Expressionnisme abstrait: histoire, caractéristiques Automatique traduire

«L’expressionnisme abstrait» est un terme vague désignant un mouvement général de peinture largement non représentative qui s’est développé aux États-Unis dans les années 1940 et 1950. Dirigée par une génération d’artistes américains - fortement influencés par les immigrants européens - qui ont grandi pendant la Dépression et ont été influencés par la Seconde Guerre mondiale et ses conséquences, la peinture expressionniste abstraite n’était ni complètement abstraite, ni expressionniste et incluait plusieurs styles complètement différents. Malgré cela, les différents représentants de l’expressionnisme abstrait avaient plusieurs objectifs communs, notamment le désir de repenser la nature de la peinture et, ce faisant, de créer une nouvelle forme d’art .

Les principaux artistes abstractionnistes qui ont été associés à ce mouvement comprennent : Jackson Pollock (1912-1956), son épouse Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Rothko (1903-1970), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Josef Albers (1888-1976), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974), et William Baziotes (1912-1963). Parmi la deuxième génération d’artistes, on trouve Sam Francis (1923-1994).

Le terme «Expressionnisme abstrait» a été introduit à l’origine en Europe pour décrire le travail des peintres expressionnistes allemands . Ce n’est que plus tard, en 1946, qu’il a été appliqué à l’art américain par le critique d’art Robert Coates. Un autre nom, «action painting», a été inventé en 1952 par Harold Rosenberg (1906-1978), qui, avec Clement Greenberg (1909-1994), a été le critique et l’apologiste le plus influent du nouveau mouvement, qui a également été connu sous le nom de «école de New York». En 1955, l’expressionnisme abstrait était presque devenu la nouvelle orthodoxie. Entre-temps, des mouvements parallèles sont apparus en Europe occidentale sous divers noms tels que Art Informel (c. 1945-60), ainsi que des sous-variantes telles que l’Abstraction lyrique (fin des années 1940, années 1950), Tachisme (c. 1945-60) et le groupe COBRA (1948-51). En Europe de l’Est , l’Art Informel était considéré comme l’expression d’un individualisme farouche et était totalement rejeté par les autorités communistes.

Note : Pour les formes antérieures d’expressionnisme, voir : Peinture expressionniste .

Histoire

L’Amérique des années 1940, d’où est issu l’expressionnisme abstrait, vit encore l’effondrement de l’ordre mondial provoqué par la Seconde Guerre mondiale. Cela a eu un impact majeur sur les artistes du pays - beaucoup d’entre eux se souviennent encore de la Grande Dépression et de ses programmes d’aide, tels que la Works Progress Administration, qui leur a permis de faire carrière dans la peinture, et ils ont commencé à chercher des moyens de répondre à ce climat incertain.

Le problème est que les deux principaux mouvements artistiques des années 1930 - à savoir le régionalisme et le réalisme social ne satisfont pas leur désir de rompre avec la pensée existante. En cela, ils ont été fortement influencés par l’arrivée en Europe de nombreux réfugiés, des artistes contemporains dont l’approche radicale de l’art ouvrait de nouvelles possibilités.

Parmi ces exilés, on trouve des personnalités telles que l’Arménien Arshil Gorki, qui s’installe aux États-Unis en 1920, et l’Allemand Hans Hofmann, qui s’installe en Amérique en 1930, ainsi que l’expressionniste allemand Georg Grosz (1893-1959), le cubiste Fernand Léger (1881-1955), le peintre abstractionniste du Bauhaus Josef Albers (1888-1976) et l’abstractionniste géométrique Piet Mondrian (1872-1944). D’autres immigrants influents ont été le dadaïste Marcel Duchamp (1887-1968) et les surréalistes Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976) et André Breton (1896-1966). Les peintres surréalistes ont été particulièrement influents avec leur idée de peinture inconsciente «automatique», qui a été reprise par Jackson Pollock et d’autres. Voir aussi : Histoire de la peinture expressionniste (c. 1880-1930).

L’importance de ces artistes pour le nouveau mouvement américain est reconnue dès 1944 par Jackson Pollock lui-même : «Le fait que les bons modernistes européens soient ici maintenant est très important parce qu’ils ont apporté avec eux une compréhension des problèmes de la peinture moderne».

L’échange d’idées à New York a été facilité par une infrastructure croissante de lieux et d’expositions promouvant l’art moderne, comme le Museum of Modern Art (fondé en 1929), qui a accueilli des expositions sur le cubisme, divers autres styles d’art abstrait, Dada, l’art fantastique et le surréalisme, ainsi que des rétrospectives de Léger, d’Henri Matisse et de Pablo Picasso, entre autres. Des œuvres de Gabo, Mondrian, El Lissitzky et d’autres artistes d’avant-garde ont également été exposées au musée Albert Gallatin d’art vivant.

Un autre lieu d’exposition était le Museum of Unobjective Painting (fondé en 1939), le prédécesseur du Solomon R. Guggenheim Museum, qui était connu pour sa collection de peintures de Wassily Kandinsky (1866-1944). Les thèmes et les idées du modernisme européen se sont également répandus par le biais de l’éducation. L’artiste immigré allemand Hans Hofmann a exercé une influence considérable sur les artistes, les critiques et le développement de l’art moderne américain grâce à son école d’art new-yorkaise, où il a enseigné de 1933 à 1958. Enfin, le rôle des critiques d’art, ainsi que des riches mécènes et collectionneurs, notamment Peggy Guggenheim (1898-1979) et Leo Castelli (1907-1999), qui ont été des agents actifs du nouveau mouvement, ne peut être sous-estimé. Voir aussi : Les musées d’art en Amérique .

Les figures clés du développement de l’expressionnisme abstrait

Parmi les artistes locaux, Albert Pinkham Ryder (1847-1917) est considéré comme un précurseur de l’abstraction expressionniste abstraite. En outre, Stuart Davis (1894-1964) (1894-1964) est une figure de transition clé entre l’art américain d’avant-guerre et d’après-guerre, qui a fait preuve d’une intégrité délibérée dans sa recherche de la structure picturale. (Dans un curieux parallèle avec George Stubbs qui étudiait pendant des mois des carcasses de chevaux pour améliorer sa connaissance de l’anatomie équine, Davis s’est enfermé dans un placard pendant de longues périodes en 1927 pour étudier le fouettage des œufs). Sa contribution peut être considérée comme une continuation américaine du cubisme : il est parfois proche de Fernand Léger mais utilise la couleur d’une manière très différente, brillante et nette, dure et plate.

Cet aspect, ainsi que sa modernité ostensible, son utilisation du vocabulaire banal de la vie urbaine quotidienne, ont exercé une influence décisive sur les artistes des années 1940 et 1950, et plus tard sur le Pop Art. Les Précisionnistes, un groupe peu uni qui dépeignait l’Amérique moderne dans une version rigide et audacieusement colorée du cubisme, ont également joué un rôle important. Georgia O’Keeffe (1887-1986) a fait partie de ce groupe pendant un certain temps. Au cours de sa longue carrière, elle a produit des images de plus en plus abstraites, basées sur des formes organiques agrandies et sur les plaines ondulantes et balayées par le vent du Texas.

Mais les deux principaux précurseurs de l’expressionnisme abstrait sont Arshile Gorky (1905-1948) et Hans Hofmann (1880-1966), dont aucun n’était associé au premier mouvement expressionniste en Allemagne. En 1942, Gorki est parvenu à un pinceau calligraphique très lâche, aux couleurs très vives, souvent complètement dépourvu d’images. "Je ne finis jamais un tableau, j’arrête simplement de travailler dessus pendant un certain temps". Hofmann a fondé à New York une école qui l’a profondément influencé, où il a non seulement apporté un soutien théorique puissamment articulé à l’art non figuratif, mais est également resté très ouvert à de nouveaux stimuli.

Il reflète notamment les idées symbolistes sur l’indépendance du monde de l’art par rapport au monde du visible : il utilise la couleur pour exprimer l’humeur, comme Kandinsky, mais conserve un sens de la structure qui lui vient de Paul Cézanne (1839-1906) et du cubisme. Anticipant Pollock, il expérimente même la technique «des gouttes» en 1940, mais ses inventions coloristes les plus magiques, apparues tardivement, expriment une sérénité rayonnante bien différente de tout ce que Pollock a créé. Parmi les acolytes de Hofmann, on trouve le critique d’art Clement Greenberg, un fervent partisan de l’expressionnisme abstrait, et parmi ses élèves, l’artiste Lee Krasner, qui a présenté Hofmann à son mari Jackson Pollock.

Caractérisation : deux styles

Pour simplifier, le mouvement de l’expressionnisme abstrait comprend deux grands groupes. Ceux-ci comprennent :
❶ les peintres dits « action painters», tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning, qui se sont concentrés sur un style intensément expressif de peinture gestuelle ; et
❷ des artistes plus passifs « colour field», notamment Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still, qui étaient préoccupés par la réflexion et l’humeur. Cependant, il n’est pas toujours facile de tracer une ligne de démarcation précise entre ces deux types d’expressionnisme abstrait, et plusieurs artistes ont contribué aux deux mouvements.

Action Painting

En 1947, après la création de nombreuses peintures abstraites dans le style «all-over» (voir, par exemple Pasiphae («all-over lumineux», 1943, Metropolitan Museum of Art) - Jackson Pollock, soutenu par son épouse Lee Krasner (1908-1984), met au point une technique radicalement nouvelle (que Hofmann et Krasner avaient déjà essayée) appelée «action painting», qui consiste à faire couler de la peinture diluée sur une toile brute étalée sur le sol par des coups larges et rythmés d’un grand pinceau chargé (si un pinceau est utilisé) ou, plus souvent, directement à partir d’une boîte - loin de la méthode traditionnelle des peintres qui consiste à appliquer des pigments avec un pinceau sur une toile posée sur un chevalet. Pollock travaillait de manière très spontanée et improvisée, dansant autour de la toile, versant, jetant et faisant couler de la peinture. Il prétendait ainsi canaliser ses impulsions intérieures directement sur la toile, dans une forme de peinture automatique ou subconsciente. Pour plus de détails, voir Les peintures de Jackson Pollock (1940-56).

Les peintures de Pollock ont brisé toutes les conventions de l’art américain traditionnel. Leur sujet est totalement abstrait, leur échelle est énorme et la méthode de production iconoclaste est devenue presque aussi importante que les œuvres elles-mêmes. En effet, pour ces expressionnistes abstraits, l’authenticité d’une peinture réside dans son expression directe et immédiate : dans la manière dont l’artiste transmet ses impulsions intérieures, son être inconscient. En un sens, la peinture elle-même devenait un événement, un drame de la révélation de soi. D’où le terme «d’action painting».

Une caractéristique importante de cet événement «» était le caractère «global» ou sans forme des peintures. Les œuvres de Pollock, en particulier, semblaient s’étendre au-delà de la toile, n’étant coupées que par les limites physiques des bords de la toile.

En bref, Pollock (et d’autres) ont écarté toutes les notions traditionnelles de composition, d’espace, de volume et de profondeur, permettant au plan de l’image d’occuper le devant de la scène. Il n’est pas surprenant que les peintures aient fait fureur. Le critique d’art «du New York Times» John Canaday est très critique, mais Clement Greenberg proclame que l’expressionnisme abstrait en général et Jackson Pollock en particulier sont l’incarnation de la valeur esthétique, approuvant avec enthousiasme l’œuvre de Pollock sur des bases formalistes comme étant la meilleure peinture de son temps et l’héritier d’une tradition artistique - remontant au cubisme de Pablo Picasso, aux peintures cubiques de Paul Cézanne et à la série des «Nymphéas» de Claude Monet - dont la caractéristique déterminante est la réalisation de marques sur une surface plane. Harold Rosenberg a souligné la nature «existentielle» de l’œuvre de Pollock, affirmant que "ce qui allait être mis sur la toile n’était pas une peinture mais un événement".

Bien que Willem de Kooning se soit également regroupé avec Pollock dans un type d’expressionnisme abstrait très actif, son œuvre diffère de celle de ce dernier à la fois sur le plan technique et esthétique. Sa série violente et sinistre de six tableaux «Woman» (1950-3), représentant une figure féminine de trois quarts, est un exemple de son style figuratif, bien qu’il ait également produit des œuvres plus abstraites. Voir également son premier chef-d’œuvre, Femme assise (1944, Metropolitan Museum of Art), prototype de la série Femme.

Comme Pollock, De Kooning était convaincu que l’artiste incarne ses impulsions intérieures et que le spectateur peut lire quelque chose de ses émotions ou de son état d’esprit dans les traces de peinture qui en résultent. "Je peins ainsi parce que je peux mettre de plus en plus de choses dans un tableau - le drame, la colère, la douleur, l’amour… à travers vos yeux, cela redevient une émotion ou une idée."

D’autres partisans importants de l’action painting incluent : Mark Tobey, connu pour son style calligraphique «White Writing» ; Franz Kline, un artiste dont l’œuvre comprend des compositions de champs de couleurs ainsi que des gestes vigoureux, parfois comparés à des fragments de calligraphie chinoise agrandis de façon gigantesque) ; Robert Motherwell (dans sa série intitulée «Élégie à la République espagnole», et ses puissantes peintures en noir et blanc) ; Cy Twombly (dans ses œuvres gestuelles basées sur des symboles calligraphiques et linéaires) ; et Adolf Gottlieb (connu pour ses séries surréalistes abstraites comprenant Pictogrammes, Paysages imaginaires, Paysages imaginaires, et Explosions).

Les artistes associés aux techniques de l’action painting continuent d’être très recherchés par les collectionneurs. Jackson Pollock et Willem de Kooning figurent parmi les dix peintures les plus chères au monde .

Peinture en champs colorés

Un peu plus tard que l’action painting, un deuxième style d’expressionnisme abstrait s’est développé, connu sous le nom de Colour Field Painting . (La série d’œuvres de Josef Albers «Honouring the Square») est une émanation de ce style. Il est apparu à une époque où plusieurs artistes importants de l’Amérique de la fin des années 1940 et des années 1950 (par exemple Mark Rothko, Clyfford Stills, Barnett Newman) expérimentaient l’utilisation d’aplats ou de champs de couleurs pour évoquer la contemplation chez le spectateur - jusqu’à l’intensité mystique.

Ils constituaient l’aile passive du mouvement expressionniste abstrait, par opposition aux œuvres agressives de Pollock ou De Kooning, bien qu’il soit difficile de tracer une ligne de démarcation définitive. Par exemple, l’œuvre de Clyfford Stills peut être d’une humeur tonitruante, mais positivement austère par rapport aux actions de Pollock. Les œuvres de ces artistes étaient de très grande envergure, ce qui les distinguait nettement des études connexes d’Albers et d’autres, l’échelle étant nécessaire pour créer l’effet.

L’impulsion à l’origine de la peinture color field était réflexive et cérébrale, caractérisée par des images picturales simples conçues pour créer un impact émotionnel. Rothko et Newman, entre autres, ont décrit leur désir d’atteindre le «sublime», plutôt que le «beau». Leur style (selon les termes de Newman), qui est une sorte de minimalisme fortement coloré, vise à libérer l’artiste de "toutes les contraintes de la mémoire, de l’association, de la nostalgie, de la légende et du mythe qui étaient caractéristiques de la peinture de l’Europe occidentale."

Les formes rectangulaires de Rothko, aux bords adoucis et aux couleurs éclatantes, cherchent à envelopper le spectateur et à évoquer une expérience émotionnelle semi-religieuse, pouvant aller jusqu’aux larmes. À l’instar de Pollock et des peintres actionnistes, les peintures de champs colorés ont été exécutées à une échelle monumentale pour un impact optimal - non pas pour évoquer une grandeur héroïque, mais plutôt pour affecter et créer une relation intime avec le spectateur individuel. Rothko disait : "Je peins de grands tableaux pour être intime".

Le plus éminent de ces artistes travaillant dans le domaine de la couleur est Mark Rothko . Il a été appelé, avec Clyfford Steele, le principal représentant «du sublime américain». Il est apparu pour la première fois lors d’une exposition en 1929 et, vers 1940, il travaillait dans une veine surréaliste. En 1947, cependant, il avait trouvé une formule à laquelle il est resté fidèle jusqu’à la fin de sa vie. Cette formule, bien qu’elle soit généralement interprétée à une échelle monumentale, est presque aussi simple que le carré de Josef Albers.

Les peintures de Mark Rothko sont généralement constituées de deux ou trois rectangles horizontaux ou verticaux de couleurs différentes, variant en largeur ou en hauteur, sur un fond de couleur unie. Les rectangles sont remplis de couleurs floues ou colorées avec des tons changeants et une intensité lumineuse, et leurs bords sont flous en soft focus. Ce flou des bords donne l’impression que la couleur flotte. L’impression d’une lueur mystérieuse émanant de ces grandes toiles est si forte et si intense que le spectateur lui-même peut éprouver la sensation de flotter.

Clyfford Still, toujours distant, a également travaillé à très grande échelle. Son style caractéristique consiste en des formes fortement superposées, déchiquetées, des silhouettes en contraste dramatique avec un large aplat de couleurs.

Barnett Newman, associé à Rothko et Motherwell lors de la création de la 8th Avenue Art School à New York en 1947, a travaillé pendant un certain temps pour le magazine The Tiger’s Eye, qui exprimait les opinions de nombreux membres du groupe. Dans son œuvre de maturité, il en est venu à des solutions encore plus simplistes que Rothko et n’a jamais été influencé par la peinture gestuelle de Pollock. Dans sa formule, cependant, le but mystique est réduit à une géométrie symbolique des plus maigres, comprenant une toile rectangulaire avec une zone de couleur divisée par une ou plusieurs bandes verticales. Ses œuvres sont impassibles et essentiellement froides.

Parmi les autres artistes qui ont travaillé avec un champ de couleur, on peut citer William Baziotes, dont l’état d’esprit est proche de celui de Mark Rothko et de Barnett Newman, mais qui a développé un style à la limite de la figuration, ce qu’ils n’ont jamais eu. Ses peintures contiennent des formes relativement complexes qui ressemblent à des formes animées ou inanimées ; Philip Guston (1913-1980), qui avait sa propre variation très personnelle, parfois appelée «impressionnisme abstrait», d’où il est passé à un style plus expressif à la fin des années 1950.

Adolf Gottlieb, proche contemporain de Clyfford Stills, a utilisé l’imagerie surréaliste dans les années 1930, mais s’est aussi beaucoup intéressé à l’art amérindien, dont il s’est inspiré dans les années 1940 pour créer ce que l’on appelle les «pictogrammes», caractérisés par une imagerie très freudienne. Une autre figure importante dans le développement de la peinture colorée est Helen Frankenthaler (née en 1928), qui a commencé comme cubiste et qui, au début des années 1950, s’est orientée vers un style d’expressionnisme abstrait, développant considérablement la technique des «gouttes» de Pollock.

La peinture «White Centre» (1950) de Mark Rothko a été vendue aux enchères en 2007 pour un montant record de 72,8 millions de dollars. Voir Les 20 tableaux les plus chers du monde .

Josef Albers : Hommage au carré

Une branche de l’art du champ coloré qui explore l’harmonie et les proportions dans l’expressionnisme abstrait a été développée par l’artiste allemand Josef Albers, à partir de 1933, conférencier au Black Mountain College en Caroline du Nord. Dans son enseignement, il a exploré la relation entre la géométrie et la couleur dans une série de peintures intitulées «Variations sur un thème».

Après avoir déménagé à Yale en 1950, il a commencé sa série intitulée Homage to the Square . Cette collection massive d’œuvres se compose de centaines de peintures et d’estampes de format carré. Bien que leur taille varie, elles présentent toutes trois ou quatre carrés superposés, un emboîtement de carrés disposés avec une symétrie verticale mais non horizontale. Albers a utilisé cette formule pour démontrer sa profonde croyance dans la dichotomie la plus importante de l’art - «la divergence entre le fait physique et l’effet physique», de sorte que la structure linéaire de ses peintures carrées se caractérise par une extrême clarté.

La structure des couleurs est créée de la même manière par une peinture appliquée uniformément, directement à partir du tube. La couleur de chacun des trois ou quatre carrés est généralement sans aucune variation d’intensité et n’exprime donc absolument aucune qualité autre que sa tonalité définie. Dans l’œil de l’observateur, le plan plat du tableau devient tridimensionnel, car une couleur semble s’avancer et l’autre s’éloigner, conformément à sa nature contrastée. De plus, l’uniformité pure de la couleur à l’intérieur de chaque carré est optiquement affectée par sa réaction à ses voisins, et toutes les couleurs changent de caractère à mesure que la lumière dans laquelle elles sont vues change.

Certains historiens de l’art ont comparé la série d’œuvres d’Albers «Mémoire d’un carré» aux célèbres peintures «Nymphéas» de Claude Monet, mais les héritiers d’Albers ont été les Américains de la fin des années 1950 et des années 1960 qui, respectant les acquis de l’expressionnisme abstrait, ont trouvé dans ses œuvres un motif et un sens intense de la couleur sur lesquels ils pouvaient s’appuyer. Plus tard, son intérêt pour la perception est redevenu pertinent pour l’op art et même l’art conceptuel.

Pour d’autres mouvements similaires à la peinture expressionniste abstraite, voir Mouvements artistiques, périodes, écoles (à partir d’environ 100 av. J.-C.).

Héritage

La première génération de peintres expressionnistes abstraits s’est épanouie de 1943 au milieu des années 1950. Ils ont eu une influence majeure sur la réputation de la peinture américaine, conduisant à l’établissement de New York comme centre de l’art mondial. Le style a été introduit à Paris dans les années 1950 par l’artiste canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002), qui a été grandement aidé par le livre fondateur «Un Art Autre» (1952) de Michel Tapie. Michel Tapie a également promu le travail de Jackson Pollock et de Hans Hofmann en Europe.

Dans le même temps, de nouveaux sous-mouvements américains tels que Hard Edge Painting émergent, illustrés par des artistes tels que Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (né en 1936), Jules Olitski (né en 1922) et Al Held (né en 1928). En Europe, dans les années 1940 et 1950, l’expressionnisme abstrait était connu sous le nom de Art Informel (art sans forme). Les sous-variantes du Art Informel comprenaient : Tachisme (c. 1945-60), caractérisé par l’utilisation irrégulière de taches de couleur. Parmi ses partisans figurent des artistes tels que Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) et les artistes américains Pierre Soulages (né en 1919) et Sam Francis (1923-1994).

Le abstractionnisme lyrique est étroitement lié au tachisme, un type de peinture abstraite plus doux qui a éliminé certains des éléments les plus subjectifs du style art-informel, illustré par Nicolas de Staël (1914-1955), Jean Paul Riopelle (1923-2002) et le coloriste Patrick Heron (1920-1999). Voir aussi : Groupe COBRA . Le terme «Abstraction lyrique» a également été utilisé en Amérique au début des années 1960 pour désigner un style purement abstrait de peinture sur fond coloré qui est apparu dans l’œuvre de Helen Frankenthaler, Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (né en 1924) et d’autres. Il rejette le contenu émotionnel ou religieux du style antérieur de l’expressionnisme abstrait, ainsi que l’application hautement individuelle ou gestuelle qui lui est associée.

En 1964, le critique d’art Clement Greenberg a organisé une exposition influente (» Post-Paintterly Abstraction») d’œuvres de 31 artistes associés à ce mouvement au Los Angeles County Museum of Art. L’exposition a ensuite été présentée dans d’importants musées d’art en Amérique. Pendant ce temps, en Grande-Bretagne, dans les années 1960, une nouvelle variante de la peinture en champs de couleurs est apparue dans les œuvres de Robin Denny, John Hoyland, Richard Smith et d’autres.

Dans les années 1960, les principaux effets de l’expressionnisme abstrait avaient été complètement absorbés, bien que ses thèmes et techniques aient continué à influencer les artistes ultérieurs de diverses écoles, y compris l’Op Art, Fluxus, le Pop Art, le Minimalisme, le Post-Minimalisme, le Néo-Expressionnisme et d’autres encore.

EVOLUTION DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les tendances et les styles dans l’art : Histoire de l’art .

ABSTRACT
Pour en savoir plus sur l’art concret et sans objet, voir : Peinture abstraite : Top 100 . Pour une liste des styles importants, voir Mouvements de l’art abstrait .

HISTOIRE DES BEAUX-ARTS
Sur l’évolution des beaux-arts, voir : Chronologie de l’histoire de l’art . Sur la peinture à l’huile, l’acrylique, l’aquarelle et les autres types de peintures : Peinture .