William Hogarth: artiste figuratif anglais, peintre de genre Automatique traduire

Art anglais: début du XVIIIe siècle

La signification du grand graveur et peintre anglais William Hogarth nécessite une petite introduction sur l’état de l’art anglais au début du 18ème siècle.

La mort de Sir Godfrey Kneller en 1723 mit fin à la longue dynastie d’artistes étrangers qui dominait la peinture anglaise depuis deux siècles, mais aucun signe n’a encore été vu de cette renaissance qui a fait du dix-huitième siècle un chapitre aussi glorieux de l’histoire de l’art anglais.

Les élèves et les disciples de Kneller étaient des «fabricants de portraits» classiques, dont le travail n’avait ni charme ni vie. Il fut succédé comme peintre de serment au roi par Charles Jervas (1675-1739), un membre typique de son école, plus mémorable pour sa vanité et pour son amitié avec le pape, dont les vers polis à Jervas font plus honneur à son amitié qu’à son jugement critique. Jervas, cependant, n’était pas le meilleur des peintres de l’école de Kneller. Michael Dahl (1656-1743) et Jonathan Richardson (1665-1745), bien qu’un peu plus que des imitateurs, étaient des peintres d’un ordre un peu plus élevé, et Sir James Thornhill (1676-1734) fit un effort vaillant, sinon très réussi, pour élever Peinture figurative anglaise hors du ruck dans lequel il était tombé.

Mais son élève et gendre, William Hogarth, a eu la tâche de rétablir l’anglais peinture d’art à la dignité et à l’honneur. Il est inutile d’essayer de rendre compte de l’apparition soudaine d’un génie à un moment et à un endroit donnés, et que Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Wilson, Turner, Constable et une trentaine d’autres grands artistes apparus en Angleterre dans un siècle ne peuvent être accepté comme un fait. Mais les conditions changeaient et les circonstances du dix-huitième siècle étaient beaucoup plus favorables à la croissance d’une école nationale que celles des seizième et dix-septième.

Élargissement de la base de la culture anglaise

Les dissensions religieuses et politiques qui avaient suivi la rupture avec la tradition médiévale, ajoutées à la mauvaise administration des rois Stuart et à la pauvreté comparée du pays, avaient laissé peu de chances de propager la culture générale en Angleterre au cours du dix-septième siècle. Mais avec le dix-huitième siècle est venu la paix intérieure, un gouvernement stable, une augmentation constante de la richesse de la nation et un élargissement conséquent des bases de la culture.

Le patronage, qui s’était principalement limité à la Cour et à l’aristocratie, s’étendit à une riche classe supérieure et à la classe moyenne supérieure, enrichies par les voyages. Le " grande tournée "de la France, l’Italie et l’Allemagne sont devenus une partie de l’éducation générale d’un jeune homme de moyens moyens, et une connaissance des travaux de la vieux maîtres est devenu disséminé parmi une classe beaucoup plus large en Angleterre. Les longues années de l’administration de Walpole furent une période de repos et de récupération durant laquelle le peuple anglais acquit une solidité et un sens croissant d’unité et de patriotisme qui n’avaient pas encore dégénéré dans l’extrême insularité des temps modernes. La fierté nationale a été animée par la gloire artistique d’autres pays et le désir de créer une école nationale a été suscité. Les oeuvres de Claude, Poussin, et le Réaliste néerlandais les maîtres ont suscité un goût pour le paysage, ce qui a ouvert la voie aux paysagistes anglais dont les travaux du début du XIXe siècle devaient transformer le visage de l’art européen.

Au XVIIIe siècle également, des écoles d’art ont vu le jour, des sociétés d’artistes ont été créées et des expositions publiques de leurs œuvres ont été organisées pour la première fois. Académie royale des arts de Londres a été fondée en 1768 sous les auspices de George III.

Tous ces facteurs se sont combinés pour élever le niveau général des arts, bien que certains d’entre eux aient finalement eu des effets pervers et bénéfiques.

Depuis la fondation de la Royal Academy, les fortunes de l’art anglais ont été étroitement liées à celle-ci, et les écoles de la Royal Academy, bien que leurs méthodes d’enseignement aient pu être critiquées, ont été la principale pépinière d’artistes en Angleterre.. Mais au début du siècle, les ateliers des portraitistes étaient les seules écoles. Celles-ci, même si leur formation purement technique était probablement bonne, n’avaient qu’une tradition dégradée à transmettre à leurs élèves. C’est dans l’un de ces studios, celui de Thomas Highmore, que Sir James Thornhill a été formé et qu’il s’était déjà fait une réputation de portraitiste lorsqu’un voyage en France, en Flandre et en Hollande s’est tourné vers la peinture décorative. À son retour, il se consacra à cette branche de l’art et à une tentative de rehausser le niveau de la peinture en Angleterre. En plus de réaliser de grands projets de décoration, dont les plus importants sont ceux de St. Paul, de l’hôpital de Greenwich et de Hampton Court, il fonda une académie d’art à Covent Garden.

L’esquisse de la décoration «Un miracle de saint François» de la Galerie nationale, prouve que Thornhill avait de véritables dons, dans laquelle les rectangles clignotants du dessin rappellent en réalité l’art de Tintoret. Mais avant que la peinture anglaise puisse prendre un nouveau départ, il était nécessaire de revenir à quelque chose de plus simple et de plus sincère. Le travail de Rubens et les derniers peintres italiens étaient le résultat final d’un long processus au cours duquel leur art élaboré et cultivé s’était développé lentement à partir de formes plus simples fondées sur une étude sincère de la nature. Imiter leurs résultats sans la base solide sur laquelle ils ont été construits, c’était simplement produire des fleurs artificielles sans vie et sans graine. C’est parce que l’art de Hogarth avait des racines profondément ancrées dans la vie de son temps et de son peuple qu’il a pu restaurer santé et vigueur à la tige maladive de la peinture anglaise.

William Hogarth: Petite enfance, son approche de l’art

William Hogarth, fils d’écolier et littéraire, est né à Ship Court, Old Bailey en 1697. Vers 1712, son père l’apprena chez Ellis Gamble, un orfèvre de Cranbourne Alley, à Leicester Fields, auprès duquel il apprit quelque chose du processus. de gravure, et a acquis une stabilité de main et de pratique dans le design qui lui valaient plus de valeur que les astuces d’atelier qu’il aurait apprises auprès de l’un des portraitistes à la mode. Il a commencé à dessiner, dit-on, parce qu’il souhaitait enregistrer les humeurs de la vie londonienne telles qu’il les voyait, et il a mis au point un système de dessin de mémoire, dans laquelle il pouvait noter le soir les choses vues pendant la journée qui l’avaient impressionné et amusé.

C’était sûrement la bonne façon pour lui de commencer. Son langage artistique est né de ses pensées et il a dessiné parce qu’il avait quelque chose à dire au lieu d’apprendre un style élaboré et artificiel qui ne correspondait à aucune réalité dans son esprit. C’est la seule façon de produire un art vivant, car, tout comme dans le discours, les mots doivent correspondre parfaitement à la pensée, de même que dans les arts visuels, la forme doit être le vêtement approprié à une image dans l’esprit. C’est là que réside la difficulté d’apprendre des écoles étrangères. Le style n’est vital et expressif que lorsque l’esprit qui l’habite est parfaitement au courant et que le langage artistique qui a été développé à partir des coutumes, des traditions et des habitudes de pensée d’un peuple ne peut être adapté à celui d’un autre. À l’époque de Hogarth, malgré une langue anglaise vibrante, il n’existait aucun système équivalent de symbolisme prêt à être utilisé dans la pratique de la peinture. Il fut donc obligé de s’en créer un.

Un homme de tempérament moins obstiné, pugnace et confiant que Hogarth aurait échoué, mais il ne possédait que les qualités lui permettant de résister aux superficialités à la mode du jour et d’être déterminé et insolent lui-même. Ses portraits montrent un homme avec une tête en forme de balle, un œil alerte, un nez pugnace, une bouche ferme et, en somme, une allure de combattant du prix Cockney capable de prendre et de punir. Bien sûr, il y avait beaucoup plus dans l’homme que cela et, sous toute sa satire, son impudence et son humour, se dissimulaient la poésie anglaise, le sentiment et l’amour d’une tendre beauté, mais c’étaient les qualités plus dures qui lui donnaient le pouvoir de le faire. ce qu’il a fait pour la peinture anglaise.

Premières œuvres

En 1718, son apprentissage chez Ellis Gamble terminé, il trouva un emploi dans la gravure d’armoiries et de notes d’atelier. Son plus ancien travail connu était sa propre carte gravée, "W. Hogarth, graveur, le 23 avril 1720". De ce travail, il a continué à illustration du livre et a publié en 1724 la " Burlington Gate ", la première de ses satires originales.

La même année, l’Académie de Sir James Thornhill à Covent Garden fut ouverte et Hogarth s’y rendit pour apprendre le métier de peinture à l’huile et en quelques années, il avait commencé à s’établir en tant que peintre. Ses assiettes chez Hudson de Butler en 1726 lui avaient déjà valu une réputation professionnelle de graveur. Ses premières peintures étaient de petits groupes de portraits ou " pièces de conversation ", comme on les appelait. De là, il a procédé à diverses séries de morales satiriques auxquelles son nom est principalement associé. Le premier d’entre eux, " Le progrès de la prostituée ", a été peint en 1731.

Entre-temps, sa vie privée avait changé. En 1729, il se retira avec la fille de sir James Thornhill et, en 1733, il s’installa à Leicester Fields, où il resta toute sa vie. À partir de ce moment-là, sa vie est principalement une chronique de travail, mais en 1748, dans l’un des rares intervalles de paix, il entreprit un voyage mémorable en France, qui porta ses fruits à l’image de la " Porte de Calais ", aujourd’hui au Palais national. Galerie. Alors qu’il faisait un croquis de l’ancienne porte d’entrée, Hogarth fut arrêté pour espionnage et, bien que libéré par la suite, l’incident confirma son insularité truculente, ce qui lui donnait toute son image.

Hogarth parvint jusqu’à la fin de sa vie à produire des gravures et des peintures satiriques , mais il peignit également un assez grand nombre de des portraits, et quelques images dans le "grand style historique", qui ne sont pas à la hauteur de son autre travail. À la fin de sa vie, il publia son " Analyse de la beauté " dans laquelle il exprima ses propres idéaux esthétiques et tenta d’établir un véritable canon du goût. En 1757, il reçut une certaine reconnaissance officielle lors de sa nomination en tant que peintre de sergent auprès du roi, mais il mourut le 26 octobre 1764, quatre ans trop tôt pour devenir l’un des membres fondateurs de la Royal Academy.

Oeuvres de Hogarth: Influences

Le travail de Hogarth, sans tenir compte de la distinction entre la peinture à l’huile et la gravure, se divise naturellement en quatre catégories: sujets de conversation, moralités satiriques, portraits et peintures historiques. Dans tous ceux-ci, sauf le dernier, pour lequel il n’avait ni les dons naturels ni l’éducation, il faisait preuve d’une vigueur, d’une originalité et d’une inventivité qui ne devaient que très peu à l’art des autres. S’il existe des affinités, elles concernent plutôt certains aspects de l’art de Venise et de la Flandre que ses contemporains et ses prédécesseurs en Angleterre. Mais, du début à la fin de sa carrière, il a toujours été lui-même, et des ressemblances qui se retrouvent dans son travail Pieter Brueghel, Canaletto et Longhi sont probablement accidentels. S’il empruntait, ce n’était que ce qui était exactement adapté aux besoins de son expression personnelle, et cela devenait une partie intégrante de son propre travail.

Techniquement, sa peinture était de la tradition Kneller, et il s’agissait d’une peinture directe fluide, mais certains passages presque calligraphiques de peinture très liquide suggèrent que, d’un point de vue technique, il aurait peut-être dû quelque chose à Canaletto, venu en Angleterre en 1745.. Le travail de Canaletto était connu en Angleterre avant cela, et il est au moins possible que Hogarth l’ait étudié. Il est hautement improbable que Hogarth connaisse le travail de "Vieux Brueghel", mais il existe une nette affinité entre eux. Le lien qui les unit, sans doute, se trouve chez les peintres hollandais et flamands de la basse vie du XVIIe siècle, dont Hogarth aurait connu une partie du travail. C’est le cas d’une tradition vivante qui, ayant commencé avec Brueghel, s’est épanouie à nouveau entre les mains d’un autre grand artiste. La gamme de Hogarth était bien entendu beaucoup plus restreinte que celle de Brueghel, et son art ne se compare en rien aux grands paysages de la fin de la vie de Brueghel, mais en tant que satiriste , Hogarth avait un esprit plus subtil et pénétrant, et son travail est informé par une sorte d’indignation morale qui n’a pas participé aux bouffonneries paysannes de Brueghel. Ce qu’ils ont en commun, c’est la réaction directe d’un esprit fort et humoristique aux faiblesses et au grotesque de la vie telle qu’ils l’ont vue, ainsi que la capacité de donner une signification formelle à leurs commentaires qui les rachète d’être des plaisanteries peintes.

Travaux satiriques

Hogarth n’a jamais été un caricaturiste, et il ne commet jamais l’erreur de faire des personnages de sa satire de simples personnifications d’un vice ou d’une vertu. Malgré toute la fécondité de son invention grotesque, il ne perd jamais de vue la réalité et, même si ses personnages sont voués à l’avarice, à l’ivrognerie ou à la gourmandise, ils restent des êtres humains avec d’autres potentialités de vice ou de vertu. Ils sont conçus dans la ronde, et non pas comme des profils en carton immuable. Contrairement à de nombreux artistes anglais, Hogarth avait une inventivité prodigue, pas seulement des types et des incidents grotesques. Ceux-ci, en effet, sont riches et variés comme la vie elle-même, mais il est également inventif dans la conception formelle de ses images.

Pièces de conversation

C’est dans ses peintures satiriques, ses gravures et ses eaux-fortes, mais même dans les petites pièces de conversation avec lesquelles il a commencé sa carrière de peintre, on les trouve. Certains petits maîtres hollandais, dont les images étaient bien connues en Angleterre, avaient donné le ton à ces petits groupes familiaux intimes et, à certains égards, Hogarth était bien équipé pour ce type de travail. Son sens du caractère, son sens de l’observation et son don du groupement dramatique étaient au centre de ses préoccupations, mais son sens de l’humour, auquel il ne pouvait que s’adonner sournoisement, devait être pour lui un handicap. Dans ces images, son caractère et son humour sont à la fois plutôt étroits et son esprit est émoussé. Ils séduisent autant que par le biais de cet élément du ridicule qui s’est infiltré à l’improviste autant que par la perfection. réalisation des conditions de ce genre difficile. Même dans ces œuvres, Hogarth montre une grande supériorité par rapport aux œuvres de peintres contemporains, tels que Joseph Highmore.

Images morales satiriques

Hogarth doit avoir lui-même ressenti les limitations de ce genre, car il passa bientôt de sujets de conversation à diverses séries de valeurs morales, telles que " Le progrès de la prostituée ", " Le progrès du rateau " et "Le mariage à la mode " ) National Gallery London), dans lesquels ses pouvoirs individuels avaient une portée beaucoup plus grande, bien que l’élément purement narratif contienne parfois quelque peu ses talents de dessinateur, coloriste et designer.

À mi-chemin entre les pièces de la conversation et les satires se trouvent ses images théâtrales , telles que l’intérieur de son théâtre lors d’une représentation de l’opéra du mendiant (Tate Gallery). Ces images donnent une idée de certaines des qualités de son travail, ce qui n’est pas mauvais en soi est plutôt théâtral. En effet, le théâtre a influencé son travail bien plus que tout peintre vivant ou mort.

Ses images sont conçues comme des scènes de scène ou des tableaux adossés à une toile de fond plus ou moins conventionnelle, sans tentative de réalisme exact de la lumière ou de l’atmosphère. Ses buts étaient tout à fait dramatiques et la scène lui fournissait un ensemble de conventions qui lui permettaient de donner une force concentrée à ses contours de caractère et d’action.

Style et composition

Il n’était pas réaliste, mais créateur, et la vie dans ses images n’est pas présentée sous sa forme brute. La matière première de son art, la vie de son temps, a été formalisée, stylisée et transmutée en or de sa propre création. S’il s’était contenté de réalisme, il aurait pu se fondre dans son travail avec beaucoup moins de sens qu’il ne le faisait et, malgré les idées modernes, nous devons reconnaître que le but immédiat de Hogarth dans ces images était de raconter une histoire avec un sens moral . que les qualités esthétiques étaient subordonnées à son objectif premier et en découlaient. Pour que ses personnages racontent l’histoire le plus clairement et le plus énergiquement possible, il utilise des poses, des gestes et des groupements plus que naturels, et il invente une forme pour son tableau qui se rapproche le plus de la forme du ballet, dans laquelle l’action est stylisée pour donner une expressivité maximale dans les limites du médium.

C’est la manière dont Hogarth gère ces limitations et en crée des vertus positives qui donne à ces images littéraires leur signification esthétique. En surmontant les limites que l’immobilité et le manque de parole imposent à ses personnages en tant qu’acteurs, il a été contraint à l’invention de gestes et de postures spirituels qui dans la vie seraient trop emphatiques, mais qui, dans le monde imaginaire de ses images, sont entièrement naturel et approprié. Tout comme sur la scène, le réalisme pur est plat et inefficace, et les conventions sont nécessaires pour véhiculer l’illusion de la réalité, de même Hogarth crée son illusion tout en violant constamment les canons du réalisme strict. Lorsque nous examinons ses images, pouce par pouce, nous constatons qu’elles sont pleines d’indices de l’histoire et qu’elles peuvent être lues aussi bien que regardées. S’il avait pu exprimer son sens de cette manière, ses images pourraient à juste titre être considérées comme un simple art littéraire, mais les formes et les couleurs elles-mêmes sont éclairées par un esprit et une satire qui les façonnent en une arabesque formelle..

Portraits

Derrière toute cette ingéniosité créatrice se cache une morale très simple et virile qui en est le ressort. À une époque d’impudicité, de chicane et de corruption, Hogarth représente les vertus simples de l’honnêteté, de la sobriété et de l’amour décent, et c’est cette simplicité de sentiment qui a donné à ses images le large attrait populaire du mélodrame à l’ancienne, de Dickens . ou de Shakespeare . Le vice et la vertu sont clairement définis dans ses images, et il a le même goût pour un bon méchant qui a marqué les grands artistes populaires de tous les temps. Il aime ses méchants avec le zeste de Shakespeare in Iago, ou les artistes médiévaux dans leurs diables. En règle générale, dans ses portraits, ces traits ont moins de portée, mais dans l’un d’eux, " Simon Fraser, Lord Lovat ", Hogarth a créé le plus beau voleur de toute sa galerie de canailles. Cette image se situe entre ses moralités et le reste de ses portraits, et est l’un de ses chefs-d’œuvre. Lord Lovat était sous le coup d’une condamnation à mort lorsque Hogarth fit son portrait, et on peut croire que Hogarth ne se sentait pas gêné par les restrictions qui affligeaient généralement le portraitiste. Au final, il contient la plupart des vertus des portraits et des moralités. Non surchargé de matière littéraire, il a autant de malice et de satire que le "Mariage à la mode" et est aussi pénétrant dans la lecture d’un personnage que les portraits de ses propres serviteurs. C’était certainement un sujet pour inspirer un peintre des dons de Hogarth. La grande masse johnsonienne du corps de Lovat soutient une tête qui est une géniale vilaine incarnation. Aucune trace de repentance ni de regret ne peut être vue dans les yeux du vieil avocat rusé qui fait face à la mort avec obstination dans ses vilaines, et qui se glorifie jusqu’à la fin.

Hogarth n’a plus retrouvé un tel sujet, mais tous ses portraits, même les plus formels et officiels, ont un sens aigu du caractère et sont des présentations directes et viriles, dénuées d’affectation ou de prétexte. Le groupe de têtes de portrait de ses propres serviteurs est le plus sympathique de tous. Comme dans le portrait de Simon Fraser, Hogarth se sentait évidemment libre de toute contrainte en peignant ceux-ci; ils ont une intimité et une tendresse plutôt rares dans son travail, mais qui jettent parfois un œil, même dans les satires. Ici, les différents personnages sont différenciés très subtilement et il est possible de lire très clairement sur la photo la relation entre Hogarth et ses différents serviteurs. Il n’existe plus d’image humaine et révélatrice.

Les autres portraits de Hogarth ne se situent pas à un niveau aussi élevé, mais ces deux-là constituent un standard auquel aucun portraitiste ne peut s’attendre en permanence. Le portrait de sa soeur (Galerie nationale) avec sa belle Couleur, une caractérisation précise et une vivacité d’expression se rangent peut-être à côté d’eux, mais son niveau est toujours élevé et il n’est pas facile de le différencier. " La fille aux crevettes " (Galerie nationale) peut difficilement être qualifié de portrait. Ce brillant croquis est tout à fait seul dans le travail de Hogarth, tant au niveau du sentiment que de la technique. Il est entièrement dépourvu de satire et ne peut même pas être qualifié d’étude de personnage. Il s’agit simplement d’une expression radieuse d’une joie de vivre pure, une joie qui informe chaque coup de pinceau rapide et gracieux et fixe une beauté éphémère sur l’aile. L’art de Hogarth n’a jamais atteint un niveau supérieur à celui-ci. Techniquement, il diffère beaucoup de son travail, le toucher est aussi léger et la peinture aussi fine et fluide que celle de Gainsborough – une sorte d’impressionnisme évoqué par le sujet lui-même. C’est une preuve supplémentaire de l’art pur de Hogarth, dans lequel la technique semble être inséparable du sujet qui l’inspire.

Hogarth n’avait pas de suiveurs immédiats et, bien que son influence directe sur l’art anglais fût légère, il était indirectement incalculable.

L’influence de Hogarth sur la peinture anglaise

Directement, des caricaturistes tels que Rowlandson, Gillray et Cruikshank lui doivent quelque chose, et la tendance didactique de la peinture anglaise subséquente lui est peut-être attribuée, mais son véritable intérêt résidait dans la mise en contact de la peinture anglaise avec la vie et dans son élimination. conventions. Les connaisseurs de son époque le considéraient plutôt comme un peintre vulgaire, tout comme Reynolds, mais la vitalité de son travail est indiscutable. Il a balayé l’atmosphère de décomposition comme un grand vent et laissé derrière lui un air frais dans lequel un nouvel art pourrait grandir. Il a rendu l’art populaire en abordant une vie que les gens connaissaient dans un esprit qu’ils pouvaient comprendre, et par ses gravures, il a apporté son art à des classes peu familiarisées avec les images. Ainsi, bien que les développements ultérieurs de la peinture au XVIIIe siècle ne suivent pas directement de Hogarth, il les rend possibles et il est considéré à juste titre comme le fondateur de l’école de peinture anglaise moderne .

Aucun des contemporains immédiats de Hogarth ne montre une vitalité comparable à la sienne. Une compétence technique décente et un charme occasionnel de couleur est tout ce qui peut leur être accordé. Joseph Highmore (1692-1780) et Thomas Hudson (1701-79), le maître de Reynolds, sont typiques. Les deux pourraient très bien peindre jusqu’à la manipulation des pinceaux et des pigments, mais ils ont donné peu de vie à leur travail. Highmore avait certainement du charme et un sens modéré du caractère, ce qui est bien illustré par son portrait de "Un monsieur en velours brun murrey" (Galerie nationale). Mais une comparaison de ses illustrations de Pamela avec les œuvres de Hogarth, accrochées près d’eux à Trafalgar Square, montre à quel point son inspiration était pauvre et mince, malgré une certaine grâce. Allan Ramsay (1713-1784), le portraitiste écossais peut être classé avec Highmore, à qui ses portraits ont une certaine affinité.

Ainsi, il appartenait à la jeune génération de peintres anglais, comme Reynolds et Gainsborough , de porter le flambeau allumé par Hogarth.

On peut voir des œuvres de Hogarth dans le meilleurs musées d’art en Grande-Bretagne.