Pop Art Portraits de Andy Warhol:
Caractéristiques des peintures sérigraphiées Automatique traduire

NOTE:
Andy Warhol est maintenant considéré comme l’un des plus grands artistes postmodernistes du vingtième siècle. Avec Francis Bacon, ses œuvres comptent parmi les œuvres les plus connues au monde. Top 10 des peintures les plus chères et sa contribution à Art américain ne peut pas être surestimé. En tant qu’artiste célébrité de la Pop Art mouvement, il – avec peintre Roy Lichtenstein, sculpteur Claes Oldenburg et autres – redéfinis art contemporain des années 1960 et 70. Le sien sérigraphie portrait revitalisé le genre de portrait d’art, faisant de lui l’un des plus innovants artistes portrait du 20ème siècle.

introduction

L’enthousiasme de Andy Warhol en ce qui concerne l’esthétique de la télévision, les chroniques de la société et les magazines de supporters vont à l’encontre du modèle européen de l’artiste d’avant-garde en difficulté que les expressionnistes abstraits ont suivi. Warhol exigeait richesse et renommée, et il considérait tous ceux qui les avaient fascinants. En plus de cela, sa "palette de rouge à lèvres et de peroxyde" est, comme Adam Gopnik l’a souligné (New Yorker, 10 avril 1989), "un sens de couleur totalement original qui donne à toutes les palettes américaines une apparence européenne". La négation par Warhol de toute originalité définissait son identité artistique et le nouveau look de ses peintures – exploitant les dernières techniques de l’art commercial – le validait.

Une partie de l’habileté unique de Warhol réside dans sa reconnaissance du fait qu’une personne peut être communiquée via les médias beaucoup plus efficacement qu’un objet d’art et il a tenté de définir son existence entièrement sur le plan peu profond d’images reproductibles. Dans son catalogue d’exposition du Moderna Museet à Stockholm en 1968, il écrivait: "Si vous voulez tout savoir sur Andy Warhol, il suffit de regarder la surface de mes peintures et je suis là. Il n’y a rien de plus." Depuis le début des années 1960 jusqu’à sa mort en 1987, Warhol a habilement utilisé à la fois le style et les médias et a ainsi exposé les valeurs superficielles de la société contemporaine avec une franchise à la fois subversive et en avance sur son temps. Il a montré que toute renommée est égale et fondamentalement dénuée de sens dans un monde où l’image change constamment; sa propre image publique était peut-être irrésistiblement glamour, mais son manque de profondeur laissait aussi un vide émotionnel troublant.

Note: Autres artistes Pop inclus: Alex Katz (né en 1927), Ray Johnson (1927-1995), Tom Wesselmann (né en 1931), James Rosenquist (b.1933), Jim Dine (b.1935) et Ed Ruscha (b.1937).

Contexte

Warhol est né près de Pittsburgh en 1928 dans une famille d’immigrés slovaques de la classe ouvrière catholique-byzantine. Après avoir obtenu un diplôme en graphisme à Carnegie Tech en 1949, il s’installe dans un appartement à New York avec son camarade de classe Philip Pearlstein (né en 1924) et connaît rapidement le succès en tant qu’artiste commercial. Les dessins de chaussures réalisés par Warhol dans le New York Times de Miller and Co lui ont valu un immense succès. En dix ans, il était l’un des artistes commerciaux les mieux payés de la ville, gagnant 65 000 dollars par an. Warhol poursuivit sa carrière dans l’art graphique jusqu’en décembre 1962, mais depuis ses débuts, il aspirait à devenir un artiste talentueux.

Sur le plan stylistique, les tentatives artistiques de Warhol dans les années 1950 étaient étroitement liées à son travail commercial dans la publicité, et plusieurs des méthodes et techniques issues de sa pratique de la conception commerciale anticipaient des aspects de ses œuvres d’art ultérieures. Par exemple, il organisait des «parties à colorier» pour produire ses publicités et déléguait plusieurs tâches à sa mère, tactiques qu’il répéterait plus tard dans le cadre de son utilisation intensive d’assistants pour la fabrication de ses œuvres. De même, sa technique consistant à dessiner – ou à tracer des images de magazines – sur du papier, puis à les transférer à l’encre humide sur un fond préparé a été répétée plus tard dans son adoption de la sérigraphie.

Caractéristiques du Pop Art ancien de Warhol

Alors que plusieurs des pratiques artistiques de Warhol des années 1950 persistaient dans ses œuvres ultérieures, on peut difficilement dire qu’elles aient conduit inévitablement à la franchise choquante avec laquelle il a soudainement commencé à adopter un style d’art commercial dans sa peinture à la fin de l’année 1959. il n’a jamais eu de précédent pour son appropriation radicale du sujet directement par les médias pour ses grands tableaux d’images de bandes dessinées et ses annonces dans les journaux (par exemple, Campbells Soup Can, 1962). Selon Barry Blinderman (Mythes modernes: entretien avec Andy Warhol, 1981), au début des années soixante, Warhol transcrivait et agrandissait ses sources avec une précision mécanique. Dans ses déclarations à la presse, il tenait à écarter toute originalité de son propos. travail. Néanmoins, il abandonne la bande dessinée comme sujet à partir du moment où il rencontre les peintures de BD de Roy Lichtenstein dans la galerie Leo Castelli en 1961, révélant ainsi un instinct vif pour la nécessité de créer un style original.

Après avoir choisi un sujet – annonces bon marché, bandes dessinées et titres de tabloïdes bon marché – Warhol a joué entre différents styles entre 1960 et 1962. Dans certaines compositions, il a retranscrit ses sources de manière lâche, avec des gouttes de peinture pour en donner le genre. de caractère expressif trouvé dans la peinture de geste. En même temps, il crée d’autres images aux contours durs et précis, un style froid et mécanique sur lequel il finit par s’installer, les appelant ses peintures "sans commentaires".

Warhol appréciait les images de masse générées par la publicité médiatique, non sélectives et abrutissantes. Son art exprimait et exaltait la "similitude" de la culture de masse que les soi-disant intellectuels impliqués dans l’expressionnisme abstrait abhorraient. Dans son livre La philosophie de tous les guerriers (1975), il a déclaré que ce qu’il aimait de l’Amérique, c’était que ses consommateurs les plus riches achètent bon nombre des mêmes choses que les plus pauvres. "Le président boit du Coca-Cola, Elvis boit du Coca-Cola – tout le monde boit du Coca-Cola. Et aucune somme d’argent ne peut acheter à quelqu’un un meilleur Coca-Cola, car tous les Coca sont identiques."

Même dans ce cas, son choix de sujets n’était pas aléatoire ni arbitraire. Comme le révèle Kynaston McShine dans son ouvrage Andy Warhol: Une rétrospective (1989, MOMA, New York), beaucoup de ses premières images – "Perruques", "Où est votre rupture?", "Avant et après" – concernant des produits prometteurs pour une amélioration corporelle dans la posture, les cheveux et les muscles plus gros, reflètent les insécurités physiques de Warhol. Même Superman et Popeye, qu’il a peints en 1960-1961, sont des personnages qui subissent des transformations physiques instantanées. L’interprétation de McShine est corroborée par les tentatives de Warhol d’améliorer son apparence dans les années 1950, en portant une perruque en argent et en se faisant opérer de manière esthétique pour remodeler son nez en 1957.

Warhol n’a pas exposé ses peintures pop à New York avant qu’Eleanor Ward en fasse la promotion à la Stable Gallery à l’automne 1962, bien qu’il en ait accroché certaines (par exemple, Publicité, Petit roi, Superman, Avant et Après, et Samedis Popeye) en tant qu’arrière-plan des mannequins de mode d’un grand magasin qu’il a organisé pour Bonwit Teller en avril 1961. C’est Irving Blum de la galerie Ferus (Los Angeles) qui lui a donné son premier défilé à l’automne 1962: une installation de trente-deux cannettes de soupe Campbell, mesurant chacune 20 x 16 pouces. Warhol, toujours au fait des dernières tendances, les a peut-être peintes en réponse aux Painted Bronze Ale Cans (1960) de Jasper Johns, mais elles ont surpassé la sculpture de Johns dans la neutralité fade de leur production en série. Les images sont si irrésistiblement ce qu’elles sont; ce ne sont pas des boîtes de soupe, mais des images, qui divorcent le "signifiant" du "signifié" plus absolument que presque toute peinture créée jusque-là. Bien que quelques-uns des dessins de boîtes de conserve de Warhol conservent encore une qualité gestuelle délicate jusqu’en 1962, les trente-deux boîtes de conserve ne présentent aucune trace de geste expressif ni d’individualité.

Sérigraphies: éliminer le contact de l’artiste

Warhol peint à la main les canettes et les titres de journaux de 1961 et 1962, mais fin 1962, il découvre comment transférer une image de manière photographique sur une sérigraphie et adopte immédiatement cette technique, éliminant ainsi toute trace de la touche de l’artiste et produisant une image plus mécaniquement détachée. image. De plus, il dépendait de plus en plus d’assistants pour créer ses peintures. En juin 1963, il emploie Gérard Malanga à travailler à plein temps sur les sérigraphies et, progressivement, d’autres assistants se joignent à la masse salariale. Ils fonctionnaient comme le personnel d’un bureau de graphisme. Lorsque Warhol a commencé à travailler sur sa Marilyn Monroes, par exemple, Malanga et Billy Name ont effectué l’essentiel du travail, comme couper des choses et ranger les écrans, pendant qu’il marchait dans les rangées en posant des questions du type "Quelle couleur pensez-vous que ce serait agréable?" Warhol a délibérément insisté sur sa non-implication, estimant que quelqu’un d’autre devrait pouvoir faire toutes ses peintures pour lui. Il a affirmé que la raison pour laquelle il avait utilisé des assistants et travaillé comme il le faisait était qu’il voulait être une machine et créer un look totalement "neutre", dépourvu de tout contact humain. Cependant, la vérité est qu’il aurait facilement pu sous-traiter ce travail s’il avait vraiment voulu un look authentiquement commercial. Dans l’état actuel des choses, il a préféré inclure les erreurs humaines occasionnelles, telles que le désalignement des écrans, l’encrage inégal et les frottis intermittents.

Marilyn Monroes Lips (1962, Hirshhorn Museum et Sculpture Garden, Washington DC) ressemble à une impression imparfaite, où le trait noir et l’écran couleur ne s’emboîtent pas parfaitement et où la qualité de l’encrage varie considérablement. La répétition banale créée par les processus commerciaux du marché de masse semble entrer en conflit avec une présence individuelle (bien que passive) à la fois dans cette peinture et dans Gold Marilyn Monroe (1962, Museum of Modern Art, NY). La répétition confère aux images une apparence anonyme et impassible, tandis que des caractéristiques spécifiques à chaque unité imparfaitement fabriquée parviennent à s’affirmer, créant une dissonance maladroite entre la façade mécanique et le sens de l’individu qui l’enterre. Ainsi, l’observateur et l’artiste sont réduits à ne plus être que des voyeurs passifs, vivant la vie comme une chaîne de montage d’images en masse.

Movie Star et Disaster Pictures: un vide effrayant

Le nombre croissant de portraits de Marilyn Monroe, de Liz Taylor et d’autres stars de cinéma était en grande partie lié à l’enthousiasme de Warhol pour le glamour et les paillettes d’Hollywood. Dans Andy Warhol (1968), son catalogue d’expositions pour le Moderna Museet de Stockholm, il a déclaré: "J’aime Hollywood. C’est magnifique. Tout le monde est en plastique. Je veux être en plastique." Il était le fan ultime, le consommateur ultime. Pourtant, ses "Marilyn Monroes" ont aussi un côté sombre. Elles ont été réalisées à la suite du suicide de l’actrice en août 1962. De plus, la répétition mécanique de son portrait la fait paraître superficiellement transparente, lui refusant tout sens de l’individualité sous l’image de surface. Il s’agit d’une dépersonnalisation effrayante d’un être humain et peut-être même à l’image de l’artiste. Jusqu’en 1975, par exemple, il écrivait: "Je suis toujours hanté par l’idée de regarder dans le miroir et de ne voir personne, rien."

Pendant la couverture télévisée d’une tragédie nationale comme le suicide de Marilyn Monroe ou l’assassinat et les funérailles de John F. Kennedy (que Warhol a peints avec obsession), les mêmes clips vidéo sont visionnés à répétition. Les "Marilyns" de Warhol et d’autres portraits à images multiples présentent la même répétition anesthésiante.

En 1963, Warhol commença à travailler sur une série de catastrophes – par exemple, Saturday Disaster (1964, Rose Art Museum, Brandeis University) – qui développa encore la qualité morbide des "Marilyns". Il fonda la série sur des photographies macabres de la police et des tabloïds d’un accident de voiture. Victimes, le fauteuil électrique et la bombe atomique, il a reproduit les images dans une variété de couleurs et de motifs décoratifs. Ces images dérangent non seulement à cause de leur explicite horrible, mais également à cause du détachement de Warhol qui suggère une horrible dépersonnalisation: un vide émotionnel qui se reflète l’aliénation de la vie dans les années soixante.

En 1962 et 1963, Warhol créa plusieurs portraits de l’artiste néo-dada Robert Rauschenberg, qu’il vénérait pour sa gloire. En un sens, l’exemple de Rauschenberg illustre bien le célèbre discours de Warhol selon lequel "à l’avenir, tout le monde sera mondialement célèbre pendant quinze minutes". Warhol était très attiré par la notion de célébrité comme une sorte de produit de consommation que tout le monde peut posséder.

L’usine (1963-1967)

À la fin de 1963, l’atelier de Warhol fut transféré dans une ancienne usine située à East Quarante-Septième Rue. "The Factory", comme on l’appelait, a progressivement évolué pour devenir un lieu rempli de personnalités de la mode chic et d’autres "belles personnes", de drag-queens, ainsi que de membres de la musique underground, dont beaucoup sont occupés par la drogue et / ou un comportement étrange. Warhol, semble-t-il, devait être entouré de singularités et d’artistes, de décadence et de débauche ainsi que de beaux-arts. En tout état de cause, Warhol produisait toujours en 1964. En effet, de nombreux critiques d’art sont toujours convaincus que l’importante œuvre de Warhol date de 1960 à 1964.

En 1965, la renommée croissante de Warhol attirait d’autres célébrités de New York, qui souhaitaient voir et être vues à The Factory. Au même moment, les médias poursuivaient Warhol, tandis que les visiteurs et les pendentifs se bousculaient pour attirer son attention. Au cours de l’automne 1965, lors de l’inauguration de l’exposition de Warhol à l’Institute of Contemporary Art de Philadelphie, quatre mille personnes se sont divisées en deux petites salles et le personnel a dû enlever les peintures des murs pour des raisons de sécurité. C’était une exposition d’art sans art!

"Je me demandais ce qui avait poussé toutes ces personnes à crier", se souvint Warhol plus tard, dans le livre Popism (1980, Warhol & Hackett). "C’était incroyable de penser que cela se produise lors d’une ouverture artistique. Mais nous n’étions pas seulement à l’exposition d’art, nous étions l’exposition d’art."

En 1966, la foule de l’usine commença à se rassembler le soir dans un restaurant de Union Square, connu sous le nom de Max’s Kansas City. Il était populaire auprès des artistes et des écrivains et ses arrière-salles accueillaient un cirque d’exhibitionnisme, de drogue et de sexualité. Parmi les visiteurs de marque, notons Truman Capote, Bobby Kennedy, ainsi que des personnalités influentes de l’établissement de la ville ainsi que de son métro. Mais Warhol est resté le catalyseur: la présence qui a inspiré ou provoqué passivement les gens à réaliser leurs fantasmes, pendant qu’il regardait ou prenait des photos.

L’une des galeries d’art postmoderniste les plus prestigieuses de New York appartenait à Leo Castelli. Warhol avait toujours voulu y organiser une exposition solo (Roy Lichtenstein l’avait eu en 1962) et Castelli l’a finalement offerte en 1964. Son premier spectacle était celui des "Fleurs" dans lesquelles Warhol s’éloignait du naturalisme dans son esprit. palette – pas que ses travaux antérieurs aient été dans un sens fort naturaliste, mais il a eu tendance à utiliser soit une échelle de valeurs qui correspond à la nature, soit une échelle plus artificielle avec au moins une ressemblance résiduelle. À partir de 1964, il a commencé à incorporer des couleurs totalement non naturalistes dans sa palette: par exemple, peindre des "Campbell’s Soup Cans" turquoises et roses au lieu de rouges et blancs et créer des "Self Portraits" à plusieurs tons avec un visage bleu et des cheveux jaunes..

En 1966, devenue la célébrité artistique la plus en vue à New York dans les galeries d’art les plus en vogue, Warhol commençait à s’ennuyer de la peinture et s’arrêtait presque, préférant se consacrer à la promotion d’une performance multimédia et psychédélique appelée "The Exploding Plastic". Inévitable ", avec le groupe de rock Velvet Underground. Il se tourna également de plus en plus vers le cinéma avec le tournage de The Chelsea Girls (1966), le premier film underground à la réussite financière, quoique extrêmement ennuyeux. Cela a été suivi par un certain nombre de films épouvantables qui n’ont pas totalement justifié leur facture artistique. Ce n’était pas une surprise, car ses premiers films étaient sans compromis dans le style de Warholesque. Tout ce qu’il faisait était simplement de pointer la caméra sur quelqu’un et de la laisser fonctionner, il n’y avait pas de piste sonore, comme dans son film de six heures sans action intitulé Sleep (1963). Dans Eat (1963), l’appareil effectue une mise au point continue pendant 45 minutes sur un artiste pop. Robert Indiana comme il dévore un champignon. Dans Empire (1964), la caméra se concentre de manière rigide pendant 8 heures au sommet de l’Empire State Building.

Déclin artistique

En 1967, The Factory déménagea au 33 Union Square West et la scène devint de plus en plus étrange jusqu’en juin 1968, date à laquelle Warhol fut sérieusement blessé par une groupie, Valerie Solanas, qui avait joué un petit rôle dans l’un de ses films. L’atmosphère de carnaval a pris fin brusquement. Warhol a été déclaré mort sur la table d’opération, mais heureusement rétabli. Après avoir passé huit semaines à l’hôpital, il est retourné à The Factory, un homme apeuré. Malgré sa crainte de perdre sa créativité sans l’incitation du chaos de type carnaval autour de lui, l’accès au studio a été restreint. La fabrique s’est concentrée sur la production en série d’art qui se vendrait: c’est-à-dire des souvenirs commerciaux de l’avant-garde que Warhol appelait "Business Art".

En fait, les œuvres de Warhol étaient produites à l’aide de méthodes de chaîne de montage depuis 1963 – au milieu des années 1960, The Factory fabriquait jusqu’à 80 peintures sérigraphiques par jour et, à un moment donné, un film par semaine. En tout état de cause, au milieu de 1969, les œuvres d’art de Warhol étaient en grande partie épuisées. Brigid Polk, l’une des assistantes d’atelier de Warhol, aurait déclaré: "Je fais tout cela depuis un an et demi. Andy ne fait plus d’art, il en a marre." C’était vrai, en grande partie. Warhol avait tourné son attention vers d’autres entreprises telles que Interview, son magazine sur les commérages de la haute société.

Nouveaux portraits

Au début des années 1970, Warhol renoua avec son intérêt pour la peinture avec une série de portraits de la société et d’images du dirigeant communiste chinois Mao Zedong – par exemple. Mao (1973, Institut d’art de Chicago). À ce jour, Warhol était devenu un artiste-célébrité de renommée internationale – l’artiste qui a fait le plus parler de lui après Picasso, et un invité régulier lors d’occasions sociales et d’événements culturels exceptionnels. Alors que la phase finale du Vietnam commençait à se dérouler, parallèlement aux révélations politiques et criminelles de Watergate, les très riches et le mouvement de contestation de la contre-culture se préoccupaient de symboles. Les peintures de Warhol du président Mao amusaient les riches collectionneurs d’art tout en confirmant l’ascendant du capitalisme occidental en transformant le champion emblématique de la révolution mondiale en un produit de consommation pour les riches.

Plus de portraits sont apparus. En effet, les portraits sérigraphiés des années 70 de la société Warhol ont redynamisé le genre de l’art du portrait. Beaucoup ont été imprimés sur des motifs de pinceaux texturés dans un format standard de deux panneaux de 40 x 40 pouces, et beaucoup de sujets ont pris l’apparence d’objets plastiques sans dimensions.

Qu’est-ce qui est réel?

Dans les années soixante-dix et quatre-vingt, Warhol assuma davantage de commandes de publicité et de design. Il est même devenu lui-même un produit de consommation lorsqu’il a figuré dans le catalogue de Noël 1986 de Neiman-Marcus: il a annoncé une séance de portrait avec Warhol au prix de 35 000 $. L’intensification de l’association de Warhol avec le statut et l’argent a exploité la superficialité et le matérialisme de la culture de consommation américaine dans les années 70 et 80, alors que les individus commençaient à se sentir de plus en plus aliénés face à l’irréalité de la vie. Comme l’artiste l’a lui-même admis: "Je ne sais pas où l’artificiel s’arrête et où commence le réel." Triste aveu du grand prêtre du pop art, qui a fait carrière en révélant la "vérité" sur la société moderne.

Les peintures et dessins Pop Art d’Andy Warhol sont visibles dans de nombreux pays meilleures galeries d’art contemporain et dans le meilleurs musées d’art autour du globe.