David Hockney:
artiste de la pop anglaise Automatique traduire

Bel artiste anglais

Le peintre, graveur, photographe et scénographe David Hockney est l’un des artistes anglais les plus réussis et les plus influents. Basé en Amérique depuis une grande partie de sa vie créative adulte, sa réputation repose sur son talent dessin compétences, ainsi que son travail novateur dans le domaine de la gravure et photocollage. Vu comme membre fondateur du British Pop Art mouvement dans les années 1960, il a fait l’objet d’innombrables expositions personnelles dans le monde entier, dont une importante rétrospective itinérante organisée au Los Angeles County Museum of Art, au Metropolitan Museum of Art de New York, à la Tate Gallery de Londres en 1988 et au Royal Académie des arts de Londres (1995-1996).

Bien qu’il ait suscité une certaine controverse en raison de son statut de gay, il reste – avec JMW Turner et John Constable – l’un des artistes anglais les plus populaires, et sans aucun doute le plus célèbre homme du Yorkshire du monde. art contemporain. (Remarque: pour une comparaison avec d’autres peintres, voir: Top artistes contemporains.)

Premiers jours

Né à Bradford, le quatrième de cinq enfants, Hockney a obtenu une bourse d’études au Bradford Grammar School, où sa passion pour l’art l’a motivé à devenir artiste et l’a amené à demander un transfert dans une école d’art. Cela a été accepté à contrecœur par ses parents, mais seulement après qu’il eut démontré la force de ses convictions avec une campagne de non-conformité en classe, griffonnant et dessinant des bandes dessinées sur des cahiers au lieu de travailler pendant ses cours. Il passerait également l’après-midi à l’école du dimanche en dessinant des caricatures de Jésus. En même temps, ses talents artistiques évidents lui valurent des prix et une reconnaissance. À la fin, ses parents ont cédé et l’ont envoyé à la Bradford School of Art , où il a étudié l’anatomie, perspective linéaire et tirant de la nudité, affichant son dessin précoce dans une série de portraits, et peintures à l’huile. Surtout, il a commencé à comprendre que la peinture était un processus de vision et de réflexion plutôt qu’une simple imitation. Ses premières œuvres étaient abstraites alors qu’il admirait les compositions de peintres tels que Francis Bacon, et il se rendait souvent à Londres pour visiter diverses expositions d’art. Il a également commencé à produire sa première couleur lithographies. En 1957, il réussit le diplôme national en examen de conception avec mention, après quoi il effectua ses deux années de service national comme aide-soignant dans un hôpital en raison de son statut d’objecteur de conscience méthodiste. Il a ensuite commencé un cours de troisième cycle au Royal College of Art de Londres, aux côtés de ses camarades étudiants RB Kitaj, Allan Jones, Peter Phillips, Derek Boshier et Patrick Caulfield.

Royal College of Art

Hockney se sentit immédiatement à l’aise dans l’atmosphère et les environs du Collège royal, prospérant dans la parenté d’autres artistes, et entra dans une période importante de découverte de soi. En particulier, il s’est trouvé libre de parler de son orientation de genre avec d’autres hommes gais. Cependant, il était avant tout un étudiant dévoué et très motivé, déterminé à explorer le plus grand nombre possible d’art afin de découvrir son propre style. Ainsi, il s’est d’abord tourné vers le dessin de la vie dans deux études élaborées d’un squelette avant d’expérimenter avec art abstrait. Il cherchait également des moyens d’incorporer un sujet personnel à son art. Cela l’a amené à peindre des œuvres sur sa poésie et son végétarisme préférés, et il a même commencé à incorporer des allusions à son orientation de genre, écrivant des mots tels que "queer" et "amant non orthodoxe" dans certaines de ses images. Ces inscriptions ont rapidement fait place à des déclarations plus évidentes dans une série de peintures réalisées en 1960-1961 sur le thème de l’amour gay, parmi lesquelles We Two Boys Together Clinging (1961). L’impact de son sujet a été renforcé par les figures rudimentaires presque enfantines, les graffitis griffonnés et la texture rugueuse de la surface peinte. Ces images s’inspirent beaucoup du faux-naïf de Jean Dubuffet et des peintures de Picasso, dont la rétrospective de 1960 à la Tate Gallery a eu un impact majeur sur le style de Hockney. Ces premières peintures "pop" ironique et ironique plus ses œuvres plus formelles, ainsi que son intérêt croissant pour diverses formes de art graphique et l’imprimerie ont rapidement fait de Hockney un artiste au potentiel énorme. Encore à seulement 23 ans, la polyvalence et le talent de sa peinture, alliés à sa personnalité en pleine ébullition, lui ont conféré une aura d’autorité. Il montrait déjà à diverses expositions de art moderne, y compris le London Group 1960.

Lumière phare du pop art britannique

En 1961, aux côtés de Peter Blake, Derek Boshier, Allen Jones, RB Kitaj et Peter Phillips, Hockney expose à la Young Contemporaries Exhibition (une exposition annuelle d’œuvres d’étudiants en art britanniques): un événement qui attire pour la première fois l’attention sur le style émergent de l’art. Pop art britannique, et Hockney a ajouté la renommée en tant que chef de file. Au cours de l’été, il a vendu plusieurs tableaux pour payer son premier voyage à New York, où il a visité, avec des amis, la plupart des galeries et des musées de la ville, ainsi que des lieux gay branchés. Là-bas, il a utilisé les installations de l’Institut Pratt pour travailler sur son esquisse et la peinture, y compris une idée pour une version moderne de William Hogarth’s "Rake’s Progress", un projet d’impression qu’il a terminé deux ans plus tard. L’atmosphère de liberté personnelle qu’il a rencontrée à New York a également alimenté sa découverte de soi. Il a commencé à se décolorer les cheveux et à présenter une nouvelle image.

Médaille d’or et réussite financière précoce

De retour en Angleterre à l’automne pour terminer ses études au Royal College of Art, Hockney attira une attention considérable de la part des critiques, des professeurs et des autres étudiants lors de plusieurs expositions d’étudiants. Ses œuvres avaient un sens poétique et réintroduisaient le récit de façon moderne avec une ironie perceptible. Au début de 1962, il illustre sa gamme grandissante en exposant une série de peintures intitulée Demonstrations of Versatility, chacune exécutée dans un style différent – plat, illusionniste, scénique et sexuel. La force du dessin de Hockney, son peinture de genre, le portrait, les influences littéraires, l’approche fortement personnelle et la maturité croissante de la personne se combinent pour lui permettre de se définir une identité artistique claire. Malgré l’échec de ses examens d’histoire de l’art, il obtint la médaille d’or du Royal College of Art pour 1962. L’année suivante, il vendit les gravures de sa version mise à jour de Rakes Progess pour la somme incroyable de 5 000 £. Ce succès commercial signifiait qu’il devenait indépendant peu de temps après avoir quitté le collège et, contrairement à la majorité de ses contemporains, n’avait pas besoin de recourir à l’enseignement pour joindre les deux bouts. À partir de ce moment, il était représenté par le marchand d’art influent John Kasmin.

Los Angeles

En 1963, après avoir terminé ses études, Hockney se rendit à New York, à Berlin et en Égypte pour trouver l’inspiration et des idées d’illustrations. À New York, il a rencontré Andy Warhol, qui – avec Roy Lichtenstein – était l’une des étoiles montantes du pop art américain. Il a également rencontré un ami, Henry Geldzahler, conservateur au Metropolitan Museum of Art, qui l’a encouragé à se rendre à Los Angeles – ce que Hockney a fait à la fin de l’année. C’était tout ce à quoi il s’attendait et plus encore. Il est arrivé, ne connaissant personne, et pourtant, en l’espace de sept jours, il a trouvé un logement à Santa Monica, s’est organisé un studio, a réussi l’examen de conduite, a acheté une voiture et a même conduit à Las Vegas, où il a gagné de l’argent. jeux d’argent. Le style de vie et le paysage de Los Angeles sont devenus des caractéristiques importantes du travail de Hockney, à plus d’un titre. En passant une bonne partie de la journée sur le front de mer de Santa Monica, il admirerait les beaux garçons qui défilaient le long de la plage. Pour capturer le paysage urbain coloré de la Californie, il est passé de ses huiles bien-aimées au nouveau acryliques, et a développé son propre style de peinture naturaliste-réaliste. Son travail de 1964, The California Collector, inclut sa première représentation d’une piscine de Los Angeles, image qu’il répète d’innombrables fois, employant une manière plate et moderne avec des lignes ondulées en boucle pour représenter l’eau en mouvement, ainsi qu’un puzzle semi-abstrait rappelant la surface des oeuvres de Jean Dubuffet. En plus des piscines, ses sujets comprenaient également les sculpteurs californiens qu’il rencontrait, comme dans des œuvres comme Man in Shower à Beverly Hills (1964), alors qu’il commençait également à utiliser la photographie, notamment photomontage, pour développer ses compositions.

Comme on pouvait s’y attendre, l’environnement californien où tout se passe à la Riviera a eu un impact majeur sur la vie professionnelle et privée de Hockney. Il avait fantasmé sur l’endroit bien avant de s’y rendre et avait déjà produit Domestic Scene à Los Angeles (1963), une peinture représentant deux hommes sous la douche, à partir de photos de magazines. En effet, on pourrait dire que son déménagement à LA a été la concrétisation de son fantasme d’un paradis sensuel et sans tabou composé de piscines, d’un soleil perpétuel et de jeunes hommes blonds. Il est également juste de dire que ses images californiennes lumineuses attirent également nos propres tendances d’évasion et peuvent être un facteur important de son attrait en tant qu’artiste. Aurions-nous le même sentiment s’il s’était enfui à Bratislava ou à Pittsburgh? Je me demande.

Renommée croissante

En 1964, Hockney enseigna à l’Université de l’Iowa et, au cours des deux années suivantes, à l’Université du Colorado à Boulder, à Los Angeles et à Berkeley. La reconnaissance au sein de la profession artistique continuait de lui arriver. En 1964, il monte sa première exposition personnelle américaine à la Alan Gallery de New York, où il reçut des avis élogieux et vendit chaque peinture. En 1966, il a assisté à pas moins de cinq expositions personnelles en Europe. La même année, il a rencontré un étudiant américain de 19 ans, Peter Schlesinger , avec qui il a eu sa première véritable histoire d’amour. En 1967, ils rentrent en Europe et parcourent le continent. La même année, Hockney achève son célèbre tableau A Bigger Splash et son tableau Peter Get Out Of Nick’s Pool remporte le prix John Moores à la Walker Art Gallery de Liverpool.. C’est également durant cette période que Hockney a commencé à concevoir des décors de théâtre pour les théâtres des deux côtés de l’Atlantique.

Design de théâtre

C’est dans les années 1960 qu’il s’intéresse tout au long de sa vie à la scénographie du théâtre, de l’opéra et du ballet. Sa première commande concernait Ubu Roi de Jarry au Royal Court Theatre à Londres en 1966. S’en suivaient les projets de Rake’s Progress d’ Igor Stravinsky (Festival de Glyndebourne 1974) et de Die Zauberflöte de Mozart (Festival de Glyndebourne 1978), ainsi qu’une commande de costumes et décors pour une triple représentation des œuvres de Satie, Poulenc et Ravel au Metropolitan Opera de New York. Plus tard, il créa les décors d’une œuvre de Stravinsky au Metropolitan Opera, de Turandot de Puccini à San Francisco, de Tristan und Isolde de Wagner à Los Angeles et de Die Frau ohne Schatten de Strauss au Royal Opera House de Covent Garden à Londres.

En 1968, Hockney rentre à Londres avec Schlesinger, qui commence à étudier à la Slade School of Fine Art. Il a également peint ses premiers grands doubles portraits, tels que ceux de Fred et Marcia Weisman, Christopher Isherwood et Don Bachardy. L’année s’est terminée par une exposition solo à New York à la galerie André Emmerich.

L’année suivante, Hockney accepta l’offre de devenir professeur invité à la Kunsthochschule de Hambourg en 1969, mais chez lui, sa relation avec Schlesinger commençait à se détériorer – un processus filmé dans un documentaire franc sur la vie de Hockney, alors réalisé par Jack Hazan.

Années 1970

Pendant ce temps, en 1970, la première grande rétrospective de Hockney a eu lieu à la Whitechapel Art Gallery de Londres et l’artiste a continué d’être considéré comme une figure majeure du monde de l’art anglais. La rétrospective s’est ensuite rendue à Hanovre, à Rotterdam et à Belgrade. En 1971, Hockney a terminé son œuvre la plus célèbre. portrait d’art – M. et Mme Clark et Percy (ont ensuite voté le tableau moderne le plus populaire de la Tate Gallery).

À ce moment-là, l’inquiétude de Hockney de paraître moderne avait disparu et il commençait à avoir davantage confiance en lui permettant de présenter son portrait naturaliste du monde. Mais certaines de ses photos du début des années 70 continuent de souffrir d’une apparence plutôt sans vie en raison de leur trop grande dépendance vis-à-vis des sources photographiques. (Des critiques similaires ont été faites à l’égard du peintre de genre contemporain écossais Jack Vettriano.) Heureusement, il a continué à exceller dans les dessins de la vie, comme en témoignent des portraits à la plume tels que Nick et Henry on Board, Nice à Calvi (1972).

En 1973, Hockney se rend brièvement à Paris et collabore avec Aldo et Piero Crommelynck, anciens maîtres imprimeurs de Picasso, pour produire un ensemble de eaux-fortes en mémoire du grand génie espagnol décédé plus tôt cette année-là. En 1974, le musée des Arts Décoratifs de Paris organise une grande exposition des œuvres de Hockney. C’est également l’année qui a vu l’achèvement du film biographique de Jack Hazan sur la vie de Hockney, intitulé A Bigger Splash. Bien qu’initialement choqué par la franchise du film au sujet de son statut gai ainsi que de sa relation avec le bien plus jeune Schlesinger, Hockney a finalement approuvé sa sortie.

Au milieu des années 1970, Hockney abandonna peinture d’art pendant un certain temps afin de se concentrer sur le dessin et la gravure, ainsi que de nouvelles commandes de décors de théâtre et de théâtre. Sa curiosité constante vis-à-vis de différentes formes d’art l’a amené à produire un nombre considérable d’œuvres sur différents supports, tels que les Pools de papier et autres œuvres sur papier à base de pâte à papier de 1978, ainsi que plusieurs expériences expérimentales avec des photographies polaroid et 35 mm, dans lesquelles des centaines d’images composites (menuisiers) pour tenter d’appliquer l’analyse analytique multi-angle Cubiste technique à un support mécanique. En 1978, il s’établit de manière permanente dans les collines d’Hollywood surplombant Los Angeles.

Années 1980

Au cours des années 1980, Hockney se tourna vers la photo collage en utilisant un appareil photo Polaroid. Il a traversé le sud-ouest des États-Unis en prenant des milliers de photos qu’il a ensuite assemblées en montages panoramiques, tels que You make the picture, Zion Canyon, dans l’Utah. (Par la suite, ces photomontages ont fait l’objet d’une rétrospective des photographies de l’artiste au Museum of Contemporary Art de Los Angeles.) Ces œuvres faisaient partie d’une fascination permanente pour les gadgets techniques qui ont abouti à la production de tirages faits maison sur photocopieurs., ainsi que des images transmises par fax ou conçues sur un ordinateur. Il a également reproduit certaines des théories de la perspective de ces collages dans des peintures telles que Une visite à Christopher et Don, Santa Monica Canyon (1984), comprenant deux toiles mesurant environ 2 x 6 mètres.

En 1981, pour détourner son attention de ce travail de tournage, Hockney a participé au art figuratif exposition Un nouvel esprit en peinture à la Royal Academy of Arts de Londres, présentant quatre nouvelles peintures. Et en 1983, il a commencé une série de autoportraits, permettant au spectateur de voir l’homme derrière la brosse et exposant sa vulnérabilité dans le processus. Plus d’expositions et de commissions suivies. En 1985, il est chargé de concevoir la couverture et une série de pages intérieures de l’édition française du magazine Vogue. Une autre commande importante concernait Quantel Paintbox, un logiciel permettant à l’artiste de dessiner directement sur l’écran de l’ordinateur. Son travail résultant a été présenté dans une série de la BBC au programme. En 1988, une rétrospective majeure du travail de Hockney a été organisée à Los Angeles, qui a ensuite tourné à New York et à Londres.

Années 1990

Dans les années 1990, Hockney a continué à jouer avec les nouvelles technologies. Il a utilisé un copieur laser couleur pour créer des images dans certaines de ses œuvres et a reproduit certaines de ses peintures. Surtout, il a été impressionné par le dynamisme de Couleur produits par ces appareils. Cette volonté constante d’expérimenter a également été illustrée dans l’ensemble des peintures très nouvelles commencées en 1992. Il s’agissait de peintures semi-abstraites. paysage des vues sur la côte pacifique et les montagnes de Santa Monica, dépeintes dans une succession de perspectives plongeantes, de panoramas éblouissants, de lumières et de couleurs éclatantes, inspirées du style de Picasso et Matisse. En 1995, une rétrospective de ses dessins est ouverte à la prestigieuse Royal Academy de Londres. Cela a été suivi en 1998 par une rétrospective au Museum Ludwig, Cologne; et une exposition similaire à la Galerie d’Art Moderne et Contemporain de Turin, au Musée de l’Elysée à Lausanne, aux Rencontres Internationales de la Photographie à Arles et à la Kunsthalle Krems en Basse-Autriche. La décennie s’achève par une exposition personnelle de sa peinture au Centre Georges Pompidou, à Paris.

Années 2000

Maintenant dans la soixantaine, Hockney a toujours gardé un vif intérêt pour le histoire des arts. En 2001, dans l’émission télévisée Secret Knowledge, il a affirmé que le célèbre Maîtres Anciens du Renaissance et Baroque a utilisé des techniques de caméra obscura pour projeter une image du sujet sur la surface du tableau, en laissant au peintre la tâche simple de remplir le contour avec de la couleur. Selon Hockney, cette technique explique comment ces artistes ont pu obtenir la qualité photographique de leurs portraits, bien que son point de vue ait été vivement opposé par le Art Renewal Center, qui a publié des contre-arguments dans plusieurs articles, notamment des expériences d’artistes vivants utiliser pour de tels dispositifs tout en produisant des peintures de qualité photo-réaliste.

En 2006, le National Portrait Gallery à Londres Hockney a réalisé une importante exposition de portraits, comprenant des autoportraits, comprenant plus de 150 de ses peintures, dessins, estampes, carnets de croquis et collages de photos réalisés au cours des 40 dernières années. (Voir également: National Gallery London).

En 2007, Bigger Trees Near Warter – une vue à l’échelle monumentale d’un taillis dans le Yorkshire, et la plus grande photo jamais réalisée par Hockney, mesurant une hauteur de 15 pieds sur 40 – ont paru dans l’exposition d’été annuelle de la Royal Academy. Peint en plein air sur 50 toiles individuelles, sur une période de 5 semaines, l’œuvre a été offerte par l’artiste à la Tate Gallery l’année suivante.

En 2008, Hockney a assisté à des expositions solo au Arts Club de Chicago et aux Leslie Sacks Fine Art de Los Angeles. Ses œuvres sont maintenant suspendues au meilleurs musées d’art autour du monde.

Prix ​​et records

Hockney a été nommé compagnon d’honneur (CH) en 1997 et est également académicien (RA) de la London Royal Academy of Arts.

En 2004, son travail A Bigger Grand Canyon – une série de 60 peintures formant une énorme composition – a été acheté par le Galerie nationale d’Australie pour 4, 6 millions de dollars.

En juin 2006, son tableau A Bigger Splash a été vendu pour 2, 6 M £ – un record pour un tableau de Hockney.

Sommaire

Vu comme l’un des grands Peintres du 20ème siècle, La réputation d’Hockney en tant qu’artiste repose principalement sur la qualité et la précision de son dessin, comme dans son portrait; ainsi que la qualité et la diversité de ses eaux-fortes, comme dans son ensemble de 16 eaux-fortes comprenant une version autobiographique moderne de Rakes Progress de William Hogarth, ainsi que ses œuvres lithographiques et ses Illustrations pour Fourteen Poems pour CP Cavafy, pour Six Contes de fées de Grimm et la guitare bleue. Cependant, ces œuvres d’art exemplaires ne parviennent pas à capturer l’extraordinaire individualité, l’innovation énergétique et le pur talent du garçon du Yorkshire, dont le rêve était de devenir artiste.

Pour un autre peintre du nord de l’Angleterre avec un style assez différent, voir: LS Lowry (1887-1976), connu pour ses paysages urbains peuplés de sa signature "allumeurs d’hommes".