Barnett Newman:
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Biographie

Étroitement associé à la École new yorkaise, le peintre abstrait américain Barnett Newman était l’un des fondateurs de Peinture de champ de couleur, un style de Expressionisme abstrait. Avec des artistes proches comme Clyfford Still (1904-1980), Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-56), Franz Kline (1910-1962) Willem De Kooning (1904-97) Philip Guston (1913-1980) Robert Motherwell (1915-91), William Baziotes (1912-63) et Sam Francis (1923-94), il faisait partie de la première génération des Américains peintres abstraits qui a obtenu une reconnaissance dans les années 1940 et qui a jeté les bases pour les artistes qui ont émergé dans les années 1950 et 1960. Remarqué pour ses peintures colossales, avec leurs champs de couleur saturée (comparer Les peintures de Mark Rothko), signature "zips", et style minimaliste, il était également un lithographe et sculpteur acclamé.

Parmi les œuvres célèbres de Newman figurent ses peintures: Onement I (1948, Musée d’art moderne de New York), Vir Heroicus Sublimis (1950-1, MoMA, NYC), Qui a peur du rouge, du jaune et du bleu? (1966, Stedelijk Museum, Amsterdam) et sa série d’images en noir et blanc (1958-1966) intitulée Le chemin de croix. Sa sculpture la plus célèbre est Broken Obelisk (1963-1939, MoMA, New York). Il est l’un des plus influents Peintres du 20ème siècle dans l’art américain.

Jeunesse

Barnett Newman est né à New York de parents juifs arrivés dans la ville cinq ans plus tôt, en provenance de Pologne. Elevé à Manhattan et dans le Bronx, il suit des cours de dessin à la Art Students League alors qu’il était encore au lycée (1922), activité qu’il conserva pendant les quatre années suivantes (1923-1927) tout en étudiant le programme de philosophie du City College of New York. Après avoir obtenu son diplôme, Newman a travaillé dans l’entreprise de confection de son père. En outre, au cours des années 1929-1930, il se forme à nouveau à la Art Students League. Pendant son séjour là-bas, il s’est lié d’amitié avec Adolph Gottlieb (1903-1974), qui le présenta à d’autres peintres et galeristes de New York. Cependant, ses parents et lui-même ont connu de graves difficultés financières au cours de la Dépression, aggravée par son refus de rejoindre le Federal Art Project, qu’il considérait comme une forme de bien-être. Au lieu de cela, il gagna de l’argent en enseignant l’art dans diverses écoles secondaires.

En 1936, il épousa une collègue enseignante, Annalee Greenhouse. Vers 1940, il abandonne la peinture pour se consacrer à l’étude de l’ornithologie et de l’histoire de l’art. Il a également écrit des critiques d’art et aidé à organiser des expositions pour plusieurs galeries, dont la galerie Betty Parsons.

Premières peintures sur le terrain

Puis, en 1944, Newman retourna à la peinture – après avoir détruit la plupart de ses œuvres précédentes – et au cours des cinq années qui suivirent, il développa son propre style de Colour Field Painting: un style qui correspondait à son point de vue, à une époque d’incertitude morale et d’insécurité physique., le seul sujet légitime pour un artiste était le "sublime". Ce concept d’un standard d’excellence absolu, ou de "grandeur" créatrice, l’inspirerait pour l’essentiel de sa carrière. Cela a également incité le critique d’art britannique David Sylvester (1924-2001) à écrire sur la "grandeur cosmique" de Newman et le "pathos cosmique" de Mark Rothko.

En 1946, la galerie Betty Parsons a commencé à le représenter. En 1947, il organisa pour la galerie une exposition intitulée The Ideographic Picture, qui présentait des peintures de Mark Rothko, Still et Hans Hofmann (1880-1966). Dans cette activité, entre autres, Newman recherchait une forme d’art qui serait plus éternelle que quelque chose emprunté à la nature, qui pourrait dater ou se détériorer. L’année suivante, il écrivit un important article sur la peinture par champs de couleurs, intitulé "Le sublime, c’est maintenant" (1948). La même année, il produit Onement I (MoMA, New York), une toile rouge sombre divisée de haut en bas par une seule bande de couleur rouge clair. Ces bandes (Newman les appelaient zips) sont devenues une caractéristique régulière de son travail.

Il a utilisé ces fermetures à glissière comme un appareil, avec ses vastes champs de riches Couleur, pour l’aider à "se connecter" avec le spectateur, et vice versa. Parmi les autres œuvres similaires figurent Be I (1949, The Menil Collection, Houston, Texas) et Covenant (1949, Hirshorn Museum and Sculpture Garden). En outre, il a écrit des articles propageant ses vues philosophiques sur l’esthétique contemporaine dans plusieurs publications, notamment "Tiger’s Eye", où il était rédacteur en chef adjoint. De cette manière, il s’est construit peu à peu une réputation de porte-parole plutôt controversé de art d’avant-garde. Il a également rejoint Baziotes, Rothko, Motherwell et le sculpteur David Hare (1917-1992) pour fonder l’ école Subjects of the Art, un projet éducatif visant à promouvoir art moderne, qui s’est malheureusement effondré dans les 12 mois.

Rejet et crise cardiaque

Ses nouvelles images ont été exposées pour la première fois au public à la Betty Parsons Gallery, en 1950, et ont provoqué une réaction principalement négative. Une peinture a même été dégradée. Une deuxième exposition individuelle au même endroit a eu lieu en 1951, avec des résultats similaires. Désillusionné, Newman quitta la scène de la galerie et, pendant les trois années suivantes (1952-1955), son travail ne fut exposé nulle part. Il continua cependant à travailler, bien que son style particulier l’isolât un peu du gesturalisme traditionnel de ses collègues. En 1956, il cesse de peindre et en 1957, il subit une crise cardiaque.

Contributeur majeur à l’expressionnisme abstrait

Étonnamment, il a rebondi. Dans un contexte d’orthodoxie changeante dans le monde contemporain art abstrait, il commence à travailler sur une série de 14 images en noir et blanc – Le chemin de croix (1958-1966) – que beaucoup considèrent comme sa plus grande réussite. Sous-titré " Pourquoi m’as-tu abandonné? ", Mots du Christ sur la croix, la série est considérée par certains comme une référence aux victimes de l’Holocauste. (Voir également Art de l’Holocauste.) En 1959, le critique d’art influent Clément Greenberg (1909-94) organisa une exposition personnelle à son intention chez French & Company, une exposition qui contribua de manière déterminante à la réhabilitation de Newman en tant que contributeur majeur à l’expressionnisme abstrait.

Dans les années 1960, Newman commence à explorer les lithographies, comme dans ses 18 Cantos (1963-1964), et sculpture. Ce dernier présentait une série de grandes sculptures en acier aux fûts élancés rappelant les fermetures à glissière de ses peintures. Son œuvre sculpturale la plus connue est probablement Broken Obelisk (1963-1939, MoMA, NYC), un obélisque à l’envers dont la pointe est située au sommet d’une pyramide.

À partir du début des années 1960, son travail commence progressivement à être représenté dans plusieurs expositions importantes de peinture expressionniste abstraite, même s’il était particulièrement sensible au sens correct donné à son travail, attribut qui l’a fait décliner l’offre de participation à l’exposition de 1962 sur l’ abstraction géométrique présentée au prestigieux Whitney Museum of American Art. En 1966, le musée Samuel R Guggenheim présente à Newman sa première grande exposition de musée présentant son chemin de croix. Il a ensuite fait appel à un certain nombre de peintures exceptionnellement grandes, caractérisées par des couleurs pures et vibrantes, telles que sa série Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue (1966-198) et Anna’s Light de 28 pieds sur 9 pieds (1968). Il a même exploré le genre de la toile en forme, en peignant un certain nombre de toiles triangulaires.

Champ de couleurs de deuxième génération et abstraction post-picturale

À la fin des années 1950, influencé par les œuvres de Newman et par les peintures colorées de Helen Frankenthaler (b.1928), un groupe d’expressionnistes abstraits de deuxième génération, y compris Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (b.1924) et Jules Olitski (b.1922) – ont commencé à imiter et à développer le style Newman de Colour Field Painting, en mettant l’accent sur la suppression de tous les éléments subjectifs, y compris les coups de pinceau. En temps voulu, ils ont été suivis par plusieurs autres artistes, dont Frank Stella (né en 1936), Joan Mitchell (1926-92), Richard Diebenkorn (1922-93) et Gene Davis (1920-85). Cette tendance à la peinture décorative et formaliste – dont Newman fut en grande partie un catalyseur pionnier – fut surnommée Abstraction Post Painterly Clément Greenberg, qui organisa en 1964 une exposition spéciale consacrée au nouveau style au Los Angeles County Museum of Art. Au fil du temps, le nouvel idiome est devenu un style simplifié, encore plus formaliste, minimalisme.

Héritage

Sans Newman, il est tout à fait concevable que Color Field ait évolué de manière fondamentalement différente. Surpris peut-être par le célèbre peintre au mercure Jackson Pollock et par Mark Rothko, un artiste plus lyrique et expressif né en Russie, et plus lent pour être apprécié par critiques d’art que Clyfford Still, Barnett Newman eut une profonde influence sur toute une génération de peintres des années 1960, y compris des artistes majeurs comme Frank Stella et Donald Judd. Mais même aujourd’hui, malgré le travail de la Fondation Barnett Newman, créée en 1979 pour promouvoir la compréhension de son travail, le sens d’une grande partie de sa peinture reste obscur. Le mysticisme juif, l’Ancien Testament, l’anarchisme et les rappels de l’Holocauste ne sont que quelques-uns des facteurs évoqués comme source d’inspiration pour ses peintures.

Le 4 juillet 1970, Newman est décédé d’une crise cardiaque à New York.

On peut voir des peintures de Barnett Newman dans beaucoup de meilleurs musées d’art à travers le monde.