Histoire de l’art: origines, évolution des arts visuels Automatique traduire

Un aperçu chronologique des principaux mouvements, styles, périodes et artistes qui ont contribué à l’évolution et au développement des arts visuels.

L’art préhistorique provient de trois époques préhistoriques : le paléolithique, le mésolithique et le néolithique. L’art le plus ancien enregistré est les pétroglyphes de Bhimbetka (un ensemble de 10 cupules avec des gravures ou des sillons) trouvés dans l’abri de pierre en quartzite connu sous le nom d’Auditorium Cave à Bhimbetka en Inde centrale, datant d’au moins 290 000 avant JC. Cependant, il se pourrait qu’elles soient beaucoup plus anciennes (environ 700 000 av. J.-C.). Cet art rupestre primitif a été suivi par des figurines simples - comme la Vénus de Berehat Ram (Golan) et la Vénus de Tan-Tan (Maroc), et de 80 000 av. J.-C., des gravures sur les grottes de pierre de Blombos et dans les cupules de l’abri-sous-roche de Dordogne à La Ferrassi. La culture et la créativité préhistoriques sont étroitement liées à la taille et à l’efficacité du cerveau, qui influencent directement les fonctions «supérieures» telles que le langage, l’expression créative et, en fin de compte, l’esthétique. Ainsi, avec l’émergence de peintres et sculpteurs «modernes» appartenant à l’espèce homo sapiens (à partir de 50 000 av. J.-C.), tels que l’homme de Cro-Magnon et l’homme de Grimaldi, on assiste à un essor important de magnifiques sculptures et peintures du Paléolithique supérieur en France et dans la péninsule ibérique. Elle comprend un certain nombre de figurines miniatures de «Vénus «obèse» (par exemple Vénus Willendorf, Kostenka, Montpazier, Dolni Vestonice, Moravana, Brassempuis, Gagarino, pour n’en citer que quelques-uns), et les figures en ivoire sculpté du mammouth trouvées dans les grottes de Vogelherd et de Hole Fels dans le Jura souabe. Mais le plus grand art de la préhistoire &ndash ; ce sont les peintures rupestres de Chauvet, Lascaux et Altamira.

Voici un rapide aperçu chronologique des principales époques, périodes et mouvements de l’histoire de l’art.

ART DE LA PIERRE
Afrique, Europe, Asie
Océanique Paléolithique inférieur : 2,5mn - 200 000
Paléolithique moyen : 200 000 - 40 000 ans
Paléolithique supérieur : 40 000 - 10 000.
Mésolithique, Europe : ca. 10 000 - 4000
Néolithique, Europe &ndash ; ca. 4000-2000

Âge du bronze
Culture et art sumériens : ~3500 av. J.-C.
Civilisation perse : ~3500.
Tombes de Newgrange : ~3300.
Culture et art égyptiens : ~3100.
Pyramides égyptiennes : ~2700-1800 B.C.
Culture et art minoens : ~2100.
Empire babylonien : ~1800.

Âge du fer ART
Culture mycénienne : ~1500-1100
Civilisation grecque : ~600-27
- Période archaïque : ~600-500
- Période classique : ~500-323.
- Période hellénistique : env. 323-27
Art étrusque : env. 700-90
Celtique Hallstatt : env. 600-450
Celtique La Tène : env. 450-150
Art romain : env. 200 av. - 400 APRÈS J.-C.

Âge des ténèbres, art du Moyen Âge
Art byzantin : ca. 330-1450 CE
Art chrétien irlandais : ca. 600-1100
Carolingiens et Ottons : ca. 775-1050
Culture romane : ca. 800-1200
Culture gothique : ca. 1150-1400

RENAISSANCE
Proto-Renaissance : vers 1300-1400
Début de la Renaissance : vers 1400-1490
Haute Renaissance : vers 1490-1530
Renaissance du Nord : vers 1400-1530
Maniérisme : vers 1530-1600

POST-RENAISSANCE
Baroque : ~1600-1700
Réalisme hollandais : ~1600-1700
Rococo : ~1700-1789
Néoclassicisme : à partir de ~1790
Romantisme : à partir de ~1790
Réalisme : à partir de ~1830.

ART MODERNE
Préraphaélites 1848
Impressionnisme 1870
Néo-impressionnisme 1870
Newlyn School 1880s
Moderne fin 19ème siècle
Symbolisme fin 19ème siècle
Post-impressionnisme 1880s
Néo-impressionnisme 1880s
Néo-impressionnisme 1880s
Néo-impressionnisme 1880s
Newlyn School 1880s
Modernisme fin 19ème siècle
Symbolisme fin 19ème siècle
Post-impressionnisme 1880s
Néo-impressionnisme 1880s
Néo-impressionnisme 1880s

Le Fauve 1898-1908
Art expressionniste 1900s
Die Brucke 1905-11
Der Blaue Reiter 1911-14
École Ashcan 1892-1919
Cubisme 1908-1920
Orphisme 1912-16
Purisme 1920s
Précision 1920s
Collage 1912.
Futurisme 1909-1914
Lucisme 1910-20
Suprématisme 1913-1920s
Constructivisme 1917-21
Vorticisme 1913-15
Mouvement Dada 1916-1924
De Stijl 1917-31
École du Bauhaus 1919-1933
Néoplasticisme 1920-40
Art déco 1920s, 30s
École de Paris 1900.
Neue Sachlichkeit 1920s
Surréalisme 1924.
Réalisme magique 1920
Entartete Kunst 1930s
Réalisme social 1920s, 30s
Réalisme social 1929
Réalisme socialiste 1929
École de St Ives 1930s
Néoromantisme : à partir des années 1930s
Abstraction organique 1940-65
Art existentiel 1940s, 50s
Expressionnisme abstrait ca. 1944-64
Art Informel c.1946-60
Tachisme1940s, 50s
Arte Nucleare 1951-60
Kitchen sink art mid 1950s
Assemblage 1953
Neo-Dada 1950s
Op art, optical art 1960s
Pop art 1958-72
New Realism 1960s
Post-paintly abstraction 1960s
Feminist art 1960s

ART MODERNE
Conceptualisme 1960
Art de la performance 1960
Installation 1960
Art vidéo 1960
Minimalisme 1960
Photoréalisme 1960, 1970
Environmental Land Art 1960
Surfaces flexibles ca. 1966-72
Postmodernisme 1970
Post-minimalisme 1971
Nouvelle subjectivité 1970
École de Londres 1970
Graffiti 1970
Transavanguardia 1979
Néo-expressionnisme 1980
Britart YBA 1980
Néo-pop fin des années 1980
Stuckism 1999

Revenons à l’art rupestre. Ces peintures murales étaient réalisées dans des grottes réservées comme une sorte de galerie d’art préhistorique, où les artistes ont commencé à peindre des animaux et des scènes de chasse, ainsi que divers motifs abstraits ou symboliques. En France, il s’agit des images monochromes d’animaux et de dessins abstraits de la grotte Chauvet, des pochoirs à main de la grotte Cosquer et des images polychromes au fusain et à l’ocre de Peche-Merle et de Lascaux . En Espagne, il s’agit de représentations polychromes de bisons et de cerfs dans la grotte d’Altamira . En dehors de l’Europe, les principaux exemples d’art rupestre comprennent l’art aborigène des Ubirra (30 000 av. J.-C.), les dessins au charbon de bois et à l’ocre de figures animales dans la grotte d’Apollon (à partir de 25 500 av. J.-C.) en Namibie . E.) en Namibie, les peintures de Bradshaw (17 000 av. J.-C.) en Australie occidentale, et les représentations de pochoirs de mains «» dans Cuevas de las Manos (grotte des mains) (9.500 av. J.-C.) en Argentine, et bien d’autres encore.

L’art mésolithique (c. 10 000 - 4000 BC)

Dans le contexte d’un nouveau climat, de conditions de vie améliorées et de modèles de comportement correspondants, l’art mésolithique accorde plus de place aux figures humaines, fait preuve d’une observation plus méticuleuse et d’une narration plus poussée dans ses peintures. Il passe également des grottes aux espaces ouverts dans de nombreux endroits d’Europe, d’Asie, d’Afrique, d’Australie et d’Amérique, en raison du réchauffement du climat. Les œuvres mésolithiques comprennent les peintures rupestres des Bushmen dans la région de Waterberg en Afrique du Sud, les peintures des abris sous roche de Bhimbetka en Inde, et l’art aborigène australien de l’Arnhemland . Il existe également un art plus tridimensionnel, comprenant des bas-reliefs et des sculptures indépendantes. Les figures anthropomorphes trouvées à Nevali Kori et Göbekli Töpe près d’Urfa en Asie Mineure orientale, et les statues de Lepenski Vir (par exemple le Dieu des poissons) en Serbie en sont des exemples. D’autres exemples d’art portatif mésolithique sont des bracelets, des galets peints et des motifs décoratifs sur des objets fonctionnels, ainsi que d’anciennes poteries de la culture japonaise Jomon . L’une des plus grandes œuvres de l’art mésolithique &ndash ; la sculpture « Le Penseur de Cernavoda» de Roumanie.

L’art néolithique (vers 4000-2000 av. J.-C.)

L’ère néolithique, plus «sédentaire» et densément peuplée, a vu l’essor d’artisanats tels que la poterie et le tissage . Il est apparu au Mésolithique à partir d’environ 9000 ans avant notre ère dans les villages du sud de l’Asie, puis s’est épanoui dans les vallées des fleuves Huang He et Yangtze en Chine (environ 7500 ans avant notre ère) &ndash ; cf. L’art néolithique en Chine &ndash ; puis dans le croissant fertile de la vallée du Tigre et de l’Euphrate au Moyen-Orient (vers 7000) &ndash ; «le berceau de la civilisation» &ndash ; avant de se répandre en Inde (vers 5000), en Europe (vers 4000), en Chine (3500) et dans les Amériques (vers 2500). Bien qu’une grande partie de l’art soit restée de nature fonctionnelle, l’accent a été mis sur l’ornementation et la décoration. Par exemple, la calligraphie &ndash ; l’un des plus grands exemples de l’art chinois &ndash ; apparaît pour la première fois à cette période. Voir : Chronologie de l’art chinois .

L’art néolithique comprend également des sculptures indépendantes, des statuettes en bronze (en particulier Civilisation de la vallée de l’Indus), des bijoux primitifs et des motifs décoratifs sur divers artefacts. La forme d’art la plus impressionnante de la fin du Néolithique était l’architecture : avec de grandes structures en pierre appelées mégalithes, allant des pyramides égyptiennes aux tombes à passage du nord de l’Europe comme Newgrange et Knowth en Irlande, et des agrégats de grandes pierres dressées (menhirs) comme au cercle de pierres de Stonehenge et au cercle d’Avebury en Angleterre. (Pour plus d’informations, voir : l’art mégalithique). Cependant, le principal matériau de l’art néolithique était la poterie, dont les meilleurs exemples ont été produits dans la région mésopotamienne (voir Art mésopotamien) et dans l’est de la Méditerranée. Pour une chronologie plus détaillée, voir : Chronologie de la poterie . Vers la fin de cette ère, des systèmes d’écriture hiéroglyphique apparaissent à Sumer, marquant la fin de la préhistoire.

Pour en savoir plus sur la peinture, la sculpture, l’architecture et l’artisanat préhistoriques de cette période, voir : L’art de l’âge de pierre .

Les exemples les plus célèbres de l’art de l’âge du bronze sont apparus dans «le berceau de la civilisation» méditerranéenne au Moyen-Orient, lors de l’essor de la Mésopotamie (l’Irak moderne), de la Grèce, de la Crète (civilisation minoenne) et de l’Égypte. L’essor des villes, l’utilisation de langues écrites et le développement d’outils plus sophistiqués ont conduit à la création d’un éventail beaucoup plus large d’œuvres d’art monumentales et portatives.

L’art égyptien (à partir de 3100 avant notre ère)

L’Égypte, sans doute la plus grande civilisation de l’histoire de l’art antique, a été la première culture à adopter un style artistique reconnaissable. Les artistes égyptiens représentaient la tête, les jambes et les pieds de leur peuple de profil, tandis que les yeux, les épaules, les bras et le torse étaient représentés de face. D’autres conventions artistiques établissaient comment les dieux, les pharaons et les gens ordinaires devaient être représentés, en réglementant des éléments tels que la taille, la couleur et la position figurative. Une série de remarquables dessins égyptiens à la cire, connus sous le nom de portraits du Fayoum, offrent un aperçu fascinant de la culture hellénistique de l’Égypte ancienne. En outre, le style unique de l’architecture égyptienne était représenté par une série de chambres funéraires massives en pierre à l’intérieur des pyramides. L’expertise égyptienne en matière de pierre a eu une influence considérable sur l’architecture grecque ultérieure. Parmi les pyramides égyptiennes célèbres, citons : la pyramide à degrés de Djéser (vers 2630 av. J.-C.) et la grande pyramide de Gizeh (vers 2550 av. J.-C.), également appelée pyramide de Khéops ou «pyramide de Khéops».

L’art sumérien (à partir de 3500 av. J.-C.)

En Mésopotamie et dans l’ancienne Perse, les Sumériens ont développé leur propre construction &ndash ; une forme alternative de pyramide à degrés appelée la ziggourat . Il ne s’agissait pas de chambres funéraires mais de monts artificiels destinés à rapprocher les souverains et les peuples de leurs dieux qui, selon la légende, vivaient dans les montagnes à l’est. Les ziggourats étaient construites en briques d’argile, généralement décorées de glaçures colorées. Voir Art sumérien (vers 4500-2270 av. J.-C.).

Art perse (à partir de 3500 av. J.-C.)

Pendant la plus grande partie de l’Antiquité , l’art de la Perse antique était étroitement lié à celui de ses voisins, en particulier la Mésopotamie (l’Irak moderne), et a été influencé &ndash ; et influencé par &ndash ; l’art grec. Les premières œuvres d’art portatives perses comprennent des poteries complexes de Suse et de Persépolis (vers 3000 av. J.-C.), mais deux périodes importantes de l’art perse sont l’ère achéménide (vers 550-330 av. J.-C.), illustrée par les monuments de la ville de Suse et de Persépolis.), illustrée par les palais monumentaux de Persépolis et de Suse, décorés de sculptures, de reliefs en pierre et de la célèbre «Frise des archers» (Louvre, Paris), réalisée en briques émaillées &ndash ; et l’ère sassanide (226-650 avant J.-C.) &ndash ; et l’ère sassanide (226-650 avant J.-C.). J.-C.) &ndash ; connue pour ses mosaïques hautement décoratives de pierre, d’or et d’argent, sa vaisselle, ses fresques et ses manuscrits enluminés, ainsi que son artisanat tel que la fabrication de tapis et le tissage de la soie . Mais les plus grands vestiges de l’art sassanide &ndash ; sont les sculptures rupestres taillées dans des falaises calcaires abruptes à Tak-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-i-Rostam et Naqsh-i-Rajab.

L’art minoen (2100-1425 av. J.-C.)

Le premier volet important de l’art égéen créé en Crète par les Minoens trouve ses racines dans son architecture palatiale à Knossos, Festa, Akrotiri, Kato Zakros et Mallia, qui ont été construits en combinant la pierre, la brique crue et le plâtre, et décorés de fresques et de peintures colorées représentant des symboles d’animaux mythologiques (par exemple le taureau) ainsi qu’un certain nombre de récits mythologiques. La sculpture sur pierre (en particulier les sceaux en pierre) et le travail des métaux précieux ont également prospéré à l’époque de l’art minoen. La période proto-spatiale minoenne (vers 1700 av. J.-C.), qui s’est achevée par un tremblement de terre majeur, a été suivie d’une période néo-spatiale encore plus ornée (vers 1700-1425 av. J.-C.), qui a connu une culture florissante avant de s’achever par une série de tremblements de terre en 1425. Les artisans minoens sont également connus pour leurs poteries et vases peints aux nombreux motifs marins. Cet accent mis sur la nature et les événements &ndash ; plutôt que sur les dirigeants et les divinités &ndash ; est également évident dans les fresques et les sculptures des palais minoens.

Travail du métal à l’âge du bronze

Nommé d’après le métal qui lui a permis de s’épanouir, l’âge du bronze a vu naître de nombreux objets métalliques remarquables, réalisés dans une grande variété de matériaux. Deux chefs-d’œuvre exceptionnels illustrent cette forme de métallurgie : «Le bélier dans le fourré» (vers 2500 av. J.-C., British Museum, Londres) &ndash ; une petite sculpture irakienne faite de feuilles d’or, de cuivre, de lapis-lazuli et de calcaire rouge ; et «Taureau en or de Maikop» (vers 2500 av. J.-C., Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) &ndash ; une sculpture miniature en or de Maikop, Caucase du Nord, Russie. Voir aussi Art assyrien (vers 1500-612 avant J.-C.) et Art hittite (vers 1600-1180 avant J.-C.). Cette période voit également l’apparition de céramiques chinoises en bronze (à partir de 1750 av. J.-C.), sous forme de plaques et de sculptures en bronze, souvent décorées de jade, provenant du bassin du fleuve Jaune (Huang He) dans la province du Henan, en Chine centrale.

Pour des informations sur les civilisations de l’âge du bronze en Amérique du Nord et du Sud, voir «Art précolombien», couvrant les arts et l’artisanat des cultures mésoaméricaines et sud-américaines.

Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat de cette période, voir : L’art de l’âge du bronze .

Histoire de l’art de l’âge du fer et de l’Antiquité classique (c. 1500-200 av. J.-C.)

L’art de l’Antiquité classique connaît à cette époque un formidable essor, notamment en Grèce et dans toute la Méditerranée orientale. Il coïncide avec l’essor de la culture hellénique (influencée par la Grèce).

L’art mycénien (vers 1500-1100 av. J.-C.)

Bien que Mycènes soit une cité indépendante du Péloponnèse grec, le terme «culture mycénienne» est parfois utilisé pour décrire l’art grec en général à la fin de l’âge du bronze. D’abord très fortement influencé par la culture minoenne, l’art mycénien a progressivement trouvé son propre équilibre entre le naturalisme vivant de la Crète et le langage artistique plus formel du continent, comme en témoignent de nombreuses fresques à la détrempe, des sculptures, des céramiques, des pierres précieuses taillées, des bijoux, du verre et du travail des métaux précieux. En outre, contrairement à la culture minoenne «et au commerce maritime», les Mycéniens étaient des guerriers, et leur art était donc principalement destiné à glorifier leurs souverains séculiers. On trouve ainsi plusieurs tombes à tholos remplies d’objets en or, d’armes ornementales et de bijoux.

L’art grec ancien (ca. 1100-100 av. J.-C.)

L’art grec ancien est traditionnellement divisé en plusieurs périodes :
❶ Le Moyen Âge (ca. 1100-900 av. J.-C.).
❷ La période géométrique (vers 900-700 av. J.-C.).
❸ La période du style oriental (vers 700-625 av. J.-C.).
❹ La période archaïque (vers 625-500 av. J.-C.).
❺ La période classique (vers 500-323 avant notre ère).
❻ La période hellénistique (323-100 av. J.-C.). Malheureusement, la quasi-totalité de la peinture grecque et la plupart de la sculpture grecque ont été perdues, ne nous laissant qu’une collection de ruines ou de copies romaines. L’architecture grecque nous est également largement connue par ses ruines. Malgré ce minuscule héritage, les artistes grecs sont toujours tenus en haute estime, ce qui témoigne de leur capacité d’innovation.

Comme tous les maîtres méditerranéens, les Grecs anciens ont emprunté un certain nombre de techniques artistiques importantes à leurs voisins et partenaires commerciaux. Malgré cela, après la mort de l’empereur macédonien Alexandre le Grand en 323 avant J.-C., l’art grec était généralement considéré comme le meilleur jamais produit. Même les Romains, malgré leurs superbes compétences techniques et militaires, n’ont jamais pu surmonter leur sentiment d’infériorité face à l’artisanat grec et (heureusement pour nous) ont copié avec diligence les œuvres d’art grecques. Dix-sept siècles plus tard, l’architecture, les reliefs sculptés, les statues et les céramiques grecques seront redécouverts pendant la Renaissance italienne et deviendront la pierre angulaire de l’art occidental pendant plus de 400 ans.

L’âge des ténèbres

Après la chute de la civilisation mycénienne (XIIe siècle av. J.-C.), la Grèce entre dans une période de déclin connue sous le nom d’âge des ténèbres, ainsi nommée parce qu’on en sait très peu sur elle. La sculpture, la peinture et l’architecture monumentale ont pratiquement disparu.

La période géométrique

Puis, à partir d’environ 900 avant notre ère, ces arts (créés principalement pour les familles aristocratiques qui ont accédé au pouvoir au Moyen Âge) réapparaissent à la période géométrique, nommée d’après les motifs décoratifs de ses poteries.

Période orientale

La période suivante d’orientalisation est caractérisée par l’influence des motifs du Proche-Orient, en particulier les motifs curvilignes, zoomorphes et floraux.

Période archaïque

La période archaïque est une période d’expérimentation progressive ; la forme sculpturale la plus appréciée est le kouros (pluriel kouroi), ou homme nu debout. Vient ensuite la période classique, qui représente l’apogée de l’art grec.

Période classique.

L’architecture grecque s’est épanouie sur un système «d’ordres classiques» (dorique, ionique et corinthien), ou règles de conception des bâtiments basées sur les proportions des parties individuelles et les relations entre elles. Le complexe Parthénon sur l’Acropole d’Athènes est l’exemple suprême de l’architecture grecque classique : d’autres exemples célèbres sont le temple de Zeus à Olympie, le temple d’Héphaïstos, le temple d’Athéna Nike, le théâtre de Delphes et le temple de Tholos Athéna Pronée. Dans le domaine des arts plastiques, les grands sculpteurs grecs classiques tels que Polyclète, Myron et Phidias ont fait preuve d’une maîtrise du réalisme qui restera inégalée jusqu’à la Renaissance italienne. Mais la peinture reste la forme d’art la plus respectée &ndash ; en particulier la peinture sur panneau à la détrempe ou à l’encaustique &ndash ; des artistes grecs célèbres tels que Zeuxis, Apelles et Parrhasius ajoutent de nouvelles techniques de mise en évidence, d’ombrage et de coloration.

L’hellénisme

Le début de la dernière phase de l’hellénisme coïncide avec la mort d’Alexandre et l’incorporation de l’Empire perse au monde grec. Sur le plan stylistique, le réalisme classique cède la place à plus de solennité et d’héroïsme (illustrés par la statue massive «Colosse de Rhodes», de la même taille que la Statue de la Liberté), ainsi qu’à un expressionnisme croissant. Cette période se caractérise par la diffusion de la culture grecque (hellénisation) dans l’ensemble du monde civilisé, y compris les techniques de sculpture et l’art de la mosaïque . Parmi les célèbres sculptures hellénistiques, on peut citer : la célèbre «Vénus de Milos», «Gaulois mourant» d’Épigone ; l’autel de Zeus de Pergame (v.166-156 J.-C.) ; «la Victoire ailée de Samothrace» ; et «Laocoon et ses fils» Hagesandra, Polydore et Athénodore.

La poterie grecque

La poterie grecque est apparue beaucoup plus tôt que les autres formes d’art : vers 3000 av. J.-C., le Péloponnèse était déjà un centre de poterie de premier plan. Plus tard, après la conquête de la Grèce continentale par des tribus indo-européennes vers 2100 avant J.-C., une nouvelle forme de poterie connue sous le nom de poterie de Minya a été introduite. Il s’agit du premier type de poterie grecque fabriqué sur le tour du potier. Malgré cela, la poterie minoenne, avec son nouveau style «foncé sur clair», a prévalu en Crète au cours du deuxième millénaire avant J.-C.. Après cela, les potiers grecs ont repris l’initiative, introduisant une série d’innovations frappantes, notamment : la poterie magnifiquement proportionnée de style géométrique (900-725), ainsi que les styles oriental (725-600), à figures noires (600-480) et à figures rouges (530-480). Parmi les céramistes grecs célèbres, on peut citer Exekius, Cleitius, Ergotimus, Nearchos, Lydos, le peintre Amasis, Andokides, Euthymides et Sophilus (tous à figures noires), et Duris, Brigos et Onysimus (à figures rouges).

L’art étrusque (vers 700-90 av. J.-C.)

En Étrurie, en Italie, l’ancienne culture villanovienne a cédé la place à la civilisation étrusque vers 700 avant J.-C. Celle-ci a atteint son apogée au VIe siècle avant J.-C. lorsque les cités-États ont pris le contrôle de l’Italie centrale. Comme les Égyptiens, mais contrairement aux Grecs, les Étrusques croyaient en une vie après la mort, de sorte que les tombes et l’art funéraire étaient une caractéristique de la culture étrusque. Les artistes étrusques étaient également connus pour leurs sculptures figuratives en pierre, en terre cuite et en bronze. L’art étrusque est surtout célèbre pour sa «Joie de vivre» (joie de vivre), comme les fresques vivantes des peintures murales, surtout dans les villas des riches. En outre, le savoir-faire des joailliers étrusques était très apprécié dans toute l’Italie et au-delà. La culture étrusque, elle-même fortement influencée par les styles grecs, a eu une influence marquée sur d’autres cultures, en particulier les styles d’art celtique de Hallstatt et de La Tène. La culture étrusque a décliné à partir de 396 av. J.-C., lorsque ses cités-États ont été absorbées par l’Empire romain.

Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat étrusques, voir : L’art des Étrusques .

L’art celtique (v. 600-100 av. J.-C.)

A partir d’environ 600 av. J.-C., des tribus païennes migrantes venues des steppes russes, connues sous le nom de Celtes, s’installent sur le Haut-Danube, en Europe centrale. La culture celtique, basée sur des compétences commerciales exceptionnelles et une maîtrise précoce du fer, facilite leur diffusion progressive en Europe et donne naissance à deux styles d’art celtique, dont les artefacts nous sont connus grâce à plusieurs sites archéologiques clés en Suisse et en Autriche. Les deux styles &ndash ; Hallstatt (600-450) et La Tène (450-100). Tous deux se caractérisent par la beauté du travail du métal et la complexité des motifs linéaires. Bien qu’au début du premier millénaire de notre ère, la plupart des artistes celtes païens aient été complètement absorbés par l’Empire romain, leurs traditions de motifs en spirale, zoomorphes, noués et entrelacés ont été reprises et se sont épanouies (600-1100 après J.-C.) dans de nombreuses formes d’art hiberno-saxon (voir ci-dessous), telles que les manuscrits et les évangiles illustrés, la métallurgie religieuse et la sculpture de la croix de Saint-André. Le chaudron de Gundestrup, la couronne de Petrie et le trésor d’or de Breughter sont des exemples bien connus de la métallurgie celtique.

L’art romain (vers 200 av. J.-C. &ndash ; 400 ap. J.-C.)

Architecture

Contrairement à leurs voisins grecs intellectuels, les Romains étaient avant tout des gens pratiques, avec une affinité naturelle pour l’ingénierie, les questions militaires et l’édification d’un empire. L’architecture romaine a été conçue pour ravir, divertir et servir une population croissante en Italie et dans l’ensemble de l’Empire. Ainsi, les réalisations architecturales romaines sont représentées par de nouveaux systèmes de drainage, des aqueducs, des ponts, des bains publics, des installations sportives et des amphithéâtres (par exemple le Colisée 72-80 après J.-C.), caractérisés par des avancées significatives dans l’utilisation des matériaux (par exemple l’invention du béton) et la construction d’arcs et de dômes. Les dômes permettaient non seulement de couvrir des bâtiments plus grands, mais aussi de leur donner une apparence plus grandiose. Tout cela a révolutionné le domaine de l’architecture, qui avait été dominé par les Grecs, au moins dans la forme et la taille, sinon dans la créativité, et a offert des possibilités infinies pour décorer les bâtiments avec des reliefs sculptés, des statues, des fresques et des mosaïques. Parmi les exemples les plus célèbres de l’architecture romaine, citons : Le Colisée, l’Arc de Titus et la Colonne de Trajan.

Peinture, Sculpture

Si l’architecture romaine était particulièrement grandiose, ses peintures et ses sculptures continuaient d’imiter le style grec, sauf que leur but premier était de glorifier la puissance et la grandeur de Rome. L’art romain primitif (vers 200-27 av. J.-C.) était détaillé, non idéalisé et réaliste, tandis que les styles impériaux ultérieurs (vers 27 av. J.-C. &ndash ; 200 ap. J.-C.) apparaissent plus héroïques. La peinture médiocre s’épanouit sous la forme de fresques intérieures standard, tandis que la peinture sur panneau de meilleure qualité est réalisée à la détrempe ou à l’encaustique. La sculpture romaine était également de qualité variable : outre les dizaines de milliers de bustes-portraits d’empereurs et d’autres dignitaires de qualité moyenne, les sculpteurs romains produisaient également de merveilleux reliefs historiques, comme le bas-relief en spirale de la colonne de Trajan célébrant la victoire de l’empereur dans la guerre contre les Daces.

Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de l’artisanat dans la Rome antique, voir : L’art romain .

L’art primitif dans le monde

Bien que l’on pense généralement que l’histoire de l’art est principalement associée aux civilisations dérivées des cultures européennes et chinoises, un nombre important d’arts et d’artisanats sont apparus dès les temps les plus reculés à la périphérie du monde connu. Pour plus d’informations sur l’histoire et les objets de ces cultures, voir : Art océanique (du Pacifique Sud et de l’Australie), Art africain (de toutes les parties du continent), et Art tribal (d’Afrique, des îles du Pacifique, d’Indonésie, de Birmanie, d’Australasie, d’Amérique du Nord et d’Alaska).

Constantinople, le christianisme et l’art byzantin

À la mort de l’empereur Théodose en 395 après J.-C., l’Empire romain est divisé en deux moitiés : la moitié occidentale, située à l’origine à Rome, jusqu’à ce qu’elle soit saccagée au cinquième siècle après J.-C., puis à Ravenne ; et la moitié orientale, située dans la ville plus sûre de Constantinople . À la même époque, le christianisme devient la religion officielle exclusive de l’empire. Ces deux événements politiques ont eu un impact considérable sur l’histoire de l’art occidental. D’une part, l’installation à Constantinople a contribué à prolonger la civilisation et la culture gréco-romaines ; d’autre part, l’essor du christianisme a donné naissance à une catégorie entièrement nouvelle d’art chrétien, qui a fourni aux architectes, aux peintres, aux sculpteurs et aux autres artisans ce qui est devenu le thème dominant des arts visuels pour les 1200 années suivantes. Avec les formes prototypiques de l’art chrétien primitif, dont une grande partie provient des catacombes, il a également conduit directement à l’émergence de l’art byzantin. Voir aussi : L’art chrétien de la période byzantine .

Art byzantin (Constantinople) (330-1450 CE)

L’art byzantin était presque entièrement religieux et centré sur l’architecture chrétienne. Parmi les chefs-d’œuvre, citons la magnifique cathédrale Sainte-Sophie (532-37) d’Istanbul, l’église Sainte-Sophie de Sofia, en Bulgarie (527-65), et l’église Sainte-Sophie de Thessalonique. L’art byzantin a également influencé les mosaïques de Ravenne dans les basiliques de Sant’Apollinare Nuovo, San Vitale et Sant’Apollinare in Classe. Parmi les exemples séculiers, citons le Grand Palais de Constantinople et la basilique de la Cisterna. Outre de nouvelles techniques architecturales, telles que l’utilisation de cintres pour répartir le poids de la coupole, ce qui permet d’agrandir les intérieurs, de nouvelles méthodes décoratives ont été introduites, telles que les mosaïques en verre plutôt qu’en pierre. Mais la conception orthodoxe orientale du christianisme (contrairement à son homologue romain) n’autorisait pas les œuvres d’art tridimensionnelles telles que les statues ou les hauts-reliefs, estimant qu’elles glorifiaient l’aspect humain de la chair plutôt que la nature divine de l’esprit. L’art byzantin (peinture et mosaïque) a donc développé un style particulier d’images significatives (iconographie) destinées à représenter une théologie complexe d’une manière très simple. Par exemple, les couleurs étaient utilisées pour exprimer différentes idées : l’or symbolisait le ciel, le bleu, la couleur de la vie humaine, etc.

Après 600 après J.-C., l’architecture byzantine a connu plusieurs périodes, telles que la période médiane (vers 600-1100), les périodes komninique et paléologique (vers 1100-1450), devenant progressivement de plus en plus influencée par les traditions orientales en matière de construction et de décoration. En Europe occidentale, l’architecture byzantine a cédé la place aux styles roman et gothique, tandis qu’au Moyen-Orient, elle a continué à exercer une influence significative sur l’architecture islamique primitive, comme en témoignent la Grande Mosquée des Omeyyades à Damas et le Dôme du Rocher à Jérusalem.

Peinture byzantine

En l’absence de sculpture, les artistes byzantins se sont spécialisés dans la peinture bidimensionnelle, devenant les maîtres des panneaux et des miniatures, en particulier des icônes et des enluminures de manuscrits . Leur travail a exercé une profonde influence sur les artistes de toute l’Europe occidentale et centrale, ainsi que dans les pays islamiques du Moyen-Orient.

L’art chrétien irlandais (v. 600-1100 CE)

Située à la périphérie de l’Europe occidentale, l’Irlande est restée à l’abri des interférences de Rome et des barbares qui l’ont suivie. Par conséquent, l’art celtique irlandais n’a pas été supplanté par les idiomes grecs ou romains, ni enfoui dans les âges sombres païens. En outre, l’Église a pu établir un réseau relativement sûr de monastères irlandais, qui sont rapidement devenus d’importants centres d’apprentissage religieux et d’érudition et qui se sont progressivement étendus aux îles au large de la Grande-Bretagne et à certaines parties du nord de l’Angleterre. Ce réseau monastique est rapidement devenu un important mécène, employant de nombreux scribes et artistes dans leurs scriptoriums pour produire une série de manuscrits évangéliques illustrés de plus en plus ornés : en voici quelques exemples : Le Cathach de Colmcille (vers 560), le Livre de Dimma (vers 625), les Évangiles de Durham (vers 650), le Livre de Durrow (vers 670), et le plus haut Livre de Kells (aussi appelé Livre de Columba), considéré comme l’apogée de la calligraphie occidentale. Ces enluminures évangéliques utilisent des lettres historiques, des losanges, des croix, des ornements en trompette, des images d’oiseaux et d’animaux, occupant parfois des pages entières (pages de tapis) avec des motifs géométriques ou entrelacés. Le succès créatif de ces manuscrits décorés a été grandement favorisé par la disponibilité de bijoux celtiques et d’objets en métal fabriqués pour l’élite séculaire irlandaise, ainsi que par l’intensification des contacts culturels avec les artisans anglo-saxons d’Angleterre.

Une autre forme d’art chrétien précoce développée en Irlande était la métallurgie religieuse, illustrée par des chefs-d’œuvre tels que la broche de Tara, la coupe d’Arda, la coupe de Derrynaflan et le temple de Moylough-Belt, ainsi que des croix de procession telles que la croix de Tully Loch datant du huitième au neuvième siècle et la grande croix de Conga du douzième siècle commandée par Thurloe O’Connor. Enfin, à partir de la fin du huitième siècle, l’Église a commencé à commander un certain nombre de grandes croix religieuses décorées à la fois de scènes de la Bible et d’armures abstraites, de nœuds et d’autres motifs de style celtique. Parmi les exemples, citons la croix de Muredach à Monasterboys, dans le comté de Louth, et la haute croix d’Ahenny à Tipperary. Ces grandes croix scripturaires ont connu un grand essor entre 900 et 1100, bien que leur construction se soit poursuivie jusqu’au 15e siècle.

Malheureusement, avec l’arrivée des Vikings (vers 800-1000), la contribution unique de l’Irlande à la civilisation occidentale en général, et au christianisme en particulier, a commencé à disparaître, malgré une certaine contribution de l’art viking. Par la suite, la culture romaine, sous l’impulsion de l’Église romaine, a commencé à se réaffirmer dans toute l’Europe.

Quelques mots sur l’art asiatique

Contrairement au christianisme, qui autorise les représentations figuratives des prophètes, des saints et de la Sainte Famille, l’islam interdit toute forme d’iconographie humaine. Ainsi, l’art islamique s’est plutôt concentré sur le développement de motifs géométriques complexes, de textes enluminés et de calligraphie.

En Asie de l’Est, les arts visuels de l’Inde et du Tibet utilisaient des figures aux couleurs vives, en raison de leur large gamme de pigments et de leurs contours clairs. La peinture en Inde est extrêmement variée, de même que les matériaux (les textiles plus résistants remplacent souvent le papier) et les dimensions (les miniatures indiennes sont très spécifiques). L’art chinois s’est spécialisé dans la sculpture cérémonielle en bronze, la calligraphie, la peinture au pinceau et la sculpture sur jade, ainsi que dans les objets en laque et les céramiques chinoises . Au Japon, l’art des temples bouddhistes, la peinture à l’encre zen, les gravures sur bois Yamato-e et Ukiyo-e étaient les quatre principaux types d’art japonais .

L’art roman (carolingien, ottoman) (vers 775-1050)

Sur le continent, le renouveau de l’art chrétien médiéval commence avec Charlemagne Ier le Grand, roi des Francs, couronné empereur du Saint-Empire romain germanique par le pape Léon III en 800. Le scriptorium de la cour de Charlemagne à Aix-la-Chapelle a produit un certain nombre de magnifiques textes chrétiens illustrés, tels que les Évangiles de Godescalcus, les Évangiles de Lorsch et les Évangiles de Saint-Médard de Soissons. Ironiquement, son œuvre architecturale majeure &ndash ; la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle (vers 800) &ndash ; a été influencée non pas par Saint-Pierre ou d’autres églises de Rome, mais par la basilique de style byzantin de San Vitale à Ravenne. L’empire carolingien s’est rapidement effondré, mais l’art carolingien a constitué une première étape importante dans la diffusion de l’art médiéval et la renaissance de la culture continentale. En outre, de nombreuses églises romanes et gothiques ont été construites sur la base de l’architecture carolingienne. Les premières réalisations architecturales romanes de Charlemagne ont été poursuivies par les empereurs du Saint-Empire romain germanique Otton I à III dans un style connu sous le nom d’ art ottonien, qui s’est développé en un style roman» à part entière (en Angleterre et en Irlande, le style roman est généralement désigné sous le nom d’architecture normande).

L’Eglise investit dans les arts pour faire passer son message

La diffusion de l’art roman au XIe siècle coïncide avec la restauration du christianisme romain et l’influence de ce dernier sur les autorités séculières conduit à la reconquête de l’Espagne par le christianisme (vers 1031) et à une croisade pour libérer la Terre Sainte de la domination islamique. Le succès des croisés et leur acquisition de reliques sacrées ont déclenché une vague de nouveaux conciles dans toute l’Europe. Outre son influence sur la politique internationale, Rome exerçait un pouvoir croissant grâce à son réseau d’évêques et à ses liens avec les ordres monastiques tels que les bénédictins, les cisterciens, les cartésiens et les chanoines augustins. À partir de ces monastères, ses fonctionnaires exercent un pouvoir administratif croissant sur la population locale, en particulier le droit de percevoir des recettes fiscales qu’ils consacrent à des œuvres religieuses, en particulier à la construction de cathédrales (y compris la sculpture et la métallurgie ainsi que l’architecture), à des manuscrits évangéliques illustrés et à des études culturelles &ndash ; un processus illustré par le puissant monastère bénédictin de Cluny, en Bourgogne.

Architecture romane (vers 1000-1200)

Bien qu’elle s’inspire de l’Antiquité grecque et romaine, l’architecture romane ne reflète ni la créativité des Grecs ni l’habileté des Romains en matière d’ingénierie. Elle utilise des murs épais, des arcs en plein cintre, des piliers, des colonnes, des voûtes d’arêtes, des fenêtres à fentes étroites, de grandes tours et des arcades décoratives. Ce ne sont pas les arcs ou les colonnes, mais les murs massifs qui supportent la plus grande partie de la charge de l’édifice. Les toits, les voûtes et les contreforts étaient relativement primitifs par rapport aux styles ultérieurs. Surtout, les intérieurs étaient peu lumineux et relativement bordés de lourds murs de pierre. Néanmoins, l’architecture romane a réintroduit deux formes importantes de beaux-arts : la sculpture (qui avait été suspendue après la chute de Rome) et le vitrail, bien qu’à une échelle plus réduite.

L’art gothique (c.1150-1400)

Largement financée par les ordres monastiques et les évêques locaux, l’architecture gothique utilisait un certain nombre d’avancées techniques sous la forme d’arcs brisés et d’autres facteurs de conception pour impressionner, inspirer et motiver les masses. Ainsi, les murs massivement épais, les petites fenêtres et les intérieurs sombres ont disparu, et de hauts plafonds («atteignant les cieux»), des murs minces et des vitraux sont apparus. Ces derniers ont transformé l’intérieur de nombreuses cathédrales en sanctuaires inspirants où les paroissiens analphabètes pouvaient voir l’histoire de la Bible illustrée par les magnifiques vitraux des immenses fenêtres. En effet, la cathédrale gothique était considérée par ses architectes comme une représentation de l’univers en miniature. Presque chaque élément était conçu pour transmettre un message théologique, à savoir la gloire intimidante de Dieu et la nature ordonnée de son univers. L’art religieux gothique &ndash ; c’est-à-dire l’architecture, la sculpture en relief et la sculpture autonome &ndash ; est le mieux illustré par les cathédrales du nord de la France, en particulier Notre Dame de Paris ; Reims et Chartres, ainsi que la cathédrale de Cologne, la cathédrale Saint-Étienne de Vienne et, en Angleterre, l’abbaye de Westminster et la cathédrale de York .

Le renouveau des beaux-arts européens entre 1300 et 1600 sous la forte influence du gothique international, communément appelé «Renaissance», a été un phénomène unique et (à bien des égards) inexplicable, notamment en raison
❶ de la peste noire (1346), qui a anéanti un tiers de la population européenne ;
❷ de la guerre de 100 ans entre l’Angleterre et la France (1339-1439) ; et
❸ de la Réforme (c. 1520.) &ndash ; aucun de ces événements n’a favorisé le développement des beaux-arts. Heureusement, certains facteurs au centre de la Florence et de la Rome de la Renaissance &ndash ; en particulier l’énergie et l’immense richesse de la famille florentine Médicis, et les ambitions papales des papes Sixte IV (1471-84), Jules II (1503-13), Léon X (1513-21) et Paul III (1534-45) &ndash ; ont réussi à surmonter tous les obstacles naturels, même si l’Église a failli faire faillite.

L’art de la Renaissance est basé sur le classicisme &ndash ; une appréciation de l’art de l’antiquité classique, une croyance en la noblesse de l’homme, et des réalisations artistiques à la fois dans la perspective linéaire et le réalisme. Elle s’est développée dans trois grandes villes italiennes : d’abord Florence, puis Rome et enfin Venise . La chronologie de la Renaissance est généralement étiquetée comme suit :

- Proto-Renaissance (vers 1300-1400).
Cette période d’introduction est en grande partie due au style de peinture révolutionnaire de Giotto (1270-1337), dont le cycle de fresques de la Capella Scrovegni (chapelle de l’arène) à Padoue a introduit un nouveau réalisme dans la peinture et a remis en question de nombreuses conventions iconographiques alors en vigueur.

- Début de la Renaissance (v.1400-1490)
En partie motivée par la découverte d’un exemplaire du «De Architectura» («Dix livres sur l’architecture») de l’architecte romain du premier siècle Vitruve (v.78-10 J.-C.) et la magnifique conception de la coupole de la cathédrale gothique de Florence par Filippo Brunelleschi en 1418 (1420-36), cette période d’activité est centrée sur Florence. Parmi les principaux artistes du début de la Renaissance figurent l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446), le sculpteur Donatello (1386-1466) et le peintre Tommaso Mazaccio (ca. 1401-28). Plus tard, d’importants participants ont été Piero della Francesca (1420-1492), Antonio del Pollaiuolo (1432-1498) et Botticelli (1445-1510), ainsi que le nordique Andrea Mantegna (1431-1506).

- Haute Renaissance (ca. 1490-1530)
Considérée comme l’apogée de la Renaissance italienne et de ses idéaux esthétiques de beauté et d’harmonie, la Haute Renaissance est centrée sur Rome et dominée par la peinture de Léonard de Vinci (1452-1519) (par exemple «La Cène», «La Joconde») et Raphaël (1483-1520) (par exemple, «L’École d’Athènes»), ainsi que les œuvres immortelles de Michel-Ange (1475-1564) (y compris les chefs-d’œuvre de la sculpture de la Renaissance italienne, comme la «Pietà» et le «David», ainsi que la fresque de la chapelle Sixtine «Genèse»). Parmi les autres grands artistes de la Haute Renaissance figurent les membres de l’école de peinture vénitienne, tels que Giovanni Bellini, Giorgione, Titien, Paolo Veronese et Tintoret .

L’architecture de la Renaissance utilise des préceptes empruntés à la Grèce et à la Rome antiques, mais conserve de nombreuses caractéristiques modernes des inventions byzantines et gothiques, telles que les dômes et les tours. Parmi les architectes les plus en vue, on peut citer Donato Bramante (1444-1514), le plus grand représentant de l’architecture de la Haute Renaissance ; Baldassare Peruzzi (1481-1536), un remarquable architecte et décorateur d’intérieur ; Michele Sanmicheli (1484-1559), le principal élève de Bramante ; Jacopo Sansovino (1486-1570), l’architecte le plus célèbre de Venise ; Giulio Romano (1499-1546), la plus grande autorité en matière de conception des bâtiments italiens de la Renaissance tardive ; Andrea Palladio (1508-1580), un théoricien influent ; et, bien sûr, Michel-Ange lui-même, qui a contribué à la conception de la coupole de la basilique Saint-Pierre de Rome .

- Renaissance nordique (c.1400-1530)
En Europe du Nord (Flandre, Hollande, Angleterre et Allemagne), la Renaissance se développe différemment. Un climat humide inadapté à la peinture à fresque a favorisé l’utilisation précoce de l’huile, tandis que des compétences et des tempéraments différents ont conduit au développement précoce de la gravure et à l’invention de la presse à imprimer par Johannes Gutenberg dans les années 1450. Dans la plupart des pays d’Europe du Nord, la Réforme a entraîné une grave perte de mécénat et, par conséquent, un déclin des travaux religieux à grande échelle. À la place, une nouvelle tradition de portraits et d’autres travaux de chevalet a vu le jour, qui a finalement abouti aux magnifiques natures mortes et peintures de genre du réalisme hollandais.

Les plus grands artistes de la Renaissance du Nord sont : Le Néerlandais Jan Van Eyck (1390-1441), connu pour ses couleurs vives et son réalisme détaillé ; l’Allemand polyvalent Albrecht Dürer (1471-1528), connu pour ses dessins, autoportraits, huiles, aquarelles, gravures sur bois et gravures ; Robert Kampen (1375-1444), maître de Flemalle, un artiste insaisissable mais exceptionnel qui a formé Van der Weyden et l’un des fondateurs de l’école hollandaise ; Le Belge Rogier van der Weyden (1400-1464), connu pour ses peintures religieuses vivantes ; le peintre néerlandais Hieronymus Bosch (1450-1516), connu pour ses fantaisies moralisatrices illustrant les péchés de l’homme ; le fanatique religieux Matthias Grünewald (1470-1528), dont le style dramatique a influencé les écoles d’expressionnisme ultérieures ; les portraitistes Lucas Cranach (1472-1553) et Hans Holbein (1497-1543).

Parmi les plus grands sculpteurs de la Renaissance du Nord, citons : le sculpteur allemand (travaillant la chaux) Tilman Riemenschneider (1460-1531), connu pour ses reliefs et ses sculptures en bois indépendantes ; et le sculpteur sur bois Veit Stoss (1450-1533), connu pour ses belles images prostrées.

Pour plus de détails, voir : Art de la Renaissance néerlandaise (1430-1580) ; Art de la Renaissance allemande (1430-1580) et Peinture flamande .

- Le maniérisme (1530-1600).
Ce style est apparu en partie en réaction aux formes idéalistes de la Haute Renaissance, et en partie comme le reflet d’une époque troublée &ndash ; Martin Luther avait commencé la Réforme, et Rome elle-même venait d’être mise à sac par des mercenaires. Les artistes maniéristes ont apporté une nouvelle expressivité à leurs œuvres, comme en témoignent la merveilleuse sculpture «L’enlèvement des Sabines» de Giambologna et la fresque «Le jugement dernier» de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine. Parmi les autres représentants importants du maniérisme, citons le Greco (1541-1614) et le Caravage (1571-1610), dont l’utilisation dramatique de l’ombre et de la lumière a influencé toute une génération de caravagistes.

L’art baroque (c.1600-1700)

C’est au cours de cette période que la Contre-Réforme catholique a commencé ses activités pour tenter de détourner les masses du protestantisme. Le renouveau du mécénat des arts plastiques et de l’architecture est un élément clé de cette campagne de propagande et conduit à un style plus grandiose et plus théâtral dans ces deux domaines. Ce nouveau style, connu sous le nom de baroque, était essentiellement l’aboutissement du maniérisme dramatique.

L’architecture baroque exploite pleinement le potentiel théâtral du paysage urbain, comme en témoigne la place Saint-Pierre (1656-67) à Rome, devant la basilique Saint-Pierre et son dôme. Son architecte, Gianlorenzo Bernini (1598-1680), a utilisé une série de colonnades en expansion à l’approche de la cathédrale, donnant aux visiteurs l’impression d’être enlacés par les bras de l’Église catholique. L’ensemble du parvis est construit à une échelle gigantesque afin d’évoquer un sentiment de crainte.

En peinture, le plus grand représentant de l’art catholique de la Contre-Réforme est Pierre Paul Rubens (1577-1640) &ndash ; «Prince des artistes et peintre des princes». Parmi les autres grands artistes catholiques, citons Diego Velázquez (1599-1660), Francisco Zurbarán (1598-1664) et Nicolas Poussin (1594-1665).

Dans l’Europe du Nord protestante, l’époque baroque est marquée par l’épanouissement de la peinture de genre Le réalisme hollandais, un style qui convient parfaitement aux nouveaux mécènes bourgeois amateurs de petits intérieurs, de peintures de genre, de portraits, de paysages et de natures mortes. Plusieurs écoles de peinture hollandaise du XVIIe siècle ont vu le jour, notamment celles de Haarlem, Delft, Utrecht et Leyde. Parmi les principaux participants figurent deux peintres immortels, Rembrandt (1606-1669) et Jan Vermeer (1632-1675), ainsi que Frans Snyders (1579-1657), Frans Hals (1581-1666), Adrian Brouwer (1605-1638), Jan Davids de Heem (1606-1684), Adrian van Ostade (1610-1685), David Teniers le Jeune (1610-1690), Gerard Terborch (1617-1681), Jan Sten (1626-1679), Pieter de Hooch (1629-1683), et les paysagistes Elbert Koeip (1620-1691), Jacob van Reisdal (1628-1682), Meindert Hobbema (1638-1709), etc.

Art rococo (1700-1789)

Ce nouveau style d’art décoratif, connu sous le nom de rococo, a surtout influencé la décoration intérieure, bien que l’architecture, la peinture et la sculpture aient également été touchées. Essentiellement une réaction au sérieux du baroque, le rococo est un style insouciant, presque fantaisiste, qui s’est développé à la cour française du château de Versailles, puis s’est répandu dans toute l’Europe. Les créateurs rococo utilisaient toute la gamme des enduits, fresques, tapisseries, meubles, miroirs, porcelaines, soieries et autres embellissements pour offrir au propriétaire une expérience esthétique complète. En peinture, le style rococo a été défendu par les artistes français Watteau (1684-1721), Fragonard (1732-1806) et Boucher (1703-1770). Mais les œuvres les plus remarquables ont été réalisées par le Vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770), dont les fantastiques fresques murales et de plafond ont porté le rococo à un niveau supérieur. Il convient également de mentionner la renaissance des arts décoratifs français (1640-1792) créés par des designers français, notamment sous la forme de meubles français, à Versailles et dans d’autres châteaux royaux, dans le style de Louis Quatorre (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Ciz (XVI). Quoi qu’il en soit, le rococo symbolise l’oisiveté décadente et le déclin de l’aristocratie française. De ce fait, il est balayé par la Révolution française, qui inaugure un nouveau néoclassicisme plus sévère, plus conforme au siècle des Lumières et de la Raison.

L’art néoclassique (épanouissement vers 1790-1830)

En architecture, le néoclassicisme dérive des formes classiques» baroques plus sobres pratiquées en Angleterre par Sir Christopher Wren (1632-1723), qui a conçu la cathédrale Saint-Paul . Autre retour aux ordres classiques de l’Antiquité gréco-romaine, ce style se caractérise par des structures monumentales soutenues par des colonnes et surmontées de dômes classiques de la Renaissance. Grâce à des innovations telles que les dômes superposés, il confère aux palais, aux églises et à d’autres bâtiments publics une grandeur accrue. Parmi les bâtiments néoclassiques notables, on peut citer Panthéon (église Sainte-Geneviève) (Paris) conçu par Jacques Germain Soufflot (1756-1797), Arc de Triomphe (Paris) conçu par Jean Chalgren, Porte de Brandebourg (Berlin), conçue par Carl Gottard Langhans (1732-1808), et le bâtiment du Capitole des États-Unis, conçu par l’Anglais Benjamin Henry Latrobe (1764-1820), puis par Stephen Hallett et Charles Bulfinch. Voir aussi l’époque de l’art colonial américain (1670-1800).

Les artistes néoclassiques s’inspirent également de l’antiquité classique et mettent l’accent sur les vertus de l’héroïsme, du devoir et du sérieux. Le peintre politique français Jacques-Louis David (1748-1825), le portraitiste et peintre d’histoire allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779) et le maître français du style artistique académique, Jean Auguste Dominique Engrès (1780-1867), en sont les exemples les plus notables. Sculpteurs néoclassiques : Antonio Canova (1757-1822), Bertel Thorvaldsen (1770-1844) et Jean-Antoine Houdon (1741-1828).

Pour en savoir plus sur l’histoire de la peinture, de la sculpture et de l’architecture de cette période, voir : Art néoclassique .

Le mouvement romantique (florissant vers 1790-1830)

Contrairement aux valeurs universelles prônées par le néoclassicisme, les artistes romantiques expriment une réponse plus personnelle à la vie, s’appuyant davantage sur leurs sentiments et leurs émotions que sur la raison et l’intellect. Cet idéalisme, comme le néoclassicisme, a été encouragé par la Révolution française, de sorte