Richard Estes:
peintre photoréaliste américain Automatique traduire

Biographie

Le peintre et graveur américain Richard Estes est l’un des représentants les plus connus de photoréalisme (superréalisme ou hyperréalisme). À bien des égards, un développement de Pop Art, ses peintures méticuleuses (toutes basées sur des photographies) célèbrent des sites de la culture populaire américaine, tels que des devantures de magasins, des restaurants, des espaces intérieurs, des parkings et des vues de la rue. Célèbre pour son pinceau presque invisible, les peintures de Richard Estes incluent Food Shop (1967, Wallraf-Richartz Museum, Cologne), Telephone Cabanes (1968), Gordon’s Gin (1968), Diner (1971, Hirshhorn Museum, Washington DC), Grossinger’s Bakery (1972, Visual Arts Library), Paris Street Scene (1973), Double Self-Portrait (1976, Musée d’art moderne de New York) et Solomon Guggenheim Museum (1979, Guggenheim). Parmi les autres artistes qui ont contribué à populariser le mouvement photoréaliste en Amérique, on compte: peintre Chuck Close (b.1940) et sculpteurs Duane Hanson (1925-96) John De Andrea (b.1941) et Carole Feuerman (b.1945).

Début de carrière

Né à Kewanee dans l’Illinois en 1932, Estes a déménagé à Chicago avec sa famille alors qu’il était encore jeune. En tant qu’étudiant, il a étudié Beaux arts à l’Institut de Chicago, en se concentrant sur les art académique et dessin de la figure. L’Institut possédait une vaste collection de Peinture réaliste dans sa collection, y compris des œuvres de Edward Hopper (1882-1967), Thomas Eakins (1844-1916) et le Français Edgar Degas (1834-1917), qui ont tous influencé la direction artistique d’Estes. Après avoir obtenu son diplôme en 1956, Estes s’installe à New York et commence à travailler comme illustrateur indépendant et graphiste pour différents éditeurs de magazines et agences de publicité. Il a continué à poursuivre son rêve d’art en peignant la nuit, ce qui a finalement ouvert la voie à une carrière à plein temps.

Premières peintures

Au début des années 1960, Estes se concentra sur la peinture de scènes de rue new-yorkaises de nature essentiellement figurative. Vers 1967, ses peintures changent de direction quand il commence à peindre des devantures de magasins, des voitures, des vitres et des reflets déformés. Estes basé son La peinture sur ses propres photographies couleur et lors de l’inspection initiale, l’absence de pinceau visible rend ses toiles exactement comme des photos. Cependant, en regardant de plus près, le spectateur constatera que les images sont subtilement déformées et que les perspectives ne pourraient en réalité pas exister. En 1968, Estes reçoit sa première exposition personnelle à la Allan Stone Gallery, à New York.

Dans les années 1970, il a commencé à utiliser sa caméra pour prendre des vues panoramiques, qu’il a recréées sur une toile, montrant parfois les mêmes rues de plusieurs points de vue à la fois. Son double autoportrait de 1976 (Musée d’art moderne de New York) est un exemple typique de son esprit. Il montre l’artiste, une rue avec des voitures garées et l’extérieur des bâtiments de la rue, tous reflétés dans la fenêtre d’un restaurant. Estes a d’abord peint à l’acrylique, mais a progressivement inclus des huiles dans ses œuvres. Sa peinture du Solomon Guggenheim Museum (1979, Guggenheim) a été initialement peinte avec acrylique, puis repeint à l’huile. La peinture montre le bâtiment emblématique du musée par un après-midi désert. La rue est dépourvue de monde et de déchets (Estes évitait de peindre la litière, la trouvant désagréable). Bien qu’il admire le travail d’Edward Hopper, Estes n’était pas particulièrement intéressé à refléter l’humeur humaine et évitait ainsi les scènes de nuit.


Paysages urbains

Bien qu’intéressé principalement par la peinture de Manhattan, Estes a également peint des scènes de Chicago, de Venise et de Paris. Toujours à la lumière du jour et toujours sans déchets. Ses rues sont vides, suggérant des après-midi de dimanche paresseux. Il ne voulait rien qui détourne de son paysage urbain. Par ailleurs, il était très détaillé dans l’enregistrement des panneaux autocollants, des vitrines et des signaux, reflétant les détails essentiels à l’art du réalisme. Bien que de nombreux photoréalistes utilisent des projecteurs pour projeter l’image sur la toile, puis dessinent autour de l’image, Estes a préféré le faire à main levée. Il était un admirateur du photographe du 20ème siècle Eugene Atget dont les photographies documentent l’architecture et les scènes de rue de Paris; ainsi que les peintres vedute vénitiens traditionnels comme Canaletto, Carlevaris et Bernardo Bellotto.

Photoréalisme

Le photoréalisme est un style contemporain ou genre de Art américain qui est basé sur l’utilisation de photographies. Le style s’applique principalement aux peintures et aux peintres aux États-Unis dans les années 1960 et au début des années 1970. Les praticiens majeurs incluent artistes modernes comme Estes, Chuck Close, Howard Kanovitz, Audrey Flack, Ralph Goings, Tom Blackwell, Robert Bechtle, Don Eddy, Robert Cottingham, David Parrish et Charles Bell. Bien qu’ils travaillent de manière indépendante, ils abordent individuellement les mêmes genres de peinture – portraits, paysages, paysages urbains et natures mortes.

Le photoréalisme (ou superréalisme), étant une forme extrême de le réalisme et tout à fait représentatif, était l’opposé opposé à l’expressionisme abstrait et au minimalisme, les mouvements dominants de l’époque, et est en fait issu du Pop Art. Cependant, l’idée selon laquelle la photographie pourrait servir de base à une œuvre d’art a suscité d’énormes débats et critiques au début du photoréalisme, en dépit du fait que des dispositifs visuels (y compris la camera obscura) étaient utilisés dans l’art depuis la Renaissance. (Voir Glossaire de la photographie d’art.) Depuis les peintures rupestres de l’âge de pierre, l’homme tente de recréer ce qu’il voit: la caméra ne fait que faciliter ce processus.

Parfois associé à Trompe L’Oeil Le photoréalisme est en fait très différent. Lorsque Trompe L’Oeil essaie de duper le spectateur en lui faisant croire qu’il voit un objet réel, il sera conscient qu’un photoréaliste peinture à l’huile Ce n’est pas réel, mais néanmoins très réaliste. Le photoréalisme a un lien avec le 17ème siècle Peinture de genre réaliste néerlandaise – comme dans les scènes de rue de Jan Vermeer, avec leurs détails méticuleux et leur finition haute brillance sont très réalistes. Parmi les autres influences figurent des exposants américains Le précisionisme des années 1930, tels que Charles Sheeler (1883-1965) et Charles Demuth (1883-1935). Bien que le photoréalisme soit avant tout un mouvement de peintre, il a également été associé aux sculpteurs John De Andrea et Duane Hanson, qui ont créé des sculptures de personnes ultra-réalistes. Ils étaient aussi connus sous le nom de véristes.

Des collections

Estes continue à peindre et à vivre aux États-Unis. Il a exposé au Metropolitan Museum of Art, le Musée Solomon R Guggenheim et le Whitney Museum of American Art. En 1971, il a reçu une bourse du Conseil national des arts. Il a également réalisé des gravures sur bois et des gravures. Ses peintures sont représentées dans beaucoup de meilleurs musées d’art en Amérique, y compris:

Institut d’art de Chicago
Galerie d’art Currier, New Hampshire
Musées des Beaux Arts de San Francisco
Musée et jardin de sculptures Hirshhorn, Washington
Musées d’art de l’Université de Harvard, Massachusetts
Musée d’art d’Indianapolis, Indiana
Musée d’art contemporain Kemper, Kansas City, Missouri
Musée d’art du comté de Nassau, port de Roslyn, New York
Musée de l’académie nationale et école des beaux-arts, New York
Musée d’art d’Orlando, Floride
Musée d’art américain Smithsonian, Washington DC
Musée d’art de l’Université du Maine
Musée d’art USC Fisher, Los Angeles