Peinture de beaux-arts: histoire, médiums, genres Automatique traduire

Définition : forme d’expression visuelle en deux dimensions

L’art de la peinture consiste à agencer des formes, des lignes, des couleurs, des tons et des textures sur une surface à deux dimensions, créant ainsi une image esthétique. Par ailleurs, on ne peut pas dire que la variété des possibilités exclut la possibilité d’une définition plus précise. La peinture achevée peut être pleinement représentative et naturaliste, comme celle des photoréalistes (par exemple Richard Estes), ou pleinement abstraite, composée uniquement de figures géométriques (comme l’œuvre de Piet Mondrian ou de Bridget Riley), ou se situer entre les deux. En termes de genre, il peut s’agir d’une histoire narrative, d’un portrait, d’une scène de genre, d’un paysage ou d’une nature morte. Elle peut être peinte à la peinture, à l’encaustique, à la détrempe, à l’huile, à l’acrylique, à l’aquarelle ou à l’aide de l’un des nouveaux colorants modernes. Et, comme les historiens de l’art et les historiens peuvent en témoigner, il existe d’innombrables théories contradictoires sur la fonction, la conception, la hiérarchie des styles et l’esthétique de la peinture, de sorte qu’il est peut-être plus sûr de dire que les «artistes visuels» sont préoccupés par la tâche de créer des œuvres d’expression visuelle en deux dimensions, quelle que soit la manière dont ils les abordent.

Composition et conception

«Disegno» (esquisse, croquis) - le terme vient de l’art de la Renaissance, qui se traduit par une conception ou un dessin décrivant l’idée que l’artiste se fait de ce qu’il veut créer, ainsi que son exécution - la structure formelle de divers éléments combinés en un tout cohérent.

Ces éléments formels comprennent : les lignes, la forme et la masse, la couleur, le volume et l’espace, le temps et le mouvement .

(1) La ligne décrit tout, des contours de base aux bords des tons et des couleurs. Le travail de la ligne capture la relation entre les éléments et les zones adjacents ou distants de la surface colorée, et leur activité ou passivité relative.

(2) La forme et la masse sont soulignées par différentes zones de couleur, de ton et de texture, ainsi que par des détails spécifiques. De nombreuses peintures parmi les plus célèbres (par exemple «La Cène» de Léonard de Vinci) sont organisées optiquement autour de figures géométriques (ou d’un mélange de celles-ci). L’espace négatif peut également être utilisé pour souligner certains éléments d’une composition.

(3) Étant donné que l’œil humain peut identifier jusqu’à 10 millions de nuances différentes, la couleur a de nombreuses applications différentes. (Voir Colorito .) Elle peut être utilisée de manière purement descriptive - les Égyptiens utilisaient des couleurs différentes pour distinguer les dieux ou les pharaons, et pour distinguer les hommes des femmes (les hommes étaient représentés plus basanés) ou pour transmettre des messages moraux ou des humeurs émotionnelles ou pour indiquer la perspective (couleurs plus faibles pour les arrière-plans éloignés). Voir aussi : Titien et la peinture en couleurs vénitienne (1500-1576). La couleur est principalement utilisée pour représenter les effets de la lumière (voir les séries «Meules de foin» ou «Cathédrale de Rouen» de Claude Monet), tandis que de nombreux grands peintres tels que le Caravage et Rembrandt ont utilisé le contraste entre les couleurs pour obtenir un effet dramatique, en particulier dans la technique du Chiaroscuro. (voir «Veille de nuit» de Rembrandt). Pour en savoir plus : La couleur en peinture .

(4) Les éléments volume et espace se rapportent à la manière dont l’artiste crée la profondeur et les relations spatiales sur la surface plane d’une peinture. Les artistes traditionnels utilisent pour ce faire le concept de perspective linéaire, développé pendant la Renaissance florentine par Piero della Francesca et d’autres (cf. Les techniques illusionnistes de quadrature et raccourcissement), tandis que les cubistes tels que Picasso, Braque, Duchamp et Juan Gry expriment l’espace et le volume en montrant une série de plans «qui se chevauchent» du même objet, comme s’ils étaient vus simultanément à partir de perspectives différentes. Les tiers, comme les primitivistes, montrent des objets non pas en relation naturaliste les uns avec les autres, mais isolés, quel que soit l’angle sous lequel leurs traits caractéristiques ressortent le mieux - il s’agit par exemple des formes stylistiques aplaties utilisées par les anciens Égyptiens.

(5) Les éléments temps et mouvement concernent la manière dont l’œil du spectateur peut expérimenter une peinture, en termes de vitesse et de direction, à la fois pour son développement narratif (par exemple dans les grandes fresques historiques) et pour avoir une idée de son potentiel.

Interprétation de la peinture

Outre la création d’un objet visuel, l’artiste s’efforce également de lui insuffler un certain contenu intellectuel, sous la forme d’un symbolisme, d’un message moral ou social, ou de toute autre signification importante. Ainsi, le célèbre critique américain Clement Greenberg (1909-1994) a déclaré que tout grand art doit s’efforcer de créer une tension entre l’attrait visuel et la possibilité d’interprétation. L’histoire de l’art regorge d’exemples de contenu interprétatif.

Par exemple, l’art égyptien est célèbre pour son imagerie iconographique, tout comme les panneaux byzantins et les fresques de la pré-Renaissance. Les peintures de la Renaissance, comme les œuvres des maîtres anciens, tels que Botticelli, Léonard et Raphaël, ont souvent pris la forme d’œuvres allégoriques très complexes, une tradition qui s’est maintenue tout au long des époques baroque et néoclassique des XVIIe et XVIIIe siècles. Même les natures mortes, en particulier le genre de la peinture de Vanitas, étaient imprégnées d’allégorie moralisatrice. Néanmoins, la tradition s’est quelque peu essoufflée au cours du XIXe siècle, sous l’influence du romantisme, de l’impressionnisme et, dans une moindre mesure, de l’expressionnisme, avant de réapparaître au XXe siècle, lorsque le cubisme et le surréalisme l’ont pleinement exploitée. Pour plus de détails, voir : Analyses de la peinture moderne (1800-2000).

Porteurs

Encaustique

L’un des principaux supports de la peinture dans l’Antiquité, la peinture à l’encaustique, utilise la cire d’abeille chaude comme liant pour retenir les pigments colorés et leur permettre d’être appliqués sur une surface - généralement des panneaux de bois ou des murs. Elle était largement utilisée dans l’art égyptien, grec, romain et byzantin.

Fresque

Fresque signifie en italien «frais». Il s’agit d’une méthode de peinture dans laquelle les pigments sont mélangés exclusivement à de l’eau (sans liant) puis appliqués directement sur un enduit fraîchement préparé, généralement sur un mur ou un plafond enduit. Le plâtre absorbe la peinture liquide et, en séchant, retient les pigments sur et dans le mur. Des effets supplémentaires étaient obtenus par des techniques telles que le sgraffite . Les plus grands exemples de peinture à fresque sont probablement les fresques de la chapelle Sixtine de Michel-Ange - «Genèse» et «Jugement dernier», et les peintures des salles de Raphaël telles que «École d’Athènes».

Tempera

A la place de la cire d’abeille, la peinture à la détrempe utilise une émulsion d’eau et de jaune d’œuf (parfois mélangée à de la colle, du miel ou du lait) pour lier les pigments. La peinture à la détrempe a finalement été supplantée par l’huile, bien qu’elle ait persisté pendant des siècles comme méthode de peinture sur panneaux. Elle a également été largement utilisée dans la peinture médiévale pour la création de manuscrits enluminés. Pour plus d’informations sur ce genre, voir : Manuscrits gothiques enluminés (1150-1350).

Huile

Le médium dominant à partir de 1500. La peinture à l’huile utilise des huiles telles que l’huile de lin, l’huile de noix ou l’huile de pavot comme liant et agent de séchage. La popularité de la peinture à l’huile s’explique par la saturation et l’éclat accrus que l’huile confère aux pigments colorés . Elle facilite également le dessin de détails fins à l’aide de techniques telles que le sfumato, ainsi que les couleurs épaisses produites avec des couches épaisses ) impasto). Les principaux pionniers de la technique de la peinture à l’huile sont (en Hollande) les peintres flamands Hubert et Jan Van Eyck, et (en Italie) Antonello da Messina, Léonard de Vinci, et surtout les membres de l’école de peinture vénitienne, dont Giovanni Bellini et Titien.

Aquarelle et gouache

L’aquarelle, médium plutôt dynamique, développé en Angleterre, utilise des pigments solubles dans l’eau précuits avec un liant, généralement la gomme arabique. Lorsque l’aquarelle s’épaissit, devient opaque et se mélange au blanc, on l’appelle gouache . Les premiers pionniers de l’aquarelle furent Thomas Girtin et J. M. Turner. La gouache était un médium important pour beaucoup des meilleurs miniaturistes engagés dans la peinture de portraits miniatures, avant l’utilisation des émaux.

Acrylique

Le plus moderne de tous les médiums, la peinture acrylique est une peinture artificielle contenant une résine dérivée de l’acide acrylique, qui combine certaines des propriétés de l’aquarelle et de l’huile. Colorant très polyvalent, elle peut être appliquée sur presque toutes les surfaces en quantités variables, allant du lavis fin à la couche épaisse avec mastic. Elle peut donner une finition mate ou brillante et sèche très rapidement. Plébiscitée par de nombreux artistes célèbres, dont David Hockney, la peinture acrylique peut encore remplacer l’huile au XXIe siècle.

Les formes de peinture

Les peintures murales

Liées à l’art rupestre paléolithique, les fresques sont largement représentées dans les tombes, les temples, les sanctuaires et les catacombes du monde occidental antique, notamment en Étrurie, en Égypte, en Crète et en Grèce. Manquant à l’origine de profondeur», elles ont été pleinement développées en tant que support pictural pour l’art biblique au début de la Renaissance, par des fresquistes tels que Giotto (voir : Fresques de la chapelle de Scrovegni), et plus tard par Masaccio, Fra Angelico, Raphael et Michel-Ange. La décoration intérieure étant de plus en plus dominée par les vitraux et les tapisseries, la peinture à fresque perd de sa popularité, bien que de nouvelles formes d’utilisation de cette technique apparaissent aux 19e et 20e siècles.

Peinture sur bois

La première forme de peinture portative, les panneaux, a été largement utilisée (par exemple dans l’art égyptien et grec, bien que peu d’objets de cette époque subsistent), puis par les artistes byzantins à partir de 400 après Jésus-Christ. Comme les fresques, les panneaux ont connu une seconde naissance à la fin du gothique et au début de la Renaissance, principalement comme forme d’art religieux décoratif - par exemple dans des chefs-d’œuvre tels que le Retable de Gand (1432) d’Hubert et Jan van Eyck et la Rasyaptie (1440) de Rogier van der Weyden. Pour en savoir plus sur la peinture sur panneau de la Renaissance dans la Venise du XVIe siècle, un genre et une période qui illustrent l’approche vénitienne colorée, voir : Retables vénitiens (1500-1600) ; Peinture vénitienne de portrait (1400-1600) ; L’héritage de la peinture vénitienne .

La peinture sur panneau de bois était particulièrement populaire dans la peinture flamande et dans d’autres écoles nordiques en raison du climat, qui n’était pas favorable aux fresques. Cette popularité s’est maintenue jusqu’à la fin du XVIIe siècle.

Le chevalet

Tout comme la peinture sur panneau, il s’agit d’une forme d’art d’atelier, mais qui utilise comme support une toile plutôt qu’un panneau de bois. La toile était à la fois plus légère et moins chère que les panneaux et ne nécessitait pas d’apprêt spécial avec du plâtre ou d’autres matériaux. À partir de la période baroque (1600), la toile et l’huile sont devenues la forme de peinture préférée dans toute l’Europe. Elle devient particulièrement populaire auprès des nouveaux mécènes bourgeois dans la peinture hollandaise du XVIIe siècle (1600-1680), notamment sous la forme de portraits, de natures mortes et d’œuvres de genre.

Manuscrits enluminés

Ce type de peinture, qui remonte à des exemples célèbres de l’Égypte ancienne tels que le «Livre des morts», a atteint son apogée au Moyen Âge (vers 500-1000 après J.-C.) sous la forme de manuscrits enluminés irlandais et européens. Les premiers exemples de ce type de peinture sur livre comprennent La Catacha de St Columba (début du 7e siècle, vers 610-620), Le Livre de Darrow (vers 670), L’Évangile de Lindisfarne (vers 698-700), L’Évangile du roi de France (vers 698-700), L’Évangile du roi de France (vers 670).), L’Évangile d’Echternach (ou Évangile de Willibrord) (v. 700), Évangile de Lichfield (730), Évangile de Godescalk (781-83), Psautier d’or (783-89), Évangile de Lorsch (778-820), Livre de Kells (c.800), Évangile de saint Médard de Soissons (810), Psautier d’Utrecht (830), Évangile d’Ebo (835), Grande Bible (840), Bible de Viviane (845).

Parmi les exemples ultérieurs de manuscrits médiévaux enluminés figurent des œuvres romanes telles que : Le Psautier d’Egbert, Le Psautier de St Albans, La Bible de Winchester, Codex Vigilano et Le Manuscrit Moralia ; des œuvres gothiques telles que : (Louis, Biblical Moraliseum, Amesbury Psalter, Minnesanger Manuscript, Queen Mary Psalter ; et d’autres œuvres gothiques telles que : le Missel du chancelier Jan Stredski (1360, Prague, Bibliothèque du Musée national) ; le Magnifique livre d’heures du duc de Berry (1416, Musée de Condé Chantilly), exécuté par les frères de Limbourg ; l’Annonciation de Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliothèque nationale, Paris) ; «Le temps de Bruxelles» (Bruxelles, Bibliothèque nationale de Belgique) ; Le temps du Mareschal de Boucicault (Musée Jacques-Mart-André, Paris) ; Le livre du cœur enveloppé d’amour (1457, Bibliothèque nationale Bibliothèque Osterreischische, Vienne).

Généralement exécutés à la détrempe sur vélin et carton, ces manuscrits colorés se caractérisaient par un graphisme extrêmement riche et élaboré, orné de motifs celtiques, de nœuds, de spirales et de zoomorphes, ainsi que d’images de saints et d’apôtres. Malheureusement, l’avènement de l’imprimerie en Allemagne au XVe siècle a mis fin à cette forme d’art. Par la suite, il n’a survécu qu’en Orient, notamment sous la forme de peintures calligraphiques islamiques et de textes illustrés, ainsi que de miniatures de l’Inde.

Rouleaux

Les rouleaux à main sont une forme d’art asiatique, datant d’environ 350 après J.-C., commune à la peinture chinoise et à l’art japonais. Composés de papier ou de soie de longueur variable, ils représentaient une grande variété de sujets peints à l’encre, parmi lesquels des paysages, des sujets bouddhistes, des scènes historiques et mythologiques, etc. Pour un guide des principes esthétiques des arts décoratifs orientaux, voir Art traditionnel chinois : caractéristiques .

Peinture de paravents et d’éventails

Il existe deux grands types de paravents peints : les paravents traditionnels chinois et japonais peints à l’encre ou à l’encre sur papier ou sur soie à partir du XIIe siècle, forme qui inclura plus tard les paravents en laque, et les paravents d’iconostases que l’on trouve dans les églises orthodoxes byzantines, grecques et russes. Les paravents étaient utilisés comme écran séparant le sanctuaire de la nef. Cet écran est traditionnellement décoré d’icônes religieuses et d’autres images, à l’aide de couleurs à l’encaustique ou à la détrempe. Les éventails peints - généralement décorés à l’encre et aux pigments de couleur sur du papier, du carton ou de la soie, parfois avec des feuilles d’or ou d’argent - sont originaires de Chine et du Japon, bien que, curieusement, de nombreux éventails aient été fabriqués en Inde. En Europe, la peinture sur éventail n’a été pratiquée qu’au XVIIe siècle, apparaissant en France et en Italie à partir de 1750 environ.

Les formes modernes de la peinture

Les artistes du 20e siècle ont expérimenté une grande variété de supports et de matériaux, comme l’acier, le béton, le polyester, les néons et une infinie variété «d’objets trouvés». Ce dernier point est illustré par les œuvres d’Yves Klein (1928-1962), qui a peint des nus féminins avec de la peinture bleue avant de les capturer sur la toile, et Robert Rauschenberg (1925-2008), dont l’œuvre Bed (1955) consistait en un édredon de son propre lit, peint avec du dentifrice, du rouge à lèvres et du vernis à ongles.

Genres de peinture

Il existe cinq genres traditionnels de peinture . Ils sont classés comme suit :
(1) peinture historique - qui comprend la peinture mythologique - (2) peinture de portrait, (3) peinture de genre, (4) paysage et (5) nature morte . Ce classement correspond à la «Hiérarchie des genres» annoncée par les Académies européennes des beaux-arts, qui évaluent les peintures en fonction de leur contenu moral ou de leur signification. Ainsi, les natures mortes dépourvues de toute présence humaine contiennent vraisemblablement la narration la moins significative. En comparaison, les peintures historiques représentant des scènes de lutte émotionnelle avaient le plus grand contenu narratif et étaient donc considérées comme la première forme de peinture.

Histoire et styles de peinture

Origine

L’histoire de l’art a connu une grande variété de styles de peinture. En commençant par les peintures rupestres préhistoriques (par exemple dans les grottes d’Altamira, de Chauvet et de Lascaux), elle inclut les fresques et les panneaux des civilisations égyptienne, minoenne, mycénienne et étrusque, ainsi que le style antique classique de la peinture grecque et de l’art romain. Un excellent exemple de l’Antiquité classique est la série de portraits du Fayoum, que l’on trouve principalement dans la région de l’oasis du Fayoum, près du Caire.

L’effondrement de l’Empire romain (vers 450 après J.-C.) a conduit à la domination de l’art byzantin, basé à Constantinople. Pendant ce temps, l’Europe occidentale connaît quatre siècles de stagnation - l’âge des ténèbres - avant que le pape Léon III ne couronne Charlemagne, empereur du Saint-Empire romain germanique. La cour de Charlemagne a encouragé un mini renouveau culturel connu sous le nom d’art carolingien (750-900). Cette renaissance a été soutenue par Otton I, II et III, l’âge de l’art ottonien, avant que l’Église romaine renaissante ne développe successivement les styles culturels de l’art roman (1000-1200) et de l’art gothique (1150-1375). Les principaux types de peinture répandus au cours de ces cinq périodes sont les panneaux d’icônes, les fresques religieuses et l’enluminure.

Proto-Renaissance

La peinture occidentale médiévale est strictement régie par des conventions. Non seulement le sujet se limite presque exclusivement à la représentation de personnages bibliques, mais il existe des canons qui déterminent quels chapitres de l’Ancien et du Nouveau Testament peuvent être inclus et comment ils doivent être interprétés. La structure de la peinture suivait «la perspective du sens», de sorte que les sujets importants étaient représentés en grand et les sujets moins importants en plus petit. Les artistes étaient également tenus de respecter un ensemble de conventions formelles dans leurs compositions concernant, par exemple, la couleur, l’espace et l’arrière-plan. Le naturalisme n’était donc pas du tout autorisé. Le monde divin de Dieu, de Jésus, de la Vierge Marie, des prophètes, des saints et des apôtres - qui était le thème dominant - était considéré comme un monde transcendant, dont la splendeur et la gloire étaient généralement symbolisées par une terre lumineuse et dorée.

Les premiers artistes à remettre en cause la rigidité de ces règles de dessin sont Cimabue et son élève Giotto (1270-1337), dont le cycle de fresques de la Capella Scrovegni (chapelle de l’arène) à Padoue introduit un nouveau réalisme avec un langage beaucoup plus naturaliste. C’est pourquoi Giorgio Vasari (1511-1574) décrit Giotto dans « Vies des artistes» («Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani») (1550) comme «le père de la peinture». Un autre innovateur de la période de la proto-Renaissance (1300-1400) est Ambrogio Lorenzetti (actif de 1319 à 1348) de l’école de peinture siennoise .

Début de la Renaissance

Tandis que les styles démodés de l’art byzantin et du gothique international se répandent progressivement à Sienne, en Italie, et dans les cours royales féodales de toute l’Europe, les idées créatives de Giotto sont explorées et développées à Florence au cours de la première Renaissance (1400-1490). Cette période a connu quatre développements majeurs : (1) une renaissance des formes et des styles de l’art grec et romain classique ; (2) une grande croyance en la noblesse de l’homme (humanisme) ; (3) la maîtrise de la perspective linéaire (profondeur dans la peinture) ; et (4) un grand réalisme dans la peinture religieuse. Parmi les artistes majeurs du début de la Renaissance, citons Tommaso Mazaccio (vers 1401-1428), qui a peint une série de fresques dans la chapelle de la famille Brancacci à Florence, et Piero della Francesca (1420-1492), dont l’intérêt passionné pour la géométrie l’a conduit à être le pionnier de la perspective linéaire, avec des espaces géométriques précis et des proportions strictes (voir son «La flamme du Christ», dans les années 1450). Le réalisme, la perspective linéaire et les nouvelles formes de composition sont perfectionnés par les artistes du quatrocento tels que les Florentins Antonio del Pollaiuolo (1432-1498), Alessandro Botticelli (1445-1510) et l’Italien du Nord Andrea Mantegna (1431-1506).

Haute et dernière Renaissance

Peinture de la Haute Renaissance (c. 1490-1530), centrée sur Rome et gouvernée par le pape Jules II (régnant 1503-13) et le pape Léon X (régnant 1513-21), a vu l’apogée de l’idéologie et de l’idéalisme esthétique de la Renaissance italienne, et quelques-uns des plus grands tableaux de la Renaissance . Tout cela est bien illustré par les œuvres de Léonard de Vinci (1452-1519) ) La Cène, La Joconde), Raphaël (1483-1520) ) L’École d’Athènes) et Michel-Ange (1475-1564) ) Fresque de la Genèse dans la chapelle Sixtine au Vatican). Ce trio de la Renaissance est soutenu par d’autres grands artistes de Venise, dont Jacopo (1400-1470), Gentile Bellini (c.1429-1507) et Giovanni Bellini (c.1430-1516), Giorgione (c.1476-1510), Titien (Tiziano Vecellio) (c.1487-1576), Paolo Veronese (1528-1588) et Tintoret (Jacopo Robusti) (1518-1594).

Renaissance nordique

Pendant ce temps, en Europe du Nord (Flandre, Hollande, Angleterre et Allemagne), la Renaissance nordique se développe d’une manière quelque peu différente, notamment par sa préférence pour la peinture à l’huile (la fresque était moins adaptée au climat plus humide) et son intérêt pour l’estampe. Les grands artistes de cette époque sont Jan van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Dürer (1471-1528) et Hans Holbein (1497-1543).

Le maniérisme

L’art du turbulent Cinquento (XVIe siècle) se caractérise par une peinture moins harmonieuse, plus forcée, appelée maniérisme . La deuxième fresque de la Sixtine de Michel-Ange, «Le Jugement dernier», est un exemple de cette approche, tout comme «L’enterrement du comte Orgaz» du Greco (v.1541-1614).

Baroque

À la fin du XVIe siècle, en réponse au mouvement de Réforme protestante de Martin Luther (à partir de 1520), l’Église catholique romaine lance une contre-réforme, utilisant tous les moyens à sa disposition pour redorer son blason, y compris les arts. Cela coïncide avec l’émergence d’un nouveau style de peinture européen, appelé peinture baroque, qui s’épanouit au XVIIe siècle. D’une certaine manière, l’art baroque est l’apogée du maniérisme, caractérisé par une théâtralité extravagante à grande échelle, tant dans la forme que dans le sens. Rubens (1577-1640) est le peintre baroque catholique de la Contre-Réforme. En Espagne, autre bastion du catholicisme, les principaux artistes sont Diego Velázquez (1599-1660) et Francisco Zurbarán (1598-1664). En Italie, le Caravage (1571-1610) est devenu le principal peintre de la Contre-Réforme, connu pour son naturalisme et ses images pratiques. Il fut un important pionnier du ténébrisme et du clair-obscur, une utilisation picturale de l’ombre popularisée sous le nom de caravagisme . L’un des principaux centres de l’art baroque italien et de la peinture caravagesque était Naples, à l’époque la deuxième plus grande ville d’Europe après Paris. Pour plus d’informations, voir : La peinture à Naples (1600-1700).

L’école réaliste néerlandaise

L’art non catholique du baroque néerlandais et certaines œuvres du baroque flamand ont dû se développer différemment, car les autorités ecclésiastiques protestantes ne s’intéressaient guère à la commande d’œuvres religieuses. Cependant, la richesse croissante des classes marchandes et professionnelles a donné naissance à un nouveau type de collectionneur d’art, dont la fierté pour sa maison a créé une nouvelle demande pour l’art de chevalet : en particulier les œuvres de genre, les paysages et les natures mortes. C’est ainsi que sont nées les grandes écoles réalistes néerlandaises de peinture de genre à Delft, Utrecht, Haarlem et Leyde, dont les membres comptent des génies tels que Rembrandt (1606-1669) et Jan Vermeer (1632-1675).

Rococo

En 1700, le lourd idiome baroque a évolué vers un style plus léger et moins sérieux qui a finalement trouvé une forme indépendante dans un mouvement connu sous le nom de Rococo . Ce style décoratif fantaisiste était exclusivement français, mais il s’est finalement répandu dans toute l’Europe au XVIIIe siècle. Ses plus grands représentants sont les peintres français Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-1770) et le maître vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770), qui s’est rendu célèbre par ses magnifiques fresques murales et plafonnières. Le rococo a été étroitement associé aux anciens régimes décadents d’Europe, en particulier au roi français Louis XV et à sa maîtresse Madame de Pompadour.

Le néoclassicisme et le romantisme (floraison 1789-1830)

La Révolution française de 1789 coïncide avec l’émergence de deux styles artistiques distincts : l’art néoclassique et le romantisme . Les partisans de la peinture néoclassique se sont inspirés de l’antiquité classique ; leurs peintures sont caractérisées par l’héroïsme, le devoir pénible et un sens palpable du sérieux. Son principal représentant est l’homme politique français Jacques-Louis David (1748-1825). Parmi les autres artistes néoclassiques notables, citons le portraitiste et peintre d’histoire allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779) et le maître français de l’art académique, Jean-Auguste-Dominique Engr (1780-1867). La plus grande contribution du mouvement est cependant son architecture, qui occupe encore aujourd’hui une place de choix.

Contrairement au sérieux et aux valeurs universelles prônés par le néoclassicisme, les peintres romantiques recherchaient un retour à la nature, illustré par leur soutien à la peinture spontanée en plein air (par exemple dans les écoles de peinture de Barbizon, de Pont-Aven et de Norwich). Ils s’appuyaient sur les sentiments et les émotions plutôt que sur la raison et l’intellect. Les artistes romantiques avaient tendance à exprimer des réactions personnelles émotionnelles face à la vie. John Constable (1776-1837) et J. H. W. Turner (1776-1837) comptent parmi les artistes romantiques les plus célèbres. Turner (1775-1851), d’importants représentants de la peinture paysagère anglaise du XIXe siècle, Caspar David Friedrich (1774-1840) et Camille Corot (1796-1875), ainsi que les peintres d’histoire et de portraits Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Théodore Gericault (1791-1824) et Eugène Delacroix (1798-1763). Voir aussi La peinture figurative anglaise (1700-1900).

L’art romantique ultérieur comprend : la peinture des orientalistes levantins, l’école paysagiste américaine de Hudson River, les œuvres mystiques du symbolisme et de la confrérie préraphaélite, et les peintures de contes de fées fantastiques de l’école du réalisme magique.

Réalisme

Jusqu’au XIXe siècle, à l’exception de l’art néerlandais du XVIIe siècle, la peinture se concentre principalement sur des «sujets» importants, tels que définis par les traditions des académies des beaux-arts et des salons parisiens . Même lorsque les artistes se tournent vers des sujets moins sublimes (comme les enfants), ils les représentent généralement de manière idéalisée. Mais en accord avec les nouvelles idées de «Liberté, Fraternité et Égalité», proclamées par la Révolution française, les artistes ont commencé à accorder une attention égale aux sujets quotidiens, représentés dans la vie réelle, de manière naturaliste. Ce nouveau style, connu sous le nom de peinture réaliste, est apparu principalement en France et a attiré des artistes de tous genres, notamment Gustave Courbet (1819-1877), Jean-François Millet (1814-1875), Honoré Daumier (1808-1879), Ilya Repin (1844-1930) et Thomas Eakins (1844-1916). L’influence du réalisme français du XIXe siècle s’est poursuivie au XXe siècle, où il a donné naissance à de nombreux sous-styles tels que l’école Ashcan (New York), le réalisme socialiste (soutenu par le Federal Arts Project), le précisionnisme (scènes industrielles), le réalisme socialiste et le modernisme. Tous ces courants se poursuivent encore aujourd’hui.

Les réalistes célèbres du 20e siècle sont, par exemple, le peintre américain Norman Rockwell (1894-1978) et le portraitiste anglais Lucian Freud (né en 1922). Le dernier style moderne de réalisme est le photoréalisme, également connu sous le nom de hyperréalisme et superréalisme .

Peinture impressionniste

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, Paris est devenu le centre incontesté de l’art mondial. Il a consolidé sa position en donnant naissance à l’un des plus grands mouvements artistiques modernes de tous les temps - l’impressionnisme, dont les principaux adeptes étaient : Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Paul Cézanne (1839-1906) et Bertha Morisot (1841-1895). Parmi les autres artistes associés au style impressionniste figurent Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) et Walter Sickert (1860-1942). Voir aussi : Les meilleurs tableaux impressionnistes .

Bien que les impressionnistes se soient séparés en tant que groupe «» au début des années 1880, le style a donné naissance à un certain nombre de styles de peinture apparentés, vaguement désignés sous les titres Néo-impressionnisme et Post-impressionnisme . Ils comprennent également le pointillisme, une ramification du divisionnisme, l’intimisme et les styles de paysages et de marines américains, ainsi que des groupes d’artistes, comme l’école anglaise Newlyn School et Camden Town Group, les styles de peinture décorative française du synthétisme (Gauguin) et du cloisonnisme (Bernard, Anquetin) qui ont inspiré le nabi et le groupe allemand de Worpswede.

La peinture du début du 20e siècle

Entre 1882 et 1925, de nombreux styles de peinture émergent dans le monde de l’art. Les deux principaux mouvements de cette explosion de l’art moderne sont :

(1) Expressionnisme - un style coloriste (coïncidant avec l’éphémère mouvement fauviste parisien dirigé par Henri Matisse) impliquant des groupes Expressionnisme allemand, tels que Der Blaue Reiter, Die Brucke et Neue Sachlichkeit et illustré par des peintures de Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Georges Rouault (1871-1958), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) et Egon Schiele (1890-1918). Voir aussi : Histoire de la peinture expressionniste (c. 1880-1930).

(2) Cubisme Style plus intellectuel de la peinture cubiste analytique plutôt que synthétique, dont Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) furent les pionniers. Les expériences du cubisme avec le plan pictural bidimensionnel ont conduit à des styles tels que le futurisme, mouvement artistique italien fondé en 1909 par Filippo Marinetti (1876-1944) ; le cubisme orphique (simultanisme) de Robert Delaunay (1885-1941) ; et le luchisme, développé par les artistes russes Mikhaïl Larionov (1881-1964) et Natalia Gontcharova (1881-1962) ; le mouvement d’art abstrait russe de 1913-15 connu sous le nom de suprématisme, dirigé par Kazimir Malevitch (1878-1935) ; et le mouvement néerlandais de Stijl, fondé en 1917 par Theo van Doesburg (1883-1931) et Piet Mondrian (1872-1944), qui s’est ensuite transformé en néo-plasticisme. Pour plus d’informations, voir : Peinture abstraite .

La peinture du début du 20e siècle a également été influencée par des éléments décoratifs de l’Art nouveau ) Jugendstil en Allemagne) et de l’Art déco.

La peinture européenne d’avant-garde a été exposée pour la première fois en Amérique lors de l’ Armory Show (1913) à New York.

La peinture après la Première Guerre mondiale : le surréalisme

Après les frasques anti-artistes de Dada, le premier mouvement pictural international de l’entre-deux-guerres a été le surréalisme, dont le style populiste irrévérencieux a exercé une influence majeure sur le Pop Art ultérieur. Après la peinture métaphysique de Giorgio de Chirico, principal précurseur de l’art surréaliste, les principaux artistes surréalistes furent Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) et Salvador Dalí (1904-1989).

L’art d’après-guerre : l’expressionnisme abstrait (1945-65)

En 1940, alors que l’Europe est en plein chaos, le centre du monde de l’art s’est déplacé à New York, où un nombre croissant d’artistes indigènes se mêlent aux artistes émigrés de France, d’Espagne et d’Allemagne, qui trouvent mécénat et soutien auprès, entre autres, de la famille Guggenheim. L’atmosphère était lourde en raison de la guerre, que beaucoup d’artistes ont fuie de l’autre côté de l’océan, cherchant du réconfort et un sens à l’abstraction plutôt qu’à l’art figuratif, qui a en fait décliné après le déclin de la Peinture de genre américaine et de sa variante appelée Régionalisme .

Des émigrés européens influents, tels que : Max Ernst (qui épousa Peggy Guggenheim), l’ancien artiste du groupe Bauhaus, Josef Albers (1888-1976) et l’Arménien Arshil Gorki (1904-1948) - ainsi que des artistes américains uniques tels que Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-1956). C’est de cette étroite connaissance qu’est né l’expressionnisme abstrait et ses variantes l’action painting (Pollock et Lee Krasner), le Colour Field Painting (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, etc.), Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Hard Edge Painting (Frank Stella), et Post-Howard Abstraction (Ellsworth Kelly).

En Europe, la peinture expressionniste abstraite s’est développée sous la bannière générale de l’informalisme (Alfred Otto, Wolfgang Schulze, Wols), dont les sous-styles comprennent l’Abstraction lyrique (par exemple Nicholas de Stael), le Tachisme (Sam Francis), la Peinture matérielle (Anthony Tapies), et le Groupe Cobra (par exemple Asger Jorn, Karel Appel).

Un mouvement très influent, l’expressionnisme abstrait, a finalement conduit au minimalisme - l’un des premiers mouvements d’art moderne - à travers des sous-styles tels que l’Op Art, défendu par Bridget Riley (née en 1931).

Pop Art (années 1960)

Le style abstrait devenant de plus en plus intellectuel, d’autres artistes américains ont cherché des alternatives, sinon dans la fiction, du moins dans la réalité quotidienne. À la fin des années 1950, Jasper Johns (né en 1930) et Robert Rauschenberg (1925-2008) ont commencé à explorer l’utilisation de la culture populaire comme source d’inspiration. Cela a rapidement conduit au mouvement anti-intellectuel Pop Art, illustré par les œuvres de Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol (1928-1987) et David Hockney (né en 1937), parmi beaucoup d’autres. Après un déclin au début des années 1970, il a réapparu sous le nom d’art néo-pop dans les années 1980.

Peinture contemporaine

Art actuel Représentation Depuis 1970, la peinture figurative, notamment les œuvres de Francis Bacon (1909-1992) et de Fernando Botero (né en 1932), l’art néo-pop et l’art contemporain ont vu le jour.), le néo-expressionnisme d’artistes chinois tels que Zhang Xiaogang (né en 1958) et Yue Mingyun (né en 1962), les paysages de Peter Doig (né en 1959) et de l’artiste ukrainien Dmytro Koluyny, les peintures d’Alexander Vlasenko, ainsi que de nombreux portraits de jeunes artistes, dont les Irlandais David Nolan (né en 1966) et Conor Walton (né en 1970), parmi beaucoup d’autres. Malgré cela, la peinture figurative n’a pas encore trouvé sa place dans l’art contemporain. Il en va de même pour la peinture figurative, qui continue d’attirer de nombreux jeunes artistes abstractionnistes et a donné naissance à de nombreux mini-mouvements sans pour autant aboutir à de grands résultats.

Il est tout à fait possible que tout cela soit plus imaginaire que réel. Par exemple, l’absence de mouvements internationaux peut créer l’illusion que les progrès observés sont insignifiants, malgré des développements locaux dynamiques. En outre, les artistes postmodernistes sont encore capables de produire de beaux exemples d’abstraction - par exemple, l’art des mots distinctif créé par Christopher Wool (né en 1955) dans ses peintures à l’émail noir et blanc.

En résumé, pour dire les choses crûment, l’art de la peinture après les années 1970 - en dépit de nombreux éclats individuels - ne semble pas avoir produit la part de chefs-d’œuvre attendue. On pourrait plutôt dire que les artistes postmodernes ont lutté pour trouver des réponses à ces trois questions : (1) Quel est le sens de la peinture figurative à une époque dominée par le journalisme photographique et les films vidéo? (2) Qu’est-ce que la peinture abstraite a d’autre à offrir en termes d’originalité esthétique? (3) Dans quelle mesure la peinture peut-elle rivaliser avec des formes d’art plus «contemporaines», telles que l’installation, pour attirer l’attention des gens ordinaires, dans les musées d’art ou d’autres espaces publics?

Il est possible que les techniques traditionnelles de dessin et de peinture, qui ne reçoivent plus l’attention que leur accordaient autrefois les écoles d’art et les académies, soient en déclin, même si, du moins en Russie, en Europe de l’Est et en Chine, les technologies modernes de la vidéo et de la photo ont moins d’influence sur l’art. D’un autre côté, les nouvelles technologies telles que les tablettes graphiques avec stylet et les graphiques numériques ont ouvert le dessin à un plus grand nombre de praticiens, ce qui ne peut être que positif.