Peinture de paysage: caractéristiques, histoire Automatique traduire

Définition
Dans beaux arts , le terme ’paysage’ – du mot néerlandais ’landschap’, une parcelle de terrain – décrit toute La peinture ou dessin dont le "sujet principal" est la représentation d’une vue panoramique. De tels paysages englobent des prairies, des collines, des montagnes, des vallées, des arbres, des rivières, des forêts, des vues côtières et des paysages marins. La vue représentée peut être celle d’un lieu réel ou d’une scène imaginaire ou idéalisée.

L’art du paysage: sa position dans la hiérarchie des genres

Le paysage était un genre établi dans Art chinois au quatrième siècle de notre ère, mais dans l’art occidental, la peinture de paysage ne commence réellement qu’après la Art de la Renaissance au seizième siècle. Bien sûr, de nombreux peintres, à partir de l’époque romaine, avaient inclus des vues panoramiques dans leurs peintures, mais celles-ci étaient accessoires au thème principal de la peinture. Le principal problème du paysage était qu’il occupait une très mauvaise place dans le monde universitaire. hiérarchie des genres (types de peinture). Cette hiérarchie, qui s’est cristallisée à la Renaissance, était la suivante: (1) peinture d’histoire; (2) l’art du portrait; (3) la peinture de genre, qui représente des scènes de la vie quotidienne; (4) paysage; (5) nature morte. Ces classements ont été définitivement établis en 1669 par André Felibien, secrétaire du Académie Française , dans sa préface à une série de conférences publiées qu’il a données à l’Académie. Ainsi, le monde de l’art – y compris ses mécènes, ses professeurs et ses artistes – ne prenait pas la peinture de paysage au sérieux et accordait une plus grande valeur aux œuvres historiques, aux portraits et aux tableaux de genre. En outre, la Renaissance (et plus tard les écoles «néo-classiques» et académiques) ont suivi l’art grec en donnant la primauté au corps humain, en particulier au nu. En comparaison, le paysage était un non-événement.

Histoire et développement de la peinture de paysage

En termes simples, jusqu’au début ou au milieu du XVIe siècle, le paysage figurait dans les images uniquement pour servir de cadre à l’activité humaine. La peinture peut avoir un message historique ou religieux, pour lequel le paysage n’est que l’arrière-plan. Les exemples incluent: The Annunciation (1472) de Leonardo Da Vinci; Extase de saint François (1480) de Giovanni Bellini; Naissance de Vénus (1482), par Botticelli; Repos sur la fuite en Egypte (1597) par Caravaggio; La tempête (1508) de Giorgione. Voir également Albrecht Altdorfer dont Landscape with Footbridge (1517-20, National Galley, London) est censé être le premier paysage "pur".

Voir également: Peinture chinoise .

Peinture de paysage du XVIe siècle

À ce stade, certains artistes du Nord aiment Joachim Patenier (1485-1524), Albrecht Altdorfer de la Danube School of Landscape Art , aussi bien que Albrecht Durer (1471-1528) et Pieter Bruegel l’Ancien (1525-1569), a commencé à peindre des paysages avec une plus grande indépendance. Un exemple de ceci est Chasseurs dans la neige (1565) de Bruegel. Mais même Bruegel a maintenu les traditions classiques avec son image – Paysage avec la chute d’Icare (1558) – qui comprend de beaux paysages comme fond purement du message mythologique. Le seul paysage sans équivoque du 16ème siècle est probablement Vue de Tolède (1595), par El Greco (1541-1614).

Peinture de paysage du XVIIe siècle

Malgré le nombre et la qualité des peintures de paysages du XVIe siècle, la peinture de vue n’a véritablement pris corps qu’au XVIIe siècle avec la montée en puissance des écoles néerlandaise et flamande: y compris des artistes comme le style à l’italienne Aelbert Cuyp et le style réaliste Jacob Van Ruisdael et Rubens . Voir aussi La petite rue (rue de Delft) (c.1658, Rijksmuseum, Amsterdam) de Jan Vermeer. L’artiste français basé à Rome Nicolas Poussin était un autre contributeur influent au genre, de même que l’artiste populaire Claude-Lorrain dont les compositions «claudéennes» (p. ex. Paysage avec le mariage d’Isaac et de Rebecca , 1648) comprenaient des paysages pastoraux exquis servant de décor à des thèmes religieux.

Avant d’entrer dans le XVIIIe siècle, il convient de souligner que la véritable distinction entre paysage en tant qu’ornement et paysage en tant que genre automatique n’est pas la présence d’absence de figures humaines, mais plutôt leur taille et leur fonction. Lorsque les personnages de premier plan occupent la majeure partie de la surface de l’image, le paysage n’est plus qu’un fond. C’est pourquoi Léonard de Vinci, malgré son intérêt pour le paysage, n’a pas produit de véritables peintures de paysages. Dans la vraie peinture de paysage, les figures humaines – qu’elles soient dispersées ou au premier plan – existent uniquement pour indiquer l’échelle et évoquer l’empathie du spectateur.

Peinture de paysage du XVIIIe siècle

La peinture de paysage au XVIIIe siècle a continué à se développer en réponse au climat social et politique général exacerbé par les anciens régimes en Angleterre, en France et dans le reste de l’Europe. De nouvelles attitudes vis-à-vis de l’environnement naturel ont fait leur apparition et, en Angleterre, de nouvelles traditions topologiques distinctives sont apparues, reflétant la pratique de l’aménagement paysager paysager – la modification de l’ordre de la nature en fonction des clients aristocratiques. Les peintures panoramiques n’étaient toujours pas considérées comme une fin en soi. Ils ont plutôt dépeint l’harmonie divine de la nature et une confiance tranquille dans le climat actuel de prospérité.

Angleterre

L’ordre, et non le drame, était le motif dominant dans le paysage anglais du XVIIIe siècle. Cela est illustré dans les œuvres du premier grand paysagiste britannique Richard Wilson (par exemple. La destruction des enfants de Niobé , 1760), Thomas Gainsborough (par exemple, M. et Mme Andrews , 1749), William Marlowe (par exemple, Le Pont du Gard à Nîmes , 1767), John Robert Cozens (par exemple, London From Greenwich Hill , 1791), et par le tragique Thomas Girtin (par exemple, The White House Chelsea , 1799) dont Turner a déclaré: "Si Tom Girtin avait vécu, j’aurais été affamé." Les travaux de Girtin sont illustrés par l’école anglaise de peinture de paysage, qui renferme certains des plus grands paysages jamais produits.

L’Europe 

En France, Jean-Antoine Watteau combinaison de beaux paysages et de convivialité en plein air ( fête galantes ) – voir Tableaux célèbres analysés – alors que les artistes aiment Jean-Honoré Fragonard produit un feuillage mousseux et des nuages ​​(par exemple, The Swing , 1767). En Italie, Giovanni Panini était un paysagiste contemplatif très prisé (par exemple, Ruins with Figures), contemporain de Giovanni Canaletto , le plus grand de tous les peintres ( vedutisti ) de Peinture vénitienne , connu pour ses vues topographiques précises ( vedute ) de Venise et de ses voies navigables, et pour son travail de pionnier sur perspective linéaire . Autres maîtres paysagistes italiens du XVIIIe siècle: Francesco Guardi (ex. Paysage avec ruines , 1775), Francesco Zuccarelli (ex. Un paysage fluvial à l’italienne ), et Bernardo Bellotto (ex. Vue de Varsovie depuis le château royal , 1772).

En résumé, au cours de cette période, la peinture a suscité un intérêt croissant de la part des artistes et des mécènes et est devenue un genre beaucoup plus respecté. Malgré cela, le dix-huitième siècle a vu une augmentation relativement ordonnée de l’appréciation et de la pratique du paysage, par rapport aux événements artistiques dramatiques du dix-neuvième siècle.

Peinture de paysage du XIXe siècle

Après les événements cataclysmiques de la Révolution française (environ 1789-1993) et des guerres napoléoniennes (environ 1795-1815), la peinture de paysage est devenue l’un des plus populaires. types d’art et rapidement devenu un genre pictural majeur pour les artistes, les mécènes et les collectionneurs. En fait, le 19ème siècle a produit plusieurs des plus grands paysages jamais vus. Deux traditions majeures ont émergé: l’anglais et le français, qui ont toutes deux influencé les peintres paysagistes d’Europe et d’Amérique du Nord et ont eu un impact considérable sur l’art de cette période. En Russie, le genre du paysage a trouvé son expression dans le mouvement Wanderers , fondé en 1863, alors qu’en Amérique, l’ école de Hudson River School était dominante.

NOTE: Pour voir le rôle joué par la peinture de paysage dans le développement stylistique de l’art du XIXe siècle, voir: Réalisme à impressionnisme (1830-1900).

Ecole anglaise du XIXe siècle: Chrome, Cotman, Constable, Turner

le Norwich School of Landscape Painters (actif vers 1803-1830), fondée par John Crome (1768-1821) et John Sell Cotman (1782-1842), prolongèrent la tradition luministe néerlandaise et produisirent des paysages, des scènes côtières et marines du nord de Norfolk, préférant la peinture en extérieur au travail de chevalet de studio. Puis vint l’artiste du Suffolk John Constable (1776-1837) avec des chefs-d’œuvre tels que The Hay Wain (1821), représentant l’homme et la nature existant en parfaite harmonie. Sa qualité nostalgique (nostalgie d’un monde de la vie rustique innocente qui s’en va) découle du fait que l’agriculture était alors en dépression et qu’il y avait des émeutes à la campagne.

Pendant ce temps, JMW Turner (1775-1851), le plus grand et le plus original paysagiste anglais, était arrivé sur les lieux. Aquarelliste jusqu’en 1796, il devint en 1802 le plus jeune membre à part entière de la Royal Academy de Londres. Dans les années 1800, ses vues panoramiques sont devenues beaucoup plus dramatiques et romantiques, à la fois dans leur sujet et leur sens du mouvement. C’était une approche totalement révolutionnaire de la peinture de paysage. Il a commencé à élever le paysage au rang de peinture historique en semant des images avec des actions historiques (par exemple, Hannibal et son armée traversant les Alpes , 1812) et des forces naturelles (par exemple, L’incendie des maisons de lords et des communes , 1835). À partir des années 1830, ses paysages et ses paysages marins deviennent de plus en plus libres, se concentrant principalement sur les effets atmosphériques. Au début des années 1840, certaines de ses peintures étaient de composition presque abstraite, se dissolvant dans un nuage de couleurs et de lumière (par exemple, L’aurore du christianisme ). Dans son traitement de la couleur et de la lumière, Turner anticipe l’impressionnisme.

Les œuvres dramatiques de Turner contrastaient avec les paysages pastoraux, souvent religieux, de ses contemporains. Ce dernier comprenait: l’artiste romantique allemand Caspar David Friedrich (1774-1840), dont les œuvres scéniques à petite échelle (par exemple, Paysage d’hiver , 1811) étaient pleines de symbolisme religieux; Samuel Palmer (1805-1881) et son intense vision chrétienne de la nature; et John Martin (1789-1854) dont les peintures comprenaient des scènes dramatiques de la Bible dans de vastes paysages panoramiques.

Plus tard dans le siècle, à partir de 1884, le École newlyn s’est établi à Cornwall. Cette colonie d’artistes, spécialisée dans les scènes de genre paysagères et rurales / de pêche, était dirigée par Stanhope Forbes, Frank Bramley et Norman Garstin.

Paysage anglais en perspective

Avant l’arrivée de John Constable (1776-1837) et de Joseph Mallord William Turner (1775-1851), l’École anglaise de peinture de paysage était grandement sous-évaluée. En 1761, par exemple, le critique Horace Walpole (1717-1797) écrivait (dans ses Anecdotes de la peinture): "Dans un pays si abondamment aménagé avec les agréments de la nature, il est extraordinaire que nous ayons produit si peu de bons peintres de paysages. " Il ne pouvait pas comprendre pourquoi "nos pelouses toujours verdoyantes, nos vallons riches, nos champs de foin et nos terrains de houblon sont négligés en tant que sujets". Le commentaire n’était pas entièrement justifié. Gainsborough avait déjà peint son Cornard Wood et View of Dedham avant Walpole. Une tradition topographique existait déjà dans la première moitié du siècle. Samuel Scott (vers 1702-1972) commença à peindre ses vues de Londres et de la Tamise dans les années 1730, une décennie avant que Canaletto (1697-1768) ville pour échanger quelque temps le Grand Canal à Venise contre le fleuve à Westminster NOTE: Pour une explication des peintures de paysages du XIXe siècle, comme celles de Turner et de Constable, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

L’influence classique

Il est cependant vrai que la seconde moitié du siècle a été la plus fructueuse et que les connaisseurs de l’époque ont mis du temps à s’habituer à la notion selon laquelle les artistes britanniques avaient une contribution originale à apporter. Les traditions européennes du nord et du sud ont été admirées, mais pour des raisons différentes. Le paysage "classique" qui avait grandi en Italie avait un attrait irrésistible pour les Anglais cultivés du Grand Tour . «Classique» est un mot ambigu mais il indique le respect de l’Antiquité particulièrement fort chez les artistes venus d’Europe du Nord venus en Italie, comme en témoignent leurs peintures de ruines romaines et de régions où il y avait une référence classique. Paul Bril, Adam Elsheimer et les peintres de l’école bolognaise tels qu’Annibale Carracci (1560-1609) et Domenichino (1581-1641) ajoutèrent à des arrangements décoratifs élaborés d’arbres et de lacs la suggestion d’un sujet classique dans les petites figures qu’ils introduisirent. Une autre implication du mot «classique» peut être trouvée dans le sens de l’ordre et de la mesure véhiculés par les paysages de Nicolas Poussin (1594-1665).

Il est évident qu’il y avait beaucoup de sentiments poétiques et romantiques dans ce genre de paysage, délicatement restitué dans les paysages de Claude Lorrain (1600-82), qui combinait des visions oniriques d’un passé ancien avec des effets magnifiquement observés de l’aube et du coucher du soleil. On trouvait de la poésie d’un autre genre dans les scènes sauvages et accidentées inspirées de la Calabre et peintes par Salvator Rosa (1615-1673). Claude, Poussin et Salvator étaient des noms vénérés par les connaisseurs anglais du 18ème siècle. Gaspard Dughet (1615-1675), beau-frère et admirable élève de Nicolas Poussin, adopta également le nom de «Poussin». Mais Claude en particulier était l’idole britannique; sa disposition soigneusement irrégulière des arbres et des caractéristiques architecturales étant copiée par les propriétaires cultivés de domaines et leurs jardiniers dans des arbres, des étendues d’eau et des accessoires classiques: parc anglais à l’interprétation anglaise de Claude en trois dimensions.

Influence de l’école néerlandaise

L’autre tradition était celle de la peinture néerlandaise dans son aspect plus domestique. La fierté de la possession se mêlait à des sentiments d’affection. Pour Rubens, la région autour de sa maison de campagne, le château de Steen, près de Malines, avait un intérêt personnel, le poussant à peindre chaque détail avec soin. Les peintres hollandais du XVIIe siècle eurent leur attachement patriotique à la terre arrachée à la domination étrangère. Les niveaux bordés de voies navigables, les horizontales pittoresques cassées ça et là par des moulins à vent et des parcelles de bois, toute la scène basse recouverte par le panorama mouvant des nuages ​​étaient aussi intimes et accueillantes que l’arcadie des peintres de Rome était idéalisée, et la Calabre de Salvator romantiquement sauvage.

Il y avait en Angleterre des connaisseurs aussi dévoués à l’école néerlandaise du paysage qu’au classique, à Jacob van Ruisdael (1628-82) et Meindert Hobbema (1638-1709) quant à Claude et Poussin. Une certaine similitude géographique entre la Hollande et les comtés de l’Anglian Est peut expliquer en partie le nombre de photographies hollandaises acquises par les familles riches possédant des maisons dans la région. Les paysagistes anglais ont longtemps été traités avec moins de respect. Un George Lambert (1700-1765) pourrait être employé pour représenter un manoir de la même façon qu’un portraitiste mineur pourrait être appelé pour peindre un membre de la famille, mais une imitation de Gaspard par Lambert ne pourrait évidemment pas être traitée avec le même le respect que le travail de Dughet lui-même.

Les superbes images de paysages du Suffolk peintes par Gainsborough à ses débuts sont une phase de son art qui s’est estompée sous l’impulsion qui l’a amené à déménager à Bath et à devenir un portraitiste à la mode. Le paysage de ses dernières années – l’évasion d’un citadin – n’avait aucun sens de la localité, bien qu’il possédât l’avantage correspondant de la lumière et de la masse en soi.

Richard Wilson

La carrière de Richard Wilson (1714-1782) est un exemple du destin d’un artiste extrêmement doué qui ne pouvait être que superficiellement considéré comme un imitateur des maîtres du paysage classique en Italie. Wilson réussit assez bien comme portraitiste jusqu’à ce qu’il se rende en Italie à l’âge de 36 ans. Il a travaillé à Rome et à Naples, où il a eu plusieurs élèves et a été encouragé à se concentrer sur le paysage par des artistes tels que Francesco Zuccarelli (1704-1888), peintre de pastorales décoratives. De retour à Londres après six ans, se faisant passer pour un paysagiste, il découvrit que les qualités d’ampleur et de simplicité qui rendaient ses paysages italiens étincelants véritablement originaux étaient ignorées de ceux qui souhaitaient des souvenirs plus glamour de la terre classique. Les connaisseurs ont sans doute pris le parti de Joshua Reynolds les paysages de Wilson étaient «trop proches de la nature commune» pour admettre l’inclusion des dieux et des déesses. L’arôme mythologique était ce qu’ils appréciaient. C’était la prochaine génération – et plus particulièrement la prochaine génération d’artistes – qui devait apprécier la grandeur de Wilson.

Constable et Turner

Constable à moins d’un an d’année, Constable et Turner ont également réagi aux remarquables maîtres de la tradition exposée ci-dessus. Ce qui reste des conférences de Constable sur la peinture de paysages montre dans quelle proportion il a vu le passé. C’était un spectacle de grandeur, de déclin et de réveil. Il a loué l’art "tranquille, pénétrant et studieux" de Poussin, "l’énergie noble" du Caracci, le "sentiment et la grandeur romantique" de Domenichino, la "beauté sereine" de "l’inimitable" Claude, le "sauvage et terrible "conceptions de Salvator Rosa, et la" fraîcheur et lumière rosée "de Rubens.

Pour Constable, le moulin de Rembrandt était une époque en soi bien qu’il n’ait pas omis d’éloge de Ruisdael et d’Aelbert Cuyp (1620-1691). Le déclin est celui d’hommes qui "ont perdu de vue la nature", parmi lesquels le peintre rococo François Boucher (1703-70) dont le "paysage", disait Constable, était "un rêve égaré du pittoresque". Il avait peu à dire de John Wootton (c.1686-1765) ou de George Lambert. De ces profondeurs, Wilson et Gainsborough ont sauvé la peinture de paysage aux noms de Constable, ne reconnaissant aucune distinction de mérite entre la peinture à l’huile et l’aquarelle, ont ajouté ceux des aquarellistes JR Cozens (1752-97) et Thomas Girtin (1775-1802).

Si Turner avait également exposé ce qu’il appréciait dans le passé, sa sélection de maîtres n’aurait pas été très différente de celle de Constable. Il a étudié Claude aussi intensément que Constable a étudié ses œuvres dans la collection de Sir George Beaumont. Il aurait accepté de donner une place honorable aux aquarellistes aux côtés des peintres à l’huile. N’avait-il pas travaillé avec Girtin chez le Dr. Monro et admiré Cozens lorsqu’il copiait ses vues extrêmement austères sur les Alpes?

Retour à la nature

Constable et Turner peuvent être considérés de la même manière, non seulement du point de vue de la tradition du paysage, mais aussi en reflétant consciemment ou inconsciemment l’idée d’un retour à la nature – dans les airs à l’approche de la fin du siècle et de ses anciennes urbanités et conventions. Jean-Jacques Rousseau avait avancé cette idée avec philosophie, et même la "pastorale de l’Opéra" de Boucher, telle que la décrivait avec mépris l’agent, indiquait la manière à la fois sérieuse, mais aussi frivole, dont le tribunal français était impressionné. Wordsworth a donné l’idée d’une exposition poétique en Angleterre, avec sa préface sur les principes de la poésie dans l’édition de 1800 des Ballads lyriques . Cependant, le sentiment poétique pour la nature prenait de l’élan depuis que James Thompson avait publié son recueil The Seasons cinquante ans plus tôt. Les citations annexées aux titres de ses images dans les catalogues de la Royal Academy expliquent comment ses descriptions du paysage ont stimulé Turner.

La campagne anglaise

En dépit de leur égale considération pour la nature et de nombreux points de similitude de goût, il est surprenant de se rendre compte de la différence énorme qui existait entre les deux peintres presque contemporains. Constable, le compatriote né, était un artiste des attachements locaux, à son Suffolk natal, aux terres plates et à leur grande voûte céleste de préférence aux montagnes qui animaient l’imagination romantique; et il n’avait aucune envie de sortir de l’Angleterre pour un thème ou un stimulant.

East Anglia avait une capacité particulière de retenir les sentiments des artistes nés dans la région. John Crome (1768-1821), qui passa presque toute sa vie dans sa ville natale de Norwich et fut le fondateur de la Norwich Society of Artists en 1803, devint le chef de la seule école locale d’Angleterre, était encore plus régionaliste que Gendarme. Turner, né dans le centre-ouest de Londres, était obligé de voyager dans une brique sombre et sous un ciel chargé de fumée pour acquérir une première expérience du paysage rural. Le dessin topographique qui lui a valu un succès précoce l’a amené à faire de fréquentes expéditions dans le pays, et l’agitation romantique ainsi que la demande pour des albums illustrant des lieux à l’étranger, apparus à la fin des guerres napoléoniennes, le poussaient régulièrement vers l’Europe..

En tant que romantique, il peut être mis en contraste avec Constable, le réaliste. Ce dernier travaillait habituellement directement à partir de la nature dans des esquisses à l’huile et des études conçues pour capturer de manière aussi authentique et spontanée que possible la lumière et l’atmosphère de la scène devant lui. Le romantisme de Turner lisait dans les accessoires claudesques des ruines antiques toute la tragédie du déclin et de la chute des civilisations et exultait dans les torrents écumants et les gouffres vertigineux des routes alpines. Constable se contentait de canaux calmes et de champs de maïs souriants; Turner a détruit la réalité pour en extraire une nouvelle libération d’énergies, de vibrations chromatiques. Constable est venu au bord de la mer à Brighton pour profiter de l’air marin de son épouse malade et a merveilleusement bien transmis la fraîcheur de l’atmosphère. Turner devait traverser la mer, son élément de prédilection, pour en faire l’expérience et transmettre son pouvoir et sa rage.

Héritage de l’art du paysage anglais

Aucun de ces deux maîtres suprêmes du paysage n’a eu d’influence immédiate dans leur propre pays, bien que le choc électrique de la vérité ait été immédiatement ressenti en France lors de la projection de The Hay Wain à Paris. Constable (avec une absence notable de ce respect que d’autres peintres insulaires ont montré pour les Français) a été salué par elle, en raison du fait que la vivacité et la fraîcheur étaient «des choses inconnues de leurs propres tableaux… elles négligent l’aspect de la nature tout à fait, sous ses divers changements». Les impressionnistes – à qui Constable (ainsi que son jeune compatriote) devaient remédier Richard Parkes Bonington ) certainement prévu – dans la seconde moitié du XIXe siècle. La conjonction des éléments de Turner était une aventure plus révolutionnaire. L’art expressionniste et abstrait de l’époque récente, s’il n’est pas directement influencé par lui, peut au moins se référer à son grand exemple et indiquer qu’il a appelé un nouveau monde de l’art à redresser l’équilibre de l’ancien.

Principaux développements au XIXe siècle en France

Les mêmes vents de changement qui ont aidé Turner à révolutionner l’art paysager anglais ont également balayé la France. Peinture de paysage en plein air a été grandement développé au École de Barbizon , à Fontainebleau près de Paris, sous Theodore Rousseau et le romantique Camille Corot . Il a eu une influence énorme dans toute l’Europe et les États-Unis, et a ouvert la voie au monde célèbre Impressionnisme mouvement. Beaux exemples de plein air Peinture de paysage impressionniste comprendre: La plage à Trouville (1870, Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut), Nymphéas (1897-1926) et L’étang aux nymphéas: Harmony verte (1899, Musée d’Orsay) de Claude Monet (1840-1926); Neige à Louveciennes (1878, Musée d’Orsay) de Sisley (1839-1899); Chemin menant à travers les hautes herbes (1877, Musée d’Orsay) de Renoir (1841-1919); et Les toits rouges (1877, Musée d’Orsay) de Camille Pissarro (1830-1903). Voir également: Caractéristiques de la peinture impressionniste 1870-1910.

Remarque: les nouvelles techniques de fabrication de peinture – comme l’invention du tube de peinture à l’étain pliable en 1841 de l’artiste américain John Rand – permettent à la peinture à l’huile d’être conditionnée dans des tubes, permettant ainsi aux artistes de peindre à l’extérieur. Cela a conduit à une augmentation significative de la peinture de paysage en plein air dans le climat français plus clément.

À Melbourne, en Australie, la peinture de paysage en plein air était la spécialité du École de Heidelberg de Impressionnisme australien , dirigé par Tom Roberts , dont les autres membres dirigeants inclus Arthur Streeton (1867-1943), Walter Withers (1854-1914), Charles Conder (1868-1909) et Fred McCubbin (1855-1917).

Le paysage était aussi un genre très important dans Post-impressionnisme . Belles compositions par certains des meilleurs Peintres post-impressionnistes comprennent: Nocturne in Blue and Green: Chelsea (1871, Tate Gallery, Londres) de Whistler (1834-1903); Lac d’Annecy (1896, Courtauld Gallery, Londres) de Paul Cezanne (1839-1906); Paysage tahitien (1893, Institut des arts de Minneapolis) par Paul Gauguin (1848-1903); Champ de blé aux corneilles (1890, Musée Van Gogh , Amsterdam) de Vincent Van Gogh (1853-1890); Dimanche après-midi sur l’île de La Grange Jatte (1886, Art Institute of Chicago) et Baigneurs à Asnières (1884, National Gallery, London) de Georges Seurat (1859-1891); Le talisman (1888, Musée d’Orsay, Paris) de Paul Serusier (1864-1927); Moulin de la Galette dans la neige (1923, collection privée) de Maurice Utrillo (1883-1955).

Peinture de paysage américain

En Amérique, le Hudson River School of Landscape Landscape était le premier groupe d’artistes important, dirigé par des peintres tels que Thomas Cole (1801-1848) et Frederic Edwin Church (1826-1900), dont les peintures décrivaient des étendues préservées du nouveau continent comme des paraboles du pouvoir et de la bienveillance de Dieu. Plus tard dans le siècle, il a donné naissance à une branche, connue sous le nom de Luminisme , comme en témoignent les paysages frontaliers du Missouri George Caleb Bingham (1811-1879). Un autre paysagiste américain brillant et très influent fut George Inness (1825-1894) qui ont contribué à définir le style impressionniste de flou artistique du tonalisme.

Paysages russes

Le plus grand peintre paysagiste traditionaliste russe – du moins de la forêt et des bois – était Ivan Shishkin (1832-98), dont Winter (1890, musée russe de Saint-Pétersbourg), Rye (1878, galerie Tretyakov, Moscou), Oak Grove (1887, musée de l’art russe, Kiev), Matin dans une pinède (1889, Tretyakov) et la forêt de la comtesse Mordvinova à Peterhof (1891, Tretyakov). D’autres peintres de la scène de Russie, dont la plupart appartenaient à la Mouvement de paysage errant comprennent Isaac Levitan (1860-1900), connu pour le monastère Secluded (1890, galerie Tretyakov, Moscou), et Vladimirka (La route de Vladimir) (1892, Tretyakov), Automne doré (1895, Tretyakov), Inondation printanière (1897), Tretyakov) et Birch Grove (1889, Tretyakov); Vasily Polenov (1844-1927), responsable de la cour de Moscou (1878, galerie Tretyakov, Moscou) et de l’ étang envahi par la végétation (1879, galerie Tretyakov); Vasily Perov (1833-82), dont le paysage le plus célèbre est La dernière taverne à la porte de la ville (1868, galerie Tretiakov, Moscou); et Valentin Serov (1865-1911) noté pour Colts à un point d’eau, Domotkanovo (1904, Tretyakov).

Art du paysage du XXe siècle

L’art du paysage du XXe siècle a été redéfini en tant que genre par un certain nombre de mouvements du XXe siècle. En Amérique, ceux-ci incluent: Le précisionisme (Années 1920) un idiome développé par Charles Demuth (1883-1935) et Charles Sheeler (1883-1965) axé sur les paysages urbains comportant des bâtiments industriels; Peinture de scène américaine et régionalisme centrés sur les paysages urbains des petites villes d’Amérique – voir aussi les structures immobiles de Edward Hopper comme dans House by the Railroad (1925, musée d’art moderne) et Phare à deux lumières (1929, Metropolitan Museum); et le photoréalisme (années 1960-1970), dont les paysages urbains ont été réalisés par des peintres tels que Ricard Estes (b.1932).

Pendant ce temps, art terrestre / travaux de la terre et d’autres formes d’art environnemental ont permis aux artistes d’exprimer leurs sentiments pour la grandeur et les immensités de la nature. Ainsi, si la peinture de paysage reste populaire et continue de susciter l’intérêt des artistes et des collectionneurs, elle s’est développée dans diverses directions sans conserver le statut qu’elle avait atteint au XIXe siècle. Ce n’est pas surprenant. La plupart des traditions artistiques ont été totalement redéfinies, voire balayées par le cubisme, les deux guerres mondiales et la bombe atomique.

Paris

Bien que des peintres talentueux et de nombreux mouvements artistiques fussent en train de naître en Allemagne, en Russie et en Suisse, Paris était toujours le centre de l’art visuel moderne, au début du XXe siècle. Presque tous les artistes occidentaux importants se sont rendus à Paris, y ont travaillé ou étaient au courant de ses modes de composition et de technique de peinture. Le paysage a continué à se développer en tant que genre en Europe, mais tous les peintres ont été fortement touchés par le nouveau climat de changement politique et artistique, et ont réagi de différentes manières.

Paysages Fauvistes

Maurice de Vlaminck (1876-1958), le coureur cycliste et violoniste orchestral, explore activement Le fauvisme au début des années 1900, avec des paysages colorés à la peinture épaisse. Plus tard, ces compositions ont dégénéré en compositions basées sur une palette de rouge, de bleu, de jaune et de vert. Ses paysages comprennent: le remorqueur à Chatou (1906); Vue sur la Seine (1906), ainsi que plusieurs campagnes hivernales. L’art parisien des années 1900 a également influencé l’américain John Marin (1870-1953), connu pour ses paysages marins cristallins et sa représentation lyrique de New York. Parmi les autres peintres fauvistes qui ont contribué au genre du paysage, citons André Derain, Albert Marquet et Othon Friesz.

Paysages cubistes (1908)

S’inspirant des paysages géométriques de Cézanne à Aix-en-Provence ( Mont Sainte-Victoire , 1904-1906, Kunstsammlung, Bâle), Georges Braque a commencé à inclure des images cubistes dans ses paysages de L’Estaque ( Maisons de L’Estaque , 1908, Kunstmuseum, Bern). Picasso imitait également Cézanne dans ses vues sur Horta del Ebro en Espagne ( Maisons sur la colline , 1909, Museum of Modern Art, New York). C’était des éléments de ce style de début de la peinture cubiste à laquelle le critique d’art français Louis Vauxcelles Il se référait en 1909, lorsqu’il utilisa pour la première fois l’expression «bizarreries cubiques» – qui conduisit au mot cubisme.

Paysages expressionnistes allemands

Die Brucke était un groupe brut mais talentueux de peintres expressionnistes allemands basés à Dresde – comprenant, Ernst Kirchner (1880-1838), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rotluff (1884-1976), Max Pechstein (1881-1955), Otto Mueller (1874-1930) – influencés par les fauvistes, Gauguin et l’art primitif en général. À l’aide de couleurs vives et de contours audacieux, ils ont exprimé leur politique radicale dans les paysages des peuples modernes (vers 1908) et, à partir de 1911, dans les paysages urbains. Wassily Kandinsky (1866-1944), fondateur de Der Blaue Reiter , un pionnier allemand de l’art moderne, a développé une forme de peinture de paysage, mais à partir de 1912, il est passé à une abstraction complète. Oskar Kokoschka (1886-1980), artiste autrichien, était connu pour ses villes colorées et ses rivières. En revanche, Max Ernst (1891-1976), le peintre dada / surréaliste a créé des paysages métaphysiques et des paysages urbains sous diverses formes, notamment des huiles et du frottage. Ses paysages ont fortement influencé Salvador Dali , le soi-disant flamboyant leader du mouvement surréaliste dans l’entre-deux-guerres.

Angleterre

La tradition anglaise d’art paysager innovant s’est poursuivie Paul Nash (1889-1946) qui a personnalisé son idiome naturaliste pour donner à ses paysages une qualité transcendante parfois apocalyptique. Graham Sutherland (1903-1980) ajouta des notes dramatiques à ses paysages gallois de la fin des années 1930, tandis qu’Ivon Hitchens (1893-1979) décrivait les paysages du sud de l’Angleterre en termes de mains libres semi-abstraits.

Irlande

L’histoire de l’art irlandais révèle un certain nombre de talents Paysagistes irlandais . Deux maîtres de la première moitié du vingtième siècle incluent Paul Henry (1876-1958), qui a bâti sa réputation sur le ciel, la tourbière, la mer et la campagne de l’ouest de l’Irlande, et Jack B Yeats (1871-1957), dont les toiles expressionnistes incluaient des paysages de mauvaise humeur de la côte ouest de l’Irlande. Le peintre primitif Tory Island, James Dixon, était un autre représentant unique du genre. Voir également: Peinture en plein air en Irlande .

Ecole St Ives

Comme Newlyn auparavant, St Ives, une ville de l’ouest des Cornouailles, devint un phare pour les peintres paysagistes, sculpteurs et autres artistes après l’achèvement du Great Western Railway, en 1877. Lors d’une visite à St Ives en 1928, le peintre Ben Nicholson (1894-1982) a été frappé par le travail primitif de l’artiste local Alfred Wallis. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Nicholson rentre et s’installe près de St Ives avec son épouse Barbara Hepworth et le sculpteur constructiviste russe Naum Gabo. Après la guerre, la ville devint un centre de peinture et de sculpture d’avant-garde. Membres de Ecole St Ives inclus, Terry Frost, Patrick Heron , Wilhelmina Barns-Graham, Roger Hilton, Peter Lanyon et Bryan Wynter, ainsi que le potier moderne Bernard Leach. En 1993, la galerie d’art Tate St Ives a ouvert ses portes pour présenter les œuvres de l’école St Ives. Parmi les œuvres d’art importantes figurent: Mouvement vert, noir et blanc (1951) de Terry Frost, Peinture à rayures horizontales (1958) de Patrick Heron et Porthleven (1951) de Peter Lanyon.

Paysages d’après-guerre

Au contraire, l’art après la Seconde Guerre mondiale était encore plus confus et décousu. De nouveaux mouvements tels que l’expressionnisme abstrait, le néo-dada, le pop-art, le nouveau réalisme, le mimimalisme, l’op art ont vu le jour pour refléter l’évolution des valeurs et des priorités créatives.

En Australie, un groupe de jeunes artistes expressionnistes, dirigé par Russell Drysdale (1912-1981) et Sidney Nolan (1917-1992), a produit une gamme de peintures de paysages exceptionnels dans les années 1940 et 1950. Les exemples incluent: Sofala (1947, galerie d’art de la Nouvelle-Galles du Sud ) par Drysdale; et Burke and Wills Expedition (1948, Sidney Nolan Trust) de Nolan.

Le paysagiste anglais Ben Nicholson s’est installé en Suisse et a basé ses paysages abstraits sur des vues de ses fenêtres et de ses voyages. L’aristocrate russe sous-estimé Nicolas de Stael (1914-1955) produisit des formes simples de style paysage avec une peinture épaisse de couleur, avant de se suicider en 1955. L’Américain Matisse, Richard Diebenkorn (1922-1993) s’est fait connaître par ses côtes novatrices semi-abstraites, tandis que les artistes pop panneaux associés au paysage et à la route. Travaux de David Hockney (né en 1937), brillant garçon et observateur du Yorkshire, a inclus des paysages californiens synthétisés à partir de scènes vues successivement depuis sa voiture. Les artistes photoréalistes se sont également tournés vers la peinture de paysage avec des résultats intéressants et évocateurs.

L’art du paysage au XXIe siècle

On ne sait toujours pas comment le paysage se développera au XXIe siècle. Est-ce que les exigences et les disciplines de Art académique stimuler un retour aux toiles traditionnelles et naturalistes, ou la mode de l’art abstrait et discursif – impliquant des figures et des actions, ainsi que des méthodes de diffusion modernes comme la vidéo – continuera-t-elle à dominer? On se demande quel type de paysages Turner et Monet peindraient s’ils étaient encore vivants.