Judy Chicago:
artiste féministe, le dîner Automatique traduire

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Biographie

Un de l’Amérique meilleurs artistes contemporains, Judy Chicago a été l’un des principaux pionniers du Art féministe dans les années 1970, une tendance à la art contemporain qui est né du mouvement de libération des femmes en Amérique et en Grande-Bretagne, à la fin des années 1960. Judy Chicago était une artiste féministe active et influente qui cherchait à changer les attitudes culturelles et à transformer les stéréotypes afin de donner aux femmes une plus grande égalité. À court terme, elle a cherché à augmenter les possibilités offertes aux femmes dans le système artistique américain et à réinterpréter le histoire des arts dans une perspective plus féministe. Elle est surtout connue pour sa collaboration installation d’art conçu pour élargir le profil historique des femmes et améliorer leur représentation dans les arts visuels. Son œuvre la plus célèbre est The Dinner Party (1979, Centre Elizabeth A. Sackler pour l’art féministe, Brooklyn Museum, New York), qui célèbre les réalisations de femmes réelles et légendaires à travers l’histoire tout en défendant l’artisanat "féminin". des travaux d’aiguille, de broderie et art céramique, contrebalançant avec des métiers "masculins" comme ferronnerie et soudure. En 1970, Judy Chicago a enseigné le premier cours sur l’art féminin en Amérique. Ses élèves comprenaient Dori Atlantis, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman, Cheryl Zurilgen – et ensuite En 1971, il a cofondé le programme d’art féministe du California Institute of Arts avec Miriam Schapiro, ainsi que l’installation et le lieu de spectacle " Womanhouse ". Elle est aussi connue pour elle Art de l’Holocauste, à savoir son installation "The Holocaust Project".

Note: En plus de Judy Chicago, d’autres artistes modernes parmi les pionnières des idées féministes, Miriam Schapiro (1923-2015), figure majeure du mouvement artistique Pattern and Decoration; la vidéaste Doris Totten Chase (1923-2008); peintre / graveur Nancy Spero (1926-2009); "artiste de la maintenance" Mierle Laderman Ukeles (née en 1939); et l’artiste de performance Carolee Schneemann (née en 1939). Artistes postmodernistes l’artiste vidéo Martha Rosler (née en 1943); artiste graphique Barbara Kruger (b.1945); l’artiste vidéo et installation Dara Birnbaum (née en 1946); artiste de performance Marina Abramovic (b.1946) célèbre pour son risque élevé art corporel ; l’artiste d’installation Maureen Connor (né en 1947); et la graphiste Sheila Levrant de Bretteville (née en 1940).

Petite enfance et entraînement

Née Judy Cohen dans la ville de Chicago, d’où elle a pris son nom adoptif, elle a grandi dans un foyer intellectuel juif et a commencé dessin à l’âge de trois ans. À cinq heures, elle était certaine de devenir artiste et, à huit heures, elle a commencé à suivre des cours à la Institut d’art de Chicago. En 1950, à l’âge de onze ans, son père mourut prématurément d’une péritonite, mais son soutien actif au Parti communiste américain et ses idées progressistes sur les droits des femmes et des travailleurs auraient un impact considérable sur la vision et la philosophie de Judy. Dans l’état actuel des choses, elle a poursuivi ses cours tout au long de son adolescence, avant de passer une maîtrise en beaux-arts de UCLA. Malgré la perte tragique de son jeune mari Jerry Gerowitz dans un accident de voiture en 1961, elle termine son master en 1964, après quoi elle élargit sa formation en suivant des cours de peinture au pistolet dans une école de réparation Sculpture sur bois et d’autres techniques sculpturales. En attendant sa art – après un bref signe de tête dans la direction du début des années 60 minimalisme – est devenu plus expressif et personnel et a commencé à inclure des représentations explicites des organes féminins.

Féminisme et Art Féministe

Au cours de la décennie, elle s’intéresse de plus en plus au mouvement féministe et commence à intégrer davantage de thèmes féministes dans son art. C’était le début de sa quête permanente d’artiste féministe de reconnaître les réalisations de personnalités féminines (dans l’histoire et dans les arts) et de célébrer les sentiments et les expériences uniques des femmes, tout en faisant campagne pour des cours sur l’art féministe et la culture. plus de possibilités d’exposer avec des musées comme MOMA et le Whitney Museum of American Art à New York. En 1969, elle s’est remariée, mais cette fois, au lieu de prendre le nom de son mari, elle a adopté le nom de famille Chicago – comme une déclaration personnelle d’indépendance.

En 1970, Chicago et ses collègues, Miriam Schapiro, ont innové dans une approche radicalement nouvelle de l’éducation féministe en lançant et en dispensant le premier cours d’art réservé aux femmes (connu sous le nom de programme féministe d’art) au Fresno State College. l’année suivante à la California Institute of Arts de Valence. Le cours s’est concentré sur la sensibilisation au féminisme et à l’identité féminine, exprimée dans différents types d’art, tel que art conceptuel, et art de la performance, ainsi que légitimer la féminité artisanat comme la broderie et les travaux d’aiguille. À partir de cette expérience éducative a émergé " Womanhouse ", un lieu artistique créé par Chicago et ses étudiants dans le but de fournir un espace d’enseignement, de discussion, d’exposition et de spectacle. En 1973, Womanhouse a déménagé dans l’ atelier du Feminist Studio, fondé par Sheila Levrant de Bretteville, de Chicago, et Arlene Raven, spécialiste de l’art, dans un lieu entièrement séparé à Los Angeles. Au moment opportun, Womanhouse s’est métamorphosée en " Woman’s Building " – qui est rapidement devenu un centre clé de la communauté artistique féminine de Los Angeles et un symbole majeur du mouvement féministe des années 1970.

Note: En plus de son travail en tant que professeure d’art et militante féministe au début des années 1970, Chicago (comme Georgia O’Keeffe avant elle) a commencé à créer des œuvres avec des images florales, dans la droite ligne de sa conviction que les fleurs sont le symbole de la féminité et du noyau féminin et que les femmes sont définies et unies par leurs organes sexuels. Dans les yeux de critiques d’art, ce stress sur la biologie – "en fin de compte, être une femme, c’est avoir un vagin" – est l’angle mort de Chicago. Aujourd’hui, par exemple, l’idéologie féministe a considérablement progressé par rapport aux notions plus simples des années 1970.

Le dîner (1974-1979)

En 1974, Chicago entreprend la réalisation de son installation monumentale – "The Dinner Party" – un véritable hommage à l’histoire féministe. Il consiste en une table de banquet triangulaire, dotée de trente-neuf couverts – ornés chacun de lin brodé, d’un calice, d’argenterie et d’une assiette en porcelaine ornée de motifs de vulve. Le sol blanc de l’installation (appelé Heritage Floor) est constitué de carreaux de porcelaine triangulaires, chacun portant les noms de 999 autres femmes éminentes. Les éléments constitutifs du travail – un effort de collaboration impliquant plus de 100 contributrices – étaient des exemples concrets des types traditionnels de art décoratif créé principalement par des femmes. "The Dinner Party" a ouvert ses portes au public en mars 1979 au musée d’art de San Francisco (aujourd’hui le musée d’art moderne de San Francisco), qui a rapidement suscité de mauvaises critiques. Décrite comme "kitsch" et "obscène" par Hilton Kramer (1928-2012), principal critique d’art du New York Times, l’installation a été démantelée et rangée, ignorée par d’autres musées et institutions d’Amérique. En 2007, environ trente ans plus tard, il a été transporté à travers le pays et réinstallé au Centre Elizabeth Sackler pour l’art féministe à Brooklyn, dans l’État de New York. Il est avant tout un symbole du premier mouvement artistique féministe, considéré par certains historiens de l’art comme l’un des plus importants. mouvements d’art contemporain de la seconde moitié du 20ème siècle.

Des années plus tard

Dans ses dernières années, elle a continué à créer de l’art et à promouvoir ses préoccupations féministes, même si sa vision s’est quelque peu élargie. Au cours des années 1980, elle s’inquiète du manque d’images de naissance dans les arts visuels (installation " Birth Project " de 1980 à 1985), après quoi elle produit une série de peintures à grande échelle sur le thème de la masculinité ("Powerplay" 1983-1986).. Puis, en collaboration avec le photographe Donald Woodman (plus tard époux, numéro trois), elle passa huit ans (1985-1993) à amasser des images de l’Holocauste pour sa célèbre installation intitulée " Le projet de l’Holocauste: De l’obscurité à la lumière ". Un travail multimédia inclus art du vitrail, ferronnerie et la photographie aussi bien que art de la tapisserie et peinture acrylique. Depuis lors, ses activités ont englobé des compétences aussi diverses que le soufflage du verre, la couture, la pyrotechnie et l’enseignement. Cependant, elle est surtout connue pour l’art féministe qu’elle a créé dans les années 1970.

Livres

Chicago est l’auteur de plusieurs ouvrages majeurs documentant ses œuvres féministes et celles d’autres artistes femmes. Ils comprennent: The Birth Project (Doubleday, 1985); Au-delà de la fleur: l’autobiographie d’une artiste féministe (Penguin, 1997); Les femmes et l’art: territoire contesté (avec Edward Lucie-Smith) (Watson-Guptill, 1999); À travers la fleur: ma lutte en tant qu’artiste artiste (Authors Choice Press, 2006); Frida Kahlo: Face à face. (Prestel USA, 2010); et temps institutionnel: une critique de Studio Art Education (The Monacelli Press, 2014).

Autres artistes féministes du XXe siècle

Pour les biographies de femmes artistes impliquées dans le mouvement féministe qui ne sont pas citées ci-dessus, veuillez consulter les documents suivants: