Stuart Davis:
peintre cubiste américain, art abstrait moderne Automatique traduire

Biographie

Un contributeur distinctif à Art américain, Davis est considéré comme l’un des plus importants artistes modernes en Amérique entre 1920 et 1950. Il était, par exemple, le principal représentant américain de Cubisme, créant un mélange unique de art moderne et Peinture de scène américaine. Remarqué pour son coloré, plat, comme une affiche peintures abstraites Chacune de ses images était basée sur quelque chose qu’il voyait autour de lui – quelque chose de typiquement américain. En ce sens, il peut être considéré comme un important précurseur de Pop Art et son utilisation de l’imagerie populaire. À 21 ans, Davis était l’un des plus jeunes participants à la célèbre Spectacle d’arsenal (1913), ce qui l’a amené à prendre art abstrait pour presque le reste de sa vie. Il a eu une influence majeure sur les jeunes peintres tels que Arshile Gorky (1904-1948) et Willem de Kooning (1904-1997). Parmi ses plus grandes peintures du 20ème siècle sont des œuvres telles que: sa peinture murale Swing Landscape (1938, Indiana University of Art); sa série "Egg-Beater" (1927-1930), Nature morte aux couleurs vives – Style 7ème avenue (1940, Museum of Fine Arts, Boston); Reportage de Rockport (1940, Metropolitan Museum of Art, New York); Little Giant Still Life (1950, Musée des beaux-arts, Richmond); Owh à San Pao (1951, musée d’art américain de Whitney); The Mellow Pad (1951, Collection Lowenthal); et Cubisme colonial (1954, Walker Art Center, Minneapolis). L’un des attraits de l’art de Davis était sa capacité à transmettre la vitalité de la vie américaine moderne.

Formation et carrière précoces

Davis est né à Philadelphie dans une famille d’artistes. Ses deux parents avaient étudié avec le portraitiste primé Thomas Anshutz (1851-1912) à la Pennsylvania Academy of Fine Arts. Sa mère était un sculpteur, tandis que son père était rédacteur artistique de The Philadelphia Press, l’employeur de William Glackens (1870-1938), George Luks (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) et John French Sloan (1871- 1951) quatre des figures centrales de la Ashcan School of Painting (vers 1900-1915). À 16 ans, il quitte le lycée et, de 1909 à 1912, il entreprend sa première formation artistique Robert Henri (1865-1929), dirigeant de l’école Ashcan. Sans surprise, ses premières toiles dépeignaient la vie dans les rues, les salons, les théâtres et les halls de New York, généralement peintes de couleurs sombres avec empâtement au pinceau.

Spectacle d’arsenal

En 1913, l’Association des peintres et sculpteurs américains – un groupe dominé par le cercle Robert Henri, comprenant le président de l’AAPS, Arthur B Davies (1862-1928) – organisa ce qui devint l’exposition majeure de l’art moderne en Amérique. Il comprenait des œuvres de presque tous les principaux artistes modernes d’Europe, mais aussi – et c’était là le point fort du spectacle – de nombreux peintres américains d’avant-garde (p. Ex. Edward Hopper) aux côtés de personnalités américaines plus établies comme Whistler (1834-1903), Albert Pinkham Ryder (1847-1917), J. Alden Weir (1852-1919) et John H Twachtman (1853-1902). Davis était l’un des plus jeunes Américains invités à exposer. Il a montré cinq exemples de son style Ashcan. aquarelle. Plus important encore, il a été exposé à une gamme de peintres abstraits (comme Picasso, Braque, Kandinsky, Marcel Duchamp), et sculpteurs abstraits (comme Brancusi, Archipenko). Le spectacle a eu une influence déterminante sur lui, le poussant à abandonner le réalisme criard de son style Ashcan et à expérimenter un langage plus moderne. En attendant, il gagna sa vie dans les magazines pendant les deux années suivantes (1913-1916). illustration, produisant art graphique pour le magazine de gauche The Masses, et plus tard pour The Liberator dans les années 1920. Il passa également le premier de ses étés à la peinture à Gloucester (1915), une station d’artiste située sur la côte du Massachusetts, où la forte lumière le poussa à introduire des couleurs plus vives dans ses toiles, dans un style dérivé de Cézanne, Gauguin et Matisse. En 1917, il participe à sa première exposition personnelle à la Sheridan Square Gallery à New York.

Cubisme et Abstraction

Au cours des années 1920, Davis se tourna vers art non objectif, développant son propre style de Cubisme synthétique dans des peintures plates, comme une affiche. Paysage et nature morte étaient ses genres préférés, mais sa vision était strictement celle de Main Street America et ses images incluaient invariablement des motifs colorés et réalistes tels que des pompes à essence, des paquets de cigarettes, des devantures de magasins, des publicités de bougies, etc.: House and Street (1931, Whitney Museum de l’art américain). L’utilisation de ce type d’imagerie simple et quotidienne (bien qu’elle soit abstraite) a permis d’anticiper l’imagerie colorée de consommateurs de masse apparaissant dans les œuvres de Jasper Johns (b.1930), les peintures pop art de Andy Warhol (1928-1987) et Roy Lichtenstein (1923-97) et les énormes sculptures pop de Claes Oldenburg (b.1929). Si le contenu narratif de la peinture de Davis était américain, son espace d’image peu profond et ses agencements de couleurs non imitatifs étaient tout à fait caractéristiques du modernisme européen – une sorte de croisement entre Matisse (fragments colorés, mais nets), Fernand Leger (motif animé intégral) et Joan Miro (motifs fantastiques multicolores). En bref, il était à la fois américain et moderne, une combinaison unique pour son époque et qui l’a reconnu dans de nombreux cercles artistiques. Seules les formes bien définies de certains exposants de Le précisionisme, comme Charles Demuth (1883-1935), étaient similaires à l’interprétation de Davis de l’Europe art d’avant-garde.

Une autre technique qu’il a appris à l’école de Paris était collage, l’art d’apposer des morceaux de papier et d’autres objets sur la surface de l’image. Il a même peint ses collages: Lucky Strike (1921, MOMA, New York). En 1928, financé par la vente de deux toiles à Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942), Davis a visité la France, où il a passé une année à peindre à Paris. Ce fut un voyage important dans la mesure où il l’a aidé à finaliser son style mature.

Années 1930

Au cours de la dépression des années 1930, Davis enseigna à la Art Students League à New York, et aussi produit peintures murales et d’autres œuvres du Federal Art Project ) Swing Landscape, 1938, Indiana University of Art). De plus, et tout naturellement, compte tenu de ses racines familiales et artistiques dans le «socialisme» d’Ashcan, il s’est impliqué dans la politique de gauche de l’époque. En 1934, il rejoignit la Artists ’Union, dont il devint plus tard le président. En 1938, il épousa Roselle Springer.

Des années plus tard

Au cours des années 1940, Davis gravita vers une forme plus pure de art concret, utilisant souvent dessins à la plume comme études préliminaires, bien qu’il ait continué à inclure des lettres et des traces de publicités dans ses images. Sa passion pour le jazz – il est allé à des concerts avec l’artiste néerlandais expatrié Piet Mondrian au début des années 40 – a également trouvé sa place dans son art: ses couleurs dissonantes et ses rythmes répétitifs. Bien que parfois identifié comme un exposant de peinture de bord dur, une tendance au sein de expressionisme abstrait – Davis ne partageait pas vraiment les préoccupations de la École new yorkaise ou ses successeurs. Il a ensuite enseigné à la New York School for Social Research et à la Yale University. Il est décédé des suites d’un accident vasculaire cérébral le 24 juin 1964 à l’âge de 71 ans.

Des peintures abstraites de style cubiste de Stuart Davis peuvent être vues dans meilleurs musées d’art autour du monde.