Figure dessin: techniques, histoire Automatique traduire

Le terme «dessin de figure» désigne généralement une classe d’étude (dessin d’après nature) enseignée dans de nombreuses académies et écoles des beaux-arts, comme l’École des Beaux-Arts de Paris, au cours de laquelle les étudiants étudient et dessinent un modèle vivant assis devant eux.

Cette méthode classique des beaux-arts est considérée comme la meilleure façon pour les aspirants peintres et sculpteurs d’acquérir la compétence de dessiner le corps humain et de maîtriser ses lignes, ses formes et sa profondeur. En comparaison, copier la figure humaine à partir de photographies ou de mémoire est traditionnellement considéré par la plupart des professeurs d’art comme inférieur. (Voir aussi : Dessins au crayon, ainsi que Dessins au fusain et Dessins à la plume et à l’encre .)

Le dessin reste la base de tous les arts visuels, y compris la peinture et la sculpture, ainsi que l’architecture . D’autres arts qui bénéficient d’un bon dessin figuratif comprennent : l’illustration et les manuscrits enluminés, ainsi que l’art de la caricature et les dessins animés.

Techniques de dessin de la figure : le raccourcissement

La plupart des étudiants en art et même les artistes professionnels ont tendance à faire de leur mieux pour éviter de dessiner des figures en mouvement. Une figure en mouvement est une figure qui se trouve au milieu de l’action, se déplaçant d’un point A à un point B. Elle peut courir, tirer, tirer ou tirer sur un objet. Elle peut courir, tirer, pousser ou saisir. Les torses qui se tordent et se plient et les bras qui se tendent provoquent des vagues de panique chez les élèves de la plupart des cours d’arts plastiques. Pourquoi? Parce que dessiner un corps en mouvement présente bien plus de difficultés techniques qu’un corps statique attaché à un endroit.

Pour être convaincant, l’artiste doit habilement rendre le poids correct (quelle jambe porte le poids du mouvement?) et le travail musculaire (quels muscles sont tendus et lesquels ont l’air détendus). Il doit également déterminer la direction des membres l’un par rapport à l’autre. En outre, il y a le problème du raccourcissement : c’est-à-dire la déformation de la taille du membre le plus proche de l’observateur (par exemple, un membre peut être tendu vers l’observateur tandis que l’autre est lancé dans la direction opposée).

Pour en savoir plus sur le dessin à la craie, au crayon, au fusain, au pastel, à la plume et à l’encre, voir l’art du dessin, et l’art du croquis .

Plus difficile encore est le dessin d’une figure en mouvement en perspective profonde. C’est-à-dire une figure représentée par le haut ou par le bas. Par exemple, vu d’en bas, les formes dominantes sont le menton et le nez ; vu d’en haut, la forme dominante est la forme bombée du crâne. Lorsqu’il s’agit d’esquisser une figure en mouvement, le torse est d’une importance capitale. En effet, tout mouvement du torse fait sortir les jambes, la tête et les bras de leur relation antérieure pour en créer une nouvelle. Le moindre mouvement des côtes déplace immédiatement la tête et les bras.

Une aide importante pour le dessin est ce qu’on appelle la ligne médiane. Il s’agit d’une ligne imaginaire qui traverse le corps. Elle aide l’artiste à maintenir les différentes parties du corps en relation les unes avec les autres. Après le torse, les jambes sont d’une importance capitale (dans une plus large mesure que les bras) car elles expriment le poids et la tension. Si elles ne sont pas correctement représentées, le dessin semble instable et peu convaincant.

La position correcte des pieds et des chevilles qui soutiennent les jambes est également très importante. Les mains viennent en troisième position. Bien que les mouvements des bras n’entraînent pas un grand déplacement du torse ou des jambes, ils sont capables d’une large gamme de mouvements uniques. Ils doivent toujours être considérés comme un tout et ne doivent jamais être représentés de manière isolée. Les artistes apprennent à visualiser une ligne imaginaire partant d’un bras, passant par la clavicule et descendant jusqu’à l’autre bras.

Dessiner avec précision une figure en mouvement est une compétence hautement technique qui a toujours été pratiquée par certains des plus grands maîtres anciens de notre époque, notamment Michel-Ange, Tintoret et Léonard de Vinci.

Que se passe-t-il dans les cours de dessin d’après nature?

Appelé aussi dessin d’après nature, la plupart des cours de dessin d’après modèle consistent à dessiner un modèle nu. Sans vêtements, le modèle peut être représenté de manière intemporelle. (Voir aussi Le nu féminin)) Culture et époque mises à part, il n’y a pas de différence entre les figures peintes aujourd’hui et celles créées dans les salles de classe de la Renaissance. La figure nue, selon la pose et l’habileté artistique, peut refléter n’importe quel aspect de l’humanité, du pathétique au narcissique en passant par l’héroïque.

Si vous suivez un cours de dessin, vous participez à une tradition vieille de plusieurs centaines, voire de plusieurs milliers d’années. La structure de votre cours dépendra du lieu et de la personne qui le dispense. Certains professeurs préfèrent laisser les élèves dessiner seuls, en leur donnant des conseils ou en les corrigeant au fur et à mesure. D’autres adoptent une approche plus pédagogique, en commençant par faire, puis en encourageant les élèves à faire des essais. Cette dernière approche est plus appropriée pour les étudiants débutants.

Un cours typique de dessin de silhouette

Voici un diagramme d’un cours de dessin typique en 6 étapes. Pendant le cours, divers supports peuvent être utilisés pour représenter le corps du modèle : crayon, plume et encre, fusain, crayons de couleur, pastels, craie ou techniques mixtes, bien que l’outil classique soit le crayon. (Voir aussi : Dessins au crayon, ainsi que Dessins au fusain et Dessins à la plume et à l’encre).

Étape 1 Les proportions de base du corps humain et les relations entre toutes les parties.

Étape 2 Dessiner un modèle vivant en 3D, comprendre les mesures et la ligne médiane.

Étape 3 Créer une silhouette convaincante et apprendre à dessiner avec précision la tête, le torse, les jambes et les bras.

Étape 4 Poursuivre l’élaboration de la figure humaine, en ajoutant également des tons et des ombres pour un modelage plus convaincant et la projection d’ombres.

Étape 5 Entraînez-vous à dessiner les bras et les jambes sous différents angles et travaillez vos compétences en matière de modelage et de rendu.

Étape 6 Création de dessins finis prêts pour une exposition collective ou un portfolio.

Histoire du dessin

Les premiers dessins connus de figures humaines ont été réalisés dans le cadre de la tradition préhistorique de l’art rupestre, à partir d’environ 17 000 ans avant J.-C., en France et en Australie. En France, le plus ancien dessin d’un être humain, une figure de bâton, se trouve dans le Val des morts (15 000 av. J.-C.) dans la grotte de Lascaux, en Dordogne. À l’autre bout du monde, des formes humaines sont apparues pour la première fois dans la région du Kimberley, en Australie occidentale. Connu sous le nom de «Bradshaw», ce style unique d’art aborigène, vieux d’au moins 17 000 ans, consiste en des personnages en bâton (jusqu’à 2 mètres de haut) dessinés dans les moindres détails avec des proportions anatomiques précises. Si les animaux sont dessinés de manière assez réaliste, les dessins humains du Paléolithique restent rigoureusement non naturalistes. Il faut attendre la fin du Mésolithique (vers 6 000 av. J.-C.) pour voir des représentations plus naturalistes de l’homme. Cependant, le fait que ces dessins d’hommes allumettes aient survécu est un miracle et doit beaucoup au fait que les artistes de l’époque esquissaient sur la pierre.

L’art ancien des premières civilisations de l’Antiquité (Mésopotamie, Egypte ancienne, Grèce, Perse, Rome) contenait également des dessins de personnages, mais ceux-ci étaient généralement réalisés sur des supports moins résistants aux intempéries tels que le papyrus ou les panneaux de bois, et peu d’entre eux ont survécu. La seule forme d’art figuratif qui ait survécu en quantité significative dans l’Antiquité est la statuaire et la sculpture en relief, bien que les sculpteurs de la Grèce antique aient réussi à inspirer des générations successives de maçons, de peintres et de dessinateurs. (Voir aussi : Art grec)) Ils ont notamment défendu l’idée que le corps humain était l’objet idéal pour une œuvre d’art : ce point de vue a été repris et développé par les maîtres de la Renaissance italienne, notamment Léonard, Michel-Ange et Raphaël. Sur leur influence, voir aussi Le renouveau classique dans l’art moderne (1900-1930).

La Renaissance italienne : l’âge d’or du dessin

Ce sont surtout ces trois artistes qui ont rendu le dessin - ou disegno respectable, car jusqu’alors il n’était considéré que comme un travail préparatoire au dessin et non comme une forme indépendante des beaux-arts ou utilisé pour simplement noter et copier des œuvres d’art achevées, y compris des peintures et des statues.

La plus grande disponibilité du papier après 1550 a également permis de créer et de collectionner plus facilement des dessins. Léopold Médicis et Giorgio Vasari ont rassemblé une vaste collection de croquis (en 1689, Médicis avait rassemblé 12 000 dessins). La Renaissance (vers 1400-1600) représente sans aucun doute l’apogée du développement du dessin en tant que forme d’art. Les apprentis peintres, sculpteurs et joailliers apprennent les bases de l’esquisse en travaillant à la pointe sèche et à la pointe de métal sur des tablettes de cire, avant de passer à des médiums plus coûteux comme la craie ou le fusain.

Léonard de Vinci (1452-1519)
Léonard était un maître de l’anatomie topographique humaine, réalisant un grand nombre de croquis détaillés des muscles, des tendons et d’autres caractéristiques anatomiques. Il avait l’intention de publier ses dessins dans un traité d’anatomie, mais après sa mort en 1519, les dessins sont restés inédits parmi ses papiers personnels. Leur importance a été perdue pendant 400 ans, mais on peut aujourd’hui les admirer dans la British Royal Art Collection dans la Queen’s Gallery, Buckingham Palace. Il s’est efforcé de représenter la nature universelle de l’homme.

Parmi ses dessins, il a répertorié «la joie, avec les différentes manières de rire», et «la cause du rire». Il s’attache à représenter les différents mouvements de la mise à mort : «la fuite, la peur, la férocité, le courage», et aussi «les pleurs sous différentes formes». Non satisfait de la représentation extérieure de l’homme, Léonard veut découvrir ce qui le fait bouger à l’intérieur. La peste noire sévit en Europe dans les années 1500, et l’artiste saisit cette opportunité en disséquant le plus grand nombre de cadavres possible.

Il a probablement été l’un des premiers artistes à dessiner avec précision le système reproducteur humain. Parmi les autres chefs-d’œuvre de Léonard, citons Tête de jeune fille, (esquisse pour Madone aux rochers 1483), exécuté à la pointe d’argent sur papier brun clair ; Cinq têtes grotesques (1494), un dessin à la plume et à l’encre.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo, est aussi un dessinateur prolifique, un croqueur et un représentant de l’art figuratif. Après la mort de Raphaël en 1520, il domine l’art de la Renaissance pendant 40 ans. Il s’intéresse principalement au nu masculin et dessine sans relâche des personnages dans diverses poses pour tenter de révéler l’essence de leur esprit. Il exécuta de nombreuses esquisses préliminaires pour ses deux sculptures maîtresses, la Pietà et David, ainsi que des copies d’esquisses pour ses fresques emblématiques Genèse (1508-12) et Jugement dernier (1536-41), peintes sur le plafond et le mur du retable de la chapelle Sixtine. (Voir aussi : Création d’Adam)

Les autres dessins de Michel-Ange comprennent des œuvres à la plume et à l’encre, à la plume et au lavis, au fusain et aux crayons rouge et noir. Il n’a jamais eu l’intention d’exposer la plupart de ses dessins en public et aurait été horrifié à l’idée de le faire. Les biographes supposent que cela pourrait être dû à son désir de dissimuler la quantité de travail préparatoire qu’il effectuait pour ses œuvres majeures. En fait, peu avant sa mort, il a brûlé un grand nombre de ses dessins. Le dessin «Titius» (1533, collection royale, château de Windsor) constitue peut-être une exception. Le Titius est un cadeau et l’un des premiers dessins à être considéré comme une œuvre d’art à part entière.

Raphaël (Raffaello Santi) (1483-1520)
Raphaël, autre maître de l’anatomie humaine, commençait souvent ses esquisses de la figure en les soulignant à l’aide d’un stylet. La pointe acérée de cet instrument laissait de légères empreintes sur la surface du papier. Il dessinait ensuite à la craie rouge sur les empreintes lorsqu’il était satisfait du contour. Un exemple est son esquisse pour «Sibylle phrygienne» (1511, British Museum).

Cette figure féminine est vêtue d’une draperie classique et possède des bras et des jambes très masculins (elle a probablement été dessinée d’après un modèle masculin). De nombreux dessins de Raphaël sont très travaillés, avec des rehauts de blanc et des ombres. Il s’appuyait souvent sur des dessins pour affiner les poses de ses tableaux et, à en juger par le grand nombre d’esquisses conservées, il était plus prolifique dans ce domaine que Michel-Ange et Léonard de Vinci.

Les plus grands représentants du dessin de la figure de la Renaissance

Pisanello (1394-1455)
Fra Angelico (c.1395-1455))
Jacopo Bellini (1400-1470)
Fra Filippo Lippi (1406-1469)
Benozzo Gozzoli (1420-1497)
Gentile Bellini (1429-1507)
Giovanni Bellini (1430-1516)
Andrea Mantegna (1431-1506)
Botticelli (1445- 1510)
Luca Signorelli (1445-1523)
Pietro Perugino (1445- 1523)
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Filippino Lippi (1457-1504)
Vittore Carpaccio (ca. 1465-1525 /6)
Fra Bartolomeo (1472-1517)
Michelangelo (1475-1564)
Lorenzo Lotto (1480-1556)
Raphael (1483-1520)
Sebastiano del Piombo (1485-? 1547)
Andrea del Sarto (1486-1530)
Titien (1485-1576)
Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)
Giulio Romano (ca. 1492-1546)
Baccio Bandinelli (1493-1560)
Pontormo (Jacopo Carrucci) (1494-1556)
Rosso Fiorentino (1494-1540)
Parmigianino (Francesco Mazzola) (1503-1540)

Les moyens de dessin utilisés par les artistes de la Renaissance

Voici quelques exemples de moyens utilisés dans les dessins et esquisses de la Renaissance pour obtenir des effets précis.

Point métallique et lavis brun sur craie noire, rehaussé de blanc sur papier rose saumon.
Point métallique rehaussé de gouache blanche sur papier gris lilas.
Pinceau et lavis d’encre brune, traces de lavis rouge, sur vélin.
Plume et lavis brun, rehaussé de blanc sur des traces de craie noire, sur papier bleu-vert.
Dessin au pinceau à la détrempe gris-brun et blanche sur lin teinté gris foncé.
Détrempe blanche et gouache brune sur pointe métallique sur papier ocre.
Craie noire, plume et encre avec lavis brun et rehauts de blanc.
Craie noire avec rehauts blancs, plume et encre grise sur papier gris-beige.
Plume et encre et léger lavis brun sur craie noire sur papier teinté rose.

La craie rouge était un autre médium de dessin populaire à la Renaissance, car c’était le médium préféré pour dessiner des nus en raison de sa malléabilité et de sa capacité à représenter la chair humaine.

Dessins modernes de la figure humaine

Depuis la Renaissance, presque tous les mouvements artistiques, y compris le baroque, le rococo, le néoclassicisme, le réalisme, l’impressionnisme et l’expressionnisme, ont compté des artistes extrêmement doués pour le dessin et qui ont exécuté des dessins sur différents supports. Voici une petite poignée de grands dessinateurs avec des exemples de leurs œuvres.

Albrecht Dürer : Madone aux nombreux animaux (1503, Albertina, Vienne)
Rembrandt : Artiste dans l’atelier (1632, Rijksmuseum)
Nicolas Poussin : Enlèvement des Sabines (1634, Metropolitan Museum of Art New York)
Watteau : Étude pour «Indifférent» (1710, Rotterdam)
François Boucher : «Vertumne et Pomone» (1760-70, Metropolitan Museum of Art New York)
Jacques-Louis David : Femme nue (1764, Louvre)
Jacques-Louis David : Trois frères Horace (1785, Musée de Bonn)
Pierre-Paul Prudon : Femme nue assise (ca. 1795-1800, Met Museum NYC)
Goya : Trois hommes creusant (c. 1800, Prado)
Edouard Manet : Deux agents religieux (1857, Musée d’Orsay)
Honoré Daumier : Discussion littéraire en seconde classe (1864, Le Charivari)
Honoré Daumier : Le wagon de troisième classe (1864, Walters Art Museum)
Edgar Degas : Danseuse corrigeant un chausson (1873, Met Museum NYC)
Edgar Degas : Femme se baignant dans une baignoire peu profonde (1885, Musée d’Orsay)
Edgar Degas : Danseuses bleues (1899, Musée des Beaux-Arts Pouchkine)
Edgar Degas : Danseuses bleues (1899, Musée des Beaux-Arts Pouchkine)

Edgar Degas. Musée des Beaux-Arts Pouchkine)
Edgar Degas : Danseuses (1899, Musée d’Art de Tolède)
Henry Moore : Femmes assises dans le métro (1941, Tate)
Francis Bacon : Turning Figure (1959-62, Tate Collection)

Combien vaut un dessin?

Ce n’est qu’une esquisse sur du papier, n’est-ce pas? Combien peut-il vraiment valoir? En 2012, une esquisse d’une tête d’homme intitulée «Tête d’un jeune apôtre» (1519) par Raphaël a été vendue aux enchères pour un montant record de 29,7 millions de livres sterling, dépassant l’estimation de 10 à 15 millions de livres sterling faite avant la vente.

DÉVELOPPEMENT HISTORIQUE
Voir : Chronologie de l’histoire de l’art .