Georges Braque, fondateur du cubisme:
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Pour l’analyse d’œuvres de peintres cubistes comme Georges Braque,
voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Biographie

Un personnage clé du moderne Peinture française on se souvient surtout de l’artiste Georges Braque pour son art abstrait, notamment son travail de pionnier sur Cubisme – un des mouvements les plus révolutionnaires et les plus influents de art moderne – qu’il a fondé à la fin des années 1900 en collaboration avec Pablo Picasso (1881-1973). Adepte du fauvisme au début, Braque fut grandement influencé par le travail de Paul Cézanne, ce qui le conduisit à initier un type de prototype de peinture cubiste dans des paysages qu’il a achevés à l’Estaque. Il a ensuite collaboré étroitement avec Picasso, avec lequel il a formulé le cubisme analytique et, plus tard, le cubisme synthétique . Parmi les peintures les plus remarquables de Braque, on peut citer: Les maisons de L’Estaque (1908, Berne); Big Nude (1907-8, collection privée); Les Portugais (1911, Kunstmuseum, Basel); L’homme à la guitare (1911, Museum of Modern Art, NY); Le musicien (1917-18, Kunstmuseum, Basel); Fruit sur une nappe avec un plat à fruits 1925, (Musée national d’art moderne, Paris); et Femme à la mandoline (1937, MoMA, NY). Un des grands peintres abstraits du XXe siècle, Braque fut exceptionnellement novateur au début de sa carrière, produisant des œuvres impliquant collage, papier colle, gravure et sculpture. Il a également été influencé par Primitivisme / Art Primitif. Son genre de prédilection reste cependant la nature morte, comme en témoignent de nombreuses œuvres cubistes, ses séries Guéridon (1927-1930) et Atelier (1949-1955). En effet, il doit être parmi les meilleurs peintres de nature morte de l’ère moderne. Il était associé à la Ecole de Paris .

Jeunesse

Braque est né dans une famille de la classe ouvrière et a passé son enfance au Havre avant de commencer à travailler comme peintre et décorateur, un métier que son père et son grand-père avaient tous les deux exercé. Il n’a reçu aucune formation artistique en tant qu’artiste, tout en autodidacte, mais son apprentissage est évident dans sa connaissance des matériaux et dans son approche ouvrière et délibérément réaliste des peintures de sa période cubiste et plus tard. En 1900, il s’installe à Paris où, à l’hiver 1905-1906, il devint disciple de Le fauvisme. Il a plus tard admis qu’il était Henri Matisse (1869-1954) et André Derain (1880-1954) qui lui ont ouvert de nouvelles voies en peinture. En 1906, après avoir produit plusieurs peintures expressionnistes, il est resté à Anvers avec le camarade fauviste Othon Friesz et à l’été de 1907, il se dirigea vers le sud jusqu’à La Ciotat et à l’Estaque où il peignit une série de petits paysages marins dans un élégant style fauviste (La Ciotat, 1907, Musée national d’art moderne, Paris).

Cubisme prototype

À la fin de 1907, deux événements ont amené Braque à changer radicalement de cap: l’exposition rétrospective consacrée à la fin des années 80. Paul Cezanne (1839-1906) au salon d’ automne – où il vit des œuvres comme Les grandes baigneuses ) Les Grandes Baigneuses) – et sa rencontre avec Pablo Picasso (1881-1973), dont la peinture radicale Les Demoiselles d’Avignon (1906-7, MoMA, New York) l’affecta profondément. Le grand Nu Debout (1907, Paris, collection privée) qu’il a peint cet hiver montre cette double influence et peut-être aussi celle de Art africain. Au cours de l’été suivant, il peint à L’Estaque une série de paysages dans lesquels la couleur est simplifiée et dans lesquels la perspective et le design sont réduits à quelques formes géométriques compactes – les cubes que le critique d’art Louis Vauxcelles a fait remarquer lorsque les peintures ont été exposées à la galerie de Kahnweiler en novembre 1908 ) Maisons de l’Estaque 1908, Kunstmuseum, Berne).

dans le peinture de paysage qu’il a achevé en Normandie en 1908 et à La Roche-Guyon ) Château de la Roche-Guyon, 1909, collection privée), les formes utilisées sont moins farouchement opposées et se présentent davantage comme une mosaïque d’avions. En effet, Braque essayait à l’époque de peindre l’espace entre les objets, au lieu de les interpréter en les modelant dans l’espace, comme le fait la perspective traditionnelle; c’était pour lui le but principal du cubisme. Cette «recherche d’espace» cubiste l’a amené à abandonner des paysages pour une nature morte qui semblait lui offrir un espace presque tactile et reflétant, comme il le disait lui-même, son envie de toucher plutôt que de voir les choses. Les natures mortes qu’il peint en 1910 se caractérisent par leurs couleurs austères et par la disposition des éléments constitutifs des objets sur un seul plan ) Violin & Candlestick, 1910, Musée d’art moderne de San Francisco; Glass on the Table, 1910, collection privée).

Cubisme Analytique

À partir de la fin de 1909, Braque collabore étroitement avec Picasso et les deux hommes formulent ensemble les théories de Cubisme Analytique . En fait, leurs relations de travail étaient si proches qu’il est difficile de distinguer la contribution de chacun. De Braque nature morte peinture, typiquement des instruments de musique, sont devenus de plus en plus simplifiés, avec des objets divisés en facettes dures et brillantes suggérant une vue simultanée de leurs divers aspects. Dans ses peintures de 1911, les volumes sont aplatis et réduits à une géométrie aux angles aigus et aux courbes à peine perceptibles, tandis que des coups de pinceau brisés sont utilisés pour unifier la surface du tableau et lui donner un aspect dynamique. L’introduction de trompe l’oeil des caractéristiques, telles que le lettrage, en plus de servir à des fins décoratives, améliorent l’aspect physique de la toile vue comme une surface de peinture ) The Portuguese, 1911, Kunstmuseum, Basel). Un autre ouvrage important de cette période est Man with a Guitar, 1911 (MoMA, NY), considéré comme l’un de ses chefs-d’œuvre.

Cubisme synthétique

En 1912, en attachant trois papiers peints au dessin Fruit Dish and Glass (dessin, collection privée), il introduisit le collage dans ses œuvres (ou papier collé). Cette utilisation de papier adhésif coloré, une innovation qui lui a permis de réintroduire Couleur à ses peintures, mais d’une manière qui sépare la couleur de la forme, a signalé la nouvelle étape de Cubisme synthétique ) Programme de guitare et de cinéma, 1913, Collection Picasso), bien que ce terme s’applique plus exactement aux œuvres de Juan Gris (1887-1927) et doit être utilisé avec prudence en ce qui concerne Braque. Ses images de cette période sont remarquables par leur légèreté: composées de structures abstraites de plans superposés, elles suggèrent un espace sans profondeur, sur lequel des objets sont évoqués par quelques marques fragmentées ) Hommage à JS Bach, 1912, collection privée).

Natures mortes: l’art entre les guerres

Braque est mobilisé dans l’armée en 1914 et, après avoir été grièvement blessé l’année suivante, il ne reprend le travail qu’en 1917. Pendant la dernière guerre et entre les deux guerres, il est représenté par Léonce Rosenberg (1879-1947) et plus tard son frère Paul Rosenberg (1881-1959)

Heureusement, à cette époque, en tant que Français qui a cofondé le mouvement cubiste, Braque était déjà reconnu et couronné de succès. À partir de 1918 environ, il abandonna en grande partie les collages et les rigueurs du cubisme pour adopter un style plus personnel, impliquant principalement des natures mortes, jusqu’à sa mort en 1963.

Après la guerre, il commence à peindre des natures mortes dans lesquelles des qualités de bon goût et de dignité triomphent de l’audace et de la vigueur créatrice des années 1907-1914. Les images étaient toujours de style cubiste, avec des objets décomposés en éléments et en plans, puis rassemblés dans des motifs plastiques et décoratifs vigoureux ) The Musician, 1917-18, Kunstmuseum, Basel). Il expérimenta également de grands paysages marins et des scènes de plage avec des bateaux échoués ) Cliffs, 1938, collection privée), rappelant des souvenirs de promenades près de la maison qu’il avait achetées à Varengeville, près de Dieppe, en 1930. La figure humaine apparaît rarement dans les peintures de cette période, sauf dans la belle série de Canephores (1922-1927, inspirée par la convention grecque des personnages avec des paniers sur la tête), l’hommage de Braque au néoclassicisme des années 1920 et probablement une imitation des géants de Picasso.

Pendant l’entre-deux-guerres, Braque s’est imposé comme le principal peintre français, héritier des vertus nationales et dépositaire de la tradition classique, qu’il a ensuite définie dans son Cahier de Georges Braque: 1917-1947. Parallèlement à ce néoclassicisme, le groupe d’œuvres inspirées de l’art et de la culture de la Grèce antique: les eaux-fortes de Théogones d’Hésode (1931), les quatre remarquables moulages en plâtre gravé (platres tombes) sur des thèmes mythologiques, également réalisés en 1931 ) Herakles, Aime Collection Maeght, Paris) et la plupart des sculptures.

En fait, l’art de Braque après 1920 est remarquable par sa cohérence stylistique. La plupart de ses œuvres sont constituées soit d’œuvres relativement petites, soit de grandes œuvres plus ambitieuses, souvent élaborées sur une longue période. Il n’ya pas d’évolution au sens véritable mais plutôt une succession de nouveaux thèmes liés chaque fois à une nouvelle méthode d’expression des relations entre ligne et volume, forme et couleur. Sa série de Guéridons (natures mortes de table) et les natures mortes sombres et richement texturées de 1918-19, qui comportent souvent une grappe de raisin juxtaposée à un instrument de musique ) Still Life with Guitar, 1919, collection privée, St Louis), suivies par des peintures de cheminées et de tableaux de marbre ) Nature morte avec tableau de marbre, 1925, Musée national d’art moderne, Paris) en verts, bruns et noirs, principalement consacrés à l’expression de volumes. Les fruits et les tissus des natures mortes se combinent pour donner des formes arrondies presque baroques dans leur courbe.

Après 1928, les couleurs de Braque ont tendance à devenir plus claires et, en général, ses images sont plus fluides et moins sensuelles ) Blue Mandolin, 1930, City Art Gallery, St Louis). Leur ligne libre et flottante fait écho au cubisme curviligne de Picasso de 1923-1944 ) Still Life with Pipe, Kunstmuseum, Basel). Les deux tendances se sont unies juste avant la guerre pour créer de grandes peintures ornementales aux couleurs vives, pleines d’imagination et d’animation ) Still life with Mandolin, 1938, collection privée, Chicago). En même temps, les figures humaines commencent à réapparaître. Représentés sous deux aspects, plein visage et de profil, correspondant à un côté sombre et un côté éclairé, ils ressemblent aux œuvres antérieures de Picasso ) Le peintre et son modèle, 1939, collection privée, New York).

Les "Ateliers" et autres oeuvres tardives (1942-1962)

L’avènement de la guerre a stimulé la création d’œuvres plus sérieuses, reflétant l’austérité de l’époque ) The Kitchen Table, 1942, Musée national d’art moderne, Paris). Après 1947, la production de Braque fut fréquemment interrompue par la maladie, mais entre 1949 et 1956, il compléta sa série d’ Ateliers : huit toiles qui tentent de résumer les thèmes et les expériences de son travail passé ) Atelier VI, 1950-1, Maeght Fondation, St Paul-de-Vence). Le motif d’oiseau qui apparaît dans certaines de ces peintures réapparaît comme thème de la décoration réalisée par Braque (1952-1935) pour la salle des Etrusques du Louvre. Il semble symboliser son besoin, vers la fin de sa vie, d’échapper au monde clos de toutes ses peintures.

Il a également exécuté des dessins pour vitrail dans la chapelle St Dominique à Varengeville et pour la chapelle St Bernard à la Fondation Maeght à St Paul-de-Vence.

Réputation et héritage

Considéré aujourd’hui comme un géant de art moderne, La renommée de Braque repose essentiellement sur sa contribution au cubisme – la plus importante de toutes mouvements d’art moderne – qui a ensuite influencé de nombreux autres mouvements, y compris Expressionnisme allemand (avant 1914), Futurisme (1909-1914), Delaunay’s Orphisme (1910-13), Larionov’s Rayonisme (1912-14), la courte durée Vorticisme (1914-15), et De Stijl (1917-1931), pour n’en nommer que six. De plus, comme témoin de son génie, Georges Braque est devenu le premier artiste vivant à faire exposer ses œuvres au Louvre en 1961.

Des collections

Comme il sied à l’un des grands Peintres du 20ème siècle, Les œuvres de Braque sont suspendues meilleurs musées d’art en Europe et aux États-Unis, y compris le Musée d’art moderne de New York, le Musée national français d’art moderne du Centre Pompidou à Paris, le Kunstmuseum de Berne et le Moderna Museet de Stockholm, ainsi que dans la plupart des grandes galeries autour du monde.

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