JMW Turner: paysagiste anglais, aquarelliste Automatique traduire
introduction
John Mallord William Turner, le phare de Peinture de paysage anglaise , produit un grand volume de aquarelles , estampes et peintures à l’huile. Sa combinaison unique de le romantisme et réaliste, le réalisme a eu une influence significative sur ses contemporains, y compris le français École de Barbizon et jeté les bases du révolutionnaire peinture de paysage introduit par le français Impressionnisme . Communément appelé le "peintre de la lumière", ses œuvres les plus importantes sont Hannibal Crossing the Alps (1812, Tate, Londres); Pluie, vapeur et vitesse – Le Great Western Railway , (1844, Galerie nationale, Londres), L’incendie des maisons des lords et des communes , (1835, Musée d’art de Philadelphie) et The Fighting Temeraire , (1838, la Galerie nationale, Londres)). Il est à juste titre considéré comme l’un des meilleurs artistes paysagistes dans l’histoire de la peinture européenne.
Biographie
Turner est né à Londres en 1775. Il était le fils d’un coiffeur et d’un fabricant de perruques. Sa mère, qui avait été placée dans un asile psychiatrique, est décédée alors qu’il n’avait que 9 ans. Son père lui a appris à lire, et en dehors de ses études d’art, c’était là le sens de son éducation. À l’âge de 13 ans, il vendait ses dessins par la vitrine de son père. À l’âge de 14 ans, il entra dans la Académie royale des arts de Londres École et a été accepté à l’Académie un an plus tard (il a été élu membre à part entière à 27 ans). (Remarque: pour une comparaison avec un peintre paysagiste, voir le document de courte durée Richard Parkes Bonington .)
À l’âge de 15 ans, l’une de ses aquarelles a été admise à l’Académie, un honneur très rare pour un homme aussi jeune et sans titre. Ses premiers travaux consistaient principalement en dessins et aquarelles et il lui fallut un certain temps avant de se sentir prêt à affronter le médium du pétrole.
En 1796, il expose son premier peinture à l’huile à l’Académie, Fishermen at Sea, et a continué à exposer presque tous les ans jusqu’à la fin de ses jours. À l’âge de 18 ans, il avait déjà son propre studio dans Harley Street. Deux ans plus tard, les imprimeurs achetaient avec impatience ses dessins pour la reproduction. Les premiers succès de Turner lui ont laissé la liberté financière d’innover, ce qu’il a fait au fil des ans. Hannibal Crossing the Alps et Ulysses Deriding Polyphemus , 1829 (National Gallery, Londres) comptent parmi les œuvres les plus importantes qui soient à l’origine .
Il a beaucoup voyagé partout en Europe, y compris en France, en Suisse et en Italie, mais c’est à Venise qu’il a trouvé la véritable inspiration et il y est retourné plusieurs fois au cours de sa vie. Il a créé de nombreuses aquarelles et peintures à l’huile de la ville, notamment Le Grand Canal, Venise , 1835 (Metropolitan Museum of Art, New York).
Les catastrophes naturelles et les phénomènes alimentaient son imagination, il aimait peindre les navires, les feux, les mers violentes, les tempêtes et le brouillard. Ces sujets ont été abordés dans L’incendie des chambres des lords et des communes , La paix: l’inhumation en mer , 1842 (Clore Gallery, Londres), Pluie, vapeur et vitesse – Le grand chemin de fer occidental et le navire négrier (Des esclavagistes jetant par-dessus bord des morts et des mourants, Typhoon Coming On), 1840 (Musée des Beaux-Arts, Boston). Le thème du pouvoir destructeur de la nature est apparu pour la première fois dans son tableau Hannibal Traversant les Alpes et s’est poursuivi tout au long de sa carrière. Il aimait faire l’expérience d’événements de première main; quand il a entendu parler de l’incendie à la chambre du Parlement, il s’est immédiatement rendu sur les lieux. Selon une rumeur, il serait même attaché au mât d’un navire afin de vivre de près le drame d’une mer agitée.
Au fur et à mesure que son travail mûrit, son style devint presque impressionniste, car il se concentrait moins sur les détails et plus sur l’effet atmosphérique global. Il est devenu un maître du rendu de lumière pure par l’utilisation de miroitements Couleur . Un exemple de ceci est la peinture du Great Western Railway où le train est à peine reconnaissable. En ce qui concerne Turner, son étude de la lumière devenait primordiale et il ne voulait pas que les objets du tableau détournent l’attention de ce foyer, préférant se concentrer sur les jeux de lumière sur les nuages, l’eau, le ciel et les feux. Sa technique était étudiée avec soin par les impressionnistes en France, notamment par Claude Monet . Cependant, tout le monde n’était pas satisfait de son travail ultérieur, un acheteur américain aurait été déçu de "l’indifférence" de ses peintures ultérieures.
Parmi les autres œuvres importantes de Turner figurent Staffa, Fingal’s Cave , 1832 (Centre d’art britannique de Yale, New Haven), Norham Castle, Sunrise , environ 1835 (Clore Gallery), intérieur à Petworth , environ 1837 (Tate Gallery, Londres), Clair de lune, aquarelle , 1840 (Tate), coucher de soleil sur un lac , 1840 (Tate) et paysage avec rivière et baie lointaines , 1840 (Musée du Louvre, Paris).
En vieillissant, il est devenu excentrique et, à l’exception de son père, qui a vécu avec lui pendant 30 ans, il n’a pas d’amis proches. Il a renoncé à ses réunions à la Royal Academy et ne laissait personne le regarder peindre. Il tenait toujours des expositions mais refusait de vendre les peintures. Quand il a été convaincu de vendre un, il a été déprimé pendant des jours. Sa dernière exposition remonte à 1850 à l’Académie, après quoi il a disparu de sa maison. Sa gouvernante le chercha pendant des mois et le trouva finalement chez sa maîtresse à Chelsea. Il était malade depuis un certain temps et est décédé le lendemain en décembre 1851. Il avait 76 ans. En prenant son dernier souffle, il prononça les mots "le soleil est Dieu". Il a été enterré dans la cathédrale Saint-Paul et repose près de Sir Joshua Reynolds.
Le critique d’art influent, John Ruskin Plus tard, il décrivit Turner comme le seul artiste capable de «mesurer de manière extrêmement émouvante et véridique les humeurs de la Nature». Avec William Hogarth, Gainsborough et John Constable, Turner est considéré comme l’un des plus grands artistes d’Angleterre et est tout aussi populaire au XXIe siècle qu’à son époque. En 1984, le Tate Gallery a lancé un nouveau prix pour art d’avant-garde , appelé le Prix Turner , qui a permis de lancer la carrière d’éminents artistes tels que Tracy Emin, Damien Hirst et le photographe / sculpteur Steve McQueen. Une grande exposition intitulée «Turner’s Britain» a eu lieu au Birmingham Museum & Art Gallery en 2003 et Turners peignant le «Fighting Temeraire» a été élue «la plus grande peinture» de Grande-Bretagne par un sondage public de la BBC en 2005.
L’art du paysage de JMW Turner
Un des grands Artistes romantiques Les premiers travaux de Turner sont à l’aquarelle à la manière des dessinateurs topographiques. Même à la lumière de ses réalisations ultérieures, il est difficile de trouver des signes de génie dans ces œuvres de sa jeunesse. Un dessin tel que "Le Palais de Lambeth" de 1790, son premier travail exposé, par exemple, est une pièce de dessin architecturale compétente et soignée, et bien qu’il soit assez prometteur pour un garçon de quinze ans, il ne contient aucune trace de pouvoirs exceptionnels. Mais au cours des dernières années du dix-huitième siècle, il venait peu à peu au premier rang des peintres à l’aquarelle et commençait à accumuler la connaissance prodigieuse de la nature qui portait ses fruits dans son œuvre ultérieure. À cette époque, il travaillait principalement pour les graveurs et effectuait de longues tournées à pied en Angleterre. Pays de Galles et Écosse, dessinant au crayon de bâtiments anciens, d’abbayes, de châteaux, etc., qu’il transforma ensuite en aquarelles finies.
C’était un dessin du château de Norham, exposé à l’académie en 1798, qui semble avoir d’abord établi sa réputation, bien qu’il ait dû attirer l’attention avant. L’année suivante, il fut élu ARA, preuve du poste qu’il occupait. A cette époque, il avait suivi Thomas Girtin dans son traitement plus large et plus audacieux de l’aquarelle et commençait à laisser derrière lui la manière timide de son travail le plus ancien.
La mort de Girtin en 1802 laissa Turner au rang des principaux peintres à l’aquarelle de son époque, mais sa vraie carrière venait à peine de commencer. La même année, il effectue son premier voyage à l’étranger, voyageant de France en Belgique et en Belgique. En 1803, il expose son magnifique tableau de "Calais Pier" (Galerie nationale) à la Royal Academy, sa première importante peinture à l’huile. Jusque-là, ses quelques tableaux à l’huile étaient d’un ton terne et lourd, d’une exécution sans intérêt, et tout à fait inférieurs à ses aquarelles. La "jetée de Calais" est en soi un chef-d’œuvre, même si elle ne montre en rien la brillance et la luminosité de son travail ultérieur. Il y commence sa longue rivalité avec les maîtres du passé, car son inspiration est certainement l’œuvre des peintres néerlandais de paysages marins. Dans le dessin des vagues, il les dépasse immédiatement. Des peintres tels que Van de Velde et Van de Capelle avaient peint des peintures de mer lisse qui avaient bien plus l’apparence de l’eau que celle-ci, mais en peignant une mer agitée, leurs vagues sont trop traitées comme de simples profils sans corps ni poids. Turner saisit à la fois le poids et le volume de l’eau. Le lustre à la surface de l’eau qu’il n’a pas beaucoup inquiété, mais la force et le poids des vagues sont terribles, et elles sont complètement modelées comme un sculpteur le ferait. L’étonnante vérité de son dessin à la vague était l’un des points sur lesquels Ruskin a fondé sa prétention de supériorité par rapport aux maîtres du passé, et ce premier paysage marin est pleinement justifié. Une telle mer n’avait jamais été peinte auparavant, et Turner en elle-même n’a peut-être jamais été dépassée, même par Turner.
À partir de ce moment jusqu’en 1819, lors de sa première visite en Italie, les pouvoirs de Turner en tant que peintre à l’huile se développèrent peu à peu en concurrence avec divers maîtres, notamment Claude. Cette rivalité avec Claude a atteint son apogée en 1815, lorsque "Dido building Carthage" (Galerie nationale) et "Crossing the Brook" (Galerie nationale, 497) ont été exposés à la Royal Academy. La "Dido" est une imitation franche de l’une des compositions classiques typiques de Claude. Dans celle-ci, Turner a estimé qu’il avait finalement surpassé son maître, car il l’a laissé à la nation avec "Le soleil se levant par la vapeur" (Galerie nationale), à accrocher pour toujours à côté de "Embarquement de la reine de Saba" de Claude et "Le mariage d’Isaac et de Rebecca" (Galerie nationale). Les opinions peuvent différer quant au succès de Turner dans cette longue rivalité, mais il ne fait aucun doute qu’il a beaucoup appris de Claude et que, dans "Crossing the Brook", on peut le voir appliquer les méthodes du paysage classique à une scène anglaise. Ici, les conventions classiques se limitent au premier plan de l’image et, au loin et dans le ciel, Turner s’appuie sur sa propre étude de la nature. C’est la partie de l’image qui attire inévitablement l’attention. Il est empli d’un air et d’une lumière du soleil délicats et d’une impression de détails infinis, plutôt que perçus, que Claude n’a jamais atteints.
Tandis que la rivalité avec Claude continuait, Turner imitait délibérément d’autres maîtres. Dans le "Spithead: l’équipage du bateau récupère une ancre" (Galerie nationale), il poursuit sa compétition avec les peintres néerlandais de paysages marins. Dans "The Frosty Morning" (Galerie nationale), avec son schéma épuré et austère de bruns et de gris, il rend hommage à Crome. S’il n’atteint pas la dignité et la force de Crome, il dégage une plus grande délicatesse dans son atmosphère. le pâle soleil commençait tout juste à faire fondre le givre sur l’herbe. Dans "La Sainte Famille", il mesure sa force avec Titian, dans "Le dragon des Hespérides" avec Poussin et, dans certains petits personnages, il entre même dans les listes avec Wilkie. Dans une série de petits croquis exécutés entre 1805 et 1810, principalement dans les environs de la Tamise et de Windsor, il aborde le comportement de Constable. Pendant ce temps, il continue à produire des aquarelles exquises qui lui appartiennent entièrement.
En 1819, date de sa première visite en Italie, il avait déjà produit certains de ses plus beaux tableaux – "Calais Pier", "Crossing the Brook", "Walton Bridges" et "The Frosty Morning", sont tous des chefs-d’œuvre à leur manière. – et il avait secoué le ton lourd de son travail précédent. En tant que coloriste aquatique, il était sans rival et il pouvait peindre les vagues, le ciel et la distance comme personne ne l’avait fait auparavant, mais son étude de la lumière en tant que fin en soi n’était pas encore commencée.
L’éclat du soleil et la richesse opulente de son matériel pictural en Italie l’avaient presque submergé au début. Ses premiers tableaux italiens n’ont pas été parmi les plus réussis, bien qu’ils inaugurent une nouvelle phase de sa carrière kaléidoscopique. Jusque-là, ses tableaux réalisés en concurrence avec Claude étaient basés sur des matériaux que Claude lui-même fournissait, mais il voyait maintenant pour la première fois le paysage réel qui avait inspiré Claude et il commença à peindre des tableaux toujours basés sur le schéma général de composition de Claude, mais avec matériel pris directement de la nature. La "baie de Baia" (Tate Gallery) illustre cette phase. Il y a beaucoup d’éléments artificiels dans ce document, mais il est plus clair que son travail précédent et commence à montrer un nouveau système de traduction des valeurs de ton de la nature et une nouvelle observation de l’effet de la lumière sur la couleur.
C’est dans son traitement de la lumière que Turner était le plus révolutionnaire. Les anciens maîtres avaient essayé d’utiliser la même échelle de tons dans leurs images que celle trouvée dans la nature, avec pour résultat que de grandes zones de leurs images étaient forcées de devenir plus sombres. Turner s’est rendu compte qu’il devait traduire les tons de la nature en une autre échelle s’il voulait préserver un effet de vérité générale, car la gamme de tons de la nature allant de la pleine lumière du soleil à l’obscurité absolue est bien plus grande que celle du peintre. palette du blanc au noir. Par conséquent, si un peintre emploie les mêmes intervalles tonaux que la nature, il arrive trop tôt au bout de son échelle. Ce système de tons peut être utilisé avec assez de succès tant que le sujet représenté ne comprend qu’une bande étroite de la gamme complète des tons de la nature, mais cela devient impossible pour les sujets à la lumière du soleil brillante, comme celle traitée par Turner plus tard dans la vie. Il a surmonté cette difficulté et a obtenu un effet de vérité générale en réduisant considérablement les intervalles tonaux dans ses images. Si nous prenons les figures conventionnelles de 1000 et 100 pour représenter les échelles complètes dans la nature et dans la palette du peintre, alors Turner représente un intervalle d’un ton dans la nature d’un dixième d’un ton dans sa propre échelle. Il est hautement improbable que Turner ait délibérément élaboré un tel schéma, et il ne l’utilisa certainement pas systématiquement s’il le faisait, mais ces chiffres donnent une indication générale de la manière dont il a résolu les problèmes de la lumière brillante.
À côté de cela, il étudia avec plus de précision que jamais auparavant l’effet exact produit par la lumière et l’atmosphère sur la couleur. Il a remarqué, par exemple, que les ombres tendent à être de la couleur complémentaire de leurs lumières correspondantes, au lieu d’être simplement une nuance plus foncée de la même teinte. Turner, précurseur des impressionnistes français dans son système de tons et son traitement des couleurs, est en partie à cause de la vue de ses tableaux de 1870 qui ont conduit Claude Monet et Camille Pissarro au développement de l’impressionnisme. technique.
La propre attitude de Turner envers la nature était bien sûr très différente de celle des impressionnistes français, qui étaient attachés à la vérité scientifique exacte. Turner s’intéressait beaucoup moins qu’eux à l’impression visuelle des choses vues, et bien davantage à l’impression mentale qu’ils lui produisaient. Il a étudié les faits visuels de la nature en tant que moyen d’expression personnelle et a appliqué les connaissances acquises à la création de visions glorieuses de la couleur et de la lumière, qui sont tout sauf des transcriptions littérales de la nature. La nature était pour lui un moyen d’imagination autant que pour William Blake, et ses images ont une poésie délibérée qui déplaît au goût moderne. L’épopée de son travail a atteint son point culminant dans le magnifique "Ulysses deriding Polyphemus" (Galerie nationale), qui a été exposé à l’Académie en 1829, un rêve étincelant de couleurs richement orchestrées qui vibre d’une lumière ardente. Après cette date, son travail devient de plus en plus lyrique et la lumière pure devient presque une obsession pour lui.
La relation de la lumière à la forme et à la couleur dans son œuvre ultérieure est presque l’inverse de ce qu’elle était chez les peintres précédents. Parmi les maîtres précédents, la lumière avait été traitée simplement comme le support par lequel on voit la forme et la couleur. Les peintres de la suite, Claude, Rembrandt et autres, dans leurs diverses manières, en venaient à apprécier les effets de la lumière sur les choses pour eux-mêmes, mais les formes de travail ultérieures de Turner cessent d’avoir toute signification, sauf comme surfaces réfléchissantes pour la lumière. Dans "l’intérieur de Petworth" (Galerie nationale), des formes se sont fondues dans le rayonnement omniprésent qui constitue le seul et unique sujet de l’image. Dans cette œuvre et dans d’autres œuvres ultérieures, la forme et la couleur sont simplement les moyens par lesquels la lumière est vue.
Turner passa une grande partie de sa vie tardive à l’étranger, notamment en Suisse, dans le nord de l’Italie et à Venise, et produisit presque jusqu’au bout l’aquarelle de ces lieux d’une délicatesse et d’une beauté exquises. Son travail sur les huiles a été incompris à son époque, même par Ruskin, et nombre de ses plus belles impressions de lumière et de couleur ont été stockées pendant de nombreuses années dans les caves de la Galerie nationale, où elles ont finalement été sauvées pour y être suspendues. Millbank. Certains sont très évanouis, car Turner ne faisait pas plus attention à la chimie de la peinture que Reynolds. D’autres conservent une beauté onirique sans égale dans l’art.
Des huiles, des aquarelles et des dessins de Turner sont accrochés meilleurs musées d’art à travers le monde.
Pour les exposants de la peinture de paysage romantique influencée par Turner, voir: Hudson River School (fl.1825-75) et Luminisme (fl.1850-75).
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