Dîner à Emmaüs, Caravaggio: analyse, interprétation Automatique traduire

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La description

Artiste : Caravage (1571-1610)
Medium : huile et tempera sur toile
Genre : Peinture d’histoire illustrant une histoire biblique
Mouvement : Caravagisme
Lieu : National Gallery, Londres.

Signification des images
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La brève carrière de Michelangelo Merisi da Caravaggio est devenue un tournant dans le monde. histoire des arts. Sa vie courte et violente nous livre une histoire à la fois sensationnelle et dramatique et, quatre siècles plus tard, son style unique de La peinture continue d’exiger notre attention. Pour plus d’informations sur le style de Caravaggio, voir: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle.

Le Dîner à Emmaüs – un thème populaire dans Art chrétien – représente l’histoire racontée dans l’Évangile de Saint Luc quand, après la crucifixion, deux des apôtres du Christ invitent un étranger apparent, qu’ils viennent de rencontrer, à partager leur repas avec eux. Quand il bénit et rompt le pain, ils réalisent que leur invité est en fait le Christ ressuscité. Saint Luc nomme l’un des apôtres comme Cléophas, mais il n’identifie pas l’autre. "Et leurs yeux étaient ouverts et ils le connaissaient et il disparut de leur vue." Derrière eux, l’aubergiste bâille sans comprendre.

Caravaggio a choisi de représenter un moment précis, à savoir cette fraction de seconde après que les deux apôtres se sont rendus compte qu’ils assistaient à un miracle de pouvoir inimaginable. Il gèle ce moment, le rend permanent et nous permet de prendre notre temps, de considérer le miracle et de faire l’expérience par nous-mêmes de la sensation de choc et d’étonnement ressentis par les deux apôtres.

Il n’est pas certain pour qui Caravaggio a peint son repas à Emmaüs, mais nous savons qu’il a été fabriqué à Rome, probablement en 1602, à l’apogée de la contre-réforme. Le Concile de Trente, créé pour lutter contre la menace persistante du protestantisme, avait déclaré en 1563 "qu’à travers les récits des mystères de notre Rédemption, représentés par des peintures ou d’autres représentations, le peuple est instruit et confirmé dans l’habitude de se souvenir et revoyant continuellement dans les articles de foi… aussi parce que les miracles que Dieu a accomplis sont placés devant les yeux des fidèles, afin qu’ils puissent rendre grâce à Dieu, et qu’ils soient enthousiastes à l’idée d’adorer et d’aimer Dieu et de cultiver la piété. "

C’est un moment où l’Eglise a fortement ressenti le besoin de communiquer son message directement aux fidèles, par le biais de art religieux, et exigeait des artistes une clarté de représentation particulière. S’il te plait regarde: Art de la contre-réforme catholique (c.1560-1700) pour plus de détails. Afin de se conformer à cette directive, Maîtres Anciens devait être, avant toute chose, réaliste. Le réalisme de Caravaggio a donc été conçu sur mesure pour le Art biblique du temps. C’était un peintre dont la immédiateté et l’immédiateté contrastaient parfaitement avec l’élégance sophistiquée et l’artifice de la fin du XVIe siècle (voir par exemple l’œuvre de Annibale Carracci 1540-1609), et le style d’art connu sous le nom Maniérisme. Enlever les prétentions de la fin Peinture maniériste, qui n’avait été apprécié et compris que par une élite éduquée, il s’est attaché à peindre la simplicité et l’impact immédiat réclamés par les autorités ecclésiales.

Caravaggio investit son peintures religieuses avec un sentiment de drame puissant au moyen de sa manipulation de la lumière et de l’ombre ) clair-obscur ). "Il n’a jamais mis ses personnages à la lumière du jour", écrit Bellori, un écrivain du XVIIe siècle sur l’art, "mais les place dans l’atmosphère sombre et sombre d’une pièce fermée, en utilisant une lumière haute qui descend verticalement sur les parties principales des corps, en laissant le reste dans l’ombre, afin de donner de la force à travers un fort contraste de lumière et d’obscurité. " La «salle fermée» mentionnée par Bellori est une caractéristique de nombreuses œuvres de Caravaggio. (Voir également: ténébrisme.) Un siècle environ avant, pendant l’ère de Art de la Renaissance, l’une des principales préoccupations des artistes était la peinture de distance ou perspective linéaire. Pour les artistes de la Renaissance, la surface de l’image, en l’occurrence un morceau de toile, marquait une barrière entre le monde peint et le monde réel. Le monde réel, notre monde, existe de ce côté de la toile, tandis que derrière elle pourraient être représentés des saints et des apôtres de la Renaissance, jouant leurs histoires pour que nous puissions les observer, mais ne jamais y entrer.

Caravaggio a pris la décision de contester cette convention et de supprimer la notion de distance dans ses peintures en plaçant ses personnages contre un mur qui ne semble pas plus que quelques pieds derrière la surface du tableau. Au lieu d’organiser ses personnages dans un espace d’image lucide et expansif, il les rassemble et les force à avancer. Caravaggio ne veut pas que ses personnages existent derrière la toile; c’est comme s’il souhaitait faire l’impossible et les projeter physiquement à travers cette toile et dans notre propre espace.

La main tendue de l’apôtre à la droite du spectateur semble presque toucher la toile elle-même, de l’intérieur de la photo. (Voir aussi la technique de raccourcir.) Le coude de l’autre apôtre a l’air de s’être déchiré à travers la toile, une idée que Caravaggio souligne par le moyen de déchirer le coude de la veste que porte la figure. Enfin, la corbeille de fruits, équilibrée de manière précaire au bord de la table, semble n’avoir besoin que du moindre coup de pouce pour l’envoyer renverser et renverser son contenu sur le sol. Et ce sol n’est plus le sol de la photo; mais le sol réel dans le monde réel, dans notre propre espace. Caravaggio fait tomber la barrière traditionnelle entre ce qui est réel et ce qui est peint et transforme une scène du passé en quelque chose qui se passe maintenant, sous nos yeux.

La nouvelle atmosphère religieuse à Rome était parfaitement adaptée pour répondre au vif trompe l’oeil illusionnisme du travail de Caravaggio. Les exercices spirituels de saint Ignace de Loyola ont exhorté le croyant à faire appel aux cinq sens pour contempler le message chrétien. Les fidèles ont été encouragés non seulement à apprendre les histoires racontées dans les peintures religieuses, mais à s’imaginer en train de participer physiquement à ces histoires et de vivre les mêmes expériences que les personnages représentés. En poussant ses personnages et ses natures mortes dans le monde du spectateur, Caravaggio fournissait exactement le genre de art voulu par l’église à une époque de fervente piété de la Contre-Réforme.

Mais pour beaucoup, le réalisme de Caravaggio est allé trop loin. En 1602, il peint un saint Matthieu pour l’église de San Luigi de Francesi à Rome. Il montrait le saint aux pieds nus assis, les jambes croisées, de manière à faire ressortir un pied de l’image. La commission a été rejetée, selon Bellori, car les prêtres ont déclaré que "la figure n’avait pas de décorum". Apparemment, les prêtres ne voulaient pas avoir un pied nu et sale, si saint soit-il, et Caravaggio a dû peindre une deuxième version dans laquelle le saint s’agenouilla, gardant poliment les pieds pour lui-même.

Le souper à Emmaüs a fait l’objet de critiques similaires, notamment de Bellori. "Outre le caractère rustique des deux apôtres et du Seigneur montré jeune et sans barbe, Caravaggio montre à l’aubergiste le servant avec un chapeau sur la tête. Sur la table se trouve une corbeille de raisins, de figues et de grenades, hors saison."

Le «manque de décorum» était une critique souvent adressée au Caravage. Sa tendance à montrer que les apôtres étaient sales, déguenillés et négligés risquait toujours de choquer, comme le montre l’histoire de saint Matthieu rejeté. La préoccupation de Bellori selon laquelle l’aubergiste sert Christ avec un chapeau sur la tête représente une prudence similaire, et sa critique selon laquelle la corbeille de fruits est montrée «hors saison» révèle un désir rigoureux de représentation exacte des récits évangéliques. Après tout, la résurrection est célébrée à Pâques, au printemps, et le Caravage a choisi des fruits d’automne.

Le choix du fruit sur la table est cependant certainement délibéré; pour combiné avec les autres articles sur la table, il a une signification symbolique. La pomme, pourrie ici, est bien sûr un symbole de la tentation et de la chute de l’homme. La venue du Christ est symbolisée par le faisceau de lumière réfléchi par la cuve en verre sur la nappe, qui peut être compris comme un symbole de la naissance virginale – la lumière pénètre dans le verre sans le briser – et le pain est facilement reconnaissable en tant que symbole de le corps du Christ, l’Incarnation. Enfin, le sacrifice du Christ est symbolisé par les raisins critiqués par Bellori. Les raisins sont la source du vin, qui devient, à l’eucharistie catholique romaine, le sang du Christ. En conséquence, Caravaggio a utilisé la corbeille de fruits pour souligner et renforcer le sens de l’histoire qu’il peint.

Caravaggio est né dans le nord de l’Italie et est arrivé à Rome en 1592, à l’âge de 21 ans. Il a passé ses premières années dans la pauvreté et ses plus anciennes peintures connues représentent des personnages individuels avec des natures mortes. Dans les années 1590, il fut emmené par le cardinal Francesco del Monte, chez qui il habitait. Le cardinal et ses amis ont fourni un marché tout prêt pour ces peintures, dont un bel exemple se trouve également à la National Gallery de Londres, Le garçon mordu par un lézard.

En 1602, date approximative de la Cène à Emmaüs, il s’était acquis une réputation de réaliste puissant et dramatique, mais son style de vie suscitait une attention égale et ne suscitait pas la moindre controverse. En octobre 1600, il avait été arrêté lors d’une bagarre dans la rue. en février 1601, il avait attaqué et blessé un soldat. Il apparaît régulièrement dans les registres de la police pour des bagarres et des agressions, pour avoir endommagé les biens de sa logeuse, pour le non-paiement du loyer et pour diverses querelles qui se sont soldées par des actes de violence. En mai 1605, il fut arrêté pour possession d’un poignard et d’une épée sans permis. Des événements similaires se produisirent jusqu’à sa fuite de Rome au printemps 1606, après avoir assassiné un adversaire lors d’une autre bagarre de rue. Le style de vie de Caravage n’est pas celui que nous associons à un peintre de peintures religieuses, et beaucoup de ses amis et connaissances semblent avoir été tirés des tavernes de la basse vie romaine. Ce sont probablement ces personnages qu’il a utilisés comme modèles dans sa peinture. Rejeter les notions traditionnelles de préliminaire esquisse et études de composition, Caravaggio a travaillé directement sur la toile, préparant la scène devant lui presque comme une sorte de tableau vivant et se comportant, on se l’imagine, comme un metteur en scène de théâtre, demandant à ses modèles comment s’asseoir et quelles attitudes devaient tenir.

Pour le vingtième siècle, il s’agit d’une histoire compulsive d’un homme vivant dans deux mondes, partageant le raffinement sophistiqué du cardinal del Monte et de son entourage, tout en étant attiré par une sorte de monde inférieur romain du XVIIe siècle, un monde de misère et la violence. Il n’est guère surprenant que ses peintures, bien qu’obéissant apparemment aux exigences du réalisme de la Contre-Réforme, aient souvent offensé. Dans un tableau représentant la mort de la Vierge, il est réputé avoir utilisé comme modèle pour la Vierge Marie le corps boursouflé d’une prostituée morte. Son travail est indéniablement saisissant et son effet sur la prochaine génération d’artistes a été immédiat, du Rubens (1577-1640) et Rembrandt (1606-1669) en Europe du Nord, à Velazquez (1599-1660) et Zurburan (1598-1664) en Espagne.

Pour Bellori, il y avait d’excellentes raisons qui expliquaient pourquoi tant d’artistes italiens avaient adopté son style. "De nombreux artistes adorent ses manières et l’acceptent volontiers, car cela leur permet, sans étude ni effort, de faire des copies faciles après la nature et d’imiter des formes vulgaires et sans beauté."

Comme tant du meilleur art moderne de toute période historique, le Caravage Peinture baroque a attiré les critiques pour ne pas être quelque chose qu’il n’a jamais voulu être. Son manque d’idéalisme, malgré l’appel de l’église, était perçu comme vulgaire. On croyait que son imitation de la nature était dépourvue de ces qualités intellectuelles qui étaient nécessaires à de nombreuses personnes pour empêcher l’art de devenir une imitation simplement aveugle. Pour plus de détails sur les contemporains du Caravage, voir: Artistes baroques italiens.

En dépit de ces critiques, le Caravage a continué d’être très demandé. Il a reçu d’importantes commissions à Malte, en Sicile et à Naples, lieux qui lui ont fourni un refuge durant sa période de fugitif. Il mourut à Porto Ercole en 1610, peu après que le pape lui eut accordé une absolution spéciale de son crime et qu’il put retourner à Rome en homme libre. Le pardon gratuit pour meurtre indique à quel point ses peintures valaient à l’Église. Certains sentiments raffinés du XVIIe siècle ont peut-être été bouleversés par les assauts directs du Caravage contre les sens, mais, dans la mesure où ils communiquent leurs récits avec force et force, ses peintures sont aussi valables aujourd’hui que pour leur public d’origine.

NOTE: Caravaggio a produit une deuxième version plus modérée de ce tableau cinq ans plus tard.