Nicolas de Stael: peintre abstrait franco-russe Automatique traduire

L’artiste peintre russe Nicolas de Staël – est né à Saint-Pétersbourg, a grandi à Bruxelles et réside principalement en France, où il a obtenu la citoyenneté en 1948. Malgré sa courte vie, il est rapidement devenu l’un des grands peintres abstraits de son temps. Impressionné par les vieux maîtres plutôt que par art moderne, Staël était un artiste expérimental qui a réussi à mettre au point un style de peinture qui comblait le fossé entre la figuration et art abstrait. Il est probablement mieux connu pour son coloré, épais empâtement paysages abstraits, notamment ses peintures siciliennes, peintes au cours de la dernière année de sa vie, bien qu’il ait également travaillé avec des textiles et collage. Il a beaucoup voyagé et a rassemblé parmi ses amis quelques-uns des plus talentueux Peintres du 20ème siècle, y compris Georges Braque (1882-1963). Les succès remportés en Europe et aux États-Unis sont venus à Staël dans la période d’après-guerre, lorsque son travail a été accepté par des marchands d’art influents. Sous le stress du travail et des critiques new-yorkais, il s’est suicidé à l’âge de 41 ans. Son travail anticipe la deuxième génération. Expressionisme abstrait en particulier le Abstraction Lyrique école des années 1960 et 70.

Développement artistique précoce

Stael est né à Saint-Pétersbourg en 1914, fils du baron Vladimir Ivanovich de Stael-Holstein. En 1919, la famille est contrainte d’émigrer après la révolution russe et finit par se retrouver à Bruxelles. En 1933, il s’inscrit simultanément à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles en tant qu’étudiant en architecture et à l’Académie royale en tant qu’étudiant en peinture. Il a également beaucoup voyagé et, partout où il est allé, il s’est exposé aux musées d’art et à la Maîtres Anciens. En 1934, il se rendit à Paris, où il put étudier directement les peintres d’avant-garde et les styles de peinture, dont Dada et le surréalisme. En 1936, il se rendit au Maroc où il rencontra son premier partenaire, l’artiste Jeannine Guillou, qui apparaîtra dans plusieurs de ses peintures au début des années 1940. Il passa deux ans dans la Légion étrangère française et fut démobilisé en 1941 après la défaite de la France. Il s’installe à Nice pour rejoindre Jeannine et son fils.

Années 1940

Les années de guerre ont été difficiles pour Stael, car il était difficile de trouver du matériel d’art. Cependant, à Nice, il a pu élargir son cercle de connaissances. Il a rencontré une importante marchande d’art, Jeanne Bucher, et a assimilé toute une gamme d’idées artistiques d’artistes tels que Wassily Kandinsky (1866-1944) et d’autres peintres abstraits russes, ainsi que Jean Arp (1886-1966), et Robert Delaunay (1885-1941). À son retour à Paris en 1943, il était un artiste abstrait autodéclaré. Les portraits qu’il a créés de Jeannine, qui révèlent les influences du maître de la Renaissance El Greco (1541–1614) et la «période bleue» de Picasso appartiennent désormais au passé. À Paris, Staël est entré en contact avec Georges Braque, le co-inventeur du cubisme, de qui il a acquis un vif intérêt pour le collage. Malheureusement, vers la fin de la guerre, sa partenaire Jeannine est décédée des suites d’une complication d’une tentative d’avortement.

En 1944, Staël présente sa première exposition personnelle à la Galerie L’Esquisse et acquiert en quelques années la réputation d’être l’un des principaux abstraits de la Ecole de Paris . Son milieu Peintures du 20ème siècle a démontré une sensation sensuelle pour la peinture et la couleur, incomparable à l’époque, allant des bruns, verts et noirs monochromes mais lumineux aux champs luxuriants de rouge et de blanc.

Succès critique

À Paris, Staël se lie d’amitié avec le peintre et sculpteur André Lanskoï (1902-1976), qui le présente au marchand Louis Carré. Carre a accepté d’acheter toutes les peintures que Stael pourrait peindre. Cela a permis à l’artiste de déménager dans un studio plus grand. À la fin des années 1940, ses peintures commencent à être reconnues sur le plan international et à devenir de plus en plus abstraites, composées de couleurs de blocs côte à côte et se chevauchant légèrement. Là où de nombreux artistes modernes qui travaillaient avec une peinture épaisse avaient tendance à ramasser la peinture sur la toile nue, Stael continua simplement d’ajouter des couches à l’aide d’un pinceau ou d’un couteau à palette. Il n’était satisfait que lorsqu’il sentait qu’il avait atteint la charge ou l’équilibre correct. Sa technique montre une certaine influence de la New York School of Expressionnisme abstrait, ainsi que du style européen plus subtil de Art Informel, le style français plus gestuel de Tachisme et l’abstraction lyrique plus douce.

Au cours des années 1950, cependant, son travail est devenu légèrement moins abstrait, car il est revenu à des thèmes de représentation tels que les footballeurs, les paysages marins et les musiciens. Travaillant maintenant dans la lumière vive du sud de la France, sa palette s’est éclaircie et les couleurs de la terre ont été remplacées par davantage de roses, de citrons, de blancs et de gris. Pourtant, il a quand même réussi à faire chanter ses gris. En 1950, la galerie Jacques Dubourg à Paris a organisé une exposition personnelle pour Stael, qui a été suivie d’une autre à New York, où plusieurs tableaux ont été vendus à des collectionneurs importants.

Art figuratif

Stael a créé la plupart de ses œuvres en studio, mais en 1952, il a commencé peinture en plein air . Il dessine le long de la vallée de la Seine et retourne dans son atelier pour transformer ses créations en paysages empâtés, bleus, verts et gris. La même année, un ami l’a emmené à un match de football et, voyant les joueurs éclairés à la lueur d’un projecteur, il est rentré chez lui pour peindre les footballeurs en bleus, rouges, gris et blancs. Grand amateur de musique classique, il poursuit brièvement le travail figuratif avec ses deux grandes toiles, Ballet (1953) et Orchester (1953). Dans les deux cas, les danseurs ou les musiciens semblent avoir du mal à s’échapper de l’abstraction.

Au milieu de 1953, Stael avait connu un succès international. Il a exposé à Paris, Londres, New York, Washington DC et à Montevideo. Il a signé un contrat exclusif avec le puissant marchand d’art de New York Paul Rosenberg, qui a montré Matisse, Braque, Theodore Gericault (1791-1824) et Eugene Delacroix (1798-1863) dans sa galerie. La demande était si forte pour Stael La peinture que Rosenberg devait constamment réajuster ses prix à la hausse. Mais New York est un critique sévère de art contemporain. Le critique d’art Tom Hess, qui était auparavant un fan enthousiaste de l’artiste, a soudainement trouvé la "sentimentalité" dans son travail et les ventes ont chuté. Stael était en train de découvrir que l’approbation critique ne pouvait être tenue pour acquise, et il la trouvait difficile à supporter.

Paysages siciliens

À l’été 1953, il parcourt l’Italie avec sa famille et découvre les mosaïques, l’art et les couleurs de Naples, de Pompéi et de la Sicile. Le soir, il a parlé du ciel jaune, de la mer rouge et de la violette du sable. De retour en France, il développe lentement un ensemble de peintures, basé sur ses esquisses et sa mémoire. À la fin de 1954, il avait créé ce qui était probablement sa meilleure œuvre, en s’appuyant sur les expériences récentes de collage. À l’aide de rouges, oranges, verts et jaunes vifs, il crée des plaques de couleur et les fixe avec un point de fuite rigide. Ces peintures exceptionnelles se sont avérées être le dernier projet de Stael. En mars 1954, que ce soit à cause du surmenage, de l’inquiétude suscitée par la réaction des critiques new-yorkais ou de sa perte temporaire de créativité, il mourut d’une fenêtre de son studio à Antibes. Il avait 41 ans.

Nous ne saurons jamais comment l’art de Staël aurait progressé et aurait influencé ses successeurs s’il avait été plus gentil avec lui-même. On peut seulement dire que sa peinture est grandement négligée et peut être due à un réveil. On trouve des œuvres de Nicolas de Stael dans le monde meilleurs musées d’art, y compris la Tate, Londres, le musée d’art moderne de New York et le musée d’art moderne au Centre Pompidou à Paris.