Paul Gauguin, peintre français Automatique traduire

NOTE: Pour l’analyse des œuvres de peintres symbolistes comme Paul Gauguin,
s’il te plait regarde: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

introduction

Gauguin est considéré par beaucoup critiques d’art comme l’un des meilleurs artistes de tous les temps. Un des principaux exposants français de Post-impressionnisme, qui était une influence clé sur le histoire des arts Au début du XXe siècle, Paul Gauguin s’efforçait d’exprimer ses émotions profondes sur la toile, principalement par le biais de Couleur. Soutenu par le collectionneur d’art Ambroise Vollard, Le style unique de Gauguin Peinture française a ouvert la voie au synthétisme et au cloisonisme (œuvres de style 2D comprenant des blocs de couleur pure avec une bordure noire) ainsi que du primitivisme. Influencé initialement par le français Impressionnisme Gauguin est surtout connu pour ses œuvres expressionnistes primitivistes, caractérisées par des zones plates de couleur peintes lorsqu’il a vécu dans le Pacifique Sud. Bien que pas particulièrement apprécié au cours de sa vie, son Peinture post-impressionniste eu un impact énorme sur les peintres menant à la Première Guerre mondiale et au-delà. Son plus célèbre peintures expressionnistes comprennent: La vision après le sermon (1888, National Gallery of Scotland); Brooding Woman (1891, Worcester Art Museum), L’esprit des morts veille (1892, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY), d’ où venons-nous, que sommes-nous? Où allons-nous? (1897, Musée des beaux-arts, Boston), Nevermore (1897, Courtauld Institute Galeries, Londres) et l’exquise Fille à l’éventail (1902, Folkwang Museum, Essen). Maintenant considéré comme l’un des plus grands artistes modernes, beaucoup de ses peintures sont disponibles sous forme de gravures sous forme de art de l’affiche.

Jeunesse

Gauguin est né à Paris lors de la révolution de 1848. Son père, obscur journaliste libéral, s’est exilé après le coup d’État de 1851, emmenant sa famille avec lui. Cependant, il est décédé pendant le voyage au Panama, tandis que la famille se rendait à Lima, au Pérou, où ils se sont livrés à eux-mêmes pendant quatre ans. La mère de Gauguin était la fille de l’écrivaine et militante socialiste française Flora Tristan, bien que ses ancêtres soient des nobles péruviens. Le jeune Gauguin a été marqué dès l’enfance par l’atmosphère imaginative et messianique de son entourage familial. En effet, les couleurs et les images du Pérou seront plus tard des influences fortes dans l’art de Gauguin. À l’âge de 7 ans, la famille rentre en France et s’installe à Orléans pour vivre avec son grand-père. De 17 à 23 ans, il a travaillé comme apprenti pilote dans la marine marchande, naviguant entre l’Amérique du Sud et la Scandinavie. En 1871, il revient à Paris et, encouragé par son parrain Arosa, il entame une carrière très fructueuse au sein de la société de bourse Bertin. Deux ans plus tard, il épouse une Danoise, Mette Gad, qui lui donne cinq enfants.

Commence à peindre à temps partiel

Gauguin avait été intéressé par art depuis son enfance, et dans ses temps libres a commencé à peindre. En fait, Arosa était une sorte de Collectionneur d’art. Son exemple et l’amitié de Gauguin avec l’Impressionniste Camille Pissarro (1830-1903), encouragea Gauguin à visiter des galeries d’art et à acheter des œuvres d’artistes émergents, dont de nombreuses Peintures impressionnistes – par les goûts de Pissarro lui-même, Johan-Barthold Jongkind (1819-1891) Edouard Manet (1832-83), Armand Guillaumin (1841-1927), Paul Cezanne (1839-1906), Renoir (1841-1919), Dégazer (1834-1917) et Mary Cassatt (1845-1926). À une occasion, il a dépensé plus de 17 000 francs.

Il a visité la désormais célèbre exposition impressionniste de 1874 à Paris et a été tellement inspiré qu’il a décidé de devenir un artiste à temps plein. Pendant ce temps, il commence à peindre et à sculpter en amateur. Il travailla de la vie avec Bouillot et peignit dans le style de Bonvin et de Lépine ) La Seine au pont d’Iéna 1875, Musée d’Orsay). En 1876, il expose une peinture à la Salon . Il a été particulièrement influencé par Pissarro, qui l’a aidé dans ses débuts en peinture et l’a encouragé à "rechercher la nature qui convient à son tempérament". Pissarro lui présenta Cézanne et Gauguin était tellement attiré par le style de l’artiste plus âgé que Cézanne commença à craindre qu’il ne vole ses idées. Tous trois travaillèrent ensemble pendant un certain temps à Pontoise. Au fur et à mesure de son art, Gauguin s’installe dans son propre studio et participe aux expositions impressionnistes de 1881 et 1882 (voir Expositions impressionnistes Paris), loué avec enthousiasme par Huysmans pour un Nu solide et réaliste (1881, NCG, Copenhague). Parmi les autres peintures de cette période, on citera: Effect of Snow (1879, Musée des beaux-arts de Budapest); Portrait de la fille de Gauguin, Aline (1879, Collection privée); Étude d’un nu: Suzanne Sewing (1880, NCG, Copenhague); À la fenêtre (1882, Hermitage, Saint-Pétersbourg); Bouquet (1884, Hermitage, Saint-Pétersbourg) et consommation de bétail (1885, Galleria d’Arte Moderna, Milan).

Pour en savoir plus sur l’évolution initiale de l’art impressionniste, voir: Impressionnisme: origines, influences ; et Impressionnisme: Histoire ancienne. Pour la progression des styles, voir: Evolution de la peinture impressionniste.

Artiste à temps plein (1885-91)

Ces succès encourageants et une crise financière l’amènent à abandonner sa carrière dans le monde des affaires en 1883 pour se consacrer entièrement à la peinture. Pendant deux ans, entre Rouen et Copenhague, Gauguin essaya de trouver un équilibre dans sa vie, mais cela s’avéra impossible et, à son retour à Paris en juin 1885, sa vie de famille était terminée. Il a abandonné son épouse et sa famille et est allé vivre à Pont-Aven en Bretagne, où il a rencontré Emile Bernard et Charles Laval. En 1886, il présente 19 toiles à la huitième exposition impressionniste, où son originalité était déjà évidente dans les rythmes inquiétants de ses paysages.

C’est à Pont-Aven qu’il a forgé un nouveau style. Non satisfait des limites de l’impressionnisme, il a cherché à exprimer un état intérieur plutôt qu’un simple aspect de surface. Alors lui et un groupe de Peintres post-impressionnistes a décidé d’aplatir leur peinture, de la faire apparaître en deux dimensions, réduisant ainsi la vue à ses principes fondamentaux.

Connu comme Synthétisme , ce style nécessitait de travailler davantage à partir de la mémoire et des images internes, plutôt que de la nature, et rompait ainsi avec la théorie des impressionnistes. C’est devenu la plus grande innovation et contribution de Gauguin à peinture d’art et il a utilisé ses couleurs vives pour exprimer ses émotions plutôt que pour refléter une teinte naturelle – une liberté qui lui permettait de rendre le sol rouge, le ciel vert ou jaune. Le synthétisme est parfois aussi appelé cloisonnisme , mais c’est une erreur: bien que le cloisonnisme se caractérise par des blocs de couleurs similaires, à la différence du Synthétisme, il les entoure de contours noirs épais.

Un voyage en Martinique en 1887 avec Lavel lui montre la valeur synthétique des couleurs et fait revivre l’influence de Cézanne et de Degas. À son retour, et lors de son deuxième séjour à Pont-Aven en 1888, Gauguin s’associe à Anquetin et à Bernard dans leurs expériences menées sous l’influence de Puvis de Chavannes (1824-1898) et des estampes japonaises. Ce fut un moment décisif pour Gauguin qui, à 40 ans, élaborait un style original en intégrant le cloisonnement et symbolisme de ses amis avec sa propre expérience de la couleur. "La simplicité rustique et superstitieuse" de La vision après le sermon (1888, National Gallery of Scotland), ou les harmonies écarlates de La Fete Gloanec (vers 1888, musée d’Orléans) ont proclamé la maîtrise de Gauguin sur son médium. Parmi les autres peintures remarquables de cette période, on citera: Les quatre Bretonnes (environ 1866, Neue Pinakothek, Munich); et Breton Girls Dancing, Pont-Aven (1888, Galerie d’art nationale, Washington DC).

En 1888, il passa trois mois dramatiques à Arles, d’octobre à décembre 1888, avec son ami. Van Gogh (1853-1890). Les peintures de cette période comprennent: le café de nuit d’Arles (1888, musée des Beaux-Arts Pouchkine); Femmes d’Arles dans le jardin public, le Mistral (1888, Institut d’art de Chicago) et La récolte des raisins à Arles (1888, Art Museum Ordrupgard, Copenhague).

Un one-man-show organisé par Theo van Gogh en novembre 1888, puis sa participation aux expositions collectives du Cercle Volponi lors de l’exposition paroissiale et à celles de Les Vingt à Bruxelles, a révélé, malgré le sarcasme, la position de leader de Gauguin dans le soi-disant Ecole de Pont-Aven. Malgré tout, il se sentait agité: il pensait que l’art occidental était devenu trop imitatif et manquait de profondeur symbolique. Cela l’a amené à Art africain et d’autres formes de art tribal, qui semblait pleine de signification symbolique et ne comptait pas sur des couleurs naturelles pour exprimer leur signification. C’était un art des grands espaces plats et des personnages soulignés de peinture sombre. Ce type de art primitif était caractérisé par des proportions corporelles exagérées, des totems animaux, des dessins géométriques et des contrastes marqués. Il a appliqué ces éléments à son art, comme en témoignent des œuvres telles que La famille Schuffenecker (1889, Musée d’Orsay); Caricature Self-Portrait (1889, Galerie d’art nationale, Washington DC); Le Christ jaune (1889, Buffalo, Galerie d’art Albright-Knox); Veille. N’écoutez pas le menteur (1889, musée d’art Marion Koogler McNay, San Antonio, Texas). C’était un mélange complexe de mysticisme égocentrique ) The Agony in the Garden, Palm Beach, Florida Museum) avec un goût pour l’étrange et barbare ) Nirvana, Portrait de Meyer de Haan (1889, Hartford, Connecticut, Wadsworth Atheneum).

Quitte la France pour Tahiti (1891-3)

En 1891, dans le but de fuir les valeurs urbaines occidentales et «tout ce qui est artificiel et conventionnel», il décide de quitter la France et de se diriger vers les mers du Sud. Une vente aux enchères assez réussie à Paris (février 1891) lui permit de naviguer le 4 avril après un banquet donné en son honneur par les symbolistes. À Tahiti, il espérait trouver un monde intact, mais la Polynésie française avait déjà été colonisée par des missionnaires occidentaux. Il devait donc créer le monde qu’il cherchait, dans sa tête.

Au cours des prochaines années, il crée progressivement des peintures, des sculptures sur bois et des graphiques de style plus primitif, tout en s’efforçant d’exprimer la mythologie de Art océanique. Il a commencé avec des compositions spirituelles primitives telles que La Orana Maria (Hail Mary) (1891, Metropolitan Museum of Art, NY), Femme à la fleur (1891, NCG, Copenhague), Deux femmes tahitiennes à la plage (1891, Musée d ’Orsay) et quand vous marierez-vous? (1892, Kunstmuseum Basel), ainsi que des œuvres symboliques telles que Brooding Woman (1891, Worcester Art Museum) et Nous n’irons pas au marché aujourd’hui (1892, Kunstmuseum Basel) et Arearea (1892, Musée d’Orsay). En outre, il a exploré un certain nombre de mythes et de superstitions dans des œuvres telles que La Lune et La Terre (1892, MoMA, NY) et L’esprit de la mort garde la garde (1892, Galerie d’art Albright-Knox, Buffalo NY), et a produit remarquables exemples de couleurs vives peinture de paysage comme le paysage tahitien (1893, Minneapolis Institute of Arts).

Retour en France (1893-1875)

Sans aucun soutien, Gauguin rentre en France de 1893 à 1895. Déprimé par son isolement et par la culture ostentatoire d’un exotisme désormais artificiel, il organise son premier grand spectacle solo à la galerie de l’artiste. Paul Durand-Ruel, mais n’a vendu que 11 toiles et a surtout réussi à éveiller la curiosité. Les peintures de cette époque étaient une tentative agressive et nostalgique de rappeler ce qu’il avait vécu à Tahiti et de mettre en évidence les maux de la civilisation. Il est retourné à Pouldu et à Pont-Aven, où il a été blessé dans une bagarre et incapable de bouger. C’est à ce moment-là qu’il réalisa un groupe étonnant de gravures sur bois dans lequel il exprimait la terreur silencieuse des pratiques religieuses à Tahiti, en utilisant une technique précise et contrastée, qui consistait en une renaissance de la forme des premières gravures sur bois.

Tahiti: période finale (1895-1903)

Après avoir été contraint de vendre le contenu de son studio, Gauguin retourna à Tahiti en mars 1895. Seul et endetté, déprimé et malade, il traversa une crise terrible, aggravée par la mort de sa fille Aline. Le sentiment de la misère de la destinée humaine et le besoin croissant de solidité plastique et de rythmes classiques ont été retrouvés dans des œuvres telles que Nevermore (1897, Courtauld Institute Galleries, Londres). En 1897, avant sa tentative de suicide en février 1898, il peint sa plus grande composition de tous les temps. D’où venons-nous? Où sommes-nous? Où allons-nous? (Museum of Fine Arts, Boston), un testament pictural dans lequel "ce qui est prématuré disparaît et la vie surgit" somptueusement à travers le sujet austère.

Après 1898, régulièrement soutenu par le distributeur parisien Ambroise Vollard, puis par plusieurs fidèles admirateurs, dont Fayet, Gauguin se trouva à l’abri de tout souci matériel, bien qu’il soit constamment en conflit avec les autorités civiles et religieuses de l’île. Il a exprimé le sentiment messianique qu’il était persécuté dans deux publications, Les Guepes et Le Sourire, illustrées de gravures sur bois et dans les gravures qui ornaient sa maison ) La Maison du Jouir, le musée d’Orsay Paris et le MFA Boston).). En 1899, il peint des femmes tahitiennes avec des fleurs de mangue (Metropolitan Museum of Art, NY) et trois Tahitiens (National Gallery, Édimbourg), révélant à nouveau l’étrange charme secret des larges volumes qu’il utilisait.

Après s’être installé à Atuana en 1901, sur l’île de Hiva Oa aux Marquises, Gauguin s’affaiblit progressivement et accentua d’un trait de pinceau la délicate relation qui unissait ses verts, ses violettes et ses roses: voir L’or de leurs corps (1901, Musée d ’ Orsay); The Call (1902, Cleveland Museum); Cavaliers sur la plage (1902, Collection Stavros Niarchos à Paris et Folkwang Museum Essen). Il a également produit l’une de ses plus belles œuvres – Fille à l’éventail (1902, Folkwang Museum, Essen).

Au cours de ses dernières années, il a écrit beaucoup de lettres à ses amis, une étude de L’Esprit moderne et du catholicisme et Avant et Après, une méditation importante, bien qu’anecdotique et romancée, sur sa vie et son travail. Il mourut de la syphilis le 8 mai 1903, son système étant affaibli par l’alcool et son mode de vie dissipé. Il est enterré aux Marquises, en Polynésie.

Héritage

Bien qu’il soit mort dans une relative obscurité, ses peintures sont devenues populaires peu après sa mort. Le collectionneur russe Sergei Shchukin acheté de nombreuses œuvres, qui sont maintenant affichées dans le Musée des Beaux-Arts Pouchkine à Moscou et et Ermitage à Saint-Pétersbourg. Ils sont rarement mis en vente et s’ils le font, ils peuvent vendre jusqu’à 40 millions de dollars. Cela reflète sa puissante influence sur art moderne du début du vingtième siècle.

À travers des expositions organisées après sa mort – notamment ses rétrospectives à la Salon d’Automne en 1903 et 1906 – l’influence de Gauguin s’étend bientôt bien au-delà du cercle de Pont-Aven et de la Nabis, qui a appris sur lui à travers Paul Sérusier (1864-1927). Le travail de Jens Willumsen (1863-1958) au Danemark, Edvard Munch (1863-1944) en Norvège, Paula Modersohn-Becker (1876-1907) en Allemagne, Ferdinand Hodler (1853-1918) en Suisse, Nonell en Espagne et aussi Picasso (1881-1973) dans ses périodes «bleue» et «orange» – toutes préfigurent l’impact encore plus significatif qu’il a eu sur Henri Matisse (1869-1954) et les fauvistes aiment Kees van Dongen (1877-1968) et André Derain (1880-1954), ainsi que des cubistes comme Roger de La Fresnaye (1885-1925), des expressionnistes comme Alexei von Jawlensky (1864-1941), Raoul Dufy (1877-1953), Max Pechstein (1881-1955) et Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), et des orphistes comme Robert Delaunay (1885-1941).

En outre, avec Cezanne et Van Gogh, Gauguin était un artiste central de la célèbre exposition post-impressionniste de Londres, intitulée: Manet et les post-impressionnistes (1910), organisée par Roger Fry (1866-1934).

Le travail de Gauguin apparaît dans beaucoup de meilleurs musées d’art en Europe et en Amérique. Un musée Gauguin a été créé à Tahiti en 1965 et contient de nombreux documents liés à sa vie et à son travail.