John Cage:
Compositeur américain, Artiste, Biographie Automatique traduire

Artiste Avant Garde

Une figure emblématique de art d’avant-garde En Amérique au cours des années 1950, le compositeur et artiste John Cage est notamment connu pour sa controversée "composition musicale" de 4 minutes 33 secondes (4’33 ") (qui ne contient aucune note de musique), ainsi que ses enseignements à Black Mountain College sur une variété de sujets artistiques: ceux-ci incluent Peinture sur sable, formes de Art de la performance tel que Événements (par exemple le "Cage" de 1952), ainsi que des méthodes plus conventionnelles gravure (la plupart eaux-fortes). Il a exercé une influence significative sur Art américain dans les années 1950, notamment sur le travail d’un artiste pionnier Allan Kaprow (1927-2006), artistes pop Jasper Johns (b.1930) et Robert Rauschenberg (1925-2008), l’expressionniste abstrait Robert Motherwell (1915-91) et la danseuse Merce Cunningham (1919-2009), et ont annoncé des mouvements tels que Néo-dada Européenne Fluxus et des méthodes comme junk art. Un étudiant en peinture, architecture et, plus tard, dessin, son cercle d’amis comprenait un certain nombre de grands artistes européens et américains tels que le dadaiste Marcel Duchamp, le surréaliste allemand Max Ernst et le peintre calligraphique Mark Tobey. Avec quelques autres individus très créatifs, on peut dire que Cage est un précurseur de art postmoderniste en Amérique.

Biographie

Né à Los Angeles en 1912, Cage a étudié avec le compositeur non conventionnel Arnold Schoenberg, qui a révolutionné la musique moderne en rompant avec l’harmonie et les implications téléologiques de la tonalité. L’invention de John Cage en 1938 sur le "piano préparé". ainsi que son rôle précoce dans l’évolution de la musique enregistrée et électronique, ont établi sa réputation d’avant-garde au milieu du siècle art moderne de New York. Pourtant, en lisant les critiques de ses performances, il s’est rendu compte que ses compositions ne communiquaient pas les émotions qu’il ressentait. Le moment décisif est survenu après la représentation de Perilous Night, écrite par Cage en 1945. L’incapacité des critiques à comprendre la pièce a amené Cage à changer complètement de direction: il abandonna l’idée de communiquer dans l’art et se concentra plutôt sur celle-ci. d’ouvrir les oreilles de l’auditeur à ce qui existait dans l’environnement – une expérience indéterminée et détachée de l’intention artistique.

La découverte du bouddhisme zen par Cage au milieu des années 1940 semble avoir été à l’origine de la forme de ce changement radical. Considérant que les artistes de la École new yorkaise Se tournant vers la psychanalyse et extrayant l’art de l’introspection personnelle, l’étude de Cage sur le zen a favorisé le détachement de la crise émotionnelle et l’idée que l’art tire son origine de la contemplation non interprétative de la nature. Inspiré des ready-made de Duchamp (objets du quotidien que Duchamp a présentés comme des œuvres d’art), Cage considérait le monde de tous les jours comme la source de l’art. Comme Duchamp, avec lequel il se lie d’amitié en 1941, il s’attaque au mythe héroïque de l’école de New York et s’oppose à la psychologie comme fondement de l’art: "Il n’y a pas de place pour l’émotion dans une œuvre d’art", a-t-il remarqué plus tard.
Cage regarda les sens comme Duchamp avait regardé l’intellect; tous deux rejetés expressionnisme. En 1950, Cage commença même à utiliser le hasard, qu’il considérait comme le principe de fonctionnement central de la nature. en d’autres termes, il voulait imiter le processus sous-jacent de la nature sans en décrire les manifestations réelles.

Plutôt que d’utiliser le hasard pour contourner la conscience de surface, comme dans Dada et Surréalisme Cage espérait éviter toute détermination personnelle. Cette tentative visant à anéantir le moi artistique ainsi que la distinction entre art et expérience quotidienne était sans précédent et contrastait directement avec la posture de ses contemporains à la New York School. Pourtant, Cage leur ressemblait par son emphase sur la spontanéité et le processus.

En 1950, l’appartement de Cage dans le Lower East Side était devenu un lieu de rencontre pour un groupe d’amis intéressés par la nouvelle musique et la danse. Christian Wolff (alors lycéen) est passé un jour avec le I Ching ou Book of Changes, que Pantheon venait de publier. Le livre est arrivé à Cage au bon moment, et il a utilisé les pièces et les diagrammes I Ching pour composer sa musique de 1951, intitulée « Changements», en hommage au livre. Cage a lancé trois pièces six fois, dont les résultats ont été corrélés à un graphique, qui a ensuite déterminé la hauteur de chaque note. Il a ensuite suivi une procédure similaire pour le timbre et la durée. Il a suivi ce processus élaboré pour éviter que le choix personnel interfère avec les procédures aléatoires. Comme la pièce dure quarante-cinq minutes, Cage a dû faire un nombre extraordinaire de lancers.

Composition: 4 minutes 33 secondes (4’33 ")

Dans sa théorie d’un "espace sonore total", Cage affirmait que la musique englobait tous les sons, y compris les sons non musicaux et l’absence de son. Le son a quatre caractéristiques essentielles: la hauteur, le timbre, le volume et la durée; au contraire, le silence, observa Cage, n’a qu’une durée. Dans son morceau muet de 1952, intitulé 4 minutes 33 secondes, l’artiste ne produit aucun son pendant cette période. Influencé par les "White Paintings" vierges de Rauschenberg de 1951, Cage supprime tout de ce morceau sauf le temps (le caractéristique commune du son et du silence) et des sons aléatoires de l’environnement.

Les opérations fortuites de Music of Changes produisirent des résultats qui, une fois que Cage les fixa, restèrent figés. Mais dans la pièce silencieuse, l’antipathie de Cage à l’égard des modèles volontaires le poussait encore plus loin, dans l’indétermination, qui suppose un flux continu. Il a embrassé le véritable caractère aléatoire des sons ambiants dans la pièce silencieuse afin de permettre à l’auditeur d’entendre de manière neutre. O’OO, son ouvrage de 1962, "va encore plus loin dans cette idée en précisant qu’il peut être interprété par n’importe qui de quelque manière que ce soit. Bien que Cage ait crédité Morton Feldman d’avoir ouvert la voie à l’indétermination, la musique et les idées au hasard (ou" aléatoire ") Le son ambiant ("concret") a certainement influencé la musique de Feldman ainsi que celle de Earle Brown, Christian Wolff et La Monte Young.

Collaboration avec la danseuse Merce Cunningham

Cage a eu un échange d’idées particulièrement important avec le danseur et chorégraphe Merce Cunningham. Cage et Cunningham ont commencé à travailler ensemble en 1943, l’année précédant le premier récital solo de Cunningham à New York (alors qu’il dansait toujours avec la Martha Graham Company). Leur collaboration a rompu avec la tradition chorégraphique en permettant au danseur individuel tout mouvement ayant une signification pour lui et en soulageant l’interprète de toute obligation de raconter une histoire, de symboliser quelque chose ou de trouver des équivalents pour la musique. La musique, les décors et les danseurs individuels fonctionnaient indépendamment mais simultanément. Cage et Cunningham ont créé des systèmes, les ont superposés, puis ont regardé ce qui se passait lorsqu’ils sont entrés en collision.

Merce Cunningham a changé le langage de la danse. Pour lui, tout mouvement, aussi banal soit-il de marcher, tomber, sauter, pourrait constituer une danse. En outre, aucune action en danse n’avait une signification autre que ce qu’elle était en soi, at-il insisté; À l’instar de Cage, Cunningham voulait avant tout faire appel aux sens du spectateur. Il voulait aussi mettre à nu la nature physique de la danse. Ses idées chorégraphiques sont complexes et mettent l’accent sur la discipline de la technique, exigeant fréquemment que le danseur travaille pieds nus pour établir une relation plus directe et contrôlée avec le sol. Les six danseurs de la troupe de Cunningham étant solistes, ils couvriraient toute la scène en même temps. comme dans une peinture "allover" de Jackson Pollock (1912-56) ou Willem de Kooning (1904-1997).

Le point culminant des tournées de Merce Cunningham avec Cage dans les années 1940 fut leur visite au Black Mountain College en 1948. Cage était intrigué par le collège depuis la fin des années 30. Mais la présentation en 1948 par Cage / Cunningham de la Rose de la méduse d’Erik Satie, dirigée par Arthur Penn, était un événement électrisant. Avec cette performance, Cage a établi une amitié avec Josef Albers (1888-1976), le maître d’art de l’école. Cependant, quand Cage commença plus tard à travailler avec le hasard et l’indétermination, Albers affirma que Cage avait "renoncé à sa responsabilité d’artiste" et rompu ses relations.

"L’événement" de John Cage en 1952: le premier événement

Néanmoins, c’est la pièce de théâtre n ° 1 de Cage (souvent appelée simplement «l’événement») interprétée au Black Mountain College en 1952 qui acquiert le statut légendaire de premier «Happening» et marque le début de la musique et de la danse aléatoires. Lors de «l’événement» de 1952, le conférencier de Black Mountain, MC Richards, et le poète Charles Olsen ont lu des poèmes sur des échelles. Les "peintures blanches" de Rauschenberg étaient suspendues au-dessus de la tête pendant qu’il jouait des disques d’Edith Piaf sur un vieux phonographe; David Tudor a joué du piano; Merce Cunningham a dansé dans et autour du public (poursuivi par un chien qui aboie); et Cage resta assis pendant deux heures sur un escabeau – lisant parfois une conférence sur le rapport entre musique et bouddhisme zen, écoutant parfois sans rien dire. Tout le monde a fait ce qu’il avait choisi de faire pendant certains intervalles de temps, et l’expérience entière a été si riche en entrées sensorielles qu’il n’y a pas deux récits qui ressemblent beaucoup. En effet, l’individualité de l’expérience de chaque observateur était au centre de l’aspiration de Cage.