Pablo Picasso Automatique traduire

La plus grande figure de la peinture moderne espagnole, Pablo Picasso, l’un des inventeurs (avec Braque) du cubisme, compte parmi les meilleurs artistes du XXe siècle et doit être l’un des artistes les plus influents de l’histoire de l’art . Influencé par l’impressionnisme français ainsi que par un certain nombre de peintres expressionnistes, il a néanmoins rejeté les vues de Matisse sur l’importance et le rôle primordiaux de la couleur, et s’est plutôt concentré sur de nouvelles manières picturales de représenter la forme et l’espace. Cela l’a conduit, en collaboration avec Georges Braque, à développer un mouvement entièrement nouveau, le cubisme, qui est rapidement devenu le fer de lance de l’art moderne .

Galerie : 3 500 peintures et dessins de Pablo Picasso

L’œuvre de Picasso présente un certain nombre de styles différents, en particulier l’expressionnisme, et couvre plusieurs périodes, dont la période bleue, la période rose, sa période nègre, le cubisme et le néoclassicisme. Il a également été l’une des figures de proue de l’ École de Paris, un groupe d’artistes très unis travaillant à Paris. Parmi les principaux chefs-d’œuvre de Picasso figurent «Les Demoiselles d’Avignon» (1907, MoMA, New York), «Guernica» (Reina Sofia, Madrid) et «La Femme qui pleure» (1937, Tate Collection). Un grand nombre des peintures les plus célèbres de Picasso sont disponibles sous forme d’affiches .

Malgré son association avec le cubisme et l’art abstrait moderne du XXe siècle, Pablo Picasso est resté une création du XIXe siècle. On peut affirmer que son art et sa pensée sont essentiellement le produit du romantisme et de l’expressionnisme du dix-neuvième siècle. Le mouvement romantique désigne un style culturel né à la fin du XVIIIe siècle, période dominée par les Lumières, un état d’esprit et un système de valeurs nés des avancées scientifiques et de la croyance en la raison et la rationalisation. Les romantiques se sont opposés à cette approche rationnelle, soulignant la valeur de l’émotion, de l’esthétique et de l’imagination. Dans les arts visuels, comme la peinture, cela a conduit l’artiste à s’éloigner de la copie de la nature et à se tourner vers l’expression personnelle, ce qui, dans le cas de Picasso, a conduit à l’expressionnisme total de ses périodes Bleu «» et Rose «», l’expressionnisme allemand moderne des années 1900. Pour en savoir plus sur les liens de Picasso avec l’expressionnisme et le contexte de sa contribution, voir Histoire de la peinture expressionniste (c. 1880-1930).

La dernière étape de ce développement sera l’art abstrait, dans lequel le cubisme de Pablo Picasso jouera un rôle clé.

Biographie

Les quarante premières années de l’œuvre de Pablo Picasso peuvent être divisées en périodes relativement distinctes mais qui se chevauchent. Il s’agit de la période bleue (c. 1901-1904), de la période rose (c. 1905-1907), de la période influencée par l’art africain ) époque noire) (c. 1907), le cubisme prototypique (c. 1908-1909), le cubisme analytique (c. 1909-1912), et le cubisme synthétique (c. 1912-1919).

La période bleue (c. 1901-4)

Dans la période bleue, influencé par le suicide de son ami Carlos Casagemas, il dépeint le monde des pauvres parisiens. Il s’agit de tableaux austères et mélancoliques de prostituées et de mendiants, peints dans des couleurs bleues et bleu-vert, avec une peau blanche dans le style du Greco (comme La Vie, Le vieux guitariste, Le repas frugal, Le repas de l’aveugle, Celestina). Ses débuts à Paris ont été marqués par la pauvreté, ce qui a peut-être contribué à la mélancolie et aux thèmes de son œuvre.

La période rose (c. 1905-7)

Pendant la période des roses, Picasso commence à utiliser une palette plus claire avec des oranges, des olives délicates et des roses, ce qui rend ses peintures plus gaies. Le tableau Garçon à la pipe ) Garçon à la pipe) (1905, collection privée) en est un bon exemple. Cette approche plus flamboyante s’explique notamment par les relations chaleureuses qu’il entretient avec Fernande Olivier, ainsi que par sa familiarité accrue avec la peinture française et d’autres artistes. En effet, l’atelier parisien de Picasso a attiré plusieurs figures majeures de l’art d’avant-garde de l’époque, dont Matisse, Braque et Gertrude Stein. Voir, par exemple, son Portrait de Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art).

Cependant, malgré l’essor marqué de la couleur dans la «période rose», où les roses et les bruns clairs remplacent certains bleus, le style mélancolique de Picasso ne s’évapore pas avec la fin de la «période bleue». Par exemple, «Acrobate» et «Jeune Arlequin» montrent encore de la tristesse, mais sans deuil. En fait, de nombreux contemporains de Picasso ne faisaient pas de distinction entre les périodes bleue et rose, mais les considéraient comme une seule et même époque. Mais la période rose marque la fin de sa peinture réaliste de figures. À partir de ce moment, sa peinture prend un style plus intellectuel - plus préoccupé par la forme que par le réalisme - à mesure qu’il se rapproche du cubisme.

La période africaine (vers 1907)

La période d’influence africaine ) époque noire) de Picasso, au cours de laquelle il s’inspire de l’art tribal africain, commence avec les deux personnages de droite de son tableau «Avignon Demoiselles», qui s’inspirent d’objets d’art africains.

«Les Demoiselles d’Avignon» est un tableau marquant dans le développement de l’art moderne, qui marque une rupture radicale avec les idées artistiques des époques précédentes et annonce l’arrivée d’un nouveau mouvement artistique (le cubisme) ainsi que la naissance de l’abstraction moderne. L’influence de Paul Cézanne et de la sculpture africaine est visible dans ses formes fragmentaires et ses déformations sans précédent. Pour plus de détails, voir : Primitivisme/Art primitif .

Le tableau représente cinq prostituées dans une maison close de la rue Avignon à Barcelone, sous plusieurs angles, ce qui est devenu l’un des traits caractéristiques du cubisme. Le tableau marque une rupture fondamentale avec les principes de l’art naturaliste traditionnel - en particulier, il rejette l’utilisation de la perspective - et représente une manière entièrement différente de peindre. Les prédécesseurs de Picasso, qu’ils peignent des portraits ou des paysages, s’attachent à représenter la nature telle qu’ils la voient, alors que dans «Avignon Demoiselles» Picasso cherche à représenter des objets tridimensionnels sur une toile plane à deux dimensions.

Le manque relatif de rondeur des formes et les fragments en forme de puzzle indiquent la direction abstraite que prenait désormais sa peinture. Pendant ce temps, un autre artiste pensait de la même manière : il s’appelait Georges Braque . Ils se rencontrent à Paris en 1908 et collaborent étroitement pendant plusieurs années.

Naissance du cubisme (vers 1908-9)

En 1908, influencés par les paysages géométriques de Paul Cézanne dans le style de Montaigne-Saint-Victoire, ainsi que par son chef-d’œuvre «Les Grandes Baigneuses» ) Les Grandes Baigneuses), Picasso et Braque exécutent une série d’œuvres qui s’inscrivent dans la lignée du cubisme. Picasso et Braque exécutent une série de paysages très proches de ceux de Cézanne, tant par leurs couleurs (vert foncé, brun clair) que par leurs formes géométriques simplifiées. Ils peignent des maisons en forme de cubes tridimensionnels. C’est à ces peintures que le critique d’art français Louis Vauxcelles pensait en 1909 lorsqu’il utilisa l’expression «bizarreries cubiques», ce qui conduisit à l’adoption du mot cubisme . Ce style a ensuite été affiné pour devenir le cubisme analytique.

C’est à cette époque que Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) devient le marchand d’art et l’agent de Picasso. Lui succéderont plus tard Léonce Rosenberg (1879-1947) et son frère Paul Rosenberg (1881-1959), plus jeune mais plus intelligent.

Le Portrait d’Ambroise Vollard (1910) est l’un des premiers exemples à part entière du nouveau cubisme analytique rigoureux. Dans ce tableau, Picasso a déconstruit la figure humaine en une série de plaques géométriques plates et transparentes qui se chevauchent et se croisent sous différents angles. Soudain, tous les cubes «» du prototype précédent de la peinture cubiste ont disparu.

Le cubisme analytique, la forme la plus complexe de l’art, est l’étape la plus rigoureuse et la plus intellectuelle du mouvement cubiste. Dans cette période, les formes des objets représentés sont disséquées en un grand nombre de petits plans opaques et transparents, articulés de manière complexe, qui se fondent les uns dans les autres et dans l’espace environnant. Les peintures du cubisme analytique sont généralement exécutées en monochrome, sans couleurs vives .

Pendant la phase du cubisme synthétique, les formes de Picasso deviennent plus grandes et plus représentatives, et des motifs décoratifs plats aux couleurs vives remplacent les compositions antérieures plus strictes. Les nouvelles techniques adoptées par Picasso dans ses œuvres de cette période incluent le collage de fragments de papier découpés (tels que du papier peint ou des morceaux de journaux) dans les compositions, marquant la première utilisation majeure du collage et du papier-collé dans les arts visuels. Parmi les exemples d’œuvres cubistes de cette époque, citons Nature morte avec chaise roulante, et Guitare . À cette époque, un certain nombre d’autres artistes cubistes talentueux avaient adopté le nouveau style .

Période néoclassique

De 1906 au milieu des années 1920, parallèlement au cubisme abstrait, Picasso peint une série de figures, de portraits et de natures mortes néoclassiques. (Voir : Les peintures néoclassiques de Picasso pour plus d’informations). Parmi ses célèbres peintures néoclassiques figurent : Deux femmes nues (1906), Femme assise (Picasso) (1920), La grande baigneuse (1921), Femme en blanc (1923) et une gouache mythologique miniature Deux femmes courant sur la plage (course) (1922). Pour une préhistoire de ce Classicisme, et une explication de la façon dont il peut être réconcilié avec son style abstrait de peinture cubiste analytique et synthétique, voir : Renouveau classique dans l’art moderne (c. 1900-30).

Guernica

La guerre civile espagnole (1936-19) est à l’origine de son deuxième tableau phare, Guernica, qui dépeint le bombardement par l’Allemagne nazie de Guernica, en Espagne, le 26 avril 1937, pendant la guerre civile espagnole.

«Guernica» est considéré comme l’une des plus grandes peintures modernes, il s’agit d’une immense peinture murale en noir et blanc mesurant 11 pieds de haut et 23 pieds de large. Elle dépeint une scène de mort, de violence, de cruauté, de souffrance et d’impuissance, sans tenir compte de leurs causes immédiates.

«Guernica» a été initialement exposée en juillet 1937 dans le pavillon espagnol de l’Exposition internationale de Paris. À la demande de Picasso, elle a ensuite été transférée au Museum of Modern Art (MOMA) de New York, avant d’être restituée à l’Espagne en 1981. Une copie du tableau de Picasso «Guernica» (en brun et dos et blanc) est exposée dans le bâtiment des Nations unies à New York, à l’entrée de la salle du Conseil de sécurité.

En 1947, Picasso s’installe dans le sud de la France, où il travaille sans relâche la sculpture, la céramique et le graphisme, produisant des milliers de superbes dessins, illustrations et scénographies. Il réalise une grande peinture murale pour le bâtiment de l’UNESCO à Paris, ainsi que le Chicago de Picasso - aujourd’hui l’un des points de repère les plus reconnaissables du centre-ville de Chicago - et crée de brillantes variations sur les œuvres d’autres maîtres, dont Goya, Poussin, Manet, Courbet, Delacroix et Velázquez. Il est décédé en 1973.

Les peintures de Picasso sont accrochées dans les plus grands musées d’art et les galeries contemporaines du monde entier, et trois de ses tableaux ont été vendus pour plus de 50 millions de dollars - Garçon à la pipe, (104 millions de dollars, 2004) ; Dora Maar avec un chat (95,2 millions de dollars, 2006) ; Femme aux bracelets, (55 millions de dollars, 2000).

En plus de créer certaines des peintures les plus influentes du XXe siècle, les capacités inventives de Picasso l’ont amené à travailler dans de nombreux autres domaines, notamment le dessin, la sculpture, la lithographie, les linogravures, les décors de ballet et la céramique .

Picasso - un aperçu de sa vie et de son œuvre

Picasso est largement considéré comme l’un des meilleurs artistes de tous les temps et certainement l’artiste le plus important de l’ère moderniste. Malgré cela, une grande partie de son œuvre reste controversée. De nombreux auteurs qui ont écrit sur lui se caractérisent par une tendance à écarter l’un ou l’autre aspect de son immense œuvre pour se concentrer sur un noyau central, qui semble toutefois destiné à rester indéfini. Il en va de même pour la biographie de Picasso, qui est pleine de perspectives changeantes.

Bien qu’il ait été étroitement associé à la culture catalane dans sa jeunesse, Picasso n’est pas né en Catalogne mais à Malaga, en 1881, et a vécu dans cette ville jusqu’à l’âge de dix ans. Le nom de famille de Picasso lui vient de sa mère et non de son père, Don José Ruiz Blasco, peintre académique au talent médiocre et professeur de dessin professionnel. Après avoir quitté Malaga, la famille a passé quatre ans à La Corogne jusqu’à ce que Don José soit nommé professeur à l’École des beaux-arts de Barcelone, la ville la plus active de l’Espagne sur le plan culturel.

Les talents artistiques de Picasso se sont développés très rapidement - il semble n’avoir jamais été un «enfant artiste» - et il a rapidement maîtrisé le style académique établi de l’époque. Comme son père était déjà un artiste professionnel, il n’a rencontré aucun obstacle pour poursuivre une carrière artistique : on raconte que son père était tellement impressionné par le talent de son fils qu’il lui a cérémonieusement remis une palette et des pinceaux. Picasso étudie à l’Académie de Barcelone et aussi, brièvement, à l’Académie royale de San Fernando à Madrid, mais aucune de ces institutions ne lui apprend grand-chose.

Jeune homme à Barcelone, il fait partie d’un cercle d’artistes et d’intellectuels du début du siècle, qui se réunissent dans une taverne appelée Els Quatre Gats («Quatre Chats», en catalan). À cette époque, le travail de Picasso est influencé par les artistes français qui dépeignent la vie urbaine, tels que Steinlen et Toulouse-Lautrec .

En 1900, Picasso se rend pour la première fois à Paris en compagnie de Carlos Casamegas, un autre jeune artiste du même groupe de Barcelone. Le suicide de Casamegas (dû à son impuissance et à un amour non partagé) est à l’origine des peintures «de la période bleue de Picasso», qui constituent sa déclaration d’indépendance artistique. Au début du siècle, il fait des allers-retours entre Paris, Madrid et Barcelone.

En 1901, l’astucieux marchand d’art Ambroise Vollard (1866-1939) lui offre une exposition personnelle, ce qui lui vaut l’amitié du poète Max Jacob (auparavant, son cercle parisien était presque exclusivement composé d’émigrés espagnols). Jacob lui présente d’autres écrivains, notamment Guillaume Apollinaire (1880-1918). Enfin, en 1904, Picasso s’installe à Paris dans un atelier délabré, connu sous le nom de Bateau-Lavoir en raison de son étrange ressemblance avec les bateaux utilisés à l’époque pour laver le linge sur la Seine, et devient rapidement le centre d’un cercle d’artistes et de poètes d’avant-garde. Il y trouve une maîtresse, Fernande Olivier, qui écrira plus tard un livre de mémoires sur cette époque, et se lie d’amitié avec l’écrivaine et collectionneuse américaine Gertrude Stein. Fernande a décrit l’apparence de Picasso à cette époque :

Petit, noir, de corpulence dense, agité, anxieux, avec des yeux sombres, profonds, perçants, étranges, presque étoilés. Des gestes maladroits, des mains de femme, mal habillées, mal soignées. Une épaisse mèche de cheveux, noire et brillante, s’écarte sur son front intelligent et têtu.

La période bleue évolue vers la période rose , moins morne mais toujours mélancolique, et laisse place à la série des Saltimbancas, peintures tendres de saltimbanques et d’artistes ambulants, avec des échos de symbolisme académique Puvis de Chavannes . En 1906, Picasso les abandonne pour peindre quelques tableaux marqués par un lourd primitivisme. Dans les mois qui suivent, ils donnent lieu à une extraordinaire explosion créative. En 1906-7, Picasso réalise peut-être son tableau le plus célèbre, «Les Demoiselles d’Avignon». Ce groupe féroce de femmes nues a été plaisamment surnommé par le poète André Salmon pour sa ressemblance prétentieuse avec les occupantes d’un bordel particulièrement bas de gamme à Barcelone. Elle a choqué les quelques personnes qui l’ont vue dans l’atelier de Picasso : Braque, par exemple, a déclaré que Picasso voulait que les gens échangent un régime normal contre un régime de serviettes et de linge (bien qu’il ait lui-même peint un tableau similaire d’un nu peu de temps après).

L’un des ingrédients «des Demoiselles» était les œuvres tardives de Cézanne. Un autre est l’art de l’Afrique noire. Pendant un moment, c’est l’Afrique qui triomphe, et Picasso entre dans ce que l’on a appelé son époque noire. Cette période a été suivie d’un autre changement décisif : le développement du cubisme analytique, que Picasso a créé en collaboration avec Braque. Le cubisme se distingue des styles précédents de Picasso par une grammaire formelle complexe, une manière de coder la visibilité qui devient un nouveau langage pour toute une génération de peintres abstraits . Pendant longtemps, ce sont ces adeptes qui ont été les représentants publics du cubisme, Picasso et Braque étant réticents à exposer leurs œuvres dans les grands salons parisiens, où les nouvelles expériences stylistiques étaient généralement présentées pour la première fois.

Néanmoins, Picasso s’est forgé une solide réputation dans le cercle étroit des personnes qui comptent - marchands, collectionneurs et critiques d’art - et en 1909, ses affaires marchent suffisamment bien pour qu’il déménage dans un nouvel atelier, plus confortable, sur le boulevard de Clichy. En 1911, le photographe et marchand d’art moderne américain Alfred Stieglitz (1864-1946) organise pour Picasso une exposition personnelle dans sa galerie «291» sur la Cinquième Avenue à New York. Il s’agit de la première exposition personnelle de l’Espagnol en Amérique. En 1912, il quitte Fernanda Olivier pour une nouvelle maîtresse, Eva (Marcelle Humbert). Elle est la seule des compagnes de Picasso à ne pas lui avoir inspiré une série de portraits, bien que son nom ou la phrase «Ma Jolie» la désignant se retrouvent sur un certain nombre de tableaux cubistes.

En août 1914, le lien entre Picasso et Braque est rompu lorsque la guerre éclate. Picasso, en tant que citoyen espagnol, n’était pas obligé de servir, et il resta dans un Paris gris et morne. À l’automne 1915, Eva meurt et, peu après, Picasso s’installe à Monrouge, en banlieue. Heureusement, le joyeux impresario russe Sergei Diaghilev le sort de sa dépression en l’invitant, sur la suggestion de Cocteau, à Rome pour collaborer à un nouveau ballet «Parade» .

Arrivé à Rome, Picasso se lie étroitement à la compagnie de Diaghilev, qui forme son propre petit monde, et tombe bientôt amoureux d’une des membres du corps de ballet , Olga Kokhlova, fille d’un général russe . En 1917, il accompagne le ballet en Espagne et, en 1918, Olga et lui reviennent à Paris tandis que les autres membres des Ballets russes se rendent en Amérique du Sud. En juillet, ils se marient. Olga avait les goûts bourgeois habituels et ils louèrent un appartement chic dans la rue de la Boétie. Pendant quelque temps, Picasso se familiarise avec la vie mondaine à Paris et sur la Côte d’Azur. En 1921 naît son premier enfant, un fils prénommé Paulo.

Picasso est maintenant au milieu d’une nouvelle phase stylistique, la période néoclassique, un retour au monde antique qui avait fasciné Poussin et Engra. Cela choque certains de ses anciens amis de l’avant-garde, qui l’attribuent à ses liens avec le monde de la mode par l’intermédiaire d’Olga. Mais il suit aussi avec sagacité les frasques des artistes de Dada, puis du successeur du dadaïsme, le surréalisme . Le mode de vie d’Olga ne tarde pas à se dégrader, tout comme sa jalousie obsessionnelle.

À la fin des années 1920, l’œuvre de Picasso devient de plus en plus sauvage et misogyne, et l’ambiance ne change pas jusqu’à ce qu’il réalise les pires craintes d’Olga et trouve une nouvelle maîtresse, une jeune fille tranquille de dix-sept ans nommée Marie-Thérèse Walter, qu’il rencontre en 1932. Sa beauté tranquille lui inspire un certain nombre de peintures ainsi qu’une série de grandes têtes sculpturales. Ces dernières sont réalisées dans un nouvel atelier situé dans le château normand de Boisgeloup, datant du XVIIe siècle. Picasso est désormais suffisamment riche pour entamer le processus d’accumulation de biens qui se poursuivra jusqu’à la fin de sa vie.

En 1935, il divorça officiellement d’Olga, qui continua néanmoins à le poursuivre chaque fois qu’elle le pouvait. En 1936, peu après que Marie-Thérèse eut donné naissance à sa fille Maya, il trouva une autre compagne, une photographe yougoslave du nom de Dora Maar. Femme plus intelligente et à la personnalité beaucoup plus complexe que Marie-Thérèse, elle évince peu à peu cette dernière de l’affection de Picasso. Il possède toujours son appartement de la rue Boétie, mais celui-ci lui semble désormais encombré et inadapté, et c’est Dora qui lui trouve un nouvel atelier immense dans un vieil immeuble de la rue des Grands Augustins.

Au début des années 1930, Picasso renoue avec l’Espagne. En 1933, il rend visite à sa famille à Barcelone, et en 1934, il fait un séjour plus long. En 1936, année où éclate la guerre civile, un groupe de jeunes admirateurs lui organise une exposition à Barcelone, la première en Espagne depuis un quart de siècle. Pendant la guerre, ses sympathies vont aux républicains et le gouvernement républicain est conscient de l’importance qu’il revêt pour eux. Ils ont souligné ce lien en lui accordant le poste de directeur honoraire du musée du Prado. En réponse, Picasso peint une immense toile «Guernica», qui est exposée dans le pavillon espagnol de l’Exposition universelle de 1937 à Paris, puis envoyée en tournée. La composition est une condamnation amère et efficace du bombardement de la capitale basque par les alliés allemands de Franco.

À la fin des années 1930, Picasso continue de visiter la Méditerranée chaque été et, lorsque la guerre éclate en 1939, il vit à Antibes avec Dora Maar et son dévoué secrétaire et bouffon Jaime Sabartes. Il se rend à Paris et met de l’ordre dans ses affaires, puis se retire à Royan, sur la côte près de Bordeaux, et y reste jusqu’en octobre 1940, après quoi il retourne à Paris et y reste jusqu’à la fin de la guerre. L’appartement de la rue de la Boétie est finalement abandonné et il s’installe dans les espaces caverneux de la rue Grande-Augustin, qu’il transforme en son univers privé. Il se tient à l’écart des occupants allemands, mais ceux-ci ne semblent pas le déranger outre mesure, à la fois parce qu’il n’est pas français et parce que son art n’est pas à leur goût. Les sujets des tableaux qu’il réalise, comme une série de natures mortes avec un crâne et une bougie, font écho à la morosité ambiante de ces années-là.

Après sa libération, Picasso est soudain devenu l’un des points de repère de Paris, le symbole d’une nouvelle ère de liberté. Dans une certaine mesure, il assume le rôle d’un personnage public. Il adhère notamment au parti communiste et participe régulièrement, au cours des années suivantes, à divers congrès pour la paix à Paris, Rome, Varsovie et Sheffield. Le Parti fait bon usage de cette recrue exceptionnelle - son dessin d’une colombe devient l’un de ses emblèmes. Il a écrit plusieurs œuvres politiques ambitieuses qui peuvent être considérées comme des successeurs de «Guernica», bien qu’elles n’aient pas reçu le même accueil universel. Il s’agit notamment de «La maison des sorcières» de 1944-5, sur les camps de concentration, et «Le massacre de Corée» (1951).

Après la guerre, Picasso part vivre sur la Côte d’Azur. Dora Maar est remplacée par Françoise Gilot, qu’il rencontre dès la libération. Elle figure dans un nouveau groupe de portraits, souvent à l’image «d’une fleur de lys». Il s’intéresse à l’industrie locale de la céramique et la revitalise en collaborant avec les artisans locaux.

En 1955, après sa séparation d’avec Françoise, il déménage à nouveau, cette fois à La Californie, une pompeuse villa du début du siècle surplombant Cannes. Sa nouvelle compagne, Jacqueline Roque, devient son épouse en 1961. La Californie a fait l’objet de nombreuses descriptions qui relèvent l’amas d’objets dont Picasso a rempli ses pièces. Il y reste jusqu’à ce que le développement de la côte d’Azur commence à empiéter sur sa propriété et à gâcher la vue. Il s’installe alors dans l’immense château du XVIIe siècle de Vauvenargue, près d’Aix, qu’il achète en 1958 et dans lequel il s’installe complètement en 1961. Trouvant à l’inverse l’inconvénient d’être trop isolé, il retourne sur la côte et achète le vieux manoir provençal de Notre Dame de Vie qui domine Mougins.

Picasso connut une vieillesse exceptionnellement vigoureuse et créative, mais en 1965, il fut contraint de subir une opération de la prostate et, par la suite, la production incessante de ses œuvres fut ponctuée de constantes notes de désespoir. Celles-ci deviennent de plus en plus un commentaire sardonique sur l’inévitable processus de dégénérescence physique. Bien que son prestige reste énorme, il commence à perdre le contact avec le monde de l’art d’avant-garde et le respect de la junte dirigeante des théoriciens et des critiques.

Sa dernière grande exposition de son vivant a lieu en 1970 au Palais pontifical d’Avignon. Elle consistait en une masse énorme de nouvelles œuvres, au style impétueux et brutal, qui ont alarmé le public et aliéné les critiques. Ce n’est que récemment que ces œuvres ont été considérées comme des précurseurs du néo-expressionnisme qui a dominé l’art de la première moitié des années 1980. Une série de pas moins de 347 estampes, réalisées en sept mois en 1968, a été mieux accueillie, bien que leur contenu soit souvent sévère : elles se moquent des illusions de la jeunesse et condamnent avec la même véhémence l’impuissance de la vieillesse. Leur érotisme manifeste ravit les uns et choque les autres, mais Picasso ne se préoccupe plus depuis longtemps de ce que l’on pense de lui. Il meurt en 1973, et sa disparition met fin à toute une époque.

Les peintures, dessins, sculptures et céramiques de Picasso sont exposés dans les meilleurs musées d’art moderne du monde.

Pour un autre grand artiste catalan, voir : Antoni Gaudi (1852-1926) Architecte de l’Art nouveau.

Picasso a produit quelques-unes des plus grandes peintures du XXe siècle, dont certaines ont atteint le statut d’icône. En 2015, sa peinture cubiste abstraite «Femmes algériennes» (version O) (1955) a été vendue aux enchères par Christie’s pour un montant record de 179 millions de dollars.

Pour une analyse des œuvres des modernistes espagnols comme Pablo Picasso,
voir : Analyse des peintures modernes (1800-2000).