge du bronze, les marchandises peintes coréennes commençant à tomber sous l’influence de Culture Xia (c.2100-1600), Art de la dynastie Shang (1600-1050) et Art de la dynastie Zhou (1050-221 AEC). L’influence de la Sibérie demeura toutefois, notamment sous la forme de dagues et de miroirs en bronze très similaires à ceux utilisés par les peuples scythes de la steppe eurasienne. Le travail du métal coréen de l’âge du bronze partageait également certaines caractéristiques avec Hallstatt culture celtique qui a fleuri en Europe centrale pendant cette période (environ 1000 ans avant notre ère). La pratique du début sculpture de jade a également commencé pendant l’âge du bronze. La fabrication de petits "jades" tubulaires en forme de virgule et de pierres utilisant des pierres comme le jade, le microcline, le jaspe, etc., en Corée du Sud, a débuté beaucoup plus tôt – dans la période de la poterie Middle Mumun (environ 850-1550 avant notre ère) – et était a continué plus tard pendant les Trois Royaumes. Note: La céramique Mumun a eu une influence importante sur le japonais Poterie Jomon de la période.

L’influence de Art de la dynastie chinoise Han (206 avant notre ère – 220 après J.-C.) est devenu indéniable au début de l’âge du fer (environ 300 ans avant notre ère), lorsque la Chine commença à créer des colonies dans le nord-ouest de la Corée, vers 108 ans avant notre ère. Une de ces colonies, Nangnang – près de Pyongyang actuelle – est devenue un centre de Poterie chinoise , aussi bien que sculpture en bronze et la métallurgie, entraînant la propagation de la culture chinoise à travers la péninsule.

Période des Trois Royaumes (c.57 avant notre ère – 668 de notre ère)

L’art coréen au cours de l’histoire enregistrée date de 57 av. J.-C., début de la période des Trois Royaumes (environ 57 av. J.-C. – 668 de notre ère), durant laquelle le pays était gouverné par trois monarchies: le royaume de Goguryeo (Koguryo) (environ 37 avant notre ère). CE) une culture austère liée au nord de la Chine, qui a prospéré dans le nord du pays (capitale Pyongyang); le royaume de Baekje (Paekche) (environ 18 avant notre ère – 660 de notre ère), basé dans la région de Kongju-Puyo, dans le sud-ouest de la Corée, dont la cour était plus amicale avec le sud de la Chine; et le royaume le plus éloigné de Silla (57 AEC – 668 EC), qui était basé dans le sud-est de la Corée (capitale Gongju [Kyongju]), à l’est de la rivière Naktong. Les tribunaux de Baekje et de Silla ont également développé des liens étroits avec le Japon. Les souverains Baekje, par exemple, ont été les premiers à introduire l’écriture chinoise au Japon, alors que le grès gris Silla a été reproduit au Japon sous le nom de poterie Sue de la période des Tumulus, ou Kofun.

Un catalyseur important pour le développement de l’art visuel au cours de la période des Trois Royaumes, l’introduction du bouddhisme dans la Chine à Goguryeo, vers 372 de notre ère. Conception architecturale, sous la forme de temples et de pagodes bouddhistes; Art plastique , à la fois statue -formulaire et reliefs, y compris sculpture en terre cuite , bronzes, ainsi que jades et sculpture sur ivoire ; tous ont bénéficié du nouveau patronage de l’art religieux. Au 6ème siècle, le bouddhisme était devenu la religion nationale et, de là au 15ème siècle, il abordait presque tous les thèmes les plus importants de l’art coréen.

En coréen sculpture , le visage du Bouddha a tendance à être plus rond et plus expressif que l’idiome asiatique habituel, et porte le distinctif "sourire de Baekje". Le style rappelle le modelage sculptural pratiqué dans le sud de la Chine, en particulier sous la dynastie Nan (Sud) Liang (502–557), à une époque où de nombreux sculpteurs chinois et autres artisans se seraient rendus à Baekje.

Calligraphie a été introduit pour la première fois en Corée pendant la période des Trois Royaumes, vers 300-400, probablement avec le bouddhisme, et s’est renforcé au cours de la période Silla, lorsque Kim Saeng a été reconnu comme le premier maître calligraphique coréen.

L’art des tombes était une autre branche importante de l’art coréen de l’époque, bien que très peu ait survécu. Une exception notable est la tombe du roi Munyong du 6ème siècle à Kongju (aujourd’hui site du patrimoine mondial), fouillée en 1971, qui contenait un énorme trésor d’objets précieux, dont de magnifiques exemples de orfèvrerie , ainsi qu’une masse d’œuvres décoratives, telles que des peintures et des exemples de laque dans le style chinois. Les tombes coréennes étaient en fait fréquemment décorées de peinture murale – maintenant en grande partie détruite – généralement exécutée dans des couleurs riches jaune, rouge brunâtre, vert, violet et noir.

À partir du sixième siècle environ, cette fresque a montré des signes d’amélioration considérable car il est tombé sous l’influence de la Chine arts des six dynasties (220-618 CE), et Art de la dynastie Sui (589 à 618). La couleur s’intensifie, des thèmes taoïstes sont introduits pour remplacer le style dépassé de peinture de genre , et portrait d’art est également vu dans les tombes pour la première fois.

Au cours des dernières décennies de la période des trois royaumes, sculpture en pierre est devenu populaire dans le royaume de Silla, avec Gongju comme centre de production. L’impulsion pour cela provient de Art de la dynastie Tang (618-906) et son intérêt particulier pour la masse corporelle.

Dans art décoratif , les métaux précieux ont été particulièrement développés pendant les Trois Royaumes, produisant une large gamme de bijoux art en or, bronze doré, argent, jade et verre. Les articles typiques comprennent les couronnes et les diadèmes, les boucles d’oreilles, les colliers, les bracelets et les bagues.

Le type le plus représentatif de poterie coréenne produite pendant les Trois Royaumes est le grès dur, gris et non émaillé, fabriqué à Silla. Les formes de vaisseaux prédominants comprennent les pots et les tasses montées. Les épaules de ces pots gris sont ornées de nombreuses figures humaines et animales. À Baekje, un certain nombre de tuiles en argile marquées de reliefs de paysages sont apparues au 7ème siècle, annonçant l’arrivée de peinture de paysage sur la péninsule coréenne.

Période Silla (668-935)

En 668, les royaumes Baekje et Goguryeo furent conquis par le souverain Silla, en alliance avec les Tang chinois. Cela a inauguré près de trois siècles de culture Silla – l’âge d’or de l’art coréen ancien. Des érudits et des moines bouddhistes se sont rendus en Chine pour goûter à sa culture cosmopolite enivrante, tandis que chez eux, la ville de Gongju était inspirée de la capitale Tang, Changan. Désormais, la Corée du Sud est devenue le centre culturel du pays, alors que les territoires du Nord ont diminué.

Sous le règne de Silla, le bouddhisme connut une renaissance avec la construction de plusieurs beaux temples dans la province de Kyongsang. Parmi les autres développements architecturaux, citons l’utilisation généralisée du granit. Les pagodes coréennes en granit, par exemple, contrastent fortement avec les pagodes en bois du Japon et les pagodes en briques de Chine. Les bronzesmiths étaient responsables d’un grand nombre de cloches de temple, ainsi que de réceptacles spéciaux pour les cendres sacrées du Bouddha Shakyamuni (boîtes à sharira) et de statues bouddhistes. À la fin du IXe siècle, les réserves de bronze ont presque été épuisées, ce qui a entraîné la fabrication de nombreuses statues en fer.

La période Silla était l’apogée du naturalisme coréen en sculpture. Au début, il était fortement influencé par le style Tang, mais à partir du VIIIe siècle, il commença à prendre une apparence naturaliste adoucie, comme en témoignent les statuts Amitabha et Maitreya (c. 721) du site du temple de Kamsan et le corps massif mais gracieux et le visage rond et tranquille du Bouddha monumental principal du temple de la grotte Seokguram. Les bodhisattvas coréens ont également été inspirés par les figures Tang, telles que celles sculptées pour le temple Baojing à Xian, Chine (c. 703). Dans les années 770, toutefois, la sculpture de Silla avait déjà commencé à dégénérer, processus accéléré au début du IXe siècle par le déclin général du royaume de Silla lui-même.

Dans le domaine des arts décoratifs et artisanat , La poterie Silla est connue pour ses urnes en céramique, marquées par un vernis de plomb vert jaunâtre et décorées de motifs floraux estampés. En outre, des tuiles de toit et de sol en terre cuite ornées de fleurs de lotus et d’autres motifs floraux ont été commandés pour les temples et les palais bouddhistes. Les cloches en bronze étaient une autre spécialité de Silla, comme le montre l’immense cloche en bronze du roi Songdok (771, Musée national de Gongju) destinée au temple de Pongdok. Des sanctuaires miniatures en bronze ont également été produits pour les temples bouddhistes.

Période de la dynastie Goryeo (918-1392)

C’est pendant la période de la dynastie Goryeo que la Corée a été connue pour la première fois dans le monde occidental; le nom "Goryeo" est à l’origine du nom moderne du pays. Le fondateur de Goryeo, Wang Geon (décision 918-43), a établi une nouvelle capitale à Gaeseong, située dans l’actuelle Corée du Nord. Sa politique d’expansion vers le nord a conduit à un conflit à la frontière nord. En dépit des attaques successives de membres de tribus du nord de la Mandchourie, les échanges culturels avec la dynastie Song en Chine ont été florissants au début de la période Goryeo, laissant de profondes empreintes sur les arts et l’artisanat Goryeo.

Le XIIe siècle fut une période de paix et de prospérité pour la Corée. C’est durant cette période que certaines des plus belles poteries en céladon ont été produites. Les céladons Goryeo vitrés de style jade et glacés étaient particulièrement appréciés en Chine, à l’époque de l’art de la dynastie Song, où ils étaient connus comme «les premiers sous le ciel». Les céladons coréens se caractérisaient uniquement par leur décoration incrustée de sanggam. Le coussin dur Goryeo céladon (c.1150), maintenant dans le Musée anglais , Londres, est typique de celles faites pour l’aristocratie et pour les moines bouddhistes. Utilisé pour dormir la nuit, ce type d’oreiller était souvent enterré avec son propriétaire à sa mort. Décoré avec une fine incrustation de sanggame, l’exemple du British Museum présente un motif ajouré basé sur des chaînes de connexion. L’incrustation dans divers types de matériaux était largement utilisée à l’époque Goryeo, non seulement sur les articles en céladon, mais également sur les laques et les métaux. La marqueterie apparaît dans certaines des œuvres d’art les plus exquises de Goryeo.

Bien qu’il reste de nombreux exemples d’arts décoratifs Goryeo, il ne reste que peu de peinture séculaire de la dynastie. Yi Nyeong (actif pendant le règne d’Injong, 1122-1146) était un peintre célèbre et ses œuvres étaient louées par l’empereur Huizong de la dynastie Song. Une activité savante à la mode de la période Goryeo consistait à créer des peintures à l’encre et au lavis sur les «Quatre messieurs», à savoir le bambou, la fleur de prunier, l’orchidée et le chrysanthème.

Un coup d’État a eu lieu en 1170, après quoi l’armée a exercé le pouvoir pendant près d’un siècle, jusqu’à ce que les invasions mongoles (1231-59) entraînent le rétablissement de l’autorité politique de la cour. En 1259, le souverain Goryeo signa un traité de paix avec les Mongols, qui devait bientôt être officiellement commandé par la dynastie des Yuan sous Kublai Khan (1215-1294). Pour la première fois, la péninsule coréenne (ainsi que la Chine elle-même) était contrôlée par un peuple étranger. Une vaste mongolisation de la cour de Goryeo a été initiée: les princes héritiers de Goryeo ont été obligés de vivre dans la capitale du Yuan jusqu’à ce qu’ils deviennent roi et d’épouser des princesses mongoles; les gens étaient obligés de prendre des noms mongols, de parler la langue mongole et d’adopter des vêtements et des coiffures mongols. Comme en Chine, Art de la dynastie des Yuan n’était pas réputé pour son intérêt pour la culture coréenne autochtone, ni pour son encouragement.

C’est sous les Mongols que le néo-confucianisme a été introduit en Corée par la Chine. Peintres chinois ont été invités en Corée et de nombreux exemples exquis d’art bouddhiste ont été produits au cours de cette période. À la demande de la cour de la dynastie chinoise des Yuan, des érudits-peintres et des peintres de Goryeo se rendirent en Chine, apportant des sutras enluminés tels que le manuscrit enluminé du Sutra Avatamsaka (Hwaomgyong) (musée d’art de Cleveland, XIVe siècle). Le frontispice de ce texte sacré en plusieurs volumes, avec son pinceau doré, représente une cour du temple devant laquelle se trouve un groupe de personnages. Le plus grand personnage, Bouddha de l’avenir (Maitreya), s’adresse à un pèlerin agenouillé qui l’interroge sur le chemin de l’éveil spirituel. Tout le texte du sutra est peint en argent. Goryeo manuscrits enluminés ont été inclus aux côtés de peintures bouddhistes en tant qu’éléments d’hommage et ont été appréciés en Chine pour leurs qualités esthétiques et religieuses. Les manuscrits enluminés ont également été très appréciés à Muromachi, au Japon, où un grand nombre d’œuvres de Goryeo ont survécu dans des temples bouddhistes.

Au cours de la période Goryeo, le bouddhisme a été adopté comme religion d’État. Les temples bouddhistes se sont multipliés et tous les aspects de l’art bouddhiste ont prospéré. Le désir de promouvoir le bouddhisme a effectivement conduit au développement de l’imprimerie en Corée. Au début du XIIIe siècle, par exemple, le type de métal mobile a été inventé pour faciliter la distribution des textes; Jikji ("Anthologie des enseignements zen du Grand Prêtre Bouddhiste"), le plus ancien livre imprimé sur métal du monde, contient l’essentiel du bouddhisme zen. Pendant ce temps, tout le code bouddhiste a été gravé sur plus de 80 000 tablettes de bois, appelées "Tripitaka Koreana". Vers la fin de la dynastie Goryeo, cependant, le bouddhisme a commencé à échouer en tant que doctrine officielle de l’État. En effet, la corruption et le déclin du bouddhisme au cours de la dernière période du règne de Goryeo ont contribué à la chute de la dynastie Goryeo elle-même.

Période de la dynastie Joseon (1392-1910)

Les dirigeants de Joseon ont abandonné le bouddhisme Goryeo et ont adopté le néo-confucianisme comme idéologie coréenne officielle. Pour accélérer le déclin de la pensée bouddhiste et transformer le pays en une société néo-confucéenne, le roi fondateur de Joseon, Yi Seonggye (1335-1408), et ses conseillers néo-confucéens, annoncèrent une série de mesures anti-bouddhistes la richesse et l’influence des monastères bouddhistes ainsi que des clans de la famille aristocratique qui contrôlaient jusqu’ici les affaires gouvernementales. Tout cela a conduit à une nouvelle classe d’élite, les lettrés néo-confucéens, prenant en charge la bureaucratie au pouvoir.

La dynastie Joseon a revitalisé les traditions culturelles autochtones de la Corée tout en soutenant la Chine Ming et sa place au centre de la Confucian civilisation . Joseon Korea a repris son inspiration auprès de sources chinoises classiques. La peinture , le paysage est apparu comme le genre principal. An Gyeon (actif entre 1440 et 1470), peintre officiel de la cour de Joseon, fut le peintre le plus en vue de la Corée au 15ème siècle. Il adopta les modèles chinois classiques de l’ère Song mais exprima distinctement les styles et les visions esthétiques de Joseon. Son approche de la peinture de paysage a influencé de nombreux autres artistes coréens au cours de sa vie. Dans sa peinture sur papier en soie et en encre de couleur intitulée Voyage de rêve dans le pays des fleurs de pêcher (1447, bibliothèque de l’Université Tenri, Nara, Japon), An Gyeon a utilisé des zones très contrastées de travail au pinceau clair et foncé et vigoureux pour représenter un rêve qui lui est raconté par son patron, le prince Anpyeong. Le beau paysage de Peach Blossom Land lui-même est visible à droite du tableau, entouré par un anneau de pics déchiquetés. Un Gyeon non seulement compris et pratiqué les traditions de peinture chinoise , mais aussi interprété avec un œil neuf.

En plus de créer des œuvres imaginaires de ce type, les peintres de la cour devaient normalement peindre des portraits de membres de familles royales et de fonctionnaires, ainsi que des archives illustrées de cérémonies de cour. Un grand nombre d’érudits et de fonctionnaires coréens étaient eux-mêmes des artistes spécialisés dans la calligraphie et son art peinture à l’encre et au lavis – les deux types les plus prestigieux de beaux arts et donc le plus approprié pour la classe des lettrés.

La suppression du bouddhisme signifiait que art religieux a diminué à la fois en volume et en qualité, même si les idées bouddhistes sont restées une force culturelle puissante, en particulier parmi les classes inférieures. L’iconographie bouddhiste a également trouvé sa place en coréen art folklorique , ou minhwa , un style de peinture naïf qui représente des personnages mythiques et des symboles porte-bonheur, tels que les cerfs, les tigres et les grues. Les œuvres de Minhwa ont été produites en grand nombre à partir du XVIIe siècle pour satisfaire l’appétit du public pour de telles images. En règle générale, les peintres de Minhwa étaient des gens ordinaires qui parcouraient le pays pour peindre des images afin de célébrer un événement de leur vie.

Dans le domaine de la céramique, le genre le plus prisé de la période Joseon – une période qui a coïncidé avec Art de la dynastie Ming – était une porcelaine blanche, qui incarnait les idéaux néo-confucéens de pureté et de frugalité. Cependant, au début de la période de la dynastie Joseon, le grès de buncheong a connu un développement parallèle. Buncheong – à l’origine bunjang hoecheong sagi (céramique gris-vert décorée de poudre) – est reconnaissable à la couleur de son vernis, qui varie du gris au vert en passant par le bleu. Les céramistes utilisant la technique du sgraffite (gratté) ont d’abord appliqué une barbotine blanche sur la surface du corps en argile, après quoi ils y ont gravé un dessin. Les traces restantes du feuillet ont ensuite été enlevées pour révéler le corps; l’article a été recouvert d’une glaçure et ensuite tiré. Le style buncheong a disparu après le 16ème siècle alors que les potiers de Joseon étaient attirés vers Porcelaine chinoise , notamment les articles Ming.

Remarque : pour plus de détails sur les objets d’art et d’artisanat produits en Inde pendant la période de la dynastie Joseon, voir: Peinture indienne post-classique (XIVe-XVIe siècle), Peinture moghole (XVIe-XIXe siècle) et Rajput Peinture (XVIe-XIXe siècle).

À la fin du XVIIe siècle, la nouvelle identité de la Corée en tant que nation indépendante commence à se refléter dans son art. Au dix-huitième siècle, la réalisation la plus remarquable de la peinture coréenne fut le développement du jingyeong sansu (paysage à la vraie vision). Au lieu de peindre des paysages idéalisés à la chinoise, des peintres coréens comme Jeong Seon (1676-1759) décrivent des paysages coréens, comme le montre son chef-d’œuvre intitulé Vue complète sur les montagnes de diamants (1734, Leeum, Samsung Museum of Art, Corée du Sud). [Note: les Coréens de Joseon ont perçu la Chine Ming (1368-1644) comme le centre légitime de la civilisation confucéenne; l’élite de Joseon connaissait bien les classiques chinois et les artistes peignaient des paysages idéalisés dérivés de modèles chinois. Cependant, tout cela a changé quand la Chine est tombée sous la dynastie des Mandchous Qing en 1644. À partir de ce moment, Joseon Korea s’est considéré comme le gardien de la civilisation confucéenne et la terre et le peuple coréens sont devenus la préoccupation de nombreux érudits. C’est dans ce contexte que Jeong a créé ce travail.]

Une autre tendance importante était la production de peintures de genre avec des représentations humoristiques de la vie, comme Threshing Rice (1780), dans lequel Gim Hongdo (1745-1806) décrit un fermier fainéant qui fume la pipe et surveille des paysans qui travaillent dur. De telles œuvres ont séduit la classe moyenne grandissante de la Corée. Le Seodang (école de village) de Gim (fin du XVIIIe siècle, musée national de Corée, Séoul) représente un professeur confucéen et ses élèves. La peinture est typique de son genre en ce que l’artiste se concentre sur les individus et leurs expressions tout en laissant le fond vide.

Au cours de sa phase tardive, la société Joseon adhéra moins rigoureusement aux vertus austères confucéennes de ses débuts et connut une plus grande prospérité. L’utilisation somptueuse du bleu de cobalt pigment de couleur est devenue à la mode et la production de porcelaine bleue et blanche coréenne a prospéré. La richesse croissante de la classe moyenne a conduit à un goût pour le luxe dans le arts appliqués et les laques incrustées de nacre dans des motifs élaborés sont devenues populaires. Malheureusement, bien que la vie culturelle coréenne ait prospéré tout au long du 19ème siècle, le pays a dû faire face à une rébellion interne et à une agression étrangère. En 1910, la dynastie Joseon s’est finalement effondrée après l’envahissement de la Corée par l’empire japonais dans le cadre de sa politique d’expansion.

Période moderne

Lors de la première invasion des Japonais, la peinture traditionnelle coréenne était dirigée par Cho Sok-Chin (1853-1920) et An Chung-sik (1861-1919). Cho fut le dernier des peintres de la cour de Joseon et le dernier peintre érudit. Mais tous deux pratiquaient le style énervé du Sud Art de la dynastie Qing , avec son accent sur la technique du bout des doigts.

Il est important de comprendre que les occupants japonais de la Corée ont tenté de réprimer l’art autochtone coréen en détruisant des peintures de sujets coréens, en fermant des écoles d’art coréen et en obligeant les quelques artistes restants à peindre des sujets japonais à la japonaise. L’intention était de transformer l’art coréen en art japonais.

Art coréen traditionnel

En 1911, l’ancienne famille impériale coréenne a fondé une académie de peinture dans le but de promouvoir le style traditionnel. Malgré sa fermeture en 1919, elle a formé un certain nombre de peintres importants. Dans les années 1930, le style de la peinture coréenne commençait à changer sous l’influence d’influences japonaises et européennes. En 1922, par exemple, les Japonais avaient institué une exposition annuelle de peinture pour artistes coréens, destinée à promouvoir un nouveau type de peinture académique à la japonaise. À cette époque, les Japonais contrôlaient les installations modernes pour l’étude de la peinture. Ainsi, malgré la résistance des traditionalistes coréens, la tradition japonaise a dominé. Kim Eun-ho (1892-1979), Yi Sang-beom (1897-1972), Ko Hui-dong (1886-1965), Pyon Kwan-shik (1899-1976) et No Su- hyon (1899-1978). Après la Seconde Guerre mondiale, la peinture traditionnelle a adopté une forme d’expression beaucoup plus moderne, comme en témoignent les œuvres d’artistes radicaux tels que Kim Ki-chang, son épouse Pak Nae-hyon et Pak No-su. Tous ces peintres ont été formés de manière experte aux médias traditionnels, tels que dessin à la plume et à l’encre , encre et lavis et peinture aquarelle . Leurs images montrent un sens affirmé de la composition et de la couleur, et ont également la qualité de véritables art abstrait .

Art coréen à l’occidentale

En ce qui concerne l’art de style occidental, la principale tradition des artistes coréens peinture à l’huile tout au long de l’occupation japonaise était l’école de la représentation qui avait ses racines dans Impressionnisme . Yi Chong-u, To Sang-bong (1902-1977), Kim In-sung (1911-2001) et Pak Tuk-sun figuraient parmi les meilleurs peintres de cette catégorie. En plus du nouveau médium du pétrole, l’art occidental a introduit le concept Renaissance de représentation réaliste avec illusion tridimensionnelle et perspective linéaire , ainsi que la notion d’art comme une carrière à poursuivre comme une profession à plein temps plutôt que comme un simple passe-temps pour les gentlemen. Cependant, comme nous l’avons vu, presque tous ces changements ont été introduits pendant l’occupation japonaise de 1910 à 1945, tous en Corée art moderne de cette période a été réfracté à travers le Japon.

Cette dualité entre la peinture traditionnelle et occidentale a été maintenue après la guerre: la peinture à l’occidentale était pratiquée par des artistes formés au Japon, tels que Ko Hui-dong, Lee In-sung (1912-1950) et Kim Hwan-ki (1913-1974); et la peinture traditionnelle de style oriental était pratiquée par des artistes tels que Lee Sang-bom et Kim Eun-ho (1892-1979), qui utilisaient soit de l’encre traditionnelle, soit de l’encre de couleur.

Au milieu des années 1950, un groupe de jeunes artistes progressistes forma un mouvement appelé Informel (d’après le style européen Art Informel ), qui a promu le style occidental de art abstrait , initiée par l’expressionnisme abstrait en Amérique. En revanche, l’art monochrome des années 1970 visait à créer un art coréen authentique, utilisant la surface plane de la toile comme base fondamentale pour exprimer une harmonie passive, calme et méditative. Dans les années 1980, les artistes appartenant au mouvement Minjung Misul (art populaire) ont commencé à explorer des thèmes sociaux et étaient liés aux manifestations politiques de cette décennie. L’artiste vidéo est un autre contributeur contemporain important à l’art coréen. Nam June Paik (1932-2006). Après avoir quitté la Corée pendant la guerre civile, il se lance dans la performance avant de passer à la vidéo et à l’installation.

Ressources supplémentaires

Pour en savoir plus sur les arts et l’artisanat d’Asie de l’Est, voir ce qui suit:

Armée de terre cuite chinoise (c.208 AEC)
Inde: peinture et sculpture
Tablettes de bois Ukiyo-e (c.1670-1900)