Damien Hirst: leader des jeunes artistes britanniques 
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Biographie
Né à Bristol en 1965, Hirst a grandi à Leeds avec sa mère et son beau-père. Pas un étudiant universitaire, il a échoué à la plupart de ses examens, grattant à peine deux notes E de niveau A. Il est allé au Leeds College of Art and Design, bien qu’il ait été rejeté lors de sa première candidature.
Il a ensuite déménagé à Londres, travaillant pendant 2 ans sur des chantiers, avant d’être accepté, lors de sa deuxième candidature en 1986, au Goldsmiths College of Art de l’Université de Londres pour un BA en beaux-arts.
En tant qu’étudiant, il a travaillé dans une morgue, ce qui aurait influencé son intérêt pour le thème de la mort. Il a également commencé à développer une réputation d’activiste infatigable dans la promotion de son art. En juillet 1988, l’étudiant de deuxième année, Hirst, organisa «Freeze», une exposition d’art étudiant dans un bloc désaffecté dirigé par la London Docklands Development Corporation (LDDC), qui parrainait également l’exposition.
Parmi les visiteurs prestigieux du salon figurait le collectionneur multimillionnaire Charles Saatchi. La propre exposition de Hirst était un groupe de boîtes en carton décorées avec de la peinture pour la maison.
Percée: Charles Saatchi achète les installations de Hirst
Diplômé de Goldsmiths en 1989, Hirst participa pour la première fois à de nombreuses expositions d’art, mais sa première percée fut en 1990 lorsqu’il organisa (avec Carl Freedman et Billee Sellman) deux expositions "entrepôts", intitulées "Modern Medicine" et "Gambler". ’. Charles Saatchi est arrivé à la deuxième exposition de sa Rolls Royce et – selon un artiste – restait bouche bée devant l’étonnement devant l’installation de Hirst A Thousand Years. (Il s’agissait d’une grande vitrine dans laquelle des mouches et des mouches se nourrissaient des restes en décomposition de la tête d’une vache. Remarque: Hirst reconnaît souvent l’impact de Francis Bacon sur ses œuvres, notamment l’obsession pour les images viscérales et les cadavres en décomposition. Bacon lui-même a vu Mille ans à la galerie Saatchi et en a parlé à un ami avant sa mort.). Saatchi a immédiatement acheté la pièce, initiant ainsi une longue et fructueuse relation commerciale entre mécène et artiste.
La première exposition solo de Hirst
En 1991, Hirst organisa sa première exposition personnelle «Dial, In and Out of Love», organisée dans un magasin vacant à Londres et organisée par Tamara Chodzko. Plus d’expositions personnelles suivies à l’Institute of Contemporary Arts de Londres et à la galerie Emmanuel Perrotin à Paris. En outre, The Serpentine Gallery a organisé «Broken English» une exposition collective présentant la nouvelle génération d’artistes. C’est également au cours de cette période que Hirst a fait connaissance avec le marchand de beaux-arts en plein essor Jay Jopling, nouant ainsi une autre relation commerciale importante et à long terme.
L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit de quelqu’un de vivant
Après son achat de mille ans, Saatchi avait offert de financer toute œuvre d’art que Hirst souhaitait créer. Le résultat (qui coûta 50 000 £ à Saatchi) fut l’ impossibilité physique de mourir dans l’esprit de quelqu’un de vivant, un requin-tigre (qui coûtait 6 000 £) mariné dans du formaldéhyde dans une vitrine exposée en 1992 dans le cadre du premier British Arts (YBA) Exposition à la Galerie Saatchi d’art contemporain à Londres. Hirst a été nominé pour le Turner Prize cette année-là, mais il a été attribué à l’artiste Grenville Davey.
En 1993, Hirst reçut sa première grande exposition internationale à la Biennale de Venise avec son travail Mother and Child Divided, une vache et son veau coupés en morceaux et exposés dans des vitrines séparées. En 1994, sa pièce Flock, un mouton flottant dans une cuve de formaldéhyde, a été exposée à la Serpentine Gallery de Londres. Un artiste voyou, Mark Bridger, est entré dans la galerie un jour et a versé une boîte d’encre noire dans le réservoir et a renommé l’œuvre «Black Sheep». Il a ensuite été poursuivi et la sculpture restaurée.
Gagnant du prix Turner
En 1995, Hirst a finalement reçu le prix Prix Turner pour la troisième installation de pharmacie, bien que ses travaux continuent de choquer le public. Sa sculpture Two F --- and Two Watching, une vache et un taureau pourrissants, a été interdite à New York par crainte de «vomissements parmi les visiteurs».
En 1997, il participe à l’exposition Sensation de la Royal Academy avec d’autres jeunes artistes britanniques tels que Tracey Emin et Marcus Harvey. Mille ans et d’autres œuvres de Hirst ont été inclus. Le spectacle a suscité beaucoup de controverses, en particulier sur le réel signification de l’art. Néanmoins, cela démontrait que les YBA faisaient officiellement maintenant partie de l’établissement. Voir également Gagnants du prix Turner.
Pendant le reste des années 1990, les œuvres de Hirst continuèrent à gagner en popularité. Le thème de la vie et de la mort a continué à imprégner sa production. Comme l’artiste Andy Warhol (et pas à la différence des maîtres anciens au succès commercial tels que Michelangelo, Giovanni Bellini et Titian, et des peintres baroques comme Peter Paul Rubens), il agrandit son atelier pour y embaucher des assistants pour l’aider à peintures d’art. Cela a conduit à une controverse sur l’authenticité de certaines de ses œuvres. En fait, il a lui-même admis n’avoir peint que cinq de ses peintures «Spot», car «je ne pouvais pas être fâché de le faire». Il a qualifié ses propres efforts de "merde" et que l’un de ses assistants, Rachel, était bien meilleur à cet égard. Il a affirmé que "le meilleur tableau que vous puissiez avoir est celui que j’ai peint, celui peint par Rachel… la seule différence entre un de ceux peints par elle et l’un des miens, c’est l’argent." Inutile de dire que beaucoup ne voient pas Hirst critiques d’art comme l’un des plus grands Peintres du 20ème siècle !
Le premier one-man-show de hirst à new york
En septembre 2000, Larry Gagosian, fan d’artiste américain néo-pop Jeff Koons (1955), a organisé une exposition personnelle pour Hirst à New York intitulée: «Damien Hirst: modèles, méthodes, approches, hypothèses, résultats et conclusions». L’exposition a attiré 100 000 personnes sur 12 semaines et toutes les œuvres ont été vendues. En avril 2003, la Saatchi Gallery, nouvellement relocalisée, a organisé une exposition intégrant une rétrospective Hirst. Cela a déclenché des tensions dans les relations entre les deux hommes, à savoir qui était le plus responsable de l’amélioration de leur profil articulaire. Dans un élan, Hirst a critiqué Saatchi, déclarant: "Il ne reconnaît l’art qu’avec son portefeuille… il croit pouvoir affecter les valeurs de l’art avec le pouvoir d’achat, et il croit toujours qu’il peut le faire." Les retombées auraient anéanti les perspectives d’une rétrospective Hirst à la Tate Modern. En outre, peu de temps après, Hirst a racheté 12 œuvres à Saatchi (un tiers des premières œuvres de l’artiste), pour un montant total supérieur à 8 millions de livres, rapportant à son parrain un profit substantiel, tout en préservant valeur marchande de l’œuvre de Hirst. Plus tard en 2003, Hirst organisa à la White Cube Gallery de Londres une exposition intitulée «Romance à l’ère de l’incertitude», qui lui rapporta un gain de 11 millions de livres sterling, portant sa fortune à plus de 35 millions de livres sterling.
Pour l’amour de Dieu
En 2007, pour l’amour de Dieu, le crâne humain de Hirst a été recréé en platine et orné de 8 061 diamants vendus à un consortium comprenant l’artiste et la galerie White Cube pour 50 000 000 £. En 2008, il a pris la décision inhabituelle de contourner les galeries établies en vendant des œuvres directement au public via une vente aux enchères chez Sotheby’s. Les objets principaux de la vitrine comprenaient le veau d’or, un animal avec des cornes et des sabots en or, conservés dans du formaldéhyde, et le royaume, un autre requin tigre conservé. En outre, la vente comprenait des peintures à la tache et à papillons, la plupart incorporant des diamants et des métaux précieux. Plus de 21 000 personnes ont visité le salon préparatoire et les 56 lots se sont vendus pour un total de 111 millions de livres sterling. La vente aux enchères a été couronnée de succès au-delà de toute attente et a établi un record pour une vente aux enchères pour un seul artiste.
Artiste controversé
La controverse entourant Hirst découle de quatre questions: (1) Différences d’opinion concernant la valeur artistique esthétique ou intrinsèque de ses œuvres. (2) Son utilisation de matériaux choquants et sensationnalistes dans ses œuvres. (3) Allégations de manipulation de prix et de pratiques commerciales douteuses. (4) Le fait qu’il soit extrêmement riche, l’un des plus réussis artistes postmodernistes et sans doute le sujet de l’envie de nombreux artistes et critiques.
Damien Hirst a été salué par beaucoup pour avoir galvanisé l’intérêt pour les arts britanniques et pour avoir contribué à créer l’image d’une «Britannia cool». En outre, un grand nombre de professionnels de l’art et d’experts ont rapidement reconnu ses prouesses en matière de commercialisation d’œuvres d’art. Malgré cela, ses critiques ne sont pas moins virulentes. "Depuis 1000 ans, l’art est l’une de nos grandes forces civilisatrices. Aujourd’hui, les moutons marinés et les lits souillés menacent de nous faire tous des barbares." L’artiste Charles Thomson du Stuckist Art Group a écrit à propos des œuvres de Hirst: "Elles sont brillantes et elles sont loufoques – mais il y en a à la fin de la journée." Et dans un documentaire télévisé de 2008 intitulé The Mona Lisa Curse, le critique d’art respecté Robert Hughes a qualifié le travail de Hirst de "tapageur" et "d’absurde". Cependant, malgré les sceptiques, Hirst continue d’être un best-seller et, malgré une rupture avec son ancien patron, Charles Saatchi, ce dernier reste un fervent partisan du talent artistique de Hirst.
Notre point de vue
Dans son auto-promotion et ses efforts généraux pour faire connaître sa peinture, ses sculptures et ses installations, la vérité est que Hirst ne fait pas plus que de nombreux autres artistes célèbres, de Rubens à Salvador Dali. Franchement, la seule différence est qu’il le fait mieux. (On peut dire la même chose à propos de Jack Vettriano.)
Une question plus sérieuse concerne la longévité de ses œuvres et donc sa réputation d’artiste et, par voie de conséquence, le sens de l’art au XXIe siècle. Personnellement, je considère le travail de Hirst comme un simple reflet de la société moderne, qui attache une importance primordiale à la "valeur de l’information". À mesure que les valeurs changent, je pense que l’importance de sa contribution aux arts visuels diminuera au point de devenir une simple curiosité. Son nom durera peut-être un peu plus longtemps, mais je m’attends à ce que peu de gens se souviennent de sa sculpture et de son installation à la mode.
En ce qui concerne ses compétences artistiques, je pense qu’elles sont très surestimées. En outre, sa propre vision de l’art semble confuse et confuse. D’une part, il semble soutenir la notion conceptualiste selon laquelle l’acte créateur réel est l’ idée plutôt que le produit fini. Par ailleurs, beaucoup de ses œuvres portent des titres absurdement prétentieux – indiquant ainsi leur signification exceptionnelle – et un certain nombre d’entre elles sont incrustées ou décorées avec des matériaux de grande valeur – qui n’ont pratiquement pas la même saveur traditionnelle. art conceptuel.
Cependant, l’approche de Hirst vis-à-vis de l’art moderne va tout à fait dans le sens d’un fort désir de gagner de l’argent et d’atteindre une renommée mondiale. Par conséquent, au lieu de discuter de son niveau de compétence créative en tant que sculpteur ou peintre, félicitons-le pour ses compétences exceptionnelles en entrepreneuriat et sa contribution unique à la scène artistique britannique contemporaine. Ses œuvres sont exposées dans plusieurs galeries contemporaines et un ou deux des meilleurs musées d’art dans le monde.
Le dernier mot
Selon Charles Saatchi, éminent collectionneur britannique d’art contemporain, "les livres d’art seront brutaux à la fin du XXe siècle. Tous les artistes autres que Jackson Pollock (1912-1956), Andy Warhol (1928-1987), Donald Judd (1928-94) et Damien Hirst (né en 1965) seront des notes de bas de page. "
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