Paul Cezanne, peintre français: Biographie, Peintures Automatique traduire

NOTE: Pour l’analyse d’œuvres de peintres modernistes comme Cézanne,
s’il te plait regarde: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Sommaire

Un contributeur important à la fois Impressionnisme et son mouvement successeur Post-impressionnisme, le peintre français Paul Cézanne est souvent appelé le "père de l’art moderne". Son innovation dans les domaines de la composition, de la perspective et de la couleur a conduit à la transition de l’art du 19ème siècle au 20ème siècle. Picasso a dit qu’il était "mon seul et unique maître… Cézanne était comme notre père à tous". Influencé par l’impressionniste Camille Pissarro, Cézanne se spécialise dans peinture de paysage – voir sa série de Peintures Mont Sainte-Victoire (1882-1906) – et nature morte peinture. Au cours de sa période tardive, il a également créé un sublime portrait d’art, comme illustré par les chefs-d’œuvre Les joueurs de cartes (1892-6); Femme avec une cafetière (1890-5); Homme fumant une pipe (1892); Le garçon au gilet rouge (1889-1890); Dame en bleu (1900); et le classique Jeune femme italienne s’appuyant sur son coude (1900). En outre, son important travail de art moderne intitulé Les grandes baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1898-1905) a eu une influence énorme sur le Cubisme de Picasso et Braque.

Premiers jours et formation

Paul Cézanne est né à Aix-en-Provence en 1839. Son père était un riche banquier et marchand. Il a commencé à s’intéresser à l’art très tôt dans la vie, mais son père était déterminé à poursuivre une carrière plus stable.

De 1852 à 1858, Cézanne reçut une solide formation en sciences humaines au collège Bourbon d’Aix. Ici, il est devenu un ami d’Emile Zola. En 1859, il étudia le droit à l’université d’Aix mais ne dura qu’un an avant d’avouer à son père qu’il souhaitait s’installer à Paris et travailler comme artiste. Il était fortement encouragé dans cette décision par son ami d’enfance, Emile Zola, qui vivait déjà dans la capitale à l’époque. Le père de Cézanne a finalement accepté de financer ce changement de carrière. Les Quatre Saisons (1860, Paris, Petit Palais), avec lesquelles il décora le Jas de Bouffan, une maison de campagne que son père venait d’amener, se caractérisent principalement par une maladresse juvénile.

Cependant, le premier séjour de Cézanne à Paris ne dura que 6 mois. Insatisfait de son talent de peintre, il détruisit la plupart de ses toiles et rentra chez lui rempli de doutes sur lui-même et commença à travailler dans l’entreprise de son père.

Premières peintures: premiers contacts avec l’impressionnisme

Un an plus tard, il a décidé d’essayer de peindre à nouveau. Ses premières œuvres sont sombres et maussades et le restent pendant un moment. Il a échoué aux examens d’entrée à l’ Ecole des Beaux-Arts et le Salon de Paris a également rejeté ses peintures. C’est à peu près à cette époque que Pissarro le présente aux peintres impressionnistes. Manet (1832-1883), Renoir (1841-1919) et Dégazer (1834-1917).

De 1862 à 1869, se déplaçant entre Aix et Paris, Cézanne fut témoin du conflit entre la culture terne des cercles officiels et le réalisme révolutionnaire de Courbet (1819-1877) et le Salon des Refuses de 1863. Le travail de Delacroix (1798-1863), qui associe un sujet traditionnel à un style moderne et pictural, est apparu à Cézanne, lors de l’exposition rétrospective de 1864, pour offrir un style qui lui convenait. Réceptif à toutes ces influences, Cézanne se rend au Café Guerbois pour des réunions et est fasciné par les effets audacieux et émotionnels du travail de Theodore Gericault (1791-1824) et Honoré Daumier (1808-1879).

Cézanne a dirigé ses sentiments excessifs et ses souffrances dans ce qu’il a appelé sa manière de couillard («butch»). À l’aide d’une peinture boueuse, chargée d’épaisses pigments noires, il peint des scènes érotiques et macabres inspirées du baroque italien et de l’art baroque espagnol ) L’Orgie [The Orgy], 1864-18 Collection Lecomte; La Madeleine [La Madeleine ", 1869, Musée d’Orsay et L’Autopsie [La Autopsie], 1876-9, Collection Lecomre).

Ses portraits et peintures de natures mortes ont été examinés avec plus de soin et révèlent une force et une intensité surprenantes ) Le Negre Scipion, 1865, musée de Sao Paulo; Portrait d’Emperaire [Portrait d’Achille Emperaire], 1866, Musee d’Orsay; La pendule au marbre noir. 1869-71, collection particulière, Paris). Pendant la guerre franco-prussienne, il séjourna à L’Estaque, peignant des paysages de plages aux couleurs vives ) La Neige fondante à l’Estaque), 1870, Collection Buhrle, Zurich).

En 1870, à 30 ans, son style change. Il rencontra Hortense Fiquet, qui devint sa maîtresse et sa future femme. La morbidité noire qui avait caractérisé ses œuvres à ce jour a disparu et comme son Couleur palette est devenue plus légère, il a tourné son attention vers les paysages. Cette période est dite "constructive" et se caractérise par des coups de pinceau éclos.

Expositions avec impressionnistes

En 1872-3, après la naissance de son fils, Cézanne s’installa à Auvers-sur-Oise, près de Camille Pissarro (1830-1903) qui devait exercer une influence considérable. Les deux hommes ont passé du temps à peindre ensemble. Pissarro l’initie à l’impressionnisme et son travail est exposé aux côtés de l’autre Peintres impressionnistes dans la désormais célèbre exposition de 1874, tenue dans les studios que le photographe Nadar venait de quitter au 2e étage du 35 boulevard des Capucines et qu’il leur a gentiment prêtés.

En sécurité dans sa vie personnelle avec Hortense Fiquet et avec ses amis Pissarro, Armand Guillaumin (1841-1927) et le Dr Gachet, il a peint des paysages comme Maison du pendu ) ) Maison du Pendu) (1873, Musée d’Orsay) et des natures mortes comme le Buffet au Musée de Budapest (1873-7) qui révèlent une vision très personnelle.

Conserver une analyse psychologique pour ses autoportraits stimulants et passionnants (Collection Lecomte 1873-6; Collection Phillips, Washington, 1877), Cézanne se concentre dans ses autres travaux sur la capture des subtilités du volume et du ton. La disposition géométrique de Madame Cézanne au Fauteuil Rouge (Madame Cézanne dans un fauteuil rouge) (1877, Museum of Fine Arts, Boston), le dialogue serein de Nature Morte au vase et aux fruits (1877, Metropolitan Museum), la disposition des arbres et de l’eau dans son calme Pont de Maincy (1879, Musée d’Orsay) – tous montrent une préoccupation pour la forme et la composition. Les variations rythmiques et les corps délibérément stylisés de Lutte d’amour (1875-6, collection privée, Washington) et des Bathers, homme et femme, qu’il commença dès lors à peindre, rappellent Rubens et Titian.

Remarque: pour comparer la peinture impressionniste traditionnelle à celle de Cézanne, voir: Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910.

En 1877, Cézanne présenta 16 huiles et aquarelles lors de la troisième exposition impressionniste dans l’appartement vide Gustave Caillebotte (1848-1894) avait loué au 6 rue Le Peletier pour l’occasion. Cette fois, le spectacle s’intitulait hardiment "Exposition d’impressionnistes" malgré l’opposition de Degas (1834-1917) et devait rester le plus important de tous les spectacles du groupe. Il comprend 230 œuvres de dix-huit peintres, mais celles de Cézanne (et Alfred Sisley) étaient une révélation. Méconnu et méprisé jusqu’à présent, il recevait un respect exceptionnel de la part de ses camarades, qui avaient laissé de côté tout un mur de la salle centrale pour ses peintures à l’huile (natures mortes, paysages et portrait de Chocquet) et ses aquarelles. Malheureusement, malgré tous ces efforts et l’intérêt accru du public, peu de peintures se sont vendues. Déprimé par cette réception et offensé par les ricanements de la presse et du public, Cézanne a cessé d’exposer avec ses amis et collègues.

Cependant, il ne jouit plus de succès avec le jury officiel du Salon, qui rejeta chaque année les soumissions de Cézanne de 1864 à 1881. Finalement, en 1882, suite à l’intervention d’un ami, il accepta les soumissions de Cézanne. Portrait de Louis-Auguste Cézanne, père de la Artiste, (1866, National Gallery of Art, Washington, DC), qui était sa première et dernière exposition.

Développement postimpressionniste

Au début des années 1880, Cézanne et sa famille s’installèrent en Provence, où ils restèrent jusqu’à son décès, à l’exception de brefs voyages dans son pays et à l’étranger. Cette décision marque une rupture nette avec l’impressionnisme centré sur Paris et reflète la préférence de Cézanne pour son sud natal.

De temps en temps, Cézanne se rendait à Paris où il était parfois vu au café Nouvelle-Athènes. Le plus souvent, cependant, il était en province: avec Zola à Medan en 1880; Wirh Pissarro à Pomoise en 1881; avec Renoir (1841-1919) à La Roche-Guyon, puis à Marseille, où il rencontre Adolphe Monticelli (1824-86), favori de Napoléon III, en 1883; avec Claude Monet (1840-1926) et avec Renoir à L’Estaque en 1884. C’était une période de maturité fertile, lorsque Cézanne s’éloigna des Impressionnistes, perfectionna son travail au pinceau et travailla sans cesse aux mêmes motifs.

Bien que Pissarro ait continué à peindre fidèlement à la nature, Cézanne a commencé à réagir contre un tel manque de structure. Il a dit qu’il voulait créer quelque chose de "solide et durable, comme l’art des musées". Il a tourné son attention vers la nature morte, peignant plus de 200 ans, tout en démontrant son analyse de la nature, affirmant que la forme géométrique sous-jacente la plus commune est le «cylindre, la sphère et le cône». ) Pommes et Oranges, 1895-1900, Musée d’Orsay).

Il voulait «faire Poussin de la vie» en traitant la nature «avec un cylindre et une sphère». En conséquence, il choisit des sujets de la nature, parmi lesquels Gardanne (1886, Barnes Foundation, Merion), les rochers à Aix (1887, Tate Gallery, Londres) et la mer à L’Estaque (1882-1895, Metropolitan Museum and Musee d’Orsay (1886-90, Art Institute of Chicago), ont été soumis à un processus d’analyse reposant en partie sur des principes géométriques (cylindre, sphère et cône, etc.) et en partie sur le désir de libérer le support de la peinture de son fonction descriptive. La légère harmonie de Vase bleu (1883-7, musée d’Orsay) semble conserver la finesse de ses aquarelles, avec son rythme contrôlé et ses lignes fines.

Cézanne en a réalisé plus de 400 mais, en dehors d’un petit cercle de collectionneurs comprenant Renoir et Degas, elles sont restées inconnues jusqu’au revendeur. Ambroise Vollard (1866-1939) les a exposées en 1905. Elles comprennent des œuvres remarquables telles que La Route (The Road) (1883-7, Art Institute of Chicago); Le Lac d’Annecy (1896, City Art Gallery, St Louis, Missouri); Trois Cranes (Three Skulls) (1900-1966, Art Institute of Chicago); et le pont des Trois-Sautets (1906, musée de Cincinnati).

Irritable, provocant et, à partir de 1886, de plus en plus isolé (son père était décédé cette année-là et il avait rompu ses relations avec Zola, dont l’Oeuvre, qui l’avait partiellement utilisé comme modèle, l’avait blessé), Cézanne était maintenant connue. à seulement quelques intimes. Mais bien que mystérieux, il avait une certaine renommée. le Nabis , dirigé par Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Sérusier (1865-1927) et Maurice Denis (1870-1943) sont désormais profondément influencés par lui.

En 1890, Cézanne était devenu si reclus que les peintres parisiens pensèrent qu’il était mort. En 1886, il avait hérité du domaine familial avec environ 400 000 francs (400 000 dollars) de son père, ce qui en faisait un homme riche. Malheureusement, il a également contracté le diabète, ce qui a causé de grandes difficultés dans ses relations avec Hortense (qu’il avait épousée en 1886) et sa famille. D’un point de vue artistique, ce n’est qu’au milieu des années 1890 que ses œuvres ont commencé à attirer les applaudissements mérités qu’elles méritaient. Ambroise Vollard organise une exposition de ses œuvres en 1895. Cela fait 20 ans que ses œuvres ont été vues dans la capitale. Les 100 peintures présentées ont beaucoup attiré l’attention et ont eu pour résultat une augmentation significative de la valeur de son travail. En 1897, Vollard achète chaque tableau dans son atelier. En 1900, il expose trois œuvres à l’Exposition universelle: le musée de Berlin en achète une.

Voir aussi le collectionneur d’art Duncan Phillips (1886-1966), collectionneur passionné de Bonnard et de Cézanne.

Chefs-d’œuvre finaux

Entre 1890 et 1900 environ, Cézanne produit un ensemble d’œuvres majeures de Peinture post-impressionniste que, contrairement au monde brillant et éphémère des impressionnistes, se voulait "quelque chose de solide, comme l’art des musées". Dans la largeur de La femme à la cafetière (1890-1905, Musée d’Orsay), dans le dynamique et magistral Mardi Gras (1888, Musée Pouchkine), ou dans l’importante série de Les Joueurs de cartes, probablement inspirée par le travail de Le Nain Brothers au musée d’Aix (1890-1845, versions conservées dans divers musées), Cézanne montre toute l’étendue de son génie. Une analyse souvent chargée d’émotion caractérise Le garçon au gilet rouge (1890-1825, Fondation EGBuhrle et autres musées), L’ homme fumant la pipe (1890, musée de l’Ermitage), Le portrait d’Ambroise Vollard (1899, Petit Palais, Paris) et – un de son plus peintures de paysages célèbres – Le Lac d’Annecy (1896, Courtauld Institute Galleries, Londres). Lady in Blue (1900, Hermitage) et la jeune italienne se penchant sur son coude (1900) sont deux autres joyaux de la période finale de Cézanne. Ce portrait classique a été acheté par Matisse et se trouve maintenant au musée J.Paul Getty.

Admiré par les jeunes peintres (Bemard Camoin lui a rendu visite alors Salon des Indépendants de 1901, Maurice Denis expose son Hommage à Cézanne), et finalement reconnu au Salon d’Automne de 1903, Cézanne continue de travailler sur les thèmes qui l’obsèdent. Il produisit d’innombrables versions de la figurative Les Baigneurs (1900-1975, Barnes Foundation, Merion; National Gallery, Londres) – aboutissant à son chef-d’œuvre, Les grandes baigneuses ) Grandes Baigneuses) (1898-1905, Londres / Philadelphie) – ainsi que paysages de la montagne Sainte-Victoire (1882-1906, versions dans plusieurs musées), monument connu près d’Aix.

Avec un pinceau allusif et nerveux, il créa dans le peu de temps qui lui restait la vibration onirique du Château Noir (versions au Musée Pouchkine de 1906; Musée des Arts de Philadelphie; Collection Buhrle de Zurich).

Bien que sa santé se soit détériorée plus tard dans la vie, Cézanne a tout de même fait le court voyage dans son atelier pour peindre tous les jours. Il voyageait généralement en calèche et un jour, furieux de l’augmentation du prix du billet, il décida de marcher. Il a commencé à pleuvoir, il a attrapé un frisson qui s’est transformé en pneumonie. Une semaine plus tard, en octobre 1906, il mourut.

Héritage, réputation d’artiste

L’influence de Cézanne sur le histoire des arts était énorme. Un maître de la plupart genres de peinture, son utilisation de la couleur avait quelque chose en commun avec les post-impressionnistes comme Paul Gauguin (1848-1903) et Van Gogh (1853-1890). Mais c’est sa recherche constante d’une structure sous-jacente à la composition qui a ouvert la voie à la révolution de l’art abstrait au XXe siècle. Il s’interroge constamment sur ce qu’il a vu et comment il l’a représenté sur une toile, une approche poursuivie après sa mort par des artistes de natures mortes comme Giorgio Morandi (1890-1964), Georges Braque (1882-1963) et Juan Gris (1887-1927). Une rétrospective de 57 peintures a eu lieu en 1907 à la Salon d’Automne , qui a exercé une énorme influence sur Picasso et Braque qui étaient en train de formuler leurs prototype de cubisme, ainsi que le peintre Worpswede Paula Modersohn-Becker (1876-1907) et beaucoup d’autres.

Un personnage clé de Peinture française, La vision de Cézanne a été exploitée par une grande variété de artistes modernes, des fauvistes aux cubistes. Il a été promu en Angleterre par des expositions post-impressionnistes organisées par Roger Fry en 1912 et 1913. La conception de Cézanne apparut dès lors, et pendant un temps considérable, comme le point de départ de toute analyse picturale.

Des collections

Le travail de Cézanne comprend environ 900 peintures et 400 aquarelles et est représenté dans la plupart des meilleurs musées d’art dans le monde entier, notamment le Musée d’Orsay, la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvanie), le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art (New York), ainsi que le Courtauld Institute et la National Galllery (Londres). En outre, à la suite de la nationalisation des collections rassemblées par Sergei Shchukin (1854-1936) et
Ivan Morozov (1871-1921), des œuvres de Cézanne se trouvent à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Les plus grandes peintures de Cézanne

Voici une courte sélection de ce que nous croyons être les plus belles images de Paul Cézanne.

Figuratif
Portrait de fortune Marion (1867-8) Kunstmuseum, Basel.
Portrait d’Achille Emperaire (1868) Musée d’Orsay.
Madame Cezanne dans un fauteuil rouge (1877), musée des beaux-arts, Boston.
Femme à la cafetière (1890) Musée d’Orsay.
Garçon au gilet rouge (1888-90) Collection EGBuhrle, Zurich.
Portrait du fils de l’artiste (1890) National Gallery of Art, Washington DC.
Madame Cezanne dans la serre (1892) Metropolitan Museum of Art, NY.
Homme fumant une pipe (1890-1755) The Hermitage, Saint-Pétersbourg.
Les joueurs de cartes (1890-1845) Versions dans plusieurs musées.
Vieille femme au chapelet (1895) National Gallery, London.
Portrait d’Ambroise Vollard (1899) Petit-Palais de la Ville de Paris.
Lady in Blue (1900) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Jeune fille italienne s’appuyant sur son coude (1900) Collection privée.
Les grandes baigneuses (1895–1906) Barnes / Philadelphia Museum / NG London.

Paysages
Fonte des neiges à l’Estaque (1870) Collection EGBuhrle, Zurich.
Le pont de Maincy (1879) Musée d’Orsay, Paris.
Mont Sainte-Victoire (1882-1895) Versions dans plusieurs musées.
Les rives de la Marne (1888) Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou.
Lac d’Annecy (1896), Courtauld Institute Galleries, Londres.
Paysage bleu (1904-1906) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Chateau Noir (1904-6) Versions dans plusieurs musées.

Des vies encore
Nature morte avec vase de fruits (1877) Metropolitan Museum, NY.
Poires sur une chaise (1879-1880) Barnes Foundation, Philadelphia.
Fleurs et fruits (1886) Musée de l’Orangerie, Paris.
Le panier de pommes (1890-1894) Art Institute of Chicago.
Fruit et pot sur une table (1890-1846) Museum of Fine Arts, Boston.
Nature morte, draperie, pichet, corbeille de fruits (1894) Whitney Museum, Art américain.
Nature morte avec un chérubin (1895), Courtauld Institute Galleries, London.
Ginger Jar et Fruit (1895-1900), Fondation Barnes, Philadelphie.
Pommes et Oranges (1895-1900) Musée d’Orsay.

Auto-portrait
Portrait de l’artiste avec un fond de rose (1875) Collection privée.
Autoportrait au chapeau melon (1883-1885) Collection privée.
Autoportrait au béret (1898-1900), musée des beaux-arts, Boston.
Autoportrait (1873-6) Musée d’Orsay.
Autoportrait (1879-1882) Kunstmuseum, Bern.

Aquarelles
The Road (1883-7) Institut d’art de Chicago.
Lac d’Annecy (1896) City Art Gallery, St Louis, Missouri.
Trois crânes (1900-1966) Art Institute of Chicago.
Pont des Trois-Sautets (1906) Musée de Cincinnati.