Jean-Antoine Watteau en pèlerinage à Cythère:
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Pèlerinage à Cythère
Par Jean-Antoine Watteau.
Considéré comme l’un des
Plus grandes peintures de
le rococo français.

La description

Artiste : Jean-Antoine Watteau (1684-1721)
Moyen : Peinture à l’huile
Genre : Fête galante
Mouvement : Art Rococo
Lieu : Louvre, Paris ; et le palais de Charlottenburg, Berlin.

Pour la signification d’autres chefs-d’œuvre, voir: Tableaux célèbres analysés .

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Un chef d’oeuvre du 18ème siècle Peinture française, cette œuvre du peintre français rococo Jean-Antoine Watteau, également connue sous le nom de Embarquement pour Cythère ou Pèlerinage à l’île de Cythère, existe en trois variantes. La première version, quelque peu surélevée, date de 1710 et est suspendue à l’institut Stadel de Francfort. Sept ans plus tard, Watteau en produisit une deuxième version, qu’il présenta comme pièce de présentation à l’Académie des Beaux-Arts de Paris. Cette version de l’Académie se trouve maintenant au Louvre. Une troisième version, actuellement au château de Charlottenburg à Berlin, a été exécutée en 1718-1917 pour un client privé Jean de Jullienne (elle a ensuite été acquise par le roi Frédéric II de Prusse) et constitue une légère variation du tableau du Louvre. Le pèlerinage à Cythère n’est ni un peinture de genre ni un peinture de paysage, mais un nouveau type d’image connue sous le nom de La fête galante (une sorte d’allégorie de la parade amoureuse et du fait de tomber amoureux). Influencé par le vénitien Giorgione (1477-1510) et le maître flamand Rubens (1577-1640), Watteau était considéré comme l’un des plus grands Artistes rococo, et cette peinture – qui a commencé sa vie comme une illustration de la pièce mineure de Trois cousins de Florent Carton Dancourt – était sa plus belle oeuvre et plus grandes peintures de genre du 18ème siècle.

Aller ou revenir de Cythère?

Situé sur Cythère, une île fantastique d’amour et de romance où les amoureux vont trouver leur partenaire idéal (dans la mythologie classique, Cythère était considérée comme le lieu de naissance de Vénus, déesse de l’amour), le La peinture semble indiquer la fin du voyage lorsque les amants doivent rentrer à la maison, même si cela reste sans objet: certains critiques estiment que le bateau est sur le point de partir pour Cythère. En tout état de cause, les qualités reconnues de la peinture comprennent sa structure rythmique ainsi que son sens subtil de continuité entre les groupes de personnages, la vivacité de son travail au pinceau et la belle palette de couleurs. Le paysage lointain rêveur est une autre caractéristique innovante de la peinture et témoigne de l’influence de Giorgione et Léonard de Vinci.

Watteau avait été accepté comme membre de l’Académie en 1714, mais on attendait en retour qu’il présente une image à l’Académie. Bien que son indépendance lui confère une liberté considérable dans le choix du sujet de cette pièce, son échec répété dans la soumission d’une œuvre (il était trop occupé par une ligne lucrative portrait d’art pour les clients privés) a donné lieu à plusieurs réprimandes. Un ultimatum de l’académie en janvier 1717 conduisit à l’achèvement rapide du tableau, basé sur le dessin antérieur de Francfort. En fait, il a été si bien accueilli que l’Académie a décidé d’inventer un nouveau classement: la fête galante . Ce style a exercé une influence significative sur le développement de la peinture rococo, bien qu’il soit rapidement tombé en disgrâce à l’époque de la Révolution française, lorsqu’il a été remplacé par le nouveau Peinture néoclassique.

L’âge des fêtes de cour

Sur le document attestant de l’acceptation de Watteau dans l’Académie, le titre "embarquement pour Cythere" est barré et remplacé par "La fete galante". Au cours des années précédentes, la fête galante était devenue un genre à part entière comme peinture d’histoire et nature morte. C’était un genre que Watteau lui-même avait inventé et avec lequel il s’était fait connaître. Il avait déjà réalisé plus de 50 tableaux de fêtes, dont la plupart utilisaient un format réduit, contrairement aux toiles de Cythera à Paris et à Berlin. Ils représentent tous de beaux jeunes hommes et femmes qui discutent, dansent, flirtent et font de la musique. Ils sont pour la plupart vêtus dans un style rustique ou dans les costumes de la Commedia italienne dell’arte. Dans le tableau actuel, ils portent un long bâton de pèlerin, car ils se rendent en pèlerinage dans un sanctuaire d’amour.

Toutes ces images se déroulent dans des parcs cultivés, à l’abri de tous les soucis de la vie quotidienne. C’est loin de l’environnement dans lequel Watteau a grandi: il est né en 1684 à Valenciennes, très loin de Paris, et son père était couvreur. Déterminé à être un artiste, le jeune Watteau arrive à Paris sans argent ni biens personnels en 1702. Il trouve un travail de peintre de théâtre puis avec un homme qui décore les murs des maisons de motifs décoratifs. Watteau non seulement appris sur art décoratif, mais aussi comment puiser dans les fantasmes et les désirs des amateurs de théâtre et des parisiens aisés – les goûts d’un nouvel âge.

Ce sont les années qui suivent la mort de Louis XIV, qui a régné pendant 72 ans comme le "Roi Soleil", qui a cultivé château de Versailles style artistique voué à l’auto-glorification, qui, au cours de ses dernières années, avait ruiné le pays par des guerres coûteuses et infructueuses. À sa mort en 1715, les Français poussèrent un soupir de soulagement. Le duc d’Orléans, Philippe II, devint régent au nom de l’héritier du trône âgé de cinq ans et déplaça le siège du gouvernement de Versailles dans le Paris beaucoup plus animé. Son mandat, la Régence, a duré de 1715 à 1723, années correspondant à la période d’activité principale de Watteau.

L’époque a apporté aux arts une nouvelle clientèle: des membres travailleurs des classes moyennes qui ont fait fortune dans le commerce et l’industrie. Après une période de stagnation, l’économie a explosé; le nouveau régent a instauré la paix et l’armée n’a plus englouti les richesses du pays. Lorsque l’argent a commencé à circuler plus librement, la société de classes rigide est devenue plus perméable. Les classes moyennes nouvellement riches ont copié le style de vie de l’aristocratie, se sont construites de magnifiques maisons et les ont meublées avec des produits de luxe et beaux arts – y compris des peintures à l’huile de petit format telles que celles exécutées par Watteau: fantasmes d’une vie sans soucis d’aisance.

La facilité et l’intimité s’épanouissent également dans le théâtre. C’est le dramaturge Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux (1688-1763) qu’il peignait à la peinture. Sa première comédie, jouée en 1720, s’intitule Arlequin poli par L’Amour. Il raconte l’histoire du jeune Arlequin gourmand aux doigts de beurre, qui est "poli" – autrement dit, civilisé par l’amour et enseignait la galanterie, la "noblesse d’esprit et de mœurs".

L’idée que l’amour devrait inspirer des échanges attentifs et étincelants entre les sexes trouve son écho dans Pèlerinage à Cythère de Watteau. Le peintre ne montre rien des plaisirs des sens et ne permet rien de plus qu’un contact fugitif ou délicat entre ses personnages.

Légèreté ou banalité?

Les corps des jeunes gens sont soigneusement vêtus de la dernière mode. Seules Vénus et l’essaim de putti roses sont montrés nus. Ils incarnent l’amour sensuel; Watteau utilise donc des figures de la mythologie pour indiquer le but ultime de la galanterie et du flirt.

Une statue de Vénus se tient à l’ombre des arbres, comme une déesse de la nature. Il est étrange que le peintre l’inclue dans la scène si le bateau attend de partir pour son île. Sommes-nous peut-être déjà sur l’île de Cythère, avec les pèlerins se préparant à rentrer chez eux? Bien que cette question très controversée soit probablement aussi ancienne que la peinture elle-même, il n’est pas important de savoir si nous sommes au point A ou au point B. Ce qui compte, c’est la fermeture de la distance entre les couples. Watteau documente ce processus en plusieurs étapes: certains couples ont un bras au bras, tandis que dans d’autres cas, le galant a placé son bras autour de la taille de sa bien-aimée ou sa tête sur ses genoux. Il y a des chuchotements intimes, des échanges de fleurs, et partout des putti industrieux poussent et tirent. Les peintures de Watteau célèbrent le voyage entre hommes et femmes et le désir de s’y lancer.

Comme la répétition avec laquelle Watteau a exécuté ces études de parade nuptiale, les figures de ses personnages se ressemblent toutes beaucoup. Tous semblent poudrés; les traits personnalisés sont rares. Le peintre ne s’intéresse pas aux individus, mais au fantasme collectif de la légèreté de l’amour et de la légèreté de l’être.

On peut en dire autant de Marivaux, son homologue littéraire de Watteau. Peintre et écrivain, tous deux se sont consciemment distancés des grandes tragédies de l’époque de Louis XIV, dans lesquelles le seul type d’amour jugé digne d’un traitement artistique était la grande passion qui conduisait à la catastrophe.

Ni Watteau ni Marivaux ne se sont attaqués aux graves problèmes sociaux ou philosophiques du moment, pour lesquels les deux ont été pris à la tâche. Voltaire, le grand penseur des Lumières, a dit de Marivaux ce qu’il aurait également pu dire de Watteau, à savoir qu’il avait passé sa vie «à peser des bagatelles sur des balances en toiles d’araignées». La critique, qui était censée être méchante, décrit toute la culture de la Régence, cet bref et joyeux entracte dans l’histoire de la France.

L’éducation par l’amour

La Régence n’était probablement pas plus libérale en matière d’amour physique que le régime strict de Louis XIV et la compagne fanatique de sa vieillesse, madame de Maintenon. C’était simplement que sous Louis, le libertinage n’était pas à la cour. Le régent, d’autre part, l’a adopté publiquement. Le fait que les détails les plus fins de la galanterie avaient tendance à être ignorés signifiait seulement que ceux-ci étaient encore plus bafouillés sur la scène et sur le plan artistique.

La galanterie a également dicté une partie importante de l’éducation des femmes. Les filles de l’aristocratie et de la bourgeoisie aisée n’ont appris que l’essentiel de l’écriture et du calcul, mais ont compensé cela en perfectionnant l’agilité de leur corps et de leur esprit. Ils savaient danser, jouer et chanter, utiliser un éventail et discuter d’images et de livres. C’étaient les dames qui donnaient le ton galant dans les salons et lors des fêtes, mais il leur incombait également de détourner les pulsions trop instinctives de leurs admirateurs vers des domaines plus intellectuels – en d’autres termes, de polir les personnages plus rudes. Watteau met clairement en évidence le succès de leurs efforts dans les genoux pliés, les regards tendres et la démarche délicate de ses jeunes hommes.

Watteau a été loué non seulement pour sa délicate Palette de couleurs du 18ème siècle, qui anticipe les innovations du rococo et ses riches nuances de langage corporel, qui peuvent être étudiées aussi clairement dans ce tableau. Ses contemporains l’admiraient également pour sa représentation de la Nature. Même ses paysages de parc témoignent de l’esprit de la Régence : les chemins géométriques, les parterres de fleurs et les haies des jardins du Roi-Soleil sont oubliés à Versailles. Les parcs de Watteau sont «bruts et non peignés», mais ils sont également agrémentés d’éléments artificiels, tels que des statues, des grottes et de petits temples. Le sol moussu offre un coussin moelleux; il n’y a ni vent ni pluie, et peu de signes des saisons. Ce sont des salons tenus dans une nature intacte et amicale, un cadre idéal pour les repas d’évasion.

On ne sait pas avec certitude si Watteau a déjà participé à une fête galante. Il est possible, mais pas certain, qu’il ait reçu des invitations occasionnelles à assister à de telles fêtes de la part d’un financier extrêmement riche appelé Crozat. Il est peu probable que le fils du couvreur des provinces se serait senti à l’aise dans une telle entreprise. Il est invariablement décrit comme difficile par ses contemporains, étant agité, morose, impatient et timide. Même son succès est devenu un fardeau pour lui. Il se cachait loin des riches collectionneurs qui s’intéressaient maintenant à son travail, changeait de logement à plusieurs reprises et ne souhaitait plus – comme le disait un ami – mener une vie tranquille. Dans cette retraite volontaire, il s’est entièrement consacré à son travail. Il est décédé en 1721 à l’âge de 36 ans – on présume des effets d’un empoisonnement au plomb. Il a utilisé du plomb pour mélanger ses peintures.

La commission berlinoise

Watteau a probablement peint la version berlinoise du pèlerinage à Cythère pour le collectionneur Jean de Jullienne; la peinture était certainement dans la collection de ce dernier en 1733, lorsqu’il en fit graver une gravure. Comme Crozat, Jullienne était un représentant typique de la nouvelle bourgeoisie: fils d’un marchand de drap, il a fait fortune en tant que fabricant de teintures pour textiles. Il devint le directeur d’un teinturier et, en 1736, fut élevé à la noblesse.

Jullienne était parmi les premiers clients de Watteau et possédait au moins 40 de ses œuvres. Mais s’il investissait ainsi dans le peintre, il en tirait également un bon profit grâce à gravure Dans les années 1730, il fait graver au cuivre toute une série de tableaux de Watteau, les lie à des livres et les vend. En popularisant les œuvres de Watteau de cette manière, il a augmenté la valeur des originaux, qu’il a ensuite pu vendre pour un profit considérable. Jullienne était sans aucun doute un homme riche, mais il travaillait dur pour son argent. Il se levait tous les jours, même en hiver, à 5 heures du matin et ne devait avoir que peu de temps pour les oisifs amoureux que Watteau décrivait.

Rachetée par des amateurs d’art allemands

En 1983 et 1984, une boîte à offrandes était placée devant l’un des tableaux les plus populaires de Berlin. Les habitants de la ville ont été invités à faire un don pour que le pèlerinage d’ Antoine Watteau à Cythère reste au palais de Charlottenburg. L’œuvre n’avait été prêtée que par son propriétaire, le prince Louis Ferdinand de Prusse, qui souhaitait maintenant le vendre au prix de 15 millions de DM. Pour tenter d’empêcher le précieux tableau d’aller à l’étranger, Bonn et Berlin ont promis chacune 5 millions de DM si le tiers restant pouvait être collecté grâce à des dons privés. Les citoyens de Berlin fouillèrent profondément dans leurs poches et payèrent ainsi une seconde fois un tableau acheté à l’origine par le roi de Prusse Frédéric II – avec les thalers perçus en impôts auprès des citoyens de Prusse.

Interprétation d’autres peintures du XVIIIe siècle

Pour en savoir plus sur l’art rococo du XVIIIe siècle, consultez les ressources suivantes: