Winslow Homer:
peintre de genre réaliste américain, artiste de paysage marin Automatique traduire

Biographie

L’un des plus d’Amérique peintres célèbres, Homer avait un talent unique pour représenter la nature de manière à refléter de manière convaincante l’esprit pionnier américain. Autodidacte à la fois à l’aquarelle et à la peinture à l’huile, elle maîtrise illustration du livre bien qu’il soit surtout connu pour son art marin, généralement imprégné d’un contenu narratif fort. Il a également complété de nombreuses amendes paysages et peintures de genre.

Homer Sujets

Le sien peinture réaliste traite de la vie obscure des pêcheurs, des soldats, des marins, des bûcherons, des chasseurs, des pionniers – les travailleurs et les vagabonds et les victimes de la race humaine. Le "yawp barbare" de son pinceau ne possédait rien de l’idiome de la société polie, aucun de la pâleur de la John Singleton Copley, Blackburn, Smibert, John Singer Sargent ou l’un des peintres de salon populaires en Amérique. C’était une nouvelle voix, racée avec la fraîcheur de l’esprit d’un monde nouveau. Gênant? Indiscipliné? Négligé? Oui, aussi maladroit et aussi indiscipliné et négligé qu’un nord-est de la côte du Maine. Et aussi majestueux.

Comme le bon Dieu, Winslow Homer a créé de nombreuses images de gens du commun parce qu’il aimait les gens du peuple. Et les compris. En Amérique, aucun autre artiste ne comprenait mieux le cœur humain chez soi.

Jeunesse

Il connaissait le peuple parce qu’il était l’un d’entre eux. Il appartenait à une vieille lignée de travailleurs acharnés, de fidèles et de foies ordinaires du Massachusetts. Son père, Charles Savage Homer, était un quincaillier avec une conscience puritaine et une âme économe. Sa mère, Henrietta Benson Homer, était une aquarelliste talentueuse et devint plus tard le premier professeur d’art de son fils. Homère et elle entretiendront des relations étroites tout au long de leur vie.

Winslow, le deuxième de ses trois fils, est né (le 24 février 1836) au 25 Friend Street, l’un des plus anciens axes de circulation du labyrinthe de North End à Boston. Quand Winslow avait six ans, sa famille s’installa à Cambridge. Et c’est ici, à l’ombre du Harvard College, qu’Homère reçut sa première éducation. Cependant, l’influence de Harvard n’a pas influencé l’entraînement de l’esprit d’Homère. C’était un personnage de maison. Il aimait ses jeux plus que ses livres. Avec ses deux frères, il a passé de nombreuses heures à pêcher, nager, naviguer et se défouler sur les plages de Cambridgeport. Ici, il a développé un goût précoce pour dessin. Partout où il est allé, il a dessiné des images de son environnement – de simples petites représentations en noir et blanc de courses à pied et de courses de bateaux, de personnes vivant à la maison, de piétons dans les rues, d’ouvriers au bord de la rivière, de l’homme à la brouette, sports d’enfance de snap-the-whip et le coléoptère et le coin. Depuis ce jour jusqu’à la fin de sa carrière, Winslow Homer aimait créer des images qui racontaient une histoire. "L’art pour l’art" était pour lui une phrase dénuée de sens. Une image qui ne raconte pas d’histoire est aussi incongrue qu’une phrase qui ne contient ni sujet ni prédicat.

Apprenti Lithographe

Son père était assez sage pour reconnaître la capacité de son fils à raconter des histoires à travers le crayon à dessiner. Il a sorti son garçon de l’école et l’a mis en apprentissage chez M. Bufford, un Bostonien lithographe qui avait annoncé pour un garçon "avec un talent pour le dessin." Les fonctions de Homer dans la lithographie de Bufford lui apportaient une touche de variété. Il a imprimé des cartes. Il a fait des décorations picturales pour les couvertures de livres. Il a dessiné des pages de titre pour des chansons populaires telles que "Katy Darling" et "Oh, Whistle et je viendrai à vous, mon garçon". Enfin, il lui fut confié l’important devoir de dessiner sur la pierre les portraits de l’ensemble du Sénat du Massachusetts.

Mais ce n’était pas le genre de travail qu’il était intéressé à faire. Un après-midi, alors que Homer passait la moitié de ses vacances, il entra dans la galerie de photos de Dobson. Il s’est arrêté devant une peinture de genre (conte) d’Edouard Frere. Un connaisseur d’art l’a regardé pendant un moment puis s’est dirigé vers lui. "Tu aimes les bons tableaux?" Il a demandé.
"Oui monsieur… j’ai l’intention de devenir peintre moi-même."
"Vraiment? Quel type de travail comptez-vous entreprendre?"
"Quelque chose comme ça, monsieur" – pointant vers la photo de Frere "seulement un putain de vue."

Son propre studio d’artiste

À son 21e anniversaire en 1857, il quitte son apprentissage et loue son propre studio à Boston. Ce n’était pas un jeune homme très prévenant, mais plutôt petit, léger, solide. des yeux noisette, une chevelure épaisse de cheveux bruns, une moustache brune hérissée et une barbe naissante qui se formait par plaques comme des touffes d’herbe irrégulières sur un rebord rocheux. Mais il possédait une détermination Yankee et une finesse Yankee. Il savait comment travailler et comment vendre son travail. Soucieux de se montrer plus digne, comme le mérite un jeune artiste respectable qui se lance maintenant dans les affaires, il a fait un croquis du dandy le plus prétentieux des boulevards de Boston, un Français du nom de Paunceloup. Il attrapa cet homme dans sa foulée caractéristique – tête haute, poitrine rejetée, manteau parfaitement ajusté et parfaitement ajusté, modèle vivant du jeune aristocrate bien soigné. Il apporta ce croquis à son tailleur et le vendit immédiatement pour un nouveau costume.

Illustrateur Pour Harper’s Week

Sa capacité à saisir la vie de la ville à grands pas a attiré l’attention des rédacteurs en chef de Harper’s Week. Ils ont commencé à acheter ses croquis de Boston – une scène de rue en avril, une vue du Boston Common, une réunion de famille à Thanksgiving, une soirée de patinage sur Frog Pond, une tempête de neige sur Tremont Street – des esquisses pleines de personnages réalistes et vigoureux. action, chacun d’eux une histoire complète et intéressante et dramatique.

Les rédacteurs de Harper étaient désireux d’exploiter son art, nettement supérieur à celui de leurs autres contributeurs. Ils lui ont suggéré de venir à New York pour pouvoir travailler plus étroitement ensemble. Il donna suite à leur suggestion et, à l’automne de 1859, se dirigea vers les nouveaux pâturages plus riches de Manhattan. (Pour en savoir plus sur le plus grand illustrateur du XXe siècle en Amérique, voir Norman Rockwell 1894-1978, dont les sujets étaient assez proches de ceux d’Homère).

Déménage à New York

Celui qui voyage loin de chez lui observe le poète latin Horace, change de ciel mais pas d’esprit. L’esprit et le génie d’Homère, malgré son déplacement à New York, continuèrent de tirer leur subsistance du sol de la Nouvelle-Angleterre.

Les rédacteurs de Harper’s Week lui ont proposé un poste régulier au sein de leur personnel. Mais il a décliné l’offre car, comme il l’a dit, il avait déjà goûté à la liberté et il la préférait à l’esclavage. "L’esclavage chez Bufford était trop frais dans mes souvenirs pour me permettre de me lier à nouveau. Depuis que j’ai pris mon nez de cette pierre lithographique, je n’ai eu aucun maître et n’en aurai jamais."

Cours d’art

Au lieu de cela, il resta indépendant et ouvrit un studio dans le bâtiment de la dixième rue. De plus, jusqu’en 1863, il suivit des cours d’art à l’Académie nationale du design et étudia brièvement auprès de Frédéric Rondel, qui lui enseigna les bases du peinture d’art. En 12 mois, Homer produisait une excellente peintures à l’huile. Sa mère a tenté de collecter des fonds pour l’envoyer en Europe pour y suivre une formation, mais lorsque la guerre civile a éclaté, il s’est rendu au poste de correspondant d’artiste de ce magazine.

Artiste de guerre civile américaine

Les images qu’il a peintes pendant cette période étaient rarement des images de scènes de bataille. Son travail ne consistait pas à glorifier la guerre ni à la condamner, mais simplement à raconter des histoires simples et réalistes sur les soldats. Et la plupart de ces images décrivent non pas la mort, mais la vie des soldats – sous leurs tentes, à leurs repas, autour de leurs feux de bivouac, jouant à leurs jeux, chantant leurs chansons, racontant leurs histoires et lisant les lettres de leurs familles à la maison. Et, d’une certaine manière, ces images ont un effet plus dramatique que la plupart des scènes de bataille des peintres conventionnels. Homère produisit presque tous ses effets indirectement. Ses images de guerre sont frappantes pour ce qu’elles omettent de ce qu’elles incluent. Le croquis intitulé Wounded, par exemple, représente non pas le soldat blessé, mais son épouse terrorisée alors qu’elle lit le télégramme. Homère était un maître de l’omission dramatique.

Le travail d’Homère pendant la guerre était dangereux et stressant, mais, de retour dans son studio, il recouvrerait ses forces et recentrerait ses compétences créatives. Il a produit une série d’images de guerre, basées sur ses dessins, notamment Sharpshooter on Picket Duty (1862), Home, Sweet Home (1863) et Prisoners from the Front (1866). Il a montré Home, Sweet Home à l’Académie nationale et l’accueil enthousiaste de ses critiques l’a conduit à être élu académicien adjoint puis académicien à part entière en 1865.

Mais ce ne sont pas les images de guerre qui devaient perpétuer le souvenir de Winslow Homer. C’étaient simplement une série d’exercices de dessin et de peinture. Ils devaient le préparer à son vrai travail, qui devait venir plus tard.

Voyages en Europe

Et quel était son vrai travail? Homère lui-même ne connaissait pas encore la réponse à cette question. Quand le bon moment serait venu, il le saurait. Pour le moment, cependant, il doit continuer à pratiquer, peindre, critiquer son travail, se préparer à ce moment solennel où il entendrait l’appel. En 1867, il entreprit un voyage en Europe – son œuvre primée Prisonniers du front – était exposée à l’Exposition Universelle de Paris à l’époque. Il a étudié les anciens maîtres, mais il ne les a pas copiés. Ils étaient habiles, beaux, parfois sublimes, mais ils ne parlaient pas sa langue. C’était un Yankee, un citoyen libre d’un monde libre, un monde qui avait rompu avec les traditions du passé. Il n’a pas étudié formellement pendant son séjour à Paris. Au lieu de cela, il a produit une douzaine de petites peintures de paysages, illustrant principalement la vie paysanne, montrant ainsi davantage d’affinités avec Jean Francois Millet et le École française de Barbizon qu’avec de nouveaux talents comme Edouard Manet et Gustave Courbet. Bien que impressionné par Manet, il a exploré le rendu de la lumière et des couleurs d’une manière différente de celle Impressionnistes – Au lieu de formes floues, il recherchait la luminosité dans une construction solide de contours nets et de larges plans de lumière et d’obscurité – comme dans Long Branch, New Jersey (1869). Parallèlement, il a également continué à travailler pour Harper’s, décrivant des scènes de la vie parisienne.

Retourne à new york

De retour à New York, il tente de dépeindre cette beauté dans une série de tableaux historiques américains, notamment ceux basés sur des dessins qu’il avait réalisés pendant la guerre de sécession, tels que The Sharpshooter et Prisoners from the front. Quand il a terminé, il a répété: "Bien joué, mais ce n’est pas tout à fait ce que je veux faire." Il s’est ensuite tourné vers les travailleurs et les paysans d’Amérique, blancs et noirs, pour son inspiration. Il les a peintes chez elles, dans leurs écoles, lors de leurs occupations saisonnières – Une matinée d’hiver, Pelleter dehors ; Cueillette de baies ; Scène de marché, wagon de montagne blanche ; Le magasin de pays ; New England Factory Life, traversant le pâturage ; La récréation de midi ; La visite (aux esclaves émancipés) de la vieille maîtresse ; Une famille nègre heureuse en Virginie. "Ces images", a écrit l’éditeur de Harper’s Weekly, "sont de beaux poèmes". Mais Homère n’était pas encore complètement satisfait. Il cherchait toujours cette inspiration suprême.

Aquarelliste

Comme le grand artiste américain Edward Hopper cinquante ans plus tard, Homer commença à utiliser aquarelles régulièrement en 1873 lors d’un séjour d’été à Gloucester, dans le Massachusetts. Sauf que si Hopper était fasciné par les grandes maisons victoriennes de Gloucester construites par de riches capitaines de la mer au 19e siècle, Homère était fasciné par la côte et ses paysages marins. Dès le début, sa technique d’aquarelle était fluide et confiante, et ses peintures se sont avérées exceptionnellement populaires, améliorant considérablement ses finances. Ses œuvres ont varié du tableau noir détaillé (1877) au schooner de style plus impressionniste au coucher du soleil (1880).

Devient peintre à temps plein

En 1875, il arrêta son travail d’illustrateur commercial et de lithographe pour se consacrer à plein temps à sa peinture. Sa peinture de 1872, Snap the Whip, a été très bien reçue et a été exposée à l’exposition du centenaire de 1876 à Philadelphie, tout comme l’une de ses plus belles et des plus célèbres peintures Breezing Up (1876).

De 1881 à 1882, Homer vit et peint à Cullercoats, un village de la côte du Northumberland, en Angleterre. Ces peintures décrivaient la vie professionnelle quotidienne d’hommes et de femmes ordinaires mais dans un nouveau style – sa palette de couleurs était plus limitée; ses images sont plus grandes, plus ambitieuses et plus délibérément composées. Et en adoptant une attitude moins sentimentale, il créa des œuvres d’une nature plus durable. Il a exposé son Paysages anglais à son retour à New York, les changements de style ont impressionné les critiques.

Peintures de mer d’Homère

C’est à son retour d’Angleterre qu’il a peint un tableau d’un genre différent – Winter at Sea. Il l’a regardé quand il l’a fini. C’était le thème qu’il cherchait. Ceci, à partir de maintenant, devait être son inspiration. Winslow Homer était devenu le poète officiel de la tempête. Son travail consistait désormais à peindre la Saga de la mer.

Il a quitté New York et s’est construit un chalet sur la côte rocheuse du Maine. Ici, dans le petit village de pêcheurs de Prout’s Neck , il resta vingt-six ans, de 1884 jusqu’à sa mort en 1910. Il voyagea toujours – dans les Adirondacks, au Canada, aux Bermudes, en Floride et dans les Caraïbes, et peignit partout les aquarelles sur laquelle une grande partie de sa renommée future serait basée – mais Prout’s Neck était son endroit privilégié.

Situé sur un promontoire escarpé qui s’avance à pic dans l’Atlantique Nord, Prout’s Neck respire le parfum des pins piquants et de la mer salée. Et la solitude sauvage de la scène a fait appel puissamment au génie solitaire d’Homère. Sa maison était en retrait, à une distance sécuritaire de l’océan. Mais il s’est construit un autre petit lieu, un abri portable en forme de boîte, avec une fenêtre donnant sur la mer. Ici, par temps d’est, il s’enfermait comme un plongeur, descendait au milieu des falaises et peignait la fureur de l’océan qui se découpait en montagnes recouvertes de embruns.

Il aimait la mer, autant dans sa fureur que dans son calme. Pendant des mois, il a vécu seul, avec la mer comme seul compagnon. Avec ce camarade à qui parler, étudier, peindre, Winslow Homer était devenu tout ce qui lui suffisait. Dans un petit jardin qu’il avait aménagé derrière sa maison, il planta tous les légumes dont il avait besoin. Un été, il a même récolté une récolte de tabac. Il a appris à transpirer et à sécher les feuilles et il est allé dans une usine de Portland où il a appris à fabriquer ses propres cigares.

La ligne de vie

Il a peint le premier grand tableau de sa longue série de paysages marins en 1884. Il l’a appelé The Life Line. C’est l’histoire d’un naufrage, mais il n’y a pas de navire sur la toile. Homère, le maître de l’omission dramatique, a représenté la tragédie du navire en perdition en décrivant le sauvetage d’un des passagers en train d’être débarqué du navire. Ce sauvetage attire l’attention du spectateur non seulement sur les terreurs de la mer, mais aussi sur l’ingéniosité et le courage de l’homme. Dans la partie supérieure de l’image, dans le creux situé entre deux montagnes d’eau, une ligne de vie s’étend du navire au rivage. Suspendu à la corde au moyen de cordes et de poulies, on voit un fauteuil de sauvetage se balancer vers la terre. Dans la chaise se trouve un marin qui porte dans ses bras inconditionnels la silhouette inconsciente d’une jeune fille. Son visage est blanc. Sa robe, saturée d’eau salée et déchirée par la violence de la mer, s’accroche à sa forme molle. Son bras droit pend mollement vers les vagues. Les traits du marin – et nous avons là une autre des touches dramatiques du peintre – sont cachés par un foulard que la tempête lui a fouetté au visage. Si Homère avait peint le visage du marin, il aurait créé deux centres d’intérêt égal. Il aurait détruit l’unité de l’image. Mais il savait mieux. Il souhaitait que le spectateur se concentre moins sur le courage du sauveteur que sur l’impuissance de celui-ci. Ingéniosité? Bravoure? Oui. Mais au-delà de tout, la petitesse tragique de l’humanité au milieu de la mer immense.

Gulf Stream

Cette infime petitesse humaine apparaît à un degré encore plus poignant dans Homer Gulf Stream (1899) ) Metropolitan Museum of Art (New York City) un tableau qu’il a peint lors d’une visite dans le sud. Un nègre naufragé, allongé dans une embarcation de sauvetage sans armure et sans paille, dérive sans but sur les eaux bleues des Caraïbes. L’engin est entouré par un certain nombre de requins qui attendent, la bouche affamée grande ouverte. Au loin, un navire marchand passe à l’horizon. Personne à bord n’a observé le marin épuisé, trop faible pour être conscient de ce dernier espoir de sauvetage. Cette histoire sinistre et horrible n’a qu’une fin: les requins.

Homère n’est cependant pas souvent le peintre du pessimisme. Le Poète Lauréat de l’Océan, il le présente sous toutes ses envies. Et il présente ses marins, "les paysans qui sillonnent les flots pour leur subsistance", dans toutes leurs humeurs. Il leur montre en train de tirer leurs filets, de revenir avec la prise de leur journée, de danser avec leurs filles sur la plage, de tirer sur la chaîne d’ancre avec leur puissant heave ho, ramant leur bateau la nuit, alors que les vagues "embrassent la lune" regarder les bateaux qui arrivent avec leur spyglass depuis le rivage ou assister aux héroïsmes quotidiens du marin d’une manière simple et non héroïque.

Winslow Homer s’est inspiré de ces tâches quotidiennes du marin, une routine banale à bord d’un navire, pour deux des plus prestigieux classiques de hauturiers d’Amérique: The Lookout et Eight Bells.

Le guetteur

Le belvédère, une scène de nuit à bord du navire, a été peint au clair de lune et n’a jamais été retouché à la lumière du jour – un exploit que même Whistler n’a jamais osé tenter. Dans cette image, Homère a capturé, comme aucun autre peintre n’a jamais réussi à capturer, la quintessence de la poésie d’une nuit en mer. Un ciel étoilé au-dessus de la tête, un sillon d’écume blanche en dessous; et entre les deux, la cloche ornementale d’un navire, un coin du pont, deux cordes, le visage barbu et la main levée d’un marin. Ce sont sur les seuls détails dans l’image. Et pourtant, il en résulte de vastes espaces, des heures solitaires, un travail sans peur. Le marin qui est à l’affût vient de crier: "Tout va bien!" Sa bouche est toujours ouverte et sa main complète le geste qui a accompagné son appel. La tête du marin, avec son chapeau en toile cirée, ses traits aigus et ses cheveux grisonnants, semble avoir été modelée en bronze. Le gardien éternel de la mer. "Dors, mes amis! Les étoiles sont dehors, la mer est douce, le bateau est en sécurité. Tout va bien!"

Huit cloches

Huit cloches (1886) est tout aussi impressionnante par sa simplicité poétique. Deux marins barbus, peints aux deux tiers de leur longueur, se tiennent sur le pont d’un navire. Les deux portent des chapeaux en toile cirée et de lourdes vestes de pêche. Le personnage principal, qui occupe le centre de l’image, se tient face à la mer, dos au spectateur. Il tient un télescope à deux mains et il est occupé à "tirer au soleil", c’est-à-dire à prendre la latitude du navire. Son assistant, à droite, est vu de profil. Il se penche au-dessus d’un chronomètre, avec l’intention de prendre la longitude du navire. La seule partie du navire que le spectateur peut voir est la partie supérieure des remparts se levant du pont, juste derrière le dos de l’assistant. La mer bouillonne d’écume. Le navire vient de vaincre une grosse tempête. Les nuages ​​tourbillonnent toujours dans une masse de vapeur grisâtre et déchiquetée, mais ici et là, le ciel tente de percer par petites taches bleues. Pour les marins, un détail prosaïque de la routine quotidienne – la prise de la position du navire à midi. Mais pour le spectateur, magie et émerveillement – la lecture des panneaux de signalisation quotidiens sur les grandes routes non marquées de la mer. L’océan invincible conquis par l’ingéniosité et la persévérance de l’homme. C’est le secret du sort jeté sur le spectateur par Eight Bells – par toutes les autres épopées marines de Winslow Homer.

Les hivers dans les Caraïbes

Au cours des hivers du milieu des années 1880, Homer se rendit dans les régions plus chaudes de la Floride, de Cuba et des Bahamas, peignant une série d’aquarelles pour Century Magazine. À la place des mers obscures et turbulentes de l’Atlantique Nord, il a maintenant capturé la mer et le ciel étincelants des Caraïbes, élargissant ainsi sa technique de peinture et ses combinaisons de couleurs. Un jardin à Nassau (1885) est l’une de ses meilleures aquarelles de cette période.

En 1893, Homer achève l’un de ses plus célèbres tableaux «darwiniens», The Fox Hunt, qui représente un troupeau de corbeaux affamés qui tombe sur un renard fatigué par la neige épaisse. Il s’agissait du tableau le plus important d’Homère. Il a été immédiatement acheté par la Pennsylvania Academy of Fine Arts, premier achat de ses œuvres par un grand musée américain.

Bien que, vers le milieu des années 1890, il soit fermement établi comme l’un des plus grands artistes américains, son travail n’a jamais atteint la popularité (parmi les acheteurs d’art) d’images grand public de Salon ou de portraits John Singer Sargent. En effet, un bon nombre de paysages marins d’Homère ont mis des années à se vendre et certaines images majeures lui ont rapporté moins de 500 dollars. Ce n’est qu’au début du 20ème siècle qu’il a atteint une véritable prospérité.

Homer est décédé en 1910 à l’âge de 74 ans dans son atelier de Prout’s Neck, acquis plus tard par le Portland Museum of Art.

Réputation et héritage

Contrairement à son contemporain Thomas Eakins (1844-1916), Homère n’enseigna ni ne prit d’élèves, mais son style d’art unique influença des générations de peintres américains pour sa représentation directe et énergique de la lutte de l’homme avec la nature. Il était particulièrement vénéré par un autre de ses contemporains, l’illustrateur américain Howard Pyle (1853-1911), ainsi que par l’élève de Pyle, Newell Convers Wyeth (1882-1944), et son fils. Andrew Wyeth (1917-2009), ainsi que l’artiste Iowan antérieur Grant Wood (1892-1942). Homère était également une influence sur les écoles de réalisme du 20ème siècle en Amérique, y compris Peinture de scène américaine et sa branche du midwest Régionalisme.

Malgré son manque de formel art formation, il maîtrisa plusieurs techniques de peinture et de gravure, comme en témoignent ses œuvres: La guerre pour l’Union, (1862) a gravure sur bois gravure (copies dans plusieurs collections de musées); Huit cloches (1886) huile sur toile (Addison Gallery of American Art); Améliorer l’heure présente (1889), gravure (copies dans différentes collections de musées); Après l’ouragan, Bahamas (1899), aquarelle (Art Institute of Chicago).

Aux côtés d’Eakins et de l’expatrié James McNeill Whistler (1834-1903), Homer est considéré comme le plus grand peintre américain de son époque. On peut voir ses peintures dans la meilleurs musées d’art à travers l’Amérique.