Natalia Goncharova:
peintre russe, inventeur du Rayonisme avec Larionov Automatique traduire

Natalia Goncharova a été une figure influente de l’art russe du début du XXe siècle et est aujourd’hui l’une des artistes russes les plus chères de l’histoire. Personnage ambigu qui a scandalisé Moscou par sa cohabitation ouverte avec l’artiste moderniste Mikhaïl Larionov, elle est connue pour son art d’avant-garde, qui emprunte beaucoup à la peinture d’icônes russes et à d’autres formes d’art primitif . Elle quitte la Russie en 1915 et passe le reste de sa carrière à Genève et à Paris, où elle fournit des scénographies à Serge Diaghilev pour ses Ballets russes .

Petite nièce de Natalia Pouchkine, épouse d’ Alexandre Pouchkine, Gontcharova devient une artiste influencée par un goût pour l’art moderne (inspiré par les artistes de l’ École de Paris, et de Der Blaue Reiter, qui a trouvé son expression dans ses propres interprétations du futurisme et du cubo-futurisme) et, de manière assez déroutante, à l’art populaire russe traditionnel (inspiré par la peinture médiévale russe et d’autres artefacts traditionnels). Lors de sa grande exposition personnelle en 1913, ses œuvres russes de style primitif étaient exposées côte à côte avec ses peintures plus modernistes. Bien qu’elle soit morte dans la pauvreté, ses peintures se vendent aujourd’hui pour plusieurs millions de dollars.

Début de la vie et éducation

Natalia Goncharova est née dans une famille aisée du village de Nagayevo, près de Toula, en Russie provinciale. Après avoir quitté l’école, elle s’installe à Moscou pour étudier la sculpture à l’École de peinture, de sculpture et d’architecture de Moscou (1898-1902), où elle étudie pendant moins de quatre ans - au lieu des dix ans habituels - et rencontre son compagnon de vie, le peintre Mikhaïl Larionov. Abandonnant la sculpture au profit de la peinture - avec Larionov, elle apprend le dessin au pastel, ainsi que l’ aquarelle et l’huile - Gontcharova commence à exposer à Moscou en 1904. Deux ans plus tard, elle participe à l’exposition d’art russe de Sergei Diaghilev à Paris.

L’influence de l’avant-garde française

A partir de 1907-1908, après avoir découvert l’impressionnisme, Gontcharova s’intéresse à la peinture hypermoderne française, en particulier aux œuvres de Paul Cézanne, Paul Gauguin, Henri Matisse, Pierre Bonnard et Toulouse-Lautrec. Elle a été particulièrement influencée par la couleur, utilisée par les adeptes du fauvisme . Elle fait connaissance avec ces styles modernes lors d’une des premières expositions organisées par le groupe d’artistes russes «Blue Rose» à Moscou en 1908. Bien qu’elle adopte elle aussi les caractéristiques stylistiques de la peinture européenne contemporaine, elle s’intéresse davantage à ce qui inspire les artistes contemporains (notamment les formes d’art dites primitives).

Gontcharova était particulièrement fascinée par l’art populaire russe, les icônes et les gravures populaires (connues sous le nom de lubki). En effet, elle utilisait régulièrement des icônes et des lubki comme sources d’inspiration pour ses propres œuvres, telles que Madone et enfant (1905-07), Annonciation (1909), Archange Michel (1910), Évangélistes (1910-11) et Paysans (1911). Les œuvres de Gontcharova dans ce style ont rapidement été qualifiées de «néoprimitivisme». Outre la peinture française et l’art populaire russe, Gontcharova est influencée par le symbolisme russe, auquel adhèrent les artistes de la «rose bleue».

Groupe du Tambourin, Exposition «La queue de l’âne»

En 1910, Gontcharova et Larionov rejoignent Kazimir Malevitch, ainsi que les émigrés russes Alexei von Jawlensky et Vasily Kandinsky, ainsi que les cubistes français Albert Gleizes et Henri Le Fauconnier, forment une association d’artistes modernes connue sous le nom de «Valet de carreau» ) Valet de carreau) pour exposer leurs peintures expressionnistes modernistes. Cependant, en 1911, à la suite d’un désaccord au sein du groupe entre Gontcharova et David Burliuk (1882-1967), Gontcharova et Larionov partent organiser une importante exposition d’art d’avant-garde russe prérévolutionnaire connue sous le nom de Donkey’s Tail ) Donkey’s Tail). La même année, Gontcharova rejoint le groupe expressionniste allemand connu sous le nom de Der Blaue Reiter («Blue Rider»), qui se concentre à Munich pendant la période (1911-14).

Cubisme, futurisme

Entre 1912 et 1914, Gontcharova participe à plusieurs activités d’avant-garde. En 1913, par exemple, elle participe à des productions théâtrales avec Vladimir Maïakovski et apparaît même dans des films. Avec d’autres membres du groupe futuriste russe, elle crée également des illustrations pour des publications de livres expérimentaux. Comme ses collègues Kazimir Malevitch (1878-1935), Lioubov Popova (1889-1924) et Vladimir Tatlin (1885-1953), elle a connu le cubisme à Paris et a introduit des techniques cubistes dans son travail.

Ceci est évident dans le tableau «Lavage» (1912), où Gontcharova utilise le point de vue multiple d’une nature morte cubiste tout en introduisant des fragments de mots pour faire allusion au sujet de la peinture et souligner la planéité de la toile. Elle connaissait également le futurisme italien . Gontcharova et ses collègues russes ont appelé son travail «cubo-futurisme», pour le distinguer de ses sources parisiennes. Un exemple bien connu de son travail futuriste est «Le cycliste» (1912-13).

Luchisme

Gontcharova et Larionov développent également un nouveau style d’art abstrait, connu sous le nom de «Lucisme». Dans ce style coloré et linéaire, qu’ils présentent en 1913 à l’exposition Target de Moscou, les objets sont représentés à l’aide d’une série de lignes qui se croisent et traversent toute la surface du tableau. Ces lignes, décrites comme des "rayons de lumière réfléchis", brisent l’apparence des objets et deviennent ainsi presque abstraites. Si le rayonnisme est certainement un style propre à Gontcharova et Larionov, il rappelle également le travail du peintre expressionniste allemand Franz Marc .

Quitte la Russie, s’installe à Paris

En 1914, Gontcharova se rend à Paris pour créer des décors de théâtre pour les Ballets russes - Diaghilev lui a commandé des décors pour sa production du Le Coq d’or (1914). Avec l’éclatement de la Première Guerre mondiale en 1914, elle est contrainte de retourner en Russie, mais en 1915, elle rejoint Diaghilev à Genève, en Suisse, avec Larionov, où ils commencent à concevoir des costumes et des décors de ballet.

À partir de ce moment, ils abandonnent pratiquement la peinture de chevalet pour se concentrer sur la création théâtrale. Après la révolution russe de 1917, elle s’installe avec son compagnon à Paris, où elle continue à dessiner pour Diaghilev jusqu’à la mort de ce dernier en 1929.

Après la mort de Diaghilev, Goncharova et Larionov n’ont pas d’emploi régulier et manquent cruellement d’argent. Leur seul revenu provient des commandes de décors de théâtre passées dans le cadre de leur précédente collaboration avec Diaghilev. Goncharova travaille également à temps partiel comme illustrateur de livres.

Ils obtiennent la nationalité française en 1938 et restent à Paris pendant toute la durée de la guerre. L’après-guerre est encore plus difficile. Les commandes sont rares et ils sont obligés de vendre des tableaux de leur collection personnelle pour survivre. En 1950, Larionov subit une grave attaque cérébrale qui met fin à sa carrière et ajoute de nouveaux problèmes à leur vie. En juin 1955, peut-être conscients de sa mortalité, ils se marient, après plus d’un demi-siècle de vie commune.

Dernières années

Bien que les dernières années de sa vie aient été marquées par un nouvel élan de créativité, suscité par le succès de l’Union soviétique dans le lancement du premier Spoutnik, en 1957, elle a beaucoup souffert de l’arthrite et a finalement succombé à un cancer. Elle meurt en octobre 1962 et est enterrée au cimetière d’Ivry, où elle est rejointe deux ans plus tard par son compagnon de toujours, Mikhaïl Larionov.

Bien qu’elle se soit exilée de sa Russie natale, Gontcharova est considérée comme l’une des artistes russes les plus influentes du début du XXe siècle. Cela a été confirmé en juin 2007 lorsque son œuvre de 1909 «Apple Harvest» a été vendue aux enchères par Christie’s pour 9,8 millions de dollars, établissant ainsi un record pour une artiste féminine. En 2008, sa nature morte de 1912 «Flowers» a été vendue pour 10,8 millions de dollars. En 2010, son œuvre «Espagnole» (1916) a été vendue pour 6,4 millions de livres sterling.

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Les peintures de Gontcharova sont exposées dans de nombreux des meilleurs musées d’art du monde.