Descente de croix (Déposition), Roger Van der Weyden:
interprétation, analyse Automatique traduire

Gros plan, vierge marie

Gros plan de Mary Cleopas,
Saint Jean l’évangéliste (ou
Joseph d’Arimathée), et
Mary Salomé.

Appréciation d’art
Pour comprendre des travaux comme
Descente de la croix
par Roger Van der Weyden,
et autre Peintres flamands
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Évaluation de l’art et
Comment apprécier les peintures.

Descente de croix (aka Déposition du Christ) (1435-1440)
Considéré comme l’un des Les plus belles peintures de tous les temps et un superbe
exemple de Art biblique de l’école flamande.

La description

Artiste : Roger Van der Weyden (1399-1464)
Medium : huile sur panneau de chêne
Genre : religieux peinture d’histoire
Mouvement : Renaissance nordique
Musée : Prado, Madrid.

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Un de plus grandes peintures religieuses de l’école flamande, La Descente de Croix ) Déposition du Christ) de Roger van der Weyden représente le Christ crucifié abaissé de la croix. C’est la peinture la plus ancienne que l’on puisse attribuer à Van der Weyden – son analyse dendrochronologique (arbre) la date d’environ 1435 – et qui est également la plus grande œuvre de l’artiste. Un chef d’oeuvre de flamand Art chrétien, il peut avoir été conçu comme panneau central pour un retable, dont les ailes sont maintenant perdues, installé dans la chapelle de la Grande Guilde des Arbalétriers de Louvain – le donateur est identifié par les deux petites arbalètes situées dans la partie inférieure des écoinçons de la trame. Une grande image, mesurant environ 7 pieds sur 8, 5 pieds, a eu une influence majeure sur la École de cologne en Allemagne et reste l’un des travaux les plus influents du début Renaissance néerlandaise (c.1430-1580), ainsi que le Retable merode (c.1425) et le Seilern (Mise au tombeau) Triptyque (1410) de Robert Campin, le Retable de Gand (1432) de Jan van Eyck et le retable de Portinari (1483) de Hugo van der Goes (1440-82).

Plus d’analyse de descente de la croix

Weyden a peint La descendance de la croix ) Déposition) peu de temps après avoir terminé son apprentissage auprès du grand Robert Campin (maître de Flemalle). On a le sentiment que le maître de Tournai savait qu’il allait produire une œuvre unique. Il a sélectionné le meilleur chêne de la Baltique pour la fabrication du panneau en bois et a étalé la surface avec de l’or ainsi que les meilleurs lapis-lazuli (ultramarins), l’un des plus chers de tous. pigments de couleur. Après cela, il montra son génie de la conception picturale en construisant une composition narrative à couper le souffle, marquée par l’effet émotionnel des pleureuses en deuil qui pleuraient Jésus mort. La combinaison de la conception, de la technique picturale et de l’impact global en fait l’un des plus largement copiés peintures sur panneaux, du Peinture flamande l’école jusqu’à bien entrer dans le baroque.

En effet, au plus tard huit ans après avoir été placés sur l’autel principal de la chapelle Notre-Dame sans les murs à Louvain, le triptyque a été copié par un artiste anonyme dans le retable Edelheer (1443, Sint-Pieterskerk, Louvain). Au cours des années 1540, elle fut acquise par Marie de Hongrie, soeur de l’empereur Charles Quint, pour son palais de Binche, au sud de Bruxelles, et vers 1556, elle fut offerte à son neveu Philippe II d’Espagne (1527-1598; il régna de 1556). Il a ensuite été placé dans l’immense palais monastique d’El Escorial. Aujourd’hui, c’est l’un des points forts du musée du Prado à Madrid. Malgré sa restauration en 1992, l’état relativement bon de l’œuvre témoigne du superbe savoir-faire technique de son créateur, ainsi que de l’estime et du respect qu’il lui a témoignés depuis qu’elle a été peinte.

Composition

La descente de la croix montre le moment où le corps du Christ est enlevé de la croix pour être emmené pour être enterré. Neuf participants à la scène, presque tous pleurant de chagrin, sont disposés en une sorte de frise de chagrin autour du mince cadavre pâle. Joseph d’Arimathie, en rouge, avec le pharisien Nicodemus, soutient délicatement le corps. Entre-temps, la Vierge Marie s’est effondrée à côté de son fils. Elle est soutenue par l’apôtre Saint-Jean et la jeune femme, probablement Mary Salomé. La courbe molle mais élégante du corps de Jésus est reflétée par celle de sa mère et leurs mains se rapprochent l’une de l’autre, dans une démonstration vivante de sa passio (souffrance) et de son compassio (partage de sa souffrance). Le drame de la scène aurait été entièrement conforme à la spiritualité très chargée des Pays-Bas au 15ème siècle. Il s’agit peut-être du traité Meditationes de Vita Christi, de Ludolph de Saxe, qui expliquerait les divergences entre le contenu du tableau et le récit de l’Évangile de saint Jean, qui, par exemple, ne fait aucune mention de la Vierge. Marie.

Trois autres personnages sont représentés: le jeune homme sur l’échelle qui soutient le bras du Christ avec une main et les clous qui le fixaient à la croix de l’autre; l’homme barbu et chauve qui tient un pot de pommade; et à l’autre bout du tableau, Mary Cleopas (demi-soeur de la Vierge Marie), la femme en pleurs dans la coiffe blanche.

Espace illusionniste

La scène entière se déroule dans un petit espace non naturel – une sorte de boîte dorée peu profonde, ressemblant à un autel. Dans cet espace, Van der Weyden comprime un maximum de piété, d’émotions humaines et de souffrances. Son génie est l’habileté avec laquelle il chorégraphie la scène avec un subtil équilibre de formes, de mouvements, de draperies et Couleur. Remarquez la symétrie du Christ et de la Vierge Marie; Remarquez également comment la posture de Marie-Madeleine fait écho à celle de Saint John – comme une paire de crochets. Van der Weyden a créé une masse de courbes, diagonales et «courants» de chevauchement qui se chevauchent. La texture joue également un rôle important: notez la juxtaposition de tissus et de matières tels que le zibeline, la soie, la broderie au fil d’or, le lin, le cuir et la corde.

Retable sculpté

Weyden formé dans l’atelier de Robert Campin (Maître de Flemalle) (1375-1444) et le style de figurines modelées et sculptées de Campin sont clairement visibles dans ce tableau, de même que son naturalisme et rendu méticuleux des détails: remarquez, par exemple, la larme sur la joue de Marie Cléophas, le chaume sur la mâchoire de Nicodème, les saxifrages à côté du crâne sur le sol. Les historiens de l’art interprètent la Descendance de Weyden comme une tentative consciente de l’artiste de créer une sorte de retable sculpté, mais réalisé à l’aide de personnes réelles.

Remarquez aussi comment il concentre les projecteurs sur le Christ mort. En dépit de la scène intense et encombrée, le corps du Christ est drapé presque sur toute la longueur, sans que personne d’autre ne l’empêche ni ne l’empiète. La nudité, le rayonnement et la nature éphémère de sa forme à peine tachée dominent le tableau et contrastent de front avec les personnages lourdement vêtus qui l’entourent.

Diagonales, courbes et mouvements

Outre le caractère «occupé» et intense de la composition, avec son affichage contrasté de diagonales, de courbes et de mouvements, son récit pictural est également concentré. Cela peut être vu comme une synthèse de presque toutes les étapes pendant et après la descente de la croix: l’abaissement du corps, la déposition, la lamentation et la mise au tombeau. Cette "concentration" conceptuelle chevauche une version physique. Voyez, par exemple, comment l’œuvre est située dans une alcôve à peine plus profonde que l’épaisseur des épaules de Marie-Madeleine, alors que la zone centrale du plan de l’image ne compte pas moins de cinq niveaux de profondeur: premièrement, la Vierge Marie; derrière elle, Jésus; derrière lui, Joseph d’Arimathie; derrière lui, la croix et l’échelle, et enfin le jeune homme.

Symbolisme

Le symbolisme est partout. Golgotha, la place des crânes, où Jésus a été crucifié, est indiqué par des os de crâne et de bras sur le sol. (Le crâne est censé être celui d’Adam, établissant ainsi un lien entre le péché originel de l’homme et le salut offert par le sacrifice du Christ sur la croix.) À droite, la robe au décolleté et le décolleté de Marie-Madeleine la montrent comme un pécheur qui a abandonné ses voies pécheresses et est retourné à Christ dans la repentance.

Roger Van Der Weyden

Weyden était l’un des plus influents de tous Artistes de la Renaissance nordique de sa journée. Bien que la plupart de ses travaux impliquent art religieux Il a également exécuté un certain nombre de peintures laïques (maintenant perdues) et quelques portraits sensibles. Débutant tardivement, il a commencé sa carrière de peintre à l’âge de 27 ans seulement lorsqu’il s’est inscrit à l’atelier de Robert Campin à Tournai. De Campin, Rogier a absorbé une profonde compréhension de peinture à l’huile, ainsi que le réalisme minutieux et minutieux qui caractérise ses premiers tableaux. Jan van Eyck, le grand maître de Bruges, était une autre influence importante.

Autres peintures importantes

Après la descente de croix, Van Der Weyden a achevé une série d’ouvrages bibliques, notamment: Triptyque de l’annonciation (1435-1440, musée du Louvre, Paris); Retable de Miraflores (c.1440, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin) Triptyque de la crucifixion (c.1445, Kunsthistorisches Museum, Vienne); Retable de Middelburg (1445-1448 environ, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin); Retable des sept sacrements (1445-1450, Musée des Beaux-Arts, Anvers) Retable de Beaune (vers 1450, Musée Hôtel-Dieu, Beaune); Vierge et l’enfant avec des saints – La Madone des Médicis (vers 1450, Stadelsches Kunstinstitut, Francfort); La lamentation devant le tombeau (vers 1450, Uffizi, Florence); Triptyque de Braque (vers 1450, musée du Louvre, Paris); Retable de St Columba (vers 1455, Alte Pinakothek, Munich); et retable de saint Jean (environ 1455-1460, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin).

Ses œuvres non religieuses, principalement portrait d’art, incluent des œuvres telles que Portrait d’une femme avec un turban ailé (c.1435, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin); Portrait du chevalier de la toison d’or (Anton de Bourgogne) (1460, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles); et d’autres.

Ressources supplémentaires

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