Peinture de paysage: caractéristiques, histoire Automatique traduire

Dans les arts visuels , le terme «paysage» - du mot néerlandais «landchap», «parcelle de terre» - décrit toute peinture ou dessin, «dont le sujet principal» est la représentation d’une vue pittoresque. Ces paysages comprennent les prairies, les collines, les montagnes, les vallées, les arbres, les rivières, les forêts, les vues côtières et les paysages marins. La vue représentée peut être une vue d’un lieu réel ou d’une scène imaginaire ou idéalisée.

Voir aussi : Les meilleurs peintres paysagistes .

Paysage : place dans la hiérarchie des genres

Le paysage est devenu un genre établi dans l’art chinois dès le quatrième siècle de notre ère, mais dans l’art occidental, la peinture de paysage n’a vraiment commencé qu’après l’âge de l’art de la Renaissance au seizième siècle. Bien sûr, depuis l’époque romaine, de nombreux artistes ont inclus des vues panoramiques dans leurs peintures, mais celles-ci étaient secondaires par rapport au sujet principal du tableau. Le principal problème du paysage est qu’il occupe une place très basse dans la hiérarchie académique des genres . Cette hiérarchie, cristallisée à la Renaissance, est la suivante : (1) peinture d’histoire ; (2) portrait ; (3) peinture de genre, c’est-à-dire de scènes de la vie quotidienne ; (4) paysage ; (5) nature morte. Ce classement a été finalisé en 1669 par André Felibien, secrétaire de l’Académie française, dans sa préface à une série de conférences publiées qu’il a données à l’Académie. Ainsi, le monde de l’art - y compris ses mécènes, ses professeurs et ses artistes - ne prenait pas au sérieux la peinture de paysage et accordait plus d’importance aux œuvres historiques, aux portraits et aux peintures de genre. En outre, la Renaissance (et plus tard «les écoles néoclassiques» et académiques) ont suivi l’art grec en donnant la priorité au corps humain, en particulier au nu. En comparaison, le paysage est un non-événement.

L’histoire et l’évolution de la peinture de paysage

Pour simplifier, jusqu’au début ou au milieu du XVIe siècle, le paysage n’est représenté dans les tableaux que comme un lieu d’action humaine. Un tableau pouvait avoir un message historique ou religieux pour lequel le paysage n’était qu’un simple arrière-plan. Exemples : L’Annonciation (1472) de Léonard de Vinci ; «L’Extase de saint François» (1480) de Giovanni Bellini ; «La Naissance de Vénus» (1482.) Botticelli ; Repos sur la route d’Egypte (1597) Caravage ; La Tempête (1508) Giorgione. A noter Albrecht Altdorfer, dont le «Paysage avec passerelle» (1517-20, National Gallery, Londres) est censé être le premier «pur» paysage.

Voir aussi : Peinture chinoise .

La peinture de paysage du XVIe siècle

À cette époque, certains artistes nordiques, comme Joachim Patenier (1485-1524), Albrecht Altdorfer de l’École danubienne du paysage, ainsi que Albrecht Dürer (1471-1528) et Pieter Bruegel l’Ancien (1525-1569), commencent à peindre des paysages avec plus d’indépendance. Les «Chasseurs dans la neige» (1565) de Bruegel en sont un exemple. Mais même Bruegel a conservé la tradition classique dans son tableau «Paysage avec la chute d’Icare» (1558), qui présente de beaux paysages uniquement comme arrière-plan d’un message mythologique. Le seul paysage univoque du XVIe siècle est probablement «Vue de Tolède» (1595) El Greco (1541-1614).

La peinture de paysage au XVIIe siècle

Malgré la quantité et la qualité de la peinture de paysage au XVIe siècle, elle ne devient populaire qu’au XVIIe siècle, avec l’émergence des écoles hollandaise et flamande, dont des artistes comme Albert Koeip, qui travaille dans le style italien et le style réaliste de Jacob Van Reysdal et Rubens . Voir aussi Petite rue (rue de Delft) (vers 1658, Rijksmuseum, Amsterdam) de Jan Vermeer. Le peintre français vivant à Rome Nicolas Poussin, fut une autre figure influente du genre, tout comme le peintre populaire Claude-Lorrain, dont les compositions «Clodian» (par exemple «Paysage avec le mariage d’Isaac et de Rébecca)», 1648) sont d’exquis paysages pastoraux servant de cadre à des sujets religieux.

Avant d’aborder le XVIIIe siècle, il convient de souligner que la véritable différence entre le paysage en tant qu’ornement et le paysage en tant que genre à part entière ne réside pas dans l’absence de figures humaines, mais dans leur taille et leur fonction. Lorsque les figures de premier plan occupent la majeure partie de la surface d’un tableau, le paysage ne reste qu’un arrière-plan. C’est pourquoi Léonard de Vinci, malgré son intérêt pour le paysage, n’a pas créé de véritables tableaux de paysage. Dans une vraie peinture de paysage, les figures humaines - dispersées ou au premier plan - n’existent que pour indiquer l’échelle et évoquer l’idée que le spectateur se fait du sujet principal.

Paysage du XVIIIe siècle

La peinture de paysage du XVIIIe siècle continue à se développer en réponse au climat social et politique général créé par les anciens régimes en Angleterre, en France et dans le reste de l’Europe. Une nouvelle attitude à l’égard de l’environnement est apparue et une nouvelle tradition topologique distinctive a vu le jour en Angleterre, reflétant la pratique du jardinage paysager - le réarrangement de la nature pour plaire aux mécènes aristocratiques. Les œuvres pittoresques n’étaient pas encore considérées comme une fin en soi. Elles représentaient plutôt l’harmonie divine de la nature et une confiance tranquille dans l’atmosphère de prospérité qui régnait alors.

Angleterre

L’ordre, plutôt que le drame, est le motif dominant du paysage anglais du XVIIIe siècle. Les œuvres du premier grand paysagiste britannique Richard Wilson (par exemple «La destruction des enfants de Niobé», 1760), Thomas Gainsborough (par exemple «Mr and Mrs Andrews», 1749.), William Marlowe (par exemple «Pont du Gare Nîmes», 1767), John Robert Cozens (par exemple London from Greenwich Hill, 1791) et le tragique Thomas Girtin (par exemple The White House of Chelsea, 1799), frappé par la consommation, dont Turner a dit : «If Tom Girtin (e.g. The White House of Chelsea, 1799) : «Si Tom Girtin était vivant, je mourrais de faim». L’œuvre de Girtin est illustrée par l’école anglaise de peinture de paysage, qui a vu naître certains des plus grands paysages jamais produits.

L’Europe

En France Jean-Antoine Watteau associe les beaux paysages à la gaieté en plein air ) fêtes galantes) - voir Analyses de tableaux célèbres - tandis que des artistes comme Jean-Honoré Fragonard ont créé des feuillages et des nuages mousseux (par exemple Balançoire, 1767). En Italie, Giovanni Panini était un peintre de paysages contemplatifs très réussi (par exemple «Ruines avec figures»), il était contemporain de Giovanni Canaletto, le plus grand de tous les peintres vénitiens ) vedute), connu pour ses vues topographiques précises ) vedute) de Venise et de ses cours d’eau, ainsi que pour son travail de pionnier sur la perspective linéaire . Parmi les autres maîtres italiens du paysage du XVIIIe siècle figurent Francesco Guardi (par exemple Paysage avec ruines, 1775), Francesco Zuccarelli (par exemple Paysage fluvial italien) et Bernardo Bellotto (par exemple Vue de Varsovie depuis le château royal, 1772).

En résumé, au cours de cette période, la peinture a suscité l’intérêt croissant des artistes et des mécènes et est devenue un genre de plus en plus respecté. Malgré cela, le XVIIIe siècle a connu une croissance relativement ordonnée de la compréhension et de la pratique du paysage par rapport aux développements artistiques spectaculaires du XIXe siècle.

La peinture de paysage au XIXe siècle

Après les événements catastrophiques de la Révolution française (1789-93) et des guerres napoléoniennes (1795-1815), la peinture de paysage est devenue l’une des formes d’art les plus populaires et s’est rapidement imposée comme un genre pictural majeur pour les artistes, les mécènes et les collectionneurs. En fait, le XIXe siècle a produit un grand nombre des plus beaux paysages que le monde ait jamais vus. Deux grandes traditions ont émergé : la tradition anglaise et la tradition française, qui ont influencé les peintres paysagistes dans toute l’Europe et l’Amérique du Nord et ont eu un impact considérable sur l’art de l’époque. En Russie, le genre a trouvé son apogée dans les œuvres du mouvement «Peredvizhniki» fondé en 1863, tandis qu’en Amérique, le mouvement dominant était l’«Hudson River School».

NOTE : Pour voir le rôle que la peinture de paysage a joué dans l’évolution stylistique de l’art du XIXe siècle, voir : Du réalisme à l’impressionnisme (1830-1900).

L’école anglaise du XIXe siècle : Crome, Cotman, Constable, Turner

L’école des paysagistes de Norwich (active de 1803 à 1830), fondée par John Crome (1768-1821) et John Cotman (1782-1842), prolonge la tradition des Luministes hollandais et produit des paysages, des scènes côtières et marines de tout le Norfolk, privilégiant la peinture de rue au travail de chevalet en atelier. Vient ensuite le peintre du Suffolk John Constable (1776-1837) avec des chefs-d’œuvre tels que «Hay Cart» (1821), représentant l’homme et la nature en parfaite harmonie. Son caractère nostalgique (nostalgie du monde révolu de la campagne innocente) s’explique par le fait qu’à l’époque, l’agriculture était en crise et la campagne en ébullition.

Entre-temps, Joseph Mallord William Turner (1775-1851), le plus grand et le plus original des peintres paysagistes anglais, est entré en scène. Il travaille comme aquarelliste jusqu’en 1796 et devient en 1802 le plus jeune membre à part entière de la Royal Academy de Londres. Dans les années 1800, les paysages qu’il peint deviennent beaucoup plus dramatiques et romantiques, tant par le sujet que par le sens du mouvement. Il s’agit d’une approche totalement révolutionnaire de la peinture de paysage. Il commença à élever le paysage au rang de peinture d’histoire, ajoutant à ses tableaux des actions historiques (par exemple Hannibal et son armée traversant les Alpes, 1812) et des forces naturelles (par exemple Incendie des Chambres des Lords et des Communes, 1835). À partir des années 1830, ses paysages et ses marines deviennent de plus en plus dépouillés, se concentrant sur les effets atmosphériques. Au début des années 1840, certaines de ses peintures étaient presque abstraites dans leur composition, se dissolvant dans un brouillard de couleurs et de lumière (par exemple «Dawn of Christianity»). Dans son traitement de la couleur et de la lumière, Turner anticipe l’impressionnisme.

Les œuvres dramatiques de Turner contrastent avec les paysages pastoraux, souvent religieux, de ses contemporains. Ces derniers comprennent, par exemple, le peintre romantique allemand Caspar David Friedrich (1774-1840), dont les petites peintures (par exemple «Paysage d’hiver» de 1811) étaient pleines de symbolisme religieux ; Samuel Palmer (1805-1881) et sa vision profondément chrétienne de la nature ; et John Martin (1789-1854), dont les peintures incluaient des scènes dramatiques de la Bible dans de vastes paysages panoramiques.

Plus tard au cours du même siècle (1884), la Newlyn School est fondée en Cornouailles . Ce groupe d’artistes spécialisés dans les paysages et les scènes de campagne et de pêche est dirigé par Stanhope Forbes, Frank Bramley et Norman Garstin.

Le paysage anglais en perspective

Jusqu’à l’arrivée de John Constable (1776-1837) et de Joseph Mallord William Turner (1775-1851), l’école anglaise de peinture de paysage est largement sous-estimée. En 1761, par exemple, le critique Horace Walpole (1717-1797) écrit (dans ses «Anecdotes de peinture») : "Dans un pays si richement pourvu en confort naturel, il est surprenant que nous ayons produit si peu de bons peintres paysagistes". Il ne comprenait pas pourquoi "nos pelouses toujours vertes, nos riches vallées, nos champs de foin et nos houblonnières ne sont pas traités comme des sujets". Ce commentaire n’était pas entièrement justifié. Gainsborough a écrit son «Cornard Wood» et son «View of Dedham» bien avant Walpole. Une tradition topographique existait déjà dans la première moitié du siècle. Samuel Scott (ca. 1702-1772) a commencé à peindre ses vues de Londres et de la Tamise dans les années 1730, dix ans avant que Canaletto (1697-1768) ne vienne dans la ville pour échanger temporairement le Grand Canal de Venise contre la rivière de Westminster. Pour une explication des peintures de paysage du XIXe siècle, telles que celles de Turner et de Constable, voir Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

L’influence classique

Il est vrai cependant que la seconde moitié du siècle fut plus prolifique et que les connaisseurs de l’époque mirent du temps à s’habituer à l’idée que les artistes britanniques pouvaient apporter une contribution originale. Les traditions européennes du nord et du sud étaient admirées, mais pour des raisons différentes. «Les paysages classiques» cultivés en Italie exerçaient un attrait irrésistible sur l’Anglais cultivé en Grand Tour. . «Classique» est un mot ambigu, mais il indique un respect pour l’antiquité qui était particulièrement fort chez les artistes venus d’Europe du Nord en Italie, comme en témoignent leurs peintures de ruines romaines et de régions faisant référence à l’antiquité. Paul Brill, Adam Elsheimer et les artistes de l’école bolonaise comme Annibale Carracci (1560-1609) et Domenichino (1581-1641) ont ajouté un soupçon de sujet classique dans de petites figures à la décoration élaborée des arbres et des lacs. Une autre signification du mot «classique» se trouve dans le sens de l’ordre et de la mesure véhiculé par les paysages de Nicolas Poussin (1594-1665).

Ce type de paysage était évidemment empreint d’un sentiment poétique et romantique, admirablement exprimé dans les paysages de Claude Lorrain (1600-1682), qui combinait des visions rêveuses du passé antique avec les effets magnifiquement observés de l’aube et du crépuscule. Les scènes sauvages et accidentées inspirées de la Calabre et peintes par Salvator Rosa sont d’une autre poésie. (1615-1673). Claude, Poussin et Salvator étaient des noms vénérés par les connaisseurs anglais du XVIIIe siècle. Gaspard Duguet (1615-1675), gendre de Nicolas Poussin et remarquable élève qui prit le nom de «Poussin», était également très admiré. Mais c’est surtout Claude qui est l’idole des Britanniques.

L’influence de l’école hollandaise

Une autre tradition est celle de la peinture néerlandaise dans son aspect le plus domestique. La fierté d’être propriétaire se mêle à un sentiment d’attachement. Pour Rubens, les environs de sa maison de campagne, le château de Steen, près de Malines, étaient d’un intérêt personnel, ce qui l’a amené à en peindre amoureusement chaque détail. Les artistes hollandais du XVIIe siècle éprouvaient un attachement patriotique pour une terre arrachée à la domination étrangère. Les niveaux bordés de cours d’eau, les horizontales pittoresquement garnies çà et là de moulins à vent et de parcelles de forêt, l’ensemble de la scène de plaine surplombant un panorama mouvant de nuages, étaient aussi intimes et accueillants que l’Arcadie de Rome était une fantaisie idéalisée et que la Calabre de Salvator Rosa était romanesquement sauvage.

En Angleterre, il y avait des connaisseurs aussi dévoués à l’école hollandaise du paysage qu’à l’école classique, Jacob van Reisdal (1628-1682) et Meindert Hobbema (1638-1709), ainsi que Claude et Poussin. Une certaine similitude géographique entre la Hollande et les comtés de l’East Anglia peut expliquer en partie le nombre de peintures hollandaises acquises par ces riches familles ayant des résidences dans la région. Les paysagistes anglais ont longtemps été traités avec moins d’égards.

Les magnifiques peintures de la campagne du Suffolk réalisées par Gainsborough à ses débuts constituaient une phase de son art qui a disparu en raison de la contrainte qui l’a poussé à s’installer à Bath et à devenir un portraitiste à la mode. Le paysage de ses dernières années, l’évasion du citadin, n’a aucun sens de la localité, bien qu’il ait l’avantage de la lumière et de la masse.

Richard Wilson

La carrière de Richard Wilson (1714-1782) illustre la fortune d’un artiste extrêmement doué qui ne pouvait être considéré que superficiellement comme un imitateur des maîtres paysagistes classiques d’Italie. Wilson travaille assez bien comme portraitiste jusqu’à ce qu’il parte pour l’Italie à l’âge de 36 ans. Il travaille à Rome et à Naples, où il a plusieurs élèves et est encouragé par des collègues artistes tels que Francesco Zuccarelli (1704-1788), un peintre de pastorales décoratives, à se concentrer sur le paysage. De retour à Londres au bout de six ans, ostensiblement en tant que paysagiste, il constate que les qualités d’ampleur et de simplicité qui font l’originalité de ses radieux paysages italiens sont négligées par ceux qui veulent des souvenirs plus prestigieux en Angleterre. Les connaisseurs acceptent sans discussion l’opinion de Joshua Reynolds, selon laquelle les paysages de Wilson sont «trop proches de la nature générale» pour permettre l’inclusion de dieux et de déesses. Ils appréciaient la saveur mythologique. La génération suivante - et surtout la génération suivante d’artistes - devait apprécier la grandeur de Wilson.

Constable et Turner

Nés à un an d’intervalle, Constable et Turner s’inscrivent également dans la tradition des maîtres distingués évoquée plus haut. Ce qui reste des conférences de Constable sur la peinture de paysage montre la proportion dans laquelle il voyait le passé. C’était un spectacle de grandeur, de décadence et de renouveau. Il loue «l’art calme, pénétrant et studieux» de Poussin, «l’énergie sublime» de Caracci, «la sentimentalité et la grandeur romantique» de Domenichino, «la beauté sereine de» «l’inimitable» Claude, «les conceptions sauvages et intimidantes» de Salvator Rosa, et «la fraîcheur et la lumière rosée de» Rubens.

Retour à la nature

Constable et Turner peuvent être considérés comme similaires, non seulement dans leur vision de la tradition paysagère, mais aussi dans le fait qu’ils reflètent consciemment ou inconsciemment l’idée d’un retour à la nature - qui plane si fortement dans l’air à l’approche de la fin du siècle, alors que les vieilles traditions et conventions urbaines deviennent lassantes. Jean-Jacques Rousseau a promu cette idée sur le plan philosophique et même l’Opéra Pastoral de Boucher», comme l’a appelé Constable avec mépris, indique l’impression à la fois semi-sérieuse et frivole qu’il a laissée à la cour de France. Wordsworth a introduit l’idée de l’exposition poétique en Angleterre avec sa préface sur les principes de la poésie dans l’édition de 1800 «des Lyrical Ballads». Mais le sentiment poétique pour la nature a gagné du terrain depuis que James Thompson a publié son recueil «Seasons» il y a cinquante ans. Les citations ajoutées aux titres de ses tableaux dans les catalogues de la Royal Academy montrent à quel point ses descriptions de paysages ont stimulé Turner.

La campagne anglaise

En dépit de leurs attitudes égales à l’égard de la nature et de nombreuses similitudes de goût, il est surprenant de constater l’énorme différence qui existe entre ces deux artistes presque contemporains. Constable, campagnard de naissance, est un artiste attaché à son Suffolk natal, aux plaines et à leurs vastes voûtes de ciel plutôt qu’aux montagnes qui excitent l’imagination romantique, et il n’a aucune envie de voyager hors d’Angleterre.

L’East Anglia avait une capacité particulière à retenir la sensibilité des artistes nés dans la région. John Crome (1768-1821), qui a passé presque toute sa vie dans sa ville natale de Norwich et qui, en tant que fondateur de la Norwich Society of Artists en 1803, est devenu le chef de file de la seule école locale d’Angleterre, était encore plus favorable au régionalisme que Constable. En revanche, Turner, né dans le centre-ouest de Londres, au milieu des briques sombres et sous des cieux enfumés, a dû voyager pour découvrir le paysage rural pour la première fois. Le dessin topographique qui lui a valu ses premiers succès l’a amené à faire de fréquentes expéditions à travers le pays, et son agitation romantique, ainsi que le besoin d’albums d’illustrations de lieux étrangers qui s’est fait sentir à la fin des guerres napoléoniennes, l’ont encouragé à voyager régulièrement en Europe.

En tant que romantique, on peut l’opposer au réaliste Constable. Ce dernier travaillait généralement directement d’après nature dans des esquisses à l’huile et des études destinées à rendre de manière aussi authentique et spontanée que possible la lumière et l’atmosphère de la scène qu’il avait sous les yeux. Turner lisait dans les accessoires des ruines anciennes toute la tragédie du déclin et de la chute des civilisations et exultait dans les torrents impétueux et les abîmes vertigineux des routes alpines. Constable aimait les canaux tranquilles et les champs de maïs souriants ; Turner brisait la réalité pour en extraire une nouvelle libération d’énergie, des vibrations chromatiques. Constable s’est rendu sur la côte à Brighton pour faire respirer l’air marin à sa femme malade et a merveilleusement rendu la fraîcheur de l’atmosphère. Turner a dû traverser la mer, son élément de prédilection, pour en éprouver et en transmettre la puissance et la fureur.

L’héritage de l’art paysager anglais

Aucun de ces deux grands maîtres du paysage n’a eu d’influence directe dans son propre pays. Lorsque La charrette à foin «» est exposée à Paris, en France, elle fait sensation. Selon Constable (avec un manque de respect marqué pour les Français de la part d’autres peintres de l’île), cet engouement est dû au fait que "la vivacité et la fraîcheur étaient des choses inconnues des tableaux français…". Toute lacune à cet égard devait être comblée par les impressionnistes, que Constable (et son jeune compatriote Richard Parkes Bonington)) a certainement anticipés - dans la seconde moitié du 19e siècle. La combinaison des éléments de Turner était une aventure plus révolutionnaire. L’art expressionniste et abstrait de la période récente, s’il n’est pas directement influencé par lui, peut au moins se référer à son grand exemple et souligner le fait qu’il a appelé le nouveau monde de l’art à rééquilibrer l’ancien.

Les principaux événements du XIXe siècle en France

Le même vent de changement qui a permis à Turner de révolutionner l’art paysager anglais a soufflé sur la France. La peinture de paysage en plein air s’est beaucoup développée à l’école de Barbizon , à Fontainebleau près de Paris, sous Théodore Rousseau et le romantique Camille Corot . Il a exercé une influence considérable en Europe et aux États-Unis et a ouvert la voie au mouvement mondialement connu de l’ impressionnisme . Beaux exemples de peinture de paysage impressionniste en plein air : Plage à Trouville (1870, Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut), Nymphéas (1897-1926) et Étang aux nymphéas (1899, Musée d’Orsay) de Claude Monet (1840-1926) ; «Neige à Louveciennes» (1878, musée d’Orsay) de Sisley (1839-1899) ; «Chemin s’enfonçant dans les hautes herbes» (1877, musée d’Orsay) de Renoir (1841-1919) ; et «Toits rouges» (1877, musée d’Orsay) de Camille Pissarro (1830-1903). Voir aussi : Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910

Note : De nouvelles techniques de fabrication de la peinture - comme l’invention du tube de peinture en étain pliable en 1841 par l’artiste américain John Rand - permettent de conditionner les peintures à l’huile en tubes, ce qui permet aux artistes de travailler en plein air. Cela a conduit à une augmentation significative de la peinture de paysage en plein air dans le climat français plus doux.

À Melbourne, en Australie, la peinture de paysages en plein air était une spécialité de l’ École de Heidelberg dans le style de l’ Impressionnisme australien, dirigée par Tom Roberts . Parmi les autres membres importants, citons Arthur Streeton (1867-1943), Walter Holke (1854-1914), Charles Condor (1868-1909) et Fred McCubbin (1855-1917).

Le paysage est également un genre très important dans le post-impressionnisme . Parmi les belles compositions de certains des meilleurs peintres post-impressionnistes : Nocturne en bleu et vert : Chelsea (1871, Tate Gallery, Londres) de Whistler (1834-1903) ; Lac d’Annecy (1896, Courtauld Gallery, Londres) de Paul Cézanne (1839-1906) ; Paysage tahitien (1893, Minneapolis Institute of Art) de Paul Gauguin (1848-1903) ; Champ de blé avec corbeaux (1890, Van Gogh Museum, Amsterdam) de Vincent van Gogh (1853-1890) ; Dimanche après-midi sur l’île de La Grange Jatte (1886, Art Institute of Chicago) et Baigneuses à Agnières (1884, National Gallery, Londres) de Georges Seurat (1859-1891) ; «Talisman» (1888, Musée d’Orsay, Paris) de Paul Seruzier (1864-1927) ; Moulin de la Galette dans la neige (1923, collection particulière) de Maurice Utrillo (1883-1955).

Peinture de paysage américain

En Amérique , la Hudson River School of Landscape Painting est le premier groupe significatif, mené par des artistes tels que Thomas Cole (1801-1848) et Frederick Edwin Church (1826-1900), dont les peintures dépeignent les étendues vierges du nouveau continent comme des paraboles de la puissance et de la miséricorde de Dieu. Plus tard dans le siècle, il a donné naissance à la branche connue sous le nom de luminisme, illustrée par les paysages de la frontière du Missouri de George Caleb Bingham (1811-1879). Un autre peintre paysagiste américain brillant et très influent fut George Inness (1825-1894), qui contribua à définir le style impressionniste de tonalité douce.

Paysages russes

Le plus grand paysagiste russe traditionaliste - du moins en ce qui concerne le paysage forestier - est Ivan Chichkine (1832-898). Les meilleures œuvres de Chichkine sont : Hiver (1890, Musée russe, Saint-Pétersbourg), Seigle (1878, Galerie Tretiakov, Moscou), Chênaie (1887, Musée d’art russe, Kiev), Matin dans une forêt de pins (1889, Galerie Tretiakov) et Forêt de la comtesse Mordvinova à Peterhof (1891, Galerie Tretiakov). Autres peintres de Russie, dont la plupart appartiennent au mouvement paysagiste «artistes-peredvizhniki» : Isaac Levitan (1860-1900), connu pour ses Monastère solitaire («Au-dessus du repos éternel», 1894, galerie Tretyakov, Moscou) et Vladimirskaya (La route de Vladimir) (1892, Galerie Tretiakov), Automne doré (1895, Galerie Tretiakov), Inondation printanière (1897, Galerie Tretiakov), Bosquet de bouleaux (1889, Galerie Tretiakov) ; Vassili Polenov (1844-1927), pour Tribunal de Moscou (1878, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) et Étang envahi (1879, Galerie nationale Tretiakov) ; Vassili Perov (1833-82), dont le paysage le plus connu est «La dernière taverne à la porte de la ville» (1868, Galerie nationale Tretiakov, Moscou) ; et Valentin Serov (1865-1911), auteur de Étalons à l’abreuvoir de Domotkanovo (1904, galerie Tretiakov).

Paysage du XXe siècle

L’art du paysage du XXe siècle a été redéfini en tant que genre par un certain nombre de mouvements artistiques du XXe siècle. En Amérique, il s’agit notamment du Précisionnisme (années 1920), un idiome développé par Charles Demuth (1883-1935) et Charles Sheeler (1883-1965) qui se concentre sur les paysages urbains avec des bâtiments industriels ; le Scénicisme américain et le Régionalisme, qui se concentrent tous deux sur les paysages urbains des petites villes américaines - voir Charles Demuth (1883-1935) et Charles Sheeler (1883-1965). On peut également citer les structures fixes d’Edward Hopper, comme dans House by the Railway (1925, Museum of Modern Art) et Lighthouse at Two Lights (1929, Metropolitan Museum of Art) ; et le photoréalisme (années 1960-70), dont les paysages urbains ont été exécutés par des artistes tels que Ricard Estes. (р. 1932).

Par ailleurs, le land art et d’autres formes d’art environnemental ont également permis aux artistes d’exprimer leurs sentiments pour la grandeur et l’immensité de la nature. Ainsi, bien que la peinture de paysage reste populaire et continue de susciter l’intérêt des artistes et des collectionneurs, elle s’est développée dans différentes directions sans maintenir le statut atteint au dix-neuvième siècle. Cela n’est pas surprenant. La plupart des traditions artistiques ont été complètement révisées, voire balayées, par le cubisme, les deux guerres mondiales et la bombe atomique.

Paris

Bien que des artistes talentueux et de nombreux mouvements artistiques émergent en Allemagne, en Russie et en Suisse, Paris reste le centre des arts visuels modernes au début du XXe siècle. Presque tous les grands artistes occidentaux ont visité Paris, y ont travaillé ou connaissent ses modes de composition et de peinture. Le paysage continue à se développer en tant que genre en Europe, mais tous les artistes sont fortement affectés par le nouveau climat de changement politique et artistique et réagissent de différentes manières.

Paysages fauves

Maurice de Vlaminck (1876-1958), coureur cycliste et violoniste d’orchestre, a activement exploré le fauvisme au début des années 1900 avec des paysages colorés et denses. Plus tard, ces paysages se sont transformés en des compositions formulées à partir d’une palette de rouge, de bleu, de jaune et de vert. Parmi ses paysages, citons Remorqueur à Chatou (1906) ; Vue de la Seine (1906), ainsi que des vues de plusieurs villages d’hiver. L’art parisien des années 1900 a également influencé l’Américain John Marin (1870-1953), connu pour ses marines cristallines et ses représentations lyriques de la ville de New York. D’autres peintres fauves ont contribué au genre du paysage, notamment André Doeren, Albert Marquet et Othon Frieze.

Paysages cubistes

Inspiré par les paysages de Cézanne dans le style géométrique d’Aix-en-Provence (par exemple Mont Saint-Victor, 1904-06, Kunstsammlung Museum of Modern Art, Basel), Georges Braque a commencé à incorporer l’imagerie cubiste dans ses paysages ) Maisons à l’Estac, 1908, Kunstmuseum, Bern). Picasso s’inspire également de Cézanne dans ses vues de la Horta del Ebro en Espagne («Maisons sur la colline», 1909, Museum of Modern Art, New York). C’est à des éléments de ce style des premières peintures cubistes que l’historien de l’art français Louis Vauxcelles pensait en 1909 lorsqu’il a utilisé pour la première fois l’expression «bizarreries cubiques», qui a donné naissance au mot «cubisme».

Paysages expressionnistes allemands

Die Brucke (Die Brucke) était un groupe brut mais talentueux de peintres expressionnistes allemands de Dresde qui comprenait Ernst Kirchner (1880-1838), Erich Haeckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976), Max Pechstein (1881-1955), Otto Müller (1874-1930) - qui ont été influencés par les fauves, Gauguin et l’art primitif en général. Utilisant des couleurs vives et des contours audacieux, ils ont exprimé leur politique radicale dans des paysages de personnes modernes (vers 1908) et, à partir de 1911, dans des paysages urbains. Wassily Kandinsky (1866-1944), fondateur du groupe Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), pionnier russo-allemand de l’art moderne, a développé son propre type de peinture de paysage, mais à partir de 1912, il s’est orienté vers l’abstraction complète. Oskar Kokoschka (1886-1980), peintre autrichien, était connu pour ses villes et ses rivières colorées. En revanche, Max Ernst (1891-1976), peintre dadaïste et surréaliste, a créé des paysages métaphysiques et des paysages urbains à l’aide de techniques mixtes telles que l’huile et le frottage. Ses paysages ont fortement influencé Salvador Dalí, le flamboyant leader autoproclamé du mouvement surréaliste dans l’entre-deux-guerres.

Angleterre

La tradition anglaise de l’art paysager pionnier a été poursuivie par Paul Nash (1889-1946), qui a personnalisé son langage naturaliste pour donner à ses paysages un caractère transcendant, parfois apocalyptique. Graham Sutherland (1903-1980) a ajouté des accents dramatiques à ses paysages gallois de la fin des années 1930, tandis qu’Yvon Hitchens (1893-1979) a dépeint les paysages du sud de l’Angleterre d’une manière semi-abstraite, dessinée à la main.

Irlande

L’histoire de l’art irlandais révèle un certain nombre de talentueux paysagistes irlandais . Deux maîtres de la première moitié du XXe siècle sont Paul Henry (1876-1958), qui a fait sa réputation sur le ciel, la lande, la mer et la campagne de l’ouest de l’Irlande, et Jack B. Yates (1871-1957), dont les toiles de style expressionniste contiennent des paysages sombres de la côte ouest de l’Irlande. Le peintre primitif de l’île de Tory, James Dixon, est un autre représentant unique du genre. Voir aussi : La peinture en plein air en Irlande .

St Ives

Comme Newlyn avant elle, la ville de St Ives, dans l’ouest de la Cornouailles, est devenue un point de repère pour les peintres paysagistes, les sculpteurs et d’autres artistes après l’achèvement de la Great Western Railway en 1877. Lors d’une visite à St Ives en 1928, l’artiste Ben Nicholson (1894-1982) a été frappé par le caractère primitif de l’œuvre de l’artiste local Alfred Wallis. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Nicholson est revenu et s’est installé près de St Ives avec sa femme Barbara Hepworth et le sculpteur constructiviste russe Naum Gabo. Après la guerre, la ville est devenue un centre de peinture et de sculpture d’avant-garde. Parmi les membres de l’école de St Ives figurent Terry Frost, Patrick Heron, Wilhelmina Barnes-Graham, Roger Hilton, Peter Lanyon et Brian Winter, ainsi que le potier contemporain Bernard Leach. La Tate St Ives Art Gallery a ouvert ses portes en 1993 et a présenté des œuvres de cette école : «Green, Black and White Movement» (1951) de Terry Frost, Painting with Horizontal Stripes (1958) de Patrick Heron et Portleven (1951) de Peter Lanyon.

Paysages d’après-guerre

Quoi qu’il en soit, immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, l’art est devenu encore plus confus et fragmenté. De nouveaux mouvements tels que l’expressionnisme abstrait, le néo-dada, le pop art, le nouveau réalisme, le minimalisme et l’op art sont apparus pour refléter l’évolution des valeurs et des priorités créatives.

En Australie, un groupe de jeunes artistes expressionnistes menés par Russell Drysdale (1912-1981) et Sidney Nolan (1917-1992) a produit un certain nombre de paysages exceptionnels dans les années 1940 et 1950 : «Sofala» (1947, Art Gallery of New South Wales). Drysdale ; Expédition Burke et Wills (1948, Sydney Nolan Trust) Nolan.

Le paysagiste anglais Ben Nicholson s’est installé en Suisse et a basé ses paysages abstraits sur des vues de fenêtres et sur ses voyages. L’aristocrate russe Nicholas de Stael (1914-1955) a créé des formes simples dans un style paysager en utilisant des peintures colorées épaisses avant de se suicider en 1955. Le matisse américain Richard Diebenkorn (1922-1993) s’est fait connaître par ses côtes semi-abstraites innovantes, tandis que les artistes pop ont eu recours à des formules et à des signes associés au paysage et à la route. Les œuvres de David Hockney (né en 1937) sont des paysages californiens synthétisés à partir de scènes vues séquentiellement depuis sa voiture. Les artistes photoréalistes s’intéressent également à la peinture de paysages et obtiennent des résultats intéressants et mémorables.

L’art paysager du XXIe siècle

L’évolution du paysage au cours du nouveau siècle reste incertaine. Les exigences et les disciplines de l’art académique encourageront-elles un retour aux peintures traditionnelles et naturalistes, ou la vogue de l’art abstrait et discursif incorporant des figures et de l’action, ainsi que les méthodes de diffusion modernes telles que la vidéo, continueront-elles à dominer? Je me demande quels paysages Turner et Monet peindraient s’ils vivaient aujourd’hui.

Pour en savoir plus sur les différents types de peinture (portraits, paysages, natures mortes, etc.) - voir : Les genres de peinture .