Edward Hopper: Peintre de genre urbain américain Automatique traduire

Pour l’analyse d’œuvres de peintres de genre réalistes comme Edward Hopper,
s’il te plait regarde: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Premier réaliste américain

Le peintre, illustrateur et graphiste né à New York, Edward Hopper, est l’un des artistes les plus reconnaissables et peintres célèbres d’Amérique. Vu comme l’un des meilleurs peintres de genre, il est considéré par critiques d’art être le plus important réalisateur américain du 20ème siècle. Un admirateur de l’impressionniste classique français Edouard Manet, Hopper a été influencé à la fois par la communauté internationale Le réalisme et le langage réaliste américain de l’école Ashcan, bien qu’il ait développé son propre style assez indépendant, habituellement caractérisé par Peinture de scène américaine. Observateur attentif de l’architecture urbaine vernaculaire qui encadre ses peintures, David Riesman l’a rendu célèbre comme un peintre de la solitude – une affirmation qu’il contestait lui-même. Il est peut-être mieux compris en tant que peintre de gens ordinaires qui tentent de tirer le meilleur parti de la vie - une condition qui implique nécessairement un degré de solitude et de sérénité.

Quelle que soit sa vision précise, il resta inébranlable dans son approche réaliste, même lorsque le nouveau mouvement d’abstraction américain d’après-guerre lui donna l’air d’être démodé et hors de portée. En effet, s’il est vrai que "chaque image raconte une histoire", on sent que Hopper est simple mais unique. peintures de genre continuera à avoir un sens longtemps après que le modernisme intellectuel de Jackson Pollock, Mark Rothko et, plus tard, d’artistes contemporains, se soit estompé dans l’histoire. De nombreux tableaux de Hopper sont disponibles en gravures sous forme de art de l’affiche.

Voir également: Art américain : 1750-présent. Pour d’autres exemples du réalisme américain du XXe siècle, voir aussi Grant Wood (1892-1942) et Andrew Wyeth (1917-2009). Voir aussi l’un des contemporains les plus courts de Hopper George Wesley Bellows (1882-1925).

Jeunesse

Il est né le fils unique d’une famille de la classe moyenne établie dans la ville de Nyack, dans l’ État de New York, dans un petit centre de construction de yachts sur la rivière Hudson et dans la ville natale de l’artiste novateur de style calligraphique, Joseph Cornell. (1903-1972). Grandissant dans une famille baptiste stricte, Hopper développa un premier talent pour dessin et à l’adolescence, il connaissait de nombreux médias, y compris l’aquarelle, stylo et encre, charbon et peinture à l’huile. Il a travaillé dans la nature et à l’intérieur, créant un certain nombre de autoportraits ainsi que des dessins animés politiques. Cultivé et cultivé, ses parents ont reconnu et soutenu ses efforts artistiques dès le début, lui fournissant du matériel et des livres éducatifs. Malgré tout, ils l’ont conduit vers l’illustration commerciale plutôt que peinture d’art.

École d’art de new york

En conséquence, en 1899, après avoir terminé ses études secondaires, il commence ses études d’art à la Correspondence School of Illustrating à New York. Cependant, l’année suivante, il est transféré au prestigieux Institut d’art et de design de New York à Manhattan (l’école Chase), où il étudie auprès de deux enseignants radicalement différents: William Merritt Chase (1849-1916), disciple de l’impressionniste John Singer Sargent (1856-1924) qui lui enseigna la peinture à l’huile, et Robert Henri (1869-1929), l’un des pionniers du réalisme américain et fondateur du Stark École Ashcan de peinture réaliste, qui a enseigné la classe de la vie. Selon un étudiant contemporain: Chase a promu "l’art pour l’art", tandis qu’Henri a promu "l’art pour l’amour", conseillant aux élèves "d’ oublier l’art et de peindre ce qui vous intéresse dans la vie ". Hopper lui-même réagit beaucoup plus fortement aux idées radicales d’Henri, tout en maintenant une approche relativement indépendante et distante. À l’école, ses talents ont été récompensés par de nombreux prix. Son premier tableau à l’huile ayant survécu et faisant écho à ses intérieurs célèbres postérieurs était Solitary Figure in a Theatre (c.1904). Au cours de ses années à l’école, il a également réalisé des dizaines de nus, de portraits et de compositions figuratives, ainsi que toute une gamme de nature morte et images de paysage.

Voyages en Europe

Hopper a quitté l’école d’art après six ans et a passé la majeure partie des deux décennies suivantes à se consacrer à la corvée de l’art commercial – à faire des dessins de couverture pour des revues spécialisées, des illustrations, des publicités et d’autres types de graphiques. Entre 1906 et 1910, il effectue trois voyages en Europe, chacun centré sur Paris, pour étudier la Maîtres Anciens, ainsi que les styles émergents de Expressionnisme et Cubisme. Mais en réalité, il est resté presque totalement épargné par la scène artistique contemporaine et ses peintres à la mode, comme Picasso. L’un des rares artistes qu’il admirait était Rembrandt, le réalisateur néerlandais – notamment pour son traitement unique de la lumière. L’une des photos préférées de Hopper de Rembrandt était son portrait de groupe, The Night Watch, qu’il décrit comme "la chose la plus merveilleuse que j’ai vue de sa vie".

Après son deuxième voyage, il peint Summer Interior (1909), une œuvre intimidante et intimidante issue peut-être de Interior, plus audacieux, d’Edgar Degas. Il décrit la première utilisation d’un dispositif de composition qu’il emploiera de nombreuses fois à l’avenir: un patch. de la lumière s’introduisant dans le monde humain d’une pièce. Parmi les autres ouvrages contenant ce dispositif, citons Excursion en philosophie, Une femme au soleil et Chambres au bord de la mer. Le traitement de la lumière et Couleur, en particulier son effet sur l’atmosphère de la peinture, deviendrait un foyer permanent pour Hopper.

En général, cependant, le nouvel art abstrait l’a laissé froid. Le graveur français Charles Meryon (1821-1868), un morose graveur français, est le seul artiste européen de l’époque moderne à qui il consacre du temps. Ses eaux-fortes gravures sur les édifices médiévaux de Paris exercent une influence importante sur le jeune Américain.

Décennie de lutte

Après son troisième et dernier voyage en Europe, Hopper a loué un studio à New York et a repris le quotidien d’un graphiste, sollicitant au mieux les entreprises de maisons d’édition et de magazines. Entre-temps, malgré l’activité occasionnelle – comme lors d’un voyage dans le Massachusetts en 1912, au cours duquel il peint son premier phare ) Squam Light) – son peinture à l’huile généralement languissant, faute d’inspiration. En outre, après la riche diversité culturelle de Paris, il a continué à trouver Manhattan un peu grossier et peu sophistiqué.

En 1913, à la célèbre Exposition internationale d’art moderne (mieux connue sous le nom de Spectacle d’arsenal Hopper, âgé de 31 ans, vendit son premier tableau, Sailing (1911). Ce serait une décennie avant son prochain succès réel. Pendant ce temps, il a continué à travailler sur divers projets commerciaux, notamment des affiches pour une société de cinéma, l’effort de guerre américain et d’autres illustrations. Bien que Hopper ait considéré ces activités comme une expérience dépressive et une distraction indésirable de son art réel, nombre d’entre elles ont grandement contribué à la formation du style Hopper – un style chargé de narration – qui, à bien des égards, deviendrait l’illustration définitive de parties de l’Amérique dans les années 1920, 30 et 40. Il y a un parallèle ici avec Jack B Yeats, un des plus artistes irlandais célèbres, dont le début de carrière en tant qu’illustrateur a fortement influencé ses peintures, dont beaucoup étaient imprégnées d’un «scénario» clair. Peu de temps après le spectacle d’armes, Hopper s’installa à Greenwich Village , où il vécut toute sa vie.

En 1915, Hopper est passé de la peinture à l’huile à gravure, produisant des paysages urbains de Paris et de New York. Ce moyen difficile, que de nombreux peintres (y compris Rembrandt, Hogarth, Goya, Whistler et Hockney) ont essayé de maîtriser, a permis à Hopper d’exposer ses remarquables talents de dessinateur ainsi que sa vision personnelle. C’est dans ses estampes que nous voyons d’abord les figures solitaires caractéristiques, des scènes de ville désolées et Architecture victorienne qui peuplent ses peintures à l’huile matures. Ils présentent également les contrastes de lumière et d’ombre typiques du style Hopper dans une version moderne de Rembrandt. clair-obscur . De plus, puisqu’ils devaient être produits dans un environnement de studio, ils obligeaient Hopper à travailler avec son imagination plutôt que sous l’observation directe, contribuant ainsi à améliorer son inventivité ainsi que ses compétences en composition. Une comparaison de ses croquis à la gravure avec ses dernières huiles – American Landscape, par exemple avec sa célèbre maison du chemin de fer (1925), ou Night Shadows avec son chef-d’œuvre Nighthawks (1942) – révèle l’importance de ses débuts. gravure.

Reconnaissance et succès commercial

Les années 1920 apportèrent finalement à Hopper la percée qu’il recherchait. Ses gravures ont commencé à recevoir une certaine reconnaissance publique et sa peinture à l’huile (comme dans New York Interior, 1921; New York Restaurant, 1922) – si elle n’a pas encore été appréciée par les conservateurs et les jurys d’exposition – devenait de plus en plus inspirée. Il a également commencé à peindre aquarelles Pendant l’été, à Gloucester, petite ville côtière du Massachusetts, à l’extérieur, sauf que tandis que d’autres peintres étaient complètement absorbés par la peinture de paysages marins et de vues panoramiques, Hopper était fasciné par les grandes maisons victoriennes construites par de riches capitaines au cours du siècle précédent.

En 1923, Hopper a commencé à fréquenter Josephine Nivison , une artiste artiste de son enfance étudiante, avec laquelle il s’est marié un an plus tard. Sa vivacité, son dévouement et sa force de personnalité ont été déterminants pour l’avenir de Hopper en tant qu’artiste. L’un de ses premiers actes fut de soumettre six aquarelles de Hopper, dans le Massachusetts, à une exposition au Brooklyn Museum, dont l’une ) The Mansard Roof), achetée par le musée au prix de 100 $. Mieux encore, ses travaux ont reçu des critiques élogieuses de la critique. Une exposition personnelle à guichets fermés suivit en 1924 à la Rehn Gallery de New York et Hopper prit la décision de devenir peintre à temps plein.

En 1925, Hopper produit et vend la Maison par le chemin de fer , sa première peinture à l’huile exceptionnelle. Le bâtiment isolé de style Second Empire se situe le long de la voie de chemin de fer mais reste dans un isolement magnifique. Ses ombres soigneusement dessinées ajoutent à un sentiment d’irréalité onirique, semblable à l’imagerie obsédante de l’artiste italien. Giorgio de Chirico (1888-1978). Seule une sorte de force puritaine, semblable à une frontière obstinée, lui confère le cachet unique Hopper.

À partir de ce moment, la carrière de Hopper décolla. Il peint des œuvres comme Two on the Aisle (1927) – qui se vend à 1 500 $ – The Automat (1927), Chop Suey (1929), Phare à deux lumières (1929) et Railroad Sunset (1929). Son oeuvre House by the Railroad (1925) a été donnée par son propriétaire millionnaire au Museum of Modern Art, tandis que Early Sunday Morning (1930) a été achetée pour une autre somme énorme par le Whitney Museum of American Art. Sa réputation ne cessa de croître en 1931 lorsque de grands musées comme le Metropolitan Museum of Art commencèrent à collectionner ses œuvres. Cette année-là, il vendit plus de trente peintures, dont treize aquarelles. En 1932, il participe à la biennale du Whitney Museum of American Art, où il expose continuellement jusqu’à la fin de ses jours. En 1933, le Museum of Modern donna à l’artiste de 51 ans sa première rétrospective à grande échelle. Il était riche et célèbre, montait dans une voiture et possédait une nouvelle maison de campagne, mais malgré ce succès, il était incapable de se débarrasser du ressentiment qu’il ressentait pour ses journées de lutte. Il n’était pas non plus l’homme le plus facile à vivre, étant reconnu pour sa nature grincheuse et inflexible, et pour maintenir un style de vie invariant et spartiate pendant les 30 prochaines années.

Sa production à la fin des années 1930 et au début des années 1940 est prolifique et comprend de nombreuses œuvres importantes, telles que Room in New York (1932), New York Movie (1939), Cape Cod Evening (1939), Office at Night (1940), Girlie Show. (1941), Nighthawks (1942), hall de l’hôtel (1943), Matin dans une ville (1944) et Seven AM. (1948). Il a bénéficié d’une importante rétrospective à la Whitney Museum of American Art en 1950 et paru en couverture du magazine Time en 1956. Ses œuvres des années 1950 et 60 comprennent des peintures telles que le First Row Orchestra (1951), le surréaliste Rooms by the Sea (1951), Morning Sun (1952) et Hotel by a Railroad (1952), Excursion into Philosophy (1959), Intermission (1963), son grand soleil dans une pièce vide (1963) et son autobiographique Two Comedians (1966).

Au cours de la période d’après-guerre et des années 1950, son style se distingua comme un phare de art figuratif au milieu de la vague d’abstraction qui a balayé le monde de l’art américain. La "peinture d’action" de Jackson Pollock et Willem de Kooning, dépourvu de références naturalistes, était considéré comme une forme d’art plus moderne et plus élevée, parallèlement à une forme de travail encore plus pure. Expressionisme abstrait dans le travail de Mark Rothko et d’autres. Les partisans de ce nouveau style, comme l’important critique Clément Greenberg, a tourné le tableau de Hopper comme une occasion, minable et impersonnel. Mais Hopper ne prêta plus attention aux nouveaux mandarins de art moderne qu’il avait à Picasso à Paris, au début du siècle.

Au cours des deux dernières décennies de sa vie, il a souffert de problèmes de santé. Il meurt dans son studio à New York en 1967, suivi de son épouse Jo dix mois plus tard. Ils ont légué leur collection de plus de trois mille œuvres au Whitney Museum.

Expositions ultérieures

En 1980, le Whitney Museum of American Art a organisé une importante rétrospective intitulée "Edward Hopper: l’art et l’artiste", qui a ensuite été présentée à Londres, Düsseldorf et Amsterdam, ainsi qu’à San Francisco et Chicago. Outre les principales peintures à l’huile de Hopper, le film comprenait également des études préparatoires à ces œuvres et renforçait sa réputation mondiale d’artiste majeur.

En 2004, une grande collection de ses photographies a parcouru l’Europe, visitant des musées à Cologne, en Allemagne et aux États-Unis. Tate Gallery à Londres. Le salon Tate Modern a attiré 420 000 visiteurs en trois mois – la deuxième exposition la plus populaire de l’histoire du musée.

En 2007, une exposition de cinquante peintures à l’huile, de trente aquarelles et de douze estampes de Hopper, comprenant plusieurs de ses plus grands chefs-d’œuvre, peints durant sa période la plus productive entre 1925 et 1950, a été inaugurée au Museum of Fine Arts de Boston et a également visité à la National Gallery of Art à Washington DC.

Des toiles importantes de Hopper sont exposées au Whitney Museum of American Art, au Museum of Modern Art de New York, au Des Moines Art Center, au Institut d’art de Chicago et dans des collections publiques et privées du monde entier.

Un guide de l’art de Hopper

Tout comme un metteur en scène ou un cinéaste, Hopper utilisait un large éventail de décors. Là où des gens (en fait, ses "personnages") étaient impliqués, il les arrangea avec le plus grand soin.

Sujets (Ensembles)

Le sujet pictural de Hopper provient de deux sources principales. Pour ses peintures de genre, il se concentre sur les situations quotidiennes de la vie américaine, telles que des scènes d’hôtels, motels, automates, théâtres, dîners et restaurants, ainsi que celles impliquant des stations-service, des chemins de fer et des rues. Beaucoup incorporent des exemples d’architecture américaine métisse, y compris des styles aussi variés que pseudo-gothique, mansarde française, Second Empire, Colonial et manoirs victoriens ornés. Deuxièmement, pour ses paysages (la plupart du temps achevés entre 1915 et 1920), ses paysages marins et ses œuvres de genre rurales, il s’est concentré sur les paysages côtiers, ainsi que sur les voiliers, les phares et les fermes. L’architecture est restée un élément important dans plusieurs de ces travaux.

Personnes (personnages)

Les gens apparaissent dans les peintures de Hopper sous forme de figures, de couples ou de groupes, et leur présence fait invariablement allusion à un certain nombre de possibilités narratives. Comme John Updike a commenté: "Hopper est toujours sur le point de raconter une histoire." Cependant, contrairement au précédent Winslow Homer ou l’illustrateur et peintre contemporain Norman Rockwell (1894-1978), connu pour ses représentations anecdotiques détaillées de la vie quotidienne en Amérique, Hopper n’était ni sentimental ni didactique. Il n’alla pas plus loin que le début d’une histoire. Presque comme s’il voyait dans son rôle une nature morte que seules les pensées du spectateur pouvaient animer. La réponse qu’il a donnée à sa femme quand elle a interprété la femme de Cape Cod Morning comme une excellente illustration de sa réticence unique à s’engager dans un scénario est la réponse qu’il a donnée à Cape Cod Morning : "regarder pour voir si le temps le permet suffisamment pour traîner en l’air". Hopper répondit: "Vous en faites un Norman Rockwell image. De mon point de vue, elle ne fait que regarder par la fenêtre. "

Les figures uniques de Hopper sont pour la plupart des femmes, et paraissent habillées, semi-habillées ou nues – généralement au travail, en regardant par la fenêtre ou en lisant. Hopper a également utilisé des couples – par exemple dans Room in New York (1932), Cape Cod Evening (1939) et Office at Night (1940) – pour présenter des tableaux plus complexes de relations humaines. Dans Office at Night (1940), un chef s’occupe de ses papiers pendant que sa séduisante secrétaire tire un dossier. Le spectateur se retrouve avec plusieurs interprétations possibles de la scène, que Hopper avait planifiées avec une grande précision. En fait, des croquis préparatoires détaillés faisaient régulièrement partie de sa méthode de peinture. Pour sa photo New York Movie (1939), il a fait plus de cinquante croquis de l’intérieur du théâtre et de la figure de l’usherette, et Joséphine a tenu un registre détaillé de ses œuvres, notant des éléments tels que les expressions faciales, ainsi que des sources et des orientations. de la lumière.

Le plus célèbre des tableaux de Hopper – Nighthawks (1942) – présente quatre personnes au comptoir d’un diner tard dans la nuit: trois clients (un couple et un homme séparé) et un membre du personnel. Comme d’habitude, chaque élément du tableau est soigneusement positionné, des ombres et des formes de la rue à l’extérieur, en passant par l’agencement intérieur des personnes, des objets et de la lumière. Encore une fois, il y a de nombreux scénarios possibles.

Les scènes rurales de Hopper sont également évocatrices. The House by the Railroad (1925) présente le spectacle d’une extravagante maison isolée (ce pourrait être un hôtel) dressée dans un ciel dégagé le soir, à côté de la voie ferrée de gauche à droite. Il se détache comme un anachronisme désespéré, comme si la vie le laissait passer. Son célèbre tableau Gas (1940) fait allusion à l’isolement des voyageurs de nuit avec sa silhouette solitaire et sa route solitaire.

Quelle est la signification de l’art de Hopper?

Le professeur d’art de Hopper, Robert Henri lui a conseillé "d’oublier l’art et de peindre ce qui vous intéresse dans la vie". Et pendant plus de 60 ans, c’est exactement ce qu’il a fait. Pour l’essentiel un homme du XIXe siècle, Hopper n’avait aucun intérêt pour l’image emblématique de l’Amérique des sociétés du XXe siècle, avec architecture de gratte-ciel et des machines modernes. Au lieu de cela, il était attiré par la condition humaine. Il était un homme de peu d’attentes et encore moins de fioritures. C’est ainsi qu’il a généralement peint des gens ordinaires – avec des espoirs et des peurs ordinaires – en train d’essayer de "s’en sortir". Il n’y a pas de grand drame dans une image de Hopper, mais il n’y a pas non plus de salut. La vie est juste. Si l’art résultant semble dépeindre un certain degré de solitude – une caractérisation que Hopper lui-même s’est efforcé de minimiser -, c’est tout simplement parce que la vie est essentiellement une affaire de solitude: pas seulement la vie dans les grandes villes, toute la vie.

Les bâtiments anciens et robustes, qui ont attiré son attention et qu’il a utilisés comme arrière-plan pour ses scènes humaines, peuvent représenter des symboles importants, dans la mesure où ils illustrent l’effondrement de son monde victorien d’enfance sous la pression de l’époque moderne.

En bref, la vie continue, affectant nous et notre environnement pour le meilleur et pour le pire. Notre seule option est de nous en occuper du mieux que nous pouvons. Hopper était attiré irrésistiblement par cet aspect de la condition humaine et l’a peint avec assiduité toute sa vie. Les critiques plus intellectuels peuvent doter ses efforts de superpositions d’existentialisme, d’aliénation urbaine, etc., mais Hopper lui-même craignait de faire des déclarations sur la société. Tout au plus, comme il l’a répété à plusieurs reprises, il se peint lui-même, telle est sa vision personnelle de la vie.

Méthodes de peinture de Hopper

Comme mentionné, Hopper était un artiste méticuleux qui prenait grand soin de planifier ses compositions avec beaucoup de détails, exactement comme un réalisateur de cinéma arrange son plateau avant d’appeler "action!". Son expérience antérieure dans la publicité et l’illustration lui avait appris l’importance d’un scénario et ses peintures incluaient donc juste assez de détails pour permettre aux spectateurs de concevoir leur propre récit. Sa capacité primordiale était de tirer le maximum de son impact sur relativement peu d’éléments picturaux, notamment en utilisant intelligemment l’ombre et la lumière pour renforcer la valeur émotionnelle de la scène. En conséquence, il a produit une partie de la plus grandes peintures de genre de la première moitié du 20ème siècle. Le parallèle le plus proche ici est avec son contemporain Giorgio de Chirico , dont les images envoûtantes des places à l’italienne doivent la plupart de leur atmosphère de film noir aux contrastes marqués entre ombre et lumière. (Pour un artiste contemporain travaillant dans un langage similaire, voir le peintre de genre écossais Jack Vettriano.)

Maintenant considéré comme l’un des grands Peintres du 20ème siècle, Edward Hopper est représenté dans le meilleurs musées d’art en Amérique.