Jean-François Millet:
peintre de genre français, fondateur de l’école de Barbizon
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introduction
Une figure importante dans Peinture française du milieu du XIXe siècle, l’artiste Jean-François Millet est un membre fondateur du École de paysage de Barbizon en France et est surtout connu pour son peinture de genre et peinture de paysage – présentant principalement la vie rurale éreintante de la paysannerie française. Son style peut être classé à la fois Naturalisme et religieux le réalisme. Parmi ses peintures les plus remarquables figurent l’Angélus (1858, musée d’Orsay), les Gleaners (1857, musée d’Orsay), le semeur (1850, musée des Beaux-Arts, Boston) et l’arrestateur Man with a Hoe (1860, J Paul Getty Museum, LA). De nombreuses peintures de Millet sont disponibles en ligne sous forme d’impressions sous forme de art de l’affiche. NOTE: Pour une explication de la manière dont le réalisme a conduit à l’impressionnisme et finalement à l’abstraction, voir: Réalisme à impressionnisme (1830-1900).
Jeunesse et Formation
Né en 1819, à Greville-Hague, en Normandie, ses parents étaient des paysans agriculteurs. Il a été éduqué par les prêtres locaux, mais a montré un tel talent pour dessin En 1833, il est envoyé à Cherbourg étudier avec le portraitiste Paul Dumouchel. En 1835, il étudie à plein temps avec Lucien-Theophile Langlois. En 1837, il reçut une allocation pour s’installer à Paris où il étudia à l’Ecole des Beaux-Arts du peintre académique français Paul Delaroche. Ses premiers travaux ont montré de fortes influences de Nicolas Poussin et consistait principalement en portraits et sujets mythologiques.
Ecole de peinture de paysage de Barbizon
Cependant, à la fin des années 1840, son sujet change et ressemble à celui de Gustave Courbet – notée pour L’atelier de l’artiste (1855) et Un enterrement à Ornans (1850) – et Honoré Daumier, il a commencé à peindre des paysans se livrant à leur vie quotidienne normale. The Winnower (maintenant perdu) a été exposé à la Salon de Paris en 1848 et fut l’une des premières scènes rurales qu’il peignit à partir de ses souvenirs d’enfance. En 1849, une épidémie de choléra éclata à Paris et, sur les conseils du graveur Charles-Emile Jacque, il s’installe à Barbizon, près de la forêt de Fontainebleau, où il restera toute sa vie. C’était ici que son La peinture eu une influence énorme sur l’école de Barbizon. L’école s’orientait vers le réalisme extérieur ou le naturalisme, choisissant de peindre directement à la nature – une méthode connue sous le nom de peinture en plein air – et abandonnant la formalité de la peinture classique.
Peinture Plein Air
Autres membres dirigeants de cette peinture en plein air mouvement inclus des membres de l’école de Peinture de paysage anglaise, tel que John Constable (1776-1837) et Richard Parkes Bonington (1802-28), ainsi que des peintres français comme Theodore Rousseau (1812-1867) Camille Corot (1796-1875), Narcisse Diaz de la Pena (1808-1876), Charles-François Daubigny (1817-1878), Jules Dupre (1811-1889), Joseph Harpignies (1819-1916), Constant Troyon (1810-1865), Charles-Emile Jacque (1813-1894), Antoine-Louis Barye (1796-1875), Albert Charpin, Felix Ziem et Alexandre De Faux.
L’angélus
En 1858, Millet peint son célèbre peinture réaliste connu sous le nom de Angelus, qui représente un couple de paysans travaillant dur prenant une pause de leur travail dans les champs pour prier. La peinture est simple et représente les personnages en parfaite harmonie avec leur environnement. L’œuvre, ainsi que ses autres scènes paysannes, cimente la réputation de Millet comme l’un des meilleurs peintres de genre du 19ème siècle. L’Angélus a été beaucoup copié après sa mort, et le surréaliste Salvador Dali a été tellement fasciné par la pensée qu’il a écrit un essai intitulé Le mythe tragique de l’Angélus de Millet. Il était convaincu que les deux personnages étaient en train de prier pour leur enfant enterré, plutôt que de prier pour l’Angélus. En fait, il insistait tellement sur la radiographie de la toile qui révélait une forme peinte qui ressemblait à un cercueil. Cependant, il est difficile de savoir si Millet a changé d’avis sur la signification derrière le tableau ou si la forme est en réalité un cercueil.
Autres peintures
Autre peintures de paysages célèbres de Millet incluent Harvesters Resting (1850), Marche pour le travail (1851), Femme cuisant du pain (1854, Musée Kroller-Muller), Les Glaneuses (1857, Musée d’Orsay), L’Homme à la houe (1860, Getty Center, Los Angeles) et The Planters Planters (1861, Musée des beaux-arts, Boston). Au début de 1860, un client le contracta pour peindre 25 œuvres en échange d’une allocation de trois ans, et un autre client commanda pastel œuvres pour une collection qui devrait atteindre plus de 90. The Gleaners, The Angelus et The Planters de pommes de terre ont été exposés à l’Exposition Universelle, qui a accueilli un rassemblement majeur de ses œuvres. En 1868, il est nommé Chevalier de la Légion d’Honneur.
Style de peinture
Plus tard dans la vie, sa palette a eu tendance à s’éclaircir un peu et au fur et à mesure que ses coups de pinceau se relâchaient, Impressionnisme. Mais, contrairement aux impressionnistes, il n’a jamais peint à l’extérieur et n’a jamais accordé trop d’attention aux valeurs tonales. C’est son talent de dessinateur et l’attention qu’il a portée aux gens ordinaires dans ses œuvres qui ont séduit des artistes comme Van Gogh (qui a mentionné le travail de Millet à plusieurs reprises dans des lettres à son frère) et Georges Seurat.
Héritage
Bien qu’il ait été accusé d’être socialiste, ses peintures avaient un lustre presque religieux, ce qui les rendait plus acceptables et plus rentables à l’époque. Néanmoins, il a eu une influence considérable sur d’autres jeunes artistes, dont Eugène Boudin (1824-1898), Claude Monet (1840-1926) et Pablo Picasso (1881-1973). En 1875, il épousa sa partenaire Catherine et mourut 17 jours plus tard.
Pour un commentaire plus détaillé sur la vie et les peintures de Millet, voir ci-dessous:
La vie et l’art de Jean François Millet
Quelques personnes sont élevées à la hauteur de l’exaltation religieuse et esthétique à l’expérience de la misère. Ils se nourrissent de chagrin mais le transforment en une véritable beauté. Jean François Millet (1814-1875), peintre de L’Homme à la houe, Le Semeur, Les Glaneuses, L’Angélus, de Normandie, enfant d’un paysan, fils et héritier de la pauvreté. Parmi les artistes français du XIXe siècle, il se distingue comme le saint patron du pessimisme, un homme inspiré par la tristesse de l’existence humaine.
Peintre du malaise rural
C’est dans les tâches quotidiennes du paysan, pour qui la question même de l’existence, la question même de la vie et de la mort a été décidée par les aléas du sol, que Millet a trouvé le drame suprême de l’humanité. La scène de la tragédie épique était la terre de Normandie, et l’acteur était le paysan au travail, incessant, sans se plaindre, dévot. Il y avait de l’ironie et de la pitié dans cette dévotion du paysan. Un spectacle pour amener un artiste aux prières et aux larmes. "Ah, mon enfant", avait dit le curé du village à Jean-François quand il était très jeune, "tu as un cœur qui te causera beaucoup de problèmes; tu ne sais pas combien tu souffriras." Et Jean François a accompli la prophétie à la pelle.
La jeunesse et l’éducation de Millet
Les critiques ont reproché à ses peintures l’absence de joie. Joie? Il n’en connaissait aucun. C’était un paysan. Il avait été élevé par une grand-mère simple et stoïque, par un père décédé à un âge précoce de surmenage, par une mère morte de chagrin parce que son fils, Jean-François, qui était en train de peindre à Barbizon, ne pouvait se permettre le chemin de fer. tarif à son chevet. "L’aspect joyeux de la vie ne m’apparaît jamais. Je ne sais pas ce que c’est. Je ne l’ai jamais vu. Les choses les plus gaies que je connaisse sont le calme et le silence."
Jeune homme, il avait dessiné quelques morceaux de charbon de bois la nuit après une dure journée de travail dans les champs de sa maison natale. Ces croquis avaient suscité l’admiration d’un artiste de troisième ordre vivant dans les environs. À partir de ce moment, Millet se rendit compte que la carrière d’un agriculteur n’était pas pour lui. L’art était son affaire, sa mission, sa religion même. L’artiste sympathique a intercédé auprès d’un comité à Paris pour lui accorder une bourse. Millet a quitté son domicile et s’est rendu dans la capitale. Mais dès qu’il y fut arrivé, un grand désir de la campagne le saisit. Il était arrivé dans «un Paris noir, boueux et enfumé», comme il l’appelait, un soir de neige en janvier. La circulation des voitures, les lampadaires étouffés de brouillard, les ruelles étroites et les taudis sales envoyaient les larmes aux yeux. Pour vérifier un éclat de sanglot soudain, il jeta sur son visage des poignées d’eau provenant d’une fontaine de la rue. Cela l’a fait se sentir mieux. Après tout, il était ici en pèlerinage religieux. Les dernières paroles de sa grand-mère, un catholique sévère et majestueux avec une âme de puritain, lui revinrent maintenant. "Je préférerais te voir mort, mon enfant, que d’être rebelle et infidèle aux commandements de Dieu… Souviens-toi, tu es chrétien avant d’être artiste."
Les glaneurs
C’est précisément cette qualité dans l’art de Millet que les critiques ont saisie. Ils disent qu’il était plus chrétien que artiste. Prenez, par exemple, sa célèbre peinture à l’huile, The Gleaners . Trois paysannes glanent dans les champs, mécaniquement, avec lassitude, sous un chaud soleil d’été, qui brûle la terre avec ses rayons dévastateurs. À l’arrière-plan, un groupe de cueilleurs empile le grain d’or. Un fermier, monté sur un wagon, supervise leur travail. Deux des femmes glaneuses, habillées respectivement de mouchoirs rouge et bleu, sont penchées vers le bas, tâtonnant avec leurs doigts dans un chemin idiot et sans reproche pour le chaume. Une troisième femme se lève pour soulager la tension, peut-être pour se demander, un instant, quelle loi cruelle l’a condamnée à une telle souffrance et à un tel labeur. Mais après cet éclair momentané, après cet allumage partiel du feu divin qui promet de transformer cette argile en un être humain, il est évident qu’elle va prendre sa place aux côtés des autres et la replier une fois de plus. "Tu gagneras ton pain à la sueur de ton front."
Quand Millet a peint The Gleaners, il avait quarante-trois ans. Pendant de nombreuses années, il avait envoyé ses photos dans les salons parisiens, pour être ensuite rejeté à plusieurs reprises. Son travail n’était pas acceptable pour les aristocrates. Ils n’auraient rien à voir avec un homme qui tenait la charrue et foulait le sol et le fumier de Barbizon. Quand Millet a rejoint la classe d’art à Paris, les élèves sophistiqués et urbains se moquaient de ses manières. Quelques-uns d’entre eux, plus francs que les autres, connaissaient la force de son poing. En partie dérisoires, en partie admiratifs, ils l’avaient surnommé l’ Homme Sauvage des Bois. Et l’ homme sauvage des bois, il est resté toute sa vie. "Je ne serai jamais obligé de m’incliner", a-t-il déclaré. "Je ne me ferai jamais imposer l’art des salons parisiens. Un paysan que je suis né, un paysan je vais mourir."
Barbizon
C’est ainsi qu’il s’était installé avec sa femme et ses enfants dans une cabane à Barbizon, à l’orée de la grande forêt. Il a creusé et peint dans son jardin et a élevé sa famille au plus bas niveau de subsistance. Il connaissait les paysans qu’il peignait. Il était leur frère et était très proche du chagrin et du désespoir. Malgré le fait que ses frais de subsistance étaient presque négligeables, il était incapable de les assumer. À un moment donné, il écrivait: "Je ne sais vraiment pas comment remplir mes obligations et continuer à vivre." Il y avait des jours où il n’avait pas deux francs dans ses poches. C’est avec beaucoup de tendresse qu’il peint The Gleaners. Il connaissait bien les difficultés du paysan français. Pourtant, le public a accueilli ce tableau avec un choeur de dérision. Se référant aux figures des trois glaneurs, un critique a fait remarquer: "Ce sont des épouvantails simples installés dans un champ: la laideur et la vulgarité de M. Millet sont sans relief."
À cette explosion, Millet aurait pu répondre que même dans les choses simples, il existe une bonté qui dépasse l’entendement du critique aveugle. Certains critiques ont mis en doute les aspects techniques ainsi que la qualité spirituelle du tableau. Le champ dans lequel travaillent les glaneuses est baigné par une lumière du mois d’août supposément chaude et intense. Cependant, la finition tonale est un bleu trouble, terne et cendré qui suggère une brume. Un de ses défenseurs, cependant, a expliqué cela en soulignant que "le soleil du mois d’août apporte une chaleur puissante sur la toile. Vous ne trouverez aucun de ces rayons capricieux qui gambadent comme des écoliers des vacances sur des photos prises par d’autres. fait mûrir le blé, fait transpirer les hommes et ne perd pas son temps en ébats. "
Millet a passé la majeure partie de sa vie adulte dans cette "province pour les peintres". Il vivait dans une petite grange chauffée par un poêle à bois. Vingt sept ans! Il avait une femme patiente, qui ne se plaignait pas, à soutenir. "Grand vieille femme", dit-il tendrement. Et les enfants, "les petits crapauds", avec des bouches à nourrir. Comme l’hiver était difficile à supporter quand vos tableaux ne se vendaient pas, quand vous étiez toujours au bord de la famine. Pourtant, il n’était pas un philosophe. Il ne souhaitait pas se débarrasser de l’amertume de la vie ni trouver une formule qui le rendrait stoïque ou indifférent. La douleur est peut-être ce qui donne à l’artiste le plus puissant pouvoir d’expression. "L’art n’est pas une diversion", a-t-il déclaré. "C’est un conflit, une complication de roues dans laquelle on est écrasé."
Millet accusé d’être un artiste agitateur
Lorsque The Gleaners est apparu, il a été accusé d’être un agitateur. La bourgeoisie croyait qu’il cherchait à sensibiliser les paysans à la classe, qu’il encourageait une révolution sociale par sa haine personnelle des classes possédantes. Haine? "La mission de l’art est une mission d’amour, pas de haine", a-t-il répondu. Était-il préoccupé par l’émancipation du paysan du sol? Il était lui-même un paysan des paysans. L’idée de l’éternité, de l’intemporalité, de la divinité de l’homme dans son occupation choisie, l’a poussé à vouloir peindre le paysan non pas comme il pourrait être, mais comme il était réellement – condamné, pré-ordonné pour labourer à jamais sans rêver, ou désir d’un changement social. Politique, révolution, socialisme? "Qu’est-ce que l’art a à voir avec ces choses-là? L’art ne viendra jamais que d’un petit coin négligé où un homme isolé et inspiré étudie les mystères de la nature."
Mais les critiques ont refusé de voir. "Les trois vilains destins du paupérisme" – c’est ce qu’ils ont surnommé les trois glaneurs – "le cri de bataille du jacobinisme et de la révolution". "Mes critiques", a répondu Millet, "sont, j’imagine, des gens de goût et d’instruction; mais je ne peux pas me mettre dans la peau. Je n’ai jamais rien vu de ma vie, à l’exception des champs, et j’essaie de le dire simplement." du mieux que je peux, ce que j’ai vu. " Théâtral et mélodramatique, c’est ce que sa peinture est, ont-ils chargé. Mais le mélodrame était la chose la plus éloignée de l’esprit de Millet. "La Galerie du Luxembourg m’a donné une antipathie pour le théâtre", a-t-il répondu. "J’ai toujours eu une aversion marquée pour les exagérations, les faussetés et les rumeurs d’actrices et d’acteurs." Eh bien, en tout cas, insistait les critiques, il débordait de sentimentalité à bas prix; il a jailli avec le pinceau! Cette accusation, comme les autres, a été catégoriquement niée par Millet. Son propre Dieu était Michelangelo Michel-Ange avait déjà fait remarquer au prince de Hollande: «Un bon tableau ne tirera jamais une larme». Comment, alors, les Gleaners ont-ils été peints?
L’essence de l’art de Millet: le summum de la peinture religieuse
"Souviens-toi, Jean François, tu es chrétien avant d’être artiste." C’est ce que sa grand-mère lui avait dit juste avant de partir pour les écoles d’art de Paris. "Up, up, mon petit François", furent les premiers mots d’elle dont il se souvenait. "Si vous saviez depuis combien de temps les oiseaux chantent la gloire de Dieu." Et les dernières paroles qu’elle avait respirées restèrent clairement gravées dans sa mémoire. "Peignez, peignez pour l’éternité, et pensez que la trompette qui vous appellera au Jugement sera toujours à la veille de sonner."
Jean François Millet était un homme de religion. En lui, il n’y avait pas de message de protestation, pas de demande de réadaptation sociale. "Tu gagneras ton pain à la sueur de ton front." Un destin inébranlable qui ne changera jamais. Il a été élevé sur la Bible. Il voyait dans la lutte incessante de l’homme avec le sol une signification non sociale, ni politique, mais avant tout religieuse. C’était un homme simple et solitaire de Dieu. Tout son objectif était de montrer la beauté de la vie dans le triste labeur des travaux forcés. Millet aimait la vie pour sa tristesse même. C’est l’hiver dans son âme qui l’a fait aimer ainsi. Son caractère s’était nourri des Écritures et des vents qui frappaient le littoral de son Gruchy natal.
Les Ecritures, les tempêtes de la mer et la poésie de Virgile et d’ Homère. Il a lu ces deux anciens assidûment. Ils étaient plus proches de lui spirituellement que la plupart de ses contemporains. Les hommes et les femmes qu’il a peints dans The Gleaners n’étaient pas simplement des sujets de tracts sociaux ou des escroqueries muettes et peu glorieuses, des créatures pauvres, maltraitées et misérables de l’argile ordinaire. Ils étaient, comme les soldats de Virgile et d’ Homère, des personnages héroïques dans un grand poème, le plus grand de tous les poèmes – l’Épopée de la vie.
L’angélus
En 1859, deux ans après The Gleaners, il produisit l’un des disques plus grandes peintures religieuses du milieu du XIXe siècle, intitulé: L’Angélus. Voici une description de la peinture, à partir du stylo graphique de Paul Gsell:
"Au milieu des champs, un jeune paysan et sa femme viennent de terminer leur travail. Des sacs de pommes de terre sont chargés sur une brouette. Les brumes du crépuscule volent au-dessus des champs. À l’horizon, un village. Le clocher de l’église et quelques toits de chalets sont perceptibles à travers la pénombre qui se rassemble. Soudain, la musique lointaine de l’Angélus flotte sur l’air tranquille. Silencieux et immobiles, les deux occupants de la scène se perdent dans une contemplation religieuse., découvrant sa tête, se tient maladroitement, tenant son chapeau entre ses grandes mains bien travaillées; la femme la serre avec révérence et les deux inclinent la tête. Leur apparence est si pauvre et si grossière! Pour les regarder, on pourrait croire qu’elles étaient toutes les deux Composées de la terre qui colle à leurs sabots de bois, leurs formes dominent la scène dans le calme du crépuscule, plongées dans le flou sombre de la somptuosité du coucher de soleil. o les ombres de plus en plus profondes de la nuit et cesse de les submerger par son immensité. Ce ne sont plus deux pauvres gens isolés, mais deux âmes dont la prière remplit l’infini. "
Ce tableau, peu de temps après la mort de Millet, a été vendu pour un quart de million de dollars. Mais en 1859, alors que l’artiste venait de le terminer, il avait atteint les profondeurs de la pauvreté. "Nous n’avons que assez de carburant pour nous faire vivre deux ou trois jours", a-t-il écrit, "et nous ne savons pas comment nous allons en avoir, car ils ne nous en laisseront pas sans argent…"
L’homme à la houe
Ce fut l’une des rares périodes rebelles de sa vie. Quand il avait été incapable de payer le prix de la visite de sa mère mourante, il s’était levé les mains au ciel, désespéré. "Je suis cloué au rocher et condamné aux travaux forcés sans fin!" Et maintenant, quand la pauvreté l’a une fois de plus écrasé, il s’est écarté pour une fois de son objectivité habituelle et a peint l’amertume de son désespoir dans L’Homme à la houe.
Il prévoyait clairement la sensation que créerait cette image. " L’homme à la houe ", écrit-il à un ami, "me mettra dans l’eau chaude avec un certain nombre de personnes qui n’aiment pas être invité à contempler un monde différent de celui auquel ils étaient habitués, qui déteste être dérangé de leur sérénité ". Rarement une image a occasionné une plus grande tempête d’abus d’un côté, ou un élan plus fanatique d’éloge de l’autre, que cette représentation d’un travailleur des champs harcelé et sans espoir qui s’arrête un instant pour s’appuyer sur lui. "Le poids des siècles", écrit Edwin Markham dans le poème inspiré de cette image, "le vide des âges dans son visage". L’esprit de l’homme a été tué par les générations de travaux forcés qui lui ont été imposés, ainsi qu’à toute sa classe. Il y a un regard vide, vide de sens dans ses yeux. Tous les personnages de son visage ont été étouffés. Il a été traîné au niveau de la bête. «Certains animaux sauvages, dit La Bruyère en parlant de tels hommes, peuvent être vus éparpillés dans le pays, mâles et femelles, noirs, livides et brûlés par le soleil, liés à la terre, dans lesquels ils poussent avec une obstination invincible; pourtant, ils ont une sorte de langage articulé, et quand ils se lèvent, ils montrent un visage humain et sont en réalité des hommes. "
Les critiques ont frémi devant le réalisme douloureux du travail. Personne auparavant n’avait jamais osé secouer ce type de son obscurité – ce paysan à la houe, le dos plié, le crâne allongé comme une poire par le long labeur sans fin, des yeux vagues, glacés, insensibles à toute pensée – bête féroce et muette du charrue "Millet a dû chercher quelque temps avant de trouver un tel type", a écrit l’un des critiques avec mépris. "De tels types ne sont pas couramment rencontrés, même dans les asiles idiots. Imaginez un monstre avec un sourire imbécile sur son visage, planté de travers comme un épouvantail au milieu du champ. Aucune lueur d’intelligence ne donne une touche humaine à cette chose brutale prenant ainsi est-ce un travail ou est-ce un meurtre qu’il a commis? Est-il en train de creuser le sol ou de creuser une tombe? "
Les gens ont vu la propagande socialiste sur la photo. L’Homme à la houe était typique des grandes masses d’ouvriers agricoles qui travaillaient dans les champs en France depuis dix siècles sans murmure. Est-ce qu’un artiste est maintenant apparu pour leur donner une voix?
Oui et non. Pour une fois, Millet avait mis un sermon dans sa peinture. L’Homme à la houe est un serviteur patient qui fait l’œuvre de Dieu dans sa cathédrale de terre et de ciel. "Le travail de ces hommes est-il le genre de travail futile que certains voudraient nous faire croire?" il a contesté. "Pour moi, en tout cas, cela traduit la vraie dignité, la vraie poésie du genre humain." Oui, la poésie, mais la poésie tragique. Le labour des champs, la peinture d’images, l’écriture d’hymnes – ces nobles travaux doivent être accomplis. Mais pourquoi un tel chagrin amer dans le faire?
Reconnaissance éventuelle
Mais le chagrin n’est pas resté avec Millet pour toujours. Il put enfin pousser le loup par la porte. The Sower, The Gleaners et The Angelus ont converti un groupe restreint mais influent de personnes à la religion de son art. Ce peuple n’était ni déconcerté ni effrayé par son réalisme. Un artiste frère, Theodore Rousseau , fut l’un des premiers à reconnaître le génie de ce peintre à la tristesse patiente. Quand Millet traversait ses luttes, Rousseau avait acheté une de ses peintures pour quelques centaines de francs. Pour ne pas l’embarrasser, il avait prétendu qu’un riche Américain en avait été l’acquéreur. Un autre ami avait recueilli, au moyen d’un tirage au sort, une somme d’argent suffisante pour payer son loyer et ses factures de boucher. Alexandre Dumas a écrit des articles élogieux sur son travail, et un riche collectionneur a finalement accepté de lui avancer 1 000 francs par mois en échange de la production totale de Millet pour une période de trois ans.
Un père gentil et dévoué, chaque fois que pendant la journée les bruits des enfants en train de jouer venaient aux oreilles de son père alors qu’il travaillait dans son atelier, il se précipitait vers eux, les embrassait et leur racontait des anecdotes. Et pendant qu’il travaillait, sa porte n’a jamais été fermée. Pourtant, tous les enfants, même les plus jeunes, baissaient la voix et marchaient sur la pointe des pieds chaque fois qu’ils passaient par là. "Shhh – Papa travaille", mettaient-ils en garde tous les visiteurs peu soucieux de montrer le même respect. La nuit, ils s’assoyaient tous autour de la table du souper, les cheveux défaits et le visage joyeux. Millet, tel un patriarche d’une ancienne saga, a chanté des chansons de son enfance à la ferme de Gruchy.
Prix
Le peintre patriarche fut reconnu publiquement en 1867, à l’âge de cinquante-trois ans. Acclamé comme l’un des meilleurs artistes paysagistes pour ses scènes paysannes, il a remporté une médaille d’or de l’Académie des arts. Un an plus tard, il reçut le cadeau le plus doux de la main du destin – et le coup le plus cruel. Il a reçu la décoration de la Légion d’honneur et il a perdu son ami le plus cher, Rousseau. Atteint de paralysie, ce "plus que son frère" est mort dans ses bras.
Pendant six années supplémentaires, il créa la beauté, puis alla lui aussi se reposer sabbatique. Sa fin a eu lieu un jour d’hiver en 1875.
L’art de Millet est le véritable art de la grandeur simple. Il dépeint une lutte épique et solennelle: le conflit de l’homme avec la terre d’où il est issu. Son impuissance devant sa cruauté, son adoration devant son mystère. Il y a un humour sinistre dans tout cela, le spectacle de l’homme aux prises avec son destin.
Un génie brut mais rare, qui a influencé de nombreux autres artistes, y compris américain Winslow Homer, il n’est peut-être pas étonnant que Millet ait été surnommé "le Dante des Yokels, le Michel-Ange des Clowns".
On peut voir des peintures de Jean-François Millet dans la meilleurs musées d’art à travers le monde.
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