Figure dessin: techniques, histoire Automatique traduire
Pour en savoir plus sur le dessin, à la craie, au crayon, au fusain, aux pastels, à la plume et à l’encre, découvrez l’art de dessin et l’art de esquisse.
Qu’est-ce que le dessin?
Le terme «dessin de figure» désigne généralement la classe d’instruction (appelée «dessin de vie» ou «classe de vie») enseignée dans de nombreuses académies et écoles de beaux-arts, telles que Ecole des Beaux-Arts à Paris, au cours desquels les étudiants étudient et dessinent un modèle vivant assis devant eux.
Cette méthode classique de art figuratif est considéré comme le meilleur moyen pour les peintres et les sculpteurs en herbe d’acquérir l’habileté de dessiner le corps humain et de maîtriser sa ligne, sa forme et sa profondeur. En comparaison, copier la figure humaine à partir de photographies ou de mémoire est traditionnellement considéré comme inférieur par la plupart des professeurs d’art. (Voir également: Dessins au crayon aussi bien que Dessins Fusain et Dessins à la plume.)
Le dessin reste le fondement de tous les types d’art, y compris La peinture et sculpture, aussi bien que architecture. Autre types d’art qui bénéficient d’un bon dessin figuratif, comprennent: illustration et manuscrits enluminés, aussi bien que art de la caricature et des dessins animés.
Figure Techniques de dessin: raccourcir
La plupart des étudiants en art, et même des artistes professionnels, feront presque tout pour éviter de dessiner des figures en mouvement. Un personnage en mouvement est un personnage en train de se déplacer d’un point A à un point B. Il peut s’agir de courir, de tirer, de pousser ou de saisir un torse qui se tord et se plie et des bras qui atteignent envoient une vague de panique à travers les cours d’art. Pourquoi? Parce que dessiner un corps en mouvement présente bien plus de défis techniques qu’un corps statique enraciné au sol. Pour être convaincant, l’artiste doit effectuer avec habileté une pondération correcte (quelle jambe porte le poids du mouvement?) Et une action musculaire (quels muscles sont tendus et lesquels semblent détendus). Il devra également déterminer le rapport directionnel des membres entre eux. De plus, nous avons le problème de raccourcir : c’est-à-dire la distorsion dimensionnelle d’un membre plus proche du spectateur (un membre par exemple peut atteindre le spectateur pendant que l’autre est projeté en arrière dans la direction opposée).
Encore plus difficile est de dessiner une figure en mouvement en utilisant un raccourci profond. C’est-à-dire un chiffre vu d’en haut ou d’en bas. Vu de dessous, par exemple, le menton et le nez sont la forme dominante; d’en haut, la forme en dôme de la masse crânienne devient dominante. Lorsqu’il s’agit de dessiner une figure en mouvement, le torse est d’une importance capitale. Parce que tout mouvement du torse jettera les jambes, la tête et les bras hors de leur relation précédente et dans une nouvelle. Le moindre mouvement des côtes déplace immédiatement la tête et les bras. Une aide au dessin importante est ce que l’on appelle la ligne médiane. C’est une ligne imaginaire qui traverse le corps. Cela aide l’artiste à maintenir les relations entre les différentes parties du corps en alignement. Après le torse, les jambes revêtent une importance capitale (plus que les bras) car elles expriment poids et tension. S’ils ne sont pas restitués correctement, ils donnent au dessin une apparence instable et peu convaincante. Le bon positionnement des pieds et des chevilles pour soutenir les jambes est également essentiel. Les armes sont de troisième importance. Bien que les mouvements des bras ne provoquent pas de grands déplacements du torse ou des jambes, ils sont capables de réaliser une vaste gamme de mouvements uniques. Ils devraient toujours être considérés comme une seule unité, jamais individuellement rendus. Les artistes apprennent à visualiser une ligne imaginaire allant d’un bras à la clavicule et jusqu’à l’autre bras.
Dessiner une figure en mouvement avec précision est une compétence hautement technique, qui a toujours été pratiquée par certains des plus grands Maîtres Anciens de notre époque, y compris Michel-Ange, Tintoret et Léonard de Vinci.
Que se passe-t-il dans une classe de dessin de la vie?
Également appelée Life Drawing, la plupart des cours de dessin comprennent le dessin d’un modèle nu. Sans vêtements, le modèle peut être rendu de façon intemporelle. (Voir également Nus femmes.) Dépourvus de culture et de lieu dans le temps, il n’ya aucune différence entre les figures dessinées aujourd’hui et celles créées dans une salle de classe de la Renaissance. La figure nue, en fonction de la pose et de l’habileté artistique, peut suggérer tous les aspects de l’humanité, du pathétique au narcissique ou à l’héroïque. Si vous assistez à un cours de dessin, vous participez à une tradition centenaire, voire millénaire. La structure de votre classe dépendra du lieu et de la personne offrant le cours. Certains enseignants préfèrent laisser les élèves créer leurs propres croquis, offrant des conseils ou des corrections au fur et à mesure de l’avancement des travaux. D’autres enseignants adoptent une approche plus pédagogique – d’abord, avant d’encourager les élèves à essayer. Cette dernière approche est plus appropriée pour les étudiants débutants.
Cours de dessin typique
Vous trouverez ci-dessous un aperçu d’un cours de dessin de figures en six étapes. Pendant le cours, une variété de supports peut être utilisée pour représenter le corps du modèle, notamment: crayon, plume et encre, fusain, crayon, pastel, craie ou techniques mixtes, bien que le crayon soit l’outil classique. (Voir également: Dessins au crayon aussi bien que Dessins Fusain et Dessins à la plume.)
Étape 1
Les proportions de base du corps humain et la façon dont toutes les parties sont liées les unes aux autres.
Étape 2
Dessiner un modèle vivant sous forme 3D, saisir les mesures et la ligne médiane.
Étape 3
Créer une silhouette convaincante et apprendre à dessiner la tête, le torse, les jambes et les bras avec précision.
Étape – 4
Continuez à pratiquer la figure humaine, en ajoutant également des tons et des nuances pour un modelage et un casting d’ombres plus convaincants.
Étape 5
Entraînez-vous à dessiner les mains et les pieds sous différents angles et travaillez vos techniques de modélisation et de rendu.
Étape 6
Créez des dessins finis prêts pour une exposition de groupe ou pour votre portfolio.
Histoire du dessin
Les premiers dessins connus de figures humaines ont été créés dans le cadre de la tradition préhistorique peinture rupestre, à partir d’environ 17 000 ans avant notre ère, en France et en Australie. En France, on peut voir le premier dessin d’un homme – une silhouette allongée ressemblant à un bâton – dans Le puits du mort (15 000 ans avant notre ère) à Grotte de Lascaux en Dordogne De l’autre côté du monde, des formes humaines sont apparues pour la première fois dans la région de Kimberley en Australie occidentale. Connu comme "The Bradshaws", ce style unique de art aborigène, âgé d’au moins 17 000 ans, est constitué de bâtons en bâtons (jusqu’à 6 pieds de hauteur) dessinés dans les moindres détails avec des proportions anatomiques précises. Bien que les animaux soient dessinés de façon très vivante, les dessins humains du Paléolithique restent rigoureusement non naturalistes. Ce n’est que vers la fin du mésolithique (environ 6 000 ans av. J.-C.) que nous voyons des images plus naturelles d’humains. Cependant, le fait que ces dessins d’hommes d’allumettes aient survécu est un miracle et doit beaucoup au fait que les artistes ont dessiné sur du rock.
Art ancien des premières civilisations de l’Antiquité (Mésopotamie, Egypte ancienne, Grèce, Perse, Rome) contenaient également des dessins d’humains, mais ils étaient généralement dessinés sur des supports moins résistants aux intempéries, tels que le papyrus ou des panneaux de bois, et peu ont survécu. La statuaire et la sculpture en relief sont les seules formes d’art figuratif ayant survécu à l’Antiquité. Les sculpteurs de la Grèce antique ont néanmoins réussi à inspirer les générations suivantes de tailleurs de pierre, de peintres et de dessinateurs. (Voir également: Art grec.) Ils ont notamment défendu l’idée que le corps humain était le sujet idéal pour un travail de art : un point de vue repris et développé par les maîtres du monde Renaissance italienne, notamment Leonardo, Michelangelo et Raphael. Pour leur influence, voir aussi le Renaissance classique dans l’art moderne (1900-30).
Renaissance italienne: l’âge d’or du dessin
Ce sont ces trois artistes en particulier qui ont fait du dessin – ou disegno – respectable, puisque jusque-là il avait été considéré comme un simple travail de conception préparatoire – plutôt que comme une forme indépendante beaux arts – ou, il était simplement utilisé pour enregistrer et copier des œuvres d’art finies, y compris des peintures et des statues. La disponibilité plus large de papier après 1550 signifiait également que les dessins pourraient être plus facilement produits et rassemblés. Léopold de Médicis et Giorgio Vasari ont tous deux constitué une grande collection de croquis (Medici avait amassé 12 000 dessins en 1689). La période de la Renaissance (environ 1400-1600) a incontestablement représenté l’apogée du dessin en tant que forme d’art. Les apprentis d’atelier travaillant pour des peintres, des sculpteurs et des orfèvres ont assimilé les principes de base de l’esquisse: travailler avec la pointe sèche et la pointe métallique sur des tablettes de cire, avant de passer à des supports plus coûteux, tels que la craie ou le fusain.
Léonard de Vinci (1452-1519)
Leonardo était un maître de l’anatomie humaine topographique, exécutant un grand nombre d’esquisses détaillées de muscles, tendons et autres caractéristiques anatomiques. Il avait l’intention de publier ses dessins dans un traité d’anatomie, mais à sa mort en 1519, les dessins restèrent inédits dans ses papiers privés. Leur signification a été perdue pour le monde pendant 400 ans, mais on peut aujourd’hui la voir dans Collection d’art royal britannique à la galerie de la reine, Buckingham Palace. Il s’est efforcé de dépeindre la nature universelle de l’homme. Parmi ses dessins, il mentionne «la joie avec différentes manières de rire», ainsi que la «cause du rire». Il s’est efforcé de capturer les différents mouvements de mise à mort, de «fuite, peur, férocité, audace» ainsi que de «pleurer de différentes manières». Non content de représenter la figure humaine à l’extérieur, Leonardo voulait savoir ce qui les faisait vibrer à l’intérieur. Dans les années 1500, la peste noire a sévi en Europe et l’artiste a profité de l’occasion pour disséquer le plus de cadavres possible. Il était probablement l’un des premiers artistes à avoir dessiné avec précision le système reproducteur humain. Parmi les autres chefs-d’œuvre de Leonardo, citons: Head of Girl, (étude pour Vierge des Rochers 1483) exécutée à la pointe d’argent sur du papier brun clair; Cinq têtes grotesques (1494), dessin à la plume et à l’encre.
Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo était également un dessinateur, dessinateur et exposant prolifique de l’art figuratif. Après la mort de Raphaël en 1520, il domina Art de la Renaissance pendant encore 40 ans. Son intérêt principal était le nu masculin et il a sans cesse esquissé des figures dans différentes poses pour tenter de dissimuler l’essence de leur esprit. Il a effectué de nombreuses études préliminaires pour ses deux sculptures, Pieta et David, ainsi que des copies de croquis pour son monument Fresque de la genèse (1508-12) et Fresque du Jugement dernier (1536-1541), peint au plafond et sur le mur d’autel de la chapelle Sixtine. (Voir aussi: le Création d’Adam.) Les autres dessins de Michelangelo englobent des œuvres à la plume, à la plume et au lavis, au fusain ainsi qu’aux craies rouges et noires. Il n’a jamais eu l’intention d’exposer la plupart de ses dessins en public et en aurait été horrifié. Les biographes supposent que c’était peut-être parce qu’il souhaitait dissimuler le travail de préparation qu’il avait effectué pour ses œuvres majeures. En fait, juste avant sa mort, il a brûlé beaucoup de ses dessins. Son dessin Tityus (1533, Collection royale, Château de Windsor) constitue peut-être une exception. Tityus était un cadeau et l’un des premiers dessins à être considéré comme une œuvre d’art à part entière.
Raphaël (Raffaello Santi) (1483-1520)
Raphaël, un autre maître de l’anatomie humaine, commençait souvent sa figure en dessinant un dessin au-dessous à l’aide d’un stylet. La pointe tranchante de cet instrument a laissé de faibles impressions sur la surface du papier. Il a ensuite dessiné à la craie rouge sur les impressions quand il était satisfait du contour. Son étude sur la sibylle phrygienne (1511, British Museum) en est un exemple. Cette figure féminine porte une draperie classique et a des bras et des jambes très masculins (elle a probablement été dessinée à partir d’un modèle masculin). De nombreux dessins de Raphaël sont finis à un degré élevé, avec des rehauts et des ombrages blancs. Il s’est souvent appuyé sur des dessins pour peaufiner ses poses et, à en juger par le grand nombre de dessins survivants, il était plus prolifique que Michel-Ange et Léonard dans ce domaine.
Les plus grands représentants du dessin de la Renaissance
Dessin de médium utilisé par des artistes de la Renaissance
Voici quelques exemples de médias utilisés dans Dessins de la Renaissance et des croquis pour obtenir des effets précis.
La craie rouge était un autre moyen de dessin populaire à l’époque de la Renaissance, car c’était le support de choix pour les esquisses nues en raison de sa malléabilité et de sa capacité à représenter la chair humaine.
Dessins modernes de la figure humaine
Depuis la Renaissance, presque tous les courants artistiques, y compris le baroque, le rococo, le néoclassicisme, le réalisme, l’impressionnisme et l’expressionnisme, ont présenté des artistes extrêmement talentueux en matière de dessin et qui ont exécuté des dessins dans une grande variété de médias. Voici une petite poignée de grands dessinateurs avec des exemples de leurs travaux.
Albrecht Durer : Madone avec beaucoup d’animaux (1503, Albertina, Vienne)
Rembrandt : Un artiste dans un studio (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Enlèvement des Sabines (1634, Met Museum NYC)
Watteau : Étude pour L’Indifferent (1710, Rotterdam)
François Boucher : Vertumnus et Pomona (1760–1770, Met Museum NYC)
Jacques-Louis David: Nu masculin (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Les trois frères Horatii (1785, Musée Bonnat)
Pierre-Paul Prud’hon: Nu féminin assis (c.1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Trois hommes qui creusent (1800), Prado
Edouard Manet: Deux Religieux Agenouilles (1857, Musée d’Orsay)
Honoré Daumier : Discussion littéraire en deuxième classe (1864, Le Charivari)
Honoré Daumier: La voiture de troisième classe (1864, Walters Art Museum)
Edgar Degas : Danseuse ajustant son pantoufle (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas: Femme se baignant dans un bain peu profond (1885, Musée d’Orsay)
Edgar Degas: Blue Dancers (1899, Musée des Beaux-Arts Pouchkine)
Edgar Degas: Les danseurs (1899, Toledo Museum of Art)
Henry Moore: Femmes assises dans le métro (1941, Tate)
Francis Bacon : Turning Figure (1959-1962, Collection Tate)
Combien vaut un dessin?
Ce n’est qu’un croquis sur papier, non? Que peut-il vraiment valoir? Eh bien, en 2012, un dessin d’une tête d’homme intitulé Tête d’un jeune apôtre (1519) de Raphaël a été vendu aux enchères pour un montant record de 29, 7 millions de livres sterling, dépassant ainsi les estimations d’avant vente de 10 à 15 millions de livres sterling.
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