Jim Dine:
Peintre Pop Américain, Sculpteur, Artiste Graphique:
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Biographie

Principalement associé à l’américain Pop Art mouvement des années 1960, le peintre, sculpteur, graveur et graphiste Jim Dine a été remarqué pour la première fois en tant que pionnier de Événements et un membre de Néo-dada (1959-1960). Peu de temps après, il a été identifié – avec Roy Lichtenstein (1923-97), Ray Johnson (1927-95), Andy Warhol (1928-1987), Robert Indiana (b.1928), Claes Oldenburg (b.1929), Tom Wesselmann (b.1931), James Rosenquist (né en 1933), Alex Katz (né en 1927) et Ed Ruscha (b.1937) – en tant que figure centrale du pop art. Ses tableaux Pop ont été peints dans un style rappelant celui de expressionisme abstrait, mais – comme son contemporain plus âgé Robert Rauschenberg (1925-2008) – Dine est surtout connu pour ses art d’assemblage et ses compositions spirituelles combinant la toile peinte avec objets trouvés, souvent de nature autobiographique. Ses travaux ultérieurs étaient moins efficaces mais de style plus traditionnel et comprenaient la plupart des types de gravure comprenant lithographie et gravure.

Jeunesse

Né à Cincinnati, dans l’Ohio, Jim Dine a étudié l’art à la Cincinnati Academy (1951-1933) et à l’école du musée des beaux-arts de Boston, après quoi il a obtenu un diplôme en art. beaux arts de l’Université de l’Ohio (1957). La même année, il épouse Nancy Minto et s’installe à New York en 1958. Ici, Dine est devenu l’un des pionniers des Happenings, une forme de chaos art de la performance, avec d’autres jeunes artistes comme John Cage (1912-92), Claes Oldenburg (b.1929) et Allan Kaprow (1927-2006). Ses œuvres les plus connues sont The Smiling Workman (interprétée à la Judson Gallery en 1959) et The Car Crash (interprétée à la Reuben Gallery en 1960).

Assemblages Pop Art et Combinaisons de Techniques Mixtes

Vers 1960, Dine commence à créer ses premiers assemblages, dans lesquels il incorpore une gamme de matériaux «trouvés». Au cours de la même période, il commence à travailler sur ses œuvres les plus connues – des combinaisons de peintures ou de sculptures à supports mixtes, auxquelles il associe des objets du quotidien, tels que des vêtements, des appareils de cuisine, du matériel ménager, du papier brouillon, etc. Certaines de ces idées sont devenues une forme précoce de installation d’art.

En 1962, le travail de Dine a été inclus dans l’exposition novatrice "Nouvelle peinture d’objets communs", organisée par Walter Hopps au Norton Simon Museum. Parmi les autres participants figuraient Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Edward Ruscha, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode et Wayne Thiebaud. Considéré comme la première exposition importante de Pop Art en Amérique, il a dévoilé un style de La peinture qui a fondamentalement changé la nature de art moderne. Pourquoi? Parce que c’était le premier type d’art accessible à Joe Public, et pas seulement à l’élite. Il s’appuyait sur des images immédiatement reconnaissables d’articles de consommation courante ou de masse, ou sur des images de célébrités dans les domaines du film, de la musique ou de la politique. Par exemple, voir aussi: Le Pop Art d’Andy Warhol (c.1959-73).

Dine lui-même a continué à incorporer une gamme d’objets personnels et domestiques dans ses peintures tout au long des années 60, notamment cravates, chaussures, vasques, brosses à dents – voir, par exemple, Child’s Blue Wall (1962, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY). Une autre de ses œuvres, Ses chaussures marchant sur mon cerveau (1960), consistait en une peinture primitive d’un visage avec une paire de chaussures collées sur le front. Il a également utilisé des objets d’art, tels que des boîtes de peinture, des palettes de couleurs et des pinceaux, ainsi que d’autres outils – voir, par exemple, Cinq pieds d’outils colorés (1962, Museum of Modern Art, NYC). En 1964, il a commencé à utiliser une photo du peignoir d’un homme, extraite d’une annonce de journal, comme base d’un autoportrait récurrent: voir, par exemple, Autoportrait à côté d’une fenêtre colorée (1964, Dallas Museum of Art). C’était un exemple de l’une des techniques de marque de Dine: répéter sans cesse la même image, jusqu’à ce qu’elle soit associée exclusivement à Dine. (Une autre image de Dine, c’est le cœur.) Dans une certaine mesure, ce type d’approche subjectiviste a distingué Dine tout au long de sa carrière des autres artistes. Ainsi, même s’il faisait partie d’un groupe néo-dadaiste qui a créé les Happenings, il n’a pas progressé vers Art conceptuel ; alors qu’il était alors associé à Pop, il n’a pas adopté le style impassible de Pop, ni la pureté tardive de Minimalisme. En revanche, à la fin des années 1970 et dans les années 1980, il a été identifié comme un précurseur de Néo-expressionnisme et le nouveau style de peinture de la figure. En outre, au cours des années 80, il a commencé à passer plus de temps à sculpture.

Expositions, prix et collections

En 1984, le Walker Art Center de Minneapolis, dans le Minnesota, a organisé une exposition intitulée "Jim Dine: Five Themes". En 1989, l’Institut des arts de Minneapolis présentait "Jim Dine Drawings: 1973-1987". En 1994, il a été élu à la National Academy of Design en tant qu’académicien. En 2004, l’exposition "Drawings of Jim Dine" a eu lieu à la National Gallery of Art de Washington DC.

Les œuvres de Dine sont dans beaucoup de meilleurs musées d’art américains, y compris le Hirshhorn Museum et Sculpture Garden, Washington DC; Le Metropolitan Museum of Art de New York; le Musée d’art moderne de New York; la Collection nationale des beaux-arts, Washington, DC; Le musée d’art moderne de San Francisco; le musée Solomon R. Guggenheim de New York; le musée d’art américain Whitney à New York; et le Walker Art Center, Minneapolis.