La laitière, Jan Vermeer: ​​Analyse, interprétation Automatique traduire

La laitière (c.1658)
Par Jan Vermeer.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps,
et un chef-d’œuvre de
Art de la réforme protestante.

La description

Artiste : Jan Vermeer (1632-75)
Medium : peinture à l’huile
Type : Peinture de genre
Mouvement : Réalisme hollandais
Musée : Rijksmuseum Amsterdam.

Pour la signification des autres images, voir: Tableaux célèbres analysés .

Éducation artistique
Apprécier le réaliste néerlandais
des artistes comme Jan Vermeer,
voir nos essais pédagogiques:
Évaluation de l’art:
Comment apprécier l’art
et aussi:
Comment apprécier les peintures.

Cet ouvrage de Jan Vermeer, l’un des grands exemples de Peinture de genre réaliste néerlandaise et un favori de longue date des artistes et des critiques, a été décrit dans l’importante vente de Vermeer de 1696 comme "une servante versant du lait, exceptionnellement bien peint". Il était certainement très admiré puisque seule la plus grande vue de Delft (vers 1660, Mauritshuis, La Haye) coûtait plus cher (200 florins) que les 175 florins payés pour La Laitière. De toute évidence, une vertu particulière était attachée à la fois au contenu et à l’exécution de cette peinture à l’huile, qui est resté aux yeux du public à travers plusieurs ventes au cours des XVIIIe et XIXe siècles, contrairement à la plupart des autres Vermeers. C’est ainsi que l’éminent portraitiste anglais Sir Joshua Reynolds l’a évoqué lors de l’enregistrement de ses réactions lors d’un voyage en 1781 en Flandre et en Hollande. Bien que le nom de l’artiste soit quelque peu confus, Reynolds était tout à fait clair sur l’excellente qualité de cette image, à laquelle il a attiré une attention particulière. Au début du XIXe siècle, l’œuvre a été acquise par Six Collection (la famille du grand XVIIe siècle). Baroque hollandais le patron, Jan Six), avant de finalement faire partie du Rijksmuseum en 1908. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grandes peintures de genre l’âge d’or néerlandais et explique pourquoi Vermeer est considéré comme l’un des meilleurs peintres de genre dans Peinture hollandaise du XVIIe siècle.

Dépeint la vertu chaleureuse

Contrairement à la plupart des tableaux de Vermeer, qui représentent des personnages élégamment vêtus dans un cadre bien aménagé, The Milkmaid ) De Melkmeid ou Het Melkmeisje) est le tendre rendu de Vermeer d’une «femme de ménage» robuste (vaches laitières traites) exécutant une simple corvée domestique dans une cuisine réglage. La grande popularité de l’œuvre au 19ème siècle – lorsqu’elle était perçue comme un symbole de la vertu domestique – est née de la coïncidence de la moralité victorienne et de l’éthique néerlandaise du 17ème siècle. Les critiques du dix-neuvième siècle avaient essentiellement raison de la signification de cette image d’une simplicité trompeuse qui dépeint l’essence même de la vertu domestique.

Morceau de cuisine

La Laitière est en fait une "pièce de cuisine", un type d’art traditionnel des Pays-Bas qui combine le genre et le nature morte peinture. Créé il y a un siècle par le peintre anversois Pieter Aertsen (1509-1575) et son neveu et élève Joachim Bueckelaer (1535-1574), la tradition perdit de sa popularité au XVIIe siècle, sauf dans la ville natale de Vermeer à Delft, où elle perdure. des mains de peintres comme Cornelis Delff et Pieter van Rijck. Néanmoins, la photo de Vermeer est assez différente de celle de ses précurseurs. Son attention est concentrée sur une seule figure robuste, peinte à l’aide d’une technique robuste, en ligne avec l’image globale qu’il souhaite projeter. La femme de chambre se tient dans une simple salle de type souillarde en train de verser soigneusement le lait dans un récipient en terre cuite assis sur une petite table à côté d’un ensemble de natures mortes composé de morceaux de pain rassis et d’un panier à pain complet. (Le consensus est qu’elle utilise les restes pour faire du pouding au pain.) Elle est représentée comme une jeune fille bien bâtie vêtue d’une tenue traditionnelle en bonnet de lin blanc, tunique jaune et tablier bleu. Les manches de sa tunique sont retroussées, laissant apparaître des avant-bras épais. Un chauffe-pieds est visible sur le sol derrière elle.

Signification de la laitière

Étudier l’iconographie du La peinture, il semble que ce soit la manière de Vermeer de rendre hommage aux vertus de la tempérance, de la pureté et du travail ardu. (Pour un travail sur le même thème, voir La dentellière 1869, musée du Louvre.) La tempérance est indiquée par l’image symbolique traditionnelle d’une figure féminine versant un liquide d’un récipient à l’autre. Adeptes du Caravage de l’école d’Utrecht, tels que Dirck van Baburen (1595-1624) et Hendrick Terbrugghen (1588-1629), incluaient souvent de tels avertissements de "tempérance" déguisés en personnages de genre dans leurs peintures. La pureté est indiquée par le rendu étonnant de Vermeer du pot en cuivre très poli accroché au mur, rappelant les récipients en métal brillants similaires des images de l’ Annonciation des Pays-Bas, puisqu’un navire très propre était un symbole traditionnel de la pureté. Un travail acharné s’exprime tout au long de la composition qui, contrairement à d’autres peintures de Vermeer, ne fait aucune concession sur l’aspect ou le confort. Au lieu de cela, nous sommes présentés avec un environnement de travail comprenant des murs rugueux, du pain grossièrement texturé, du bois nu, des paniers grossiers et une femme de chambre aux traits émoussés, aux mains et aux avant-bras rugueux, concentrés avec diligence sur la tâche de recycler les aliments rassis plat appétissant pour le ménage. (Pour un travail de promotion de la chasteté, voir une fille avec une boucle d’oreille ) Tête de fille avec un turban) (1664-1636, Mauritshuis, La Haye).

Renverser la tendance

Depuis le début de la Renaissance néerlandaise Vers 1400, la signification iconographique traditionnelle des laiteries et des femmes de chambre reposait sur leur réputation d’amoureux, une signification souvent exprimée dans les images de cuisines et de scènes de marché réalisées par des peintres anversois comme Bueckelaer, Aertsen et Frans Snyders (1579-1657), le peintre d’Utrecht Joachim Uytewael (1566-1638) et son fils Peter Uytewael (1596-1660). L’artiste de Leiden, Gerrit Dou (1613-1675), qui peignit de jolies filles aux côtés de divers symboles érotiques tels que les oignons (réputés avoir des propriétés aphrodisiques), des pichets à large ouverture évocatrice de l’anatomie féminine, a également contribué à cette approche., ou impliqué dans diverses actions érotiques telles que l’insertion de broches de cuisson dans les poulets. Un exemple typique est la composition de Dou, Girl Chopping Onions (1646, British Royal Collection). Ainsi, dans les deux beaux arts et la littérature du 17ème siècle, les servantes ont été dépeintes comme une menace pour la sécurité intérieure, bien que certains peintres hollandais – comme Pieter de Hooch (1629-84) et Michael Sweerts (1618-64) commençaient à les décrire de manière moins inflammatoire.

Éloge de la vertu domestique

Le tableau de Vermeer, The Milkmaid, contredit cette tendance négative globale et constitue un rare exemple de servante traitée avec reconnaissance et dignité. En effet, certains historiens de l’art associent certains aspects de l’œuvre (notamment la corbeille à pain) à son ancien Christ dans la maison de Marie et de Marthe (c. 1654, National Gallery of Scotland, Edimbourg): ils pensent que la femme de ménage vertueuse et dévouée de Vermeer peut représenter le rôle sinon la personne de Martha la femme de ménage (et la patronne des femmes au foyer). Le placement apparemment décontracté du chauffe-pieds sur le sol peut également être considéré comme un signe de la vertu féminine. Le livre emblématique populaire de Roemer Visscher présentait cet appareil simple comme un favori des femmes néerlandaises, plus précieux qu’un homme. De plus, étant donné que les chauffe-pieds sont couramment utilisés par les femmes assises, son apparence mise au rebut peut symboliser le caractère industrieux de la femme de chambre debout. Un soutien supplémentaire à cette lecture morale de Vermeer peut être trouvé dans l’utilisation connexe d’objets ménagers simples dans le frontispice du livre Emblems of the Christian Struggle (1619) de Jacob Cats.

Un peu d’attention a été portée au soi-disant sourire de Mona Lisa. Sauf que, avec la moitié de son visage dans l’ombre, il est presque impossible de savoir si elle rêve de jour avec mélancolie ou si elle se concentre simplement sur le fait de ne pas renverser le lait.

Pour d’autres figures du sphinx de Vermeer, voir: Femme tenant une balance (environ 1862, National Gallery, Washington DC), et Femme avec un collier de perles (c.1662), Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Gemaldegalerie, Berlin).

Technique picturale

La palette de Vermeer présente une palette de couleurs atténuée de blanc, de jaune et de bleu, en accord avec les vêtements usés de son sujet, dont la silhouette se détache sur un mur de cuisine blanc et nu éclairé par la lumière venant de la fenêtre de gauche. Les récipients, le pain dans la corbeille et les morceaux de pain sur la table sont parsemés de points de lumière chatoyants, illustrant la technique de peinture pointilliste magistrale de Vermeer. La peinture est épaisse et granuleuse, appliquée avec du lourd empâtement.

Bien que les aspects superficiels de la matière de cette toile puissent être mis en relation avec les œuvres de plusieurs de ses contemporains, il est clair que la technique de peinture de Vermeer est unique au XVIIe siècle. Les petits points de couleur, ou pointilles, apparus pour la première fois dans le Soldat et une fille qui rit (c.1657-8, Frick Collection), ont ici pris une importance supplémentaire. Dans ses expériences précédentes avec la caméra obscura, Vermeer s’était d’abord contenté d’utiliser ces pointilles uniquement pour décrire ce qu’il voyait à travers l’objectif de l’appareil optique. Avec sa confiance croissante dans sa nouvelle technique, comme dans cette toile, ces points de lumière scintillants – ou du moins la peinture qui les décrit – commencent à vivre presque indépendamment des objets qu’ils décrivent, contribuant ainsi à l’impact moderne par cette image et beaucoup de ses travaux matures.

Composition

La Laitière a plusieurs caractéristiques de composition à noter. Dans l’ensemble, la qualité tactile est très forte: vous pouvez sentir l’humidité de la pièce et presque toucher les épaules arrondies de la femme de chambre. Ce n’est pas une beauté délicate, pas une abstraction idéalisée, mais une personne réelle qui est totalement concentrée sur son travail domestique. Comparez, par exemple, la jeune femme au foyer de Jeune femme avec une cruche d’eau (c.1662). Vermeer a utilisé plusieurs techniques pour créer cette impression générale. Premièrement, il a choisi un point de vue relativement bas pour souligner la nature monumentale et la solidité de son sujet. Deuxièmement, il a structuré le tableau selon deux lignes diagonales: de la corbeille à pain au premier plan à gauche jusqu’à la tête de la servante et du fond à gauche jusqu’au bas de la jambe droite de la table. Les deux lignes se croisent au poignet droit de la jeune fille, ce qui concentre l’attention du spectateur sur le pot de lait, liant ainsi (1) le caractère dynamique du versement du lait avec (2) le caractère statique de la pièce et la nature morte aménagée. sur la table. Troisièmement, Vermeer enleva impitoyablement tout ce qui pourrait détourner l’attention de son serviteur sculpté. Selon les recherches aux rayons X, la peinture contenait à l’origine deux objets – une grande carte murale et un panier à linge, tous deux situés derrière la femme de chambre – qui ont ensuite été effacés.