Expressionnisme abstrait: histoire, caractéristiques 2 075 Automatique traduire La modification de cette section n'est pas encore terminée

introduction

"Expressionnisme abstrait" est un terme vague qui fait référence à un mouvement général de peinture en grande partie non représentative, qui a prospéré aux États-Unis au cours des années 1940 et 1950. Dirigée par une génération d’artistes américains – fortement influencés par les expatriés européens – qui ont grandi pendant la Dépression et ont été influencés à la fois par la Seconde Guerre mondiale et les conséquences de la guerre froide, peinture expressionniste abstraite n’était ni totalement abstrait ni expressionniste et englobé plusieurs styles assez différents. Même ainsi, les divers représentants de l’expressionisme abstrait avaient plusieurs buts en commun, notamment le désir de redéfinir la nature de la peinture et de créer ainsi une nouvelle type d’art .

De premier plan peintres abstraits Jackson Pollock (1912-1956), son épouse Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), étaient associés au mouvement., Mark Rothko (1903-70), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70), Josef Albers (1888-1976), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974), et William Baziotes (1912-1963). Les peintres de la deuxième génération comprenaient Sam Francis (1923-94).

Le terme "expressionnisme abstrait" a été inventé en Europe pour décrire les œuvres de Expressionniste allemand peintres. Seulement plus tard, en 1946, a-t-il été appliqué à Art américain par le critique d’art Robert Coates. Un label alternatif, "Action Painting", a été inventé en 1952 par Harold Rosenberg (1906-1978) qui, avec Clément Greenberg (1909-94), était le critique et l’apologiste le plus influent du nouveau mouvement, connu également sous le nom de "The École new yorkaise . "En 1955, l’expressionisme abstrait était devenu presque une nouvelle orthodoxie. Parallèlement, des mouvements parallèles apparaissaient en Europe occidentale sous divers titres, tels que Art Informel (vers 1945-1960), ainsi que des sous-variantes telles que Abstraction lyrique. 1940, 1950), Tachisme (vers 1945-60) et le groupe COBRA (1948-1951) En Europe de l’Est, Art Informel était considéré comme une expression d’un individualisme fervent que les autorités communistes rejetaient totalement.

Remarque: pour les formes d’expressionnisme antérieures, voir: Peintures expressionnistes .

Histoire

L’Amérique des années 1940, de laquelle l’expressionnisme abstrait est issu, était encore sous le choc de l’effondrement de l’ordre mondial déclenché par la Seconde Guerre mondiale. C’est une influence majeure sur les artistes du pays – dont beaucoup se souviennent encore de la Grande Dépression et de ses programmes de secours, comme la Works Progress Administration, qui leur avait donné l’occasion de développer une carrière de peintre. Ils commencèrent alors à chercher des moyens de répondre aux incertitudes climat.

Le problème était que les deux principaux mouvements artistiques des années 1930 – à savoir le régionalisme et le réalisme social – ne parvenaient pas à satisfaire leur désir de rompre avec la pensée actuelle. À cet égard, ils ont été fortement influencés par l’arrivée de nombreux artistes réfugiés d’Europe moderne, dont l’approche radicale de l’art a ouvert une série de nouvelles possibilités.

Parmi ces exilés figuraient Arshile Gorky , originaire d’Arménie, installé aux États-Unis en 1920, Hans Hofmann, d’ origine allemande, émigré en Amérique en 1930, ainsi que l’expressionniste allemand George Grosz (1893-1959), Fernand Leger (1881-1955), le peintre abstrait Bauhaus Josef Albers (1888-1976) et l’abstractioniste géométrique Piet Mondrian (1872-1944). Les autres immigrants influents sont le dadaïste Marcel Duchamp (1887-1968) et les surréalistes Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976) et André Breton (1896-1966). le Artistes surréalistes étaient particulièrement influents, avec leur idée de peinture «automatique» inconsciente qui a été reprise par Jackson Pollock et d’autres. Voir également: Histoire de la peinture expressionniste (c.1880-1930).

Jackson Pollock lui-même avait reconnu dès 1944 l’importance de ces artistes pour le nouveau mouvement américain: "Le fait que de bons Européens de la modernité soient maintenant ici est très important car ils apportent une compréhension des problèmes de la peinture moderne."

L’échange d’idées a été facilité à New York par une infrastructure croissante de lieux et d’expositions voués à la promotion de l’art moderne, comme le Museum of Modern Art (fondé en 1929) qui accueille des expositions de cubisme, divers autres styles d’art abstrait, Dada, Art fantastique et Le surréalisme, avec des rétrospectives de Léger, Henri Matisse et Pablo Picasso, entre autres. Des œuvres de Gabo, Mondrian, El Lissitzky et d’autres artistes d’avant-garde ont également été exposées au Museum of Living Art d’ Albert Gallatin. Le Musée de la peinture non-objective (fondée en 1939), précurseur du musée Solomon R. Guggenheim, était réputé pour sa collection de peintures de Wassily Kandinsky (1866-1944). Les thèmes et les idées du modernisme européen ont également été diffusés par le biais de l’éducation. L’artiste immigrant allemand Hans Hofmann a exercé une influence considérable sur les peintres, la critique et le développement de l’art moderne américain grâce à son école d’art de New York où il a enseigné de 1933 à 1958. Enfin, il ne faut pas sous-estimer le rôle de critiques d’art ainsi que de riches mécènes et collectionneurs – notamment Peggy Guggenheim (1898-1979), et Leo Castelli (1907-99) – qui étaient des agents actifs du nouveau mouvement. Voir également: Musées d’art en Amérique .

Chiffres clés dans le développement de l’expressionnisme abstrait

Parmi les peintres autochtones, Albert Pinkham Ryder (1847-1917) est considéré comme l’un des premiers précurseurs de l’abstraction expressionniste. En outre, une figure clé de la transition entre l’art américain d’avant-guerre et celui de l’après-guerre était Stuart Davis (1894-1964), qui a apporté une intégrité concentrée à sa poursuite de la structure picturale. (En parallèle curieux avec l’étude de George Stubbs sur des carcasses de chevaux pendant plusieurs mois afin d’améliorer ses connaissances en anatomie équine, Davis s’est enfermé pendant une longue période en 1927 pour étudier un batteur à œufs). Sa contribution peut être considérée comme une extension américaine du cubisme: il était parfois proche de Fernand Léger, mais il utilisait la couleur de manière très différente, claire et nette, solide et plate. Cela, combiné à sa modernité évidente et à son utilisation du vocabulaire banal de la vie urbaine quotidienne, a eu une influence déterminante sur les artistes des années 1940 et 1950, puis sur le Pop Art. Les Precisionists , un groupe vaguement unifié qui décrivait l’Amérique contemporaine dans une version à la dureté et aux couleurs vives du cubisme, étaient également importants. Georgia O’Keeffe (1887-1986), qui, au cours d’une longue carrière, développa une imagerie de plus en plus abstraite, basée sur des formes organiques magnifiées et les plaines balayées par les vents du Texas.

Mais les deux principaux précurseurs de l’expressionnisme abstrait étaient Arshile Gorky (1905-1948) et Hans Hofmann (1880-1966), dont ni l’un ni l’autre n’étaient liés au début mouvement expressionniste en Allemagne. En 1942, Gorki était parvenu à un pinceau calligraphique très libre, de couleur très vive, souvent entièrement sans référence figurative. "Je ne termine jamais une peinture, je cesse de travailler dessus pendant un moment." Hofmann a créé une école profondément influente à New York, où il a non seulement fourni un soutien théorique articulé avec force à l’art non figuratif, mais est resté très ouvert au stimulus du nouveau. Il reflétait en particulier des idées symbolistes sur l’indépendance du monde de l’art par rapport au monde des apparences: il utilisait la couleur pour exprimer l’humeur telle que l’avait décrite Kandinsky, tout en gardant un sentiment de structure inspiré de Paul Cézanne (1839-1906) et du cubisme. Anticipant Pollock, il expérimenta même les techniques du "goutte-à-goutte" en 1940, mais ses inventions les plus magiques les plus magiques, apparues à la fin de sa vie, expriment une sérénité rayonnante très différente de ce que Pollock produit. Parmi les acolytes de Hofmann figurait le critique d’art Clement Greenberg, ardent défenseur de l’expressionnisme abstrait, et parmi ses étudiants, l’artiste Lee Krasner, qui présenta Hofmann à son mari, Jackson Pollock.

Caractéristiques: les deux styles

En termes simples, le mouvement de l’expressionnisme abstrait comprenait deux grands groupes. Ceux-ci comprenaient: (1) les soi-disant " peintres d’action " tels que Jackson Pollock et Willem De Kooning qui se sont concentrés sur un style d’expression extrêmement intense. peinture gestuelle ; et (2) les peintres plus passifs du " champ de couleurs ", notamment Mark Rothko , Barnett Newman et Clyfford Still , préoccupés par la réflexion et l’humeur. Cela dit, il n’est pas toujours facile de tracer une ligne de démarcation précise entre ces deux types d’expressionnisme abstrait et plusieurs artistes ont contribué à l’un et l’autre.

Peinture d’action

En 1947, après avoir produit de nombreuses peintures abstraites "complètes" – voir, par exemple, Pasiphae (1943, Metropolitan Museum of Art) – Jackson Pollock , soutenu par sa femme Lee Krasner (1908-1984) développent une nouvelle technique radicale (que Hofmann et Krasner avaient déjà essayée): " peinture d’action ", ce qui impliquait des gouttes de peinture diluée sur une toile brute posée sur le sol en balayant de manière large et rythmée un pinceau large et chargé (si un pinceau était utilisé) ou, plus généralement directement de la canette – loin de la méthode picturale traditionnelle dans laquelle Le pigment était appliqué au pinceau sur une toile de chevalet. Pollock travaillait de manière très spontanée et improvisait, dansant autour de la toile en versant, projetant et projetant de la peinture sur celle-ci. Il affirmait ainsi canaliser ses impulsions intérieures directement sur le toile, sous forme de peinture automatique ou subconsciente. Pour plus de détails, voir Peintures de Jackson Pollock (1940-1956).

Les peintures de Pollock ont ​​brisé toutes les conventions de l’art traditionnel américain. Leur sujet était entièrement abstrait, leur envergure était énorme et leur méthode de production iconoclaste devenait presque aussi importante que les œuvres elles-mêmes. En effet, pour ces expressionnistes abstraits, l’authenticité d’un tableau réside dans sa franchise et dans son immédiateté d’expression: dans la manière dont l’artiste a transmis ses impulsions intérieures, son être inconscient. En un sens, la peinture elle-même est devenue un événement, un drame de la révélation de soi. D’où le terme "action painting".

Un aspect important de cet "événement" était le caractère "global" ou informel des peintures. Les œuvres de Pollock en particulier semblaient déborder de la toile, n’étant coupées que par les limites physiques des bords de la toile.

En bref, Pollock (et d’autres) a abandonné tous les concepts traditionnels de composition, d’espace, de volume et de profondeur, permettant ainsi à la planéité du plan d’image d’occuper une place centrale. Sans surprise, les peintures ont fait sensation. Le critique d’art du New York Times John Canaday Très critique, Clement Greenberg proclame l’expressionisme abstrait en général et Jackson Pollock en particulier, l’incarnation de la valeur esthétique, soutenant avec enthousiasme le travail de Pollock sur des fondements formalistes, comme le meilleur tableau de son époque et le successeur d’une tradition artistique. le cubisme de Pablo Picasso, les images en forme de cube de Paul Cézanne et la série des nénuphars de Claude Monet – dont la caractéristique est la fabrication de marques sur une surface plane. Harold Rosenberg a souligné la nature "existentielle" du travail de Pollock, affirmant que "ce qui devait apparaître sur la toile n’était pas une image, mais un événement".

Bien que Willem De Kooning Il est également groupé avec Pollock dans le type actif très chargé d’expression expressionniste abstraite. Ses œuvres sont différentes techniquement et esthétiquement de celles de ce dernier. Sa série de six peintures violentes et sinistres, intitulée Woman (1950-1931), représentant une figure féminine de trois quarts, illustre son style figuratif, bien qu’il produise également des œuvres plus abstraites. Voir aussi son chef d’oeuvre précédent, Femme assise (1944, Metropolitan Museum of Art), prototype de la série Woman . Comme Pollock, De Kooning croyait fermement dans le fait qu’un artiste interprétait ses impulsions intérieures et que le spectateur pouvait lire quelque chose de son émotion ou de son état d’esprit dans les traces de peinture obtenues. "Je peins comme ça parce que je peux y mettre de plus en plus de choses – drame, colère, douleur, amour… à travers vos yeux, cela redevient une émotion ou une idée."

Parmi les autres contributeurs importants à la peinture d’action figurent: Mark Tobey noté pour son style d’écriture blanche de gesturalisme calligraphique; Franz Kline , artiste dont les œuvres comprennent des compositions de champs de couleurs ainsi que des œuvres gestuelles vigoureuses, parfois comparées à des fragments de calligraphie chinoise gigantesques); Robert Motherwell (dans sa série intitulée Élégie à la République espagnole et ses puissants tableaux en noir et blanc); Cy Twombly (dans ses travaux gestuels basés sur la calligraphie, symboles linéaires) et Adolph Gottlieb (Noté pour sa série abstraite surréaliste comprenant Pictogrammes , Paysages imaginaires et Bursts ).

Les artistes associés à la technique de l’action-painting continuent d’être très recherchés par les collectionneurs. Jackson Pollock et Willem De Kooning figurent tous deux dans le monde Top 10 des peintures les plus chères .

Peinture de champ de couleur

Un peu plus tard que l’action-painting, un second style d’expressionnisme abstrait, connu sous le nom de Peinture de champ de couleur . (Une série de ce style est issue de la série Homage to the Square de Josef Albers.) Il apparut alors que plusieurs artistes importants en Amérique à la fin des années 1940 et dans les années 1950 (par exemple, Mark Rothko, Clyfford Stills, Barnett Newman) expérimentaient l’utilisation de zones ou des champs de couleur pour induire la contemplation chez le spectateur – même à une hauteur d’intensité mystique. Ils étaient très actifs dans l’aile passive du mouvement expressionniste abstrait, contrairement à l’agitation de Pollock ou de De Kooning, bien qu’il soit difficile de tracer une ligne de démarcation définitive. Le travail de Clyfford Stills, par exemple, peut être d’humeur tonitruante, mais il est positivement grave contrairement à l’action de Pollock. Le travail de ces artistes était d’une très grande échelle, dans laquelle il différait nettement des recherches correspondantes d’Albers et d’autres, l’ampleur étant nécessaire à la création de l’effet.

L’impulsion derrière la peinture Colour Field était réfléchissante et cérébrale, caractérisée par de simples images imagées conçues pour créer un impact émotionnel. Rothko et Newman, entre autres, ont décrit leur désir de réaliser le "sublime" plutôt que le "beau". Type de minimalisme très coloré, leur style (selon Newman) visait à libérer l’artiste de «toutes les contraintes de mémoire, d’association, de nostalgie, de légende et de mythe qui ont été les moyens de la peinture occidentale européenne». Les formes rectangulaires aux contours doux de Rothko, aux couleurs éclatantes, cherchaient à envelopper le spectateur et à déclencher une expérience émotionnelle semi-religieuse, au point de pleurer. Comme Pollock et les peintres d’action, les peintures de champs de couleurs ont été exécutées à une échelle monumentale pour un impact optimal – non pas pour invoquer la grandeur héroïque, mais plutôt pour influencer et créer une relation intime avec le spectateur. Rothko a dit: "Je peins gros pour être intime."

Le plus distingué de ces peintres du domaine de la couleur était Mark Rothko . Il a été décrit, avec Clyfford Still, comme le principal représentant du "American Sublime". Il a montré pour la première fois en 1929 et vers 1940, il travaillait dans une veine surréaliste. En 1947, cependant, il élaborait la formule à laquelle il devait rester fidèle jusqu’à la fin de ses jours. Cette formule, bien que généralement interprétée à une échelle monumentale, est presque aussi simple que la place de Josef Albers. Peintures de Mark Rothko comprend généralement deux ou trois rectangles horizontaux ou verticaux de couleurs différentes, de largeur ou de hauteur différentes, sur un fond coloré homogène. Les rectangles sont remplis de couleur, qui est lavée ou teintée avec des tons changeants et des intensités lumineuses, et leurs bords s’estompent pour donner un flou artistique. Ce flou des bords donne l’impression que la couleur flotte. L’impression d’un rayonnement mystérieux émanant de ces grandes toiles est si puissante et intense que les spectateurs eux-mêmes peuvent également éprouver une sensation de flottement.

Clyfford Still , toujours une figure détachée, a également travaillé à très grande échelle. Son style de signature étant fortement empâté , forme déchiquetée, se découpant dans un contraste dramatique contre un plan de couleur large et uniforme.

Barnett Newman , associé à Rothko et Motherwell lors de la fondation d’une école d’art sur la 8th Avenue à New York en 1947, a longtemps travaillé pour le magazine The Tiger’s Eye , qui exprimait l’opinion de nombreux membres du groupe. Dans son travail mature, il est arrivé à des solutions encore plus simplifiées que Rothko et n’a jamais été influencé par la peinture gestuelle de Pollock. Dans sa formule, cependant, le but mystique est résumé dans la géométrie symbolique la plus éparse, impliquant une toile rectangulaire comportant une zone de couleur divisée par une ou plusieurs bandes verticales. Son travail est sans caractère et essentiellement cool.

Parmi les autres artistes de Colour Field, on compte William Baziotes, qui était proche d’humeur envers Mark Rothko et Barnett Newman, sauf qu’il développa un style qui ressemblait à la figuration comme jamais à la leur. Ses peintures contiennent des formes relativement complexes évoquant des formes animées ou inanimées; Philip Guston (1913-1980), qui avait sa propre variation très personnelle, parfois appelée "impressionnisme abstrait", à partir de laquelle il passa à un style plus expressif à la fin des années 1950; Adolf Gottlieb, contemporain proche de Clyfford Stills, a exploité l’imagerie surréaliste dans les années 1930, mais s’intéressait également beaucoup à Art indien américain et à partir de là, il développa dans les années 1940 ses "Pictogrammes" caractérisés par une imagerie très freudienne. Une autre figure importante dans le développement de la peinture Colour Field était Helen Frankenthaler (B.1928), qui a commencé comme cubiste avant d’explorer les styles expressionnistes abstraits au début des années 1950, développant de manière significative la technique de "goutte à goutte" de Pollock.

Le tableau White Center (1950) de Mark Rothko a été vendu aux enchères en 2007 pour un montant record de 72, 8 millions de dollars. Voir le monde Top 20 des peintures les plus chères .

Josef Albers: hommage à la place

Le peintre allemand a développé une émanation de l’art Color Field explorant l’harmonie et les proportions dans l’expressionnisme abstrait. Josef Albers , à partir de 1933, enseignante au Black Mountain College en Caroline du Nord. Dans son enseignement, il a étudié les relations entre géométrie et couleur dans une série de peintures intitulée Variations on a Theme . Après s’être installé à Yale en 1950, il commence sa séquence intitulée Homage to the Square . Cette masse d’œuvres consistait en des centaines de peintures et d’empreintes, toutes présentées dans un format carré. Bien que leur taille varie, elles comportent toutes trois ou quatre carrés superposés – un nid de carrés positionnés avec une symétrie verticale mais non horizontale. Albers a utilisé la formule pour démontrer sa conviction persistante dans une dichotomie essentielle de l’art – "la différence entre le fait physique et l’effet physique" – ainsi la structure linéaire de ses images carrées est de la plus simple clarté. La structure de couleur est également créée dans une peinture appliquée uniformément, directement à partir du tube. La couleur de chacun des trois ou quatre carrés ne présente généralement pas de variation d’intensité et est donc totalement dépourvue de toute qualité autre que son ton particulier. Aux yeux du spectateur, le plan-image plat devient tridimensionnel à mesure qu’une couleur semble avancer, une autre reculer, en fonction de sa nature contrastante. De plus, la régularité pure des couleurs dans chaque carré est affectée optiquement par sa réaction aux voisins et toutes les couleurs changent de caractère à mesure que la lumière dans laquelle elles sont vues change.

Certains critiques d’art ont comparé la série Homers to the Square d’ Albers aux célèbres peintures de nénuphars de Claude Monet, sauf que les héritiers d’Albers étaient les Américains de la fin des années 50 et des années 1960 qui, tout en respectant la réalisation de l’expressionisme abstrait, trouvèrent dans son travail sensation de couleur intense sur laquelle ils pourraient construire. Plus tard, son intérêt pour la perception est devenu pertinent pour l’Op Art et même pour l’art conceptuel.

Pour d’autres mouvements similaires à la peinture expressionniste abstraite, voir Mouvements d’art, périodes, écoles (à partir de 100 avant notre ère).

Héritage

La première génération d’artistes expressionnistes abstraits s’épanouit entre 1943 et le milieu des années 1950. Ils ont eu un impact majeur sur la réputation de la peinture américaine, menant à l’établissement de New York en tant que centre de l’art mondial. Le style a été introduit à Paris dans les années 1950 par l’artiste canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002), qui a été grandement aidé par le livre phare de Michel Tapié, Un Art Autre (1952). Michel Tapié a également promu les œuvres de Jackson Pollock et de Hans Hofmann en Europe. Dans le même temps, de nouveaux sous-mouvements américains comme Peinture dure est apparu, illustré par des artistes comme Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (b.1936), Jules Olitski (b.1922) et Al Held (b.1928). En Europe, dans les années 1940 et 1950, l’expressionnisme abstrait était connu sous le nom de Art Informel (art sans forme). Les sous-variantes d’ Art Informel incluent: Tachisme (c.1945-60), marquée par l’utilisation irrégulière de taches de couleur. Parmi les exposants figuraient des artistes comme Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), Pierre soulages (b.1919), et l’artiste américain Sam Francis (1923-94). Étroitement liée au tachisme est Abstraction Lyrique , un type plus doux de peinture abstraite, qui a éliminé certains des éléments les plus subjectifs d’ Art Informel – un style illustré par Nicolas de Stael (1914-1955), Jean Paul Riopelle (1923-2002) et le coloriste Patrick Heron (1920-99). Voir également: Groupe COBRA . Le terme «abstraction lyrique» a également été utilisé en Amérique au début des années 1960 pour désigner un style purement abstrait de la peinture Colour Field, apparu dans des œuvres d’Helen Frankenthaler, Morris Louis (1912-1962). Kenneth Noland (b.1924) et autres. Elle se dispensait du contenu émotionnel ou religieux du premier style de l’expressionisme abstrait, ainsi que de l’application hautement personnelle ou gestuelle qui lui était associée. En 1964, le critique d’art Clement Greenberg organisa une exposition influente (" Abstraction Post-Painterly ") d’œuvres de 31 artistes associés à ce développement au musée d’art de comté de Los Angeles. Le spectacle a ensuite voyagé dans d’importants musées d’art à travers l’Amérique. Pendant ce temps, en Grande-Bretagne, dans les années 1960, une nouvelle variante de la peinture Colour Field apparaît dans les œuvres de Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith et autres.

Dans les années 1960, les principaux effets de l’expressionisme abstrait avaient été complètement absorbés, même si ses thèmes et ses techniques continuaient d’influencer les artistes de diverses écoles, dont Op Art, Fluxus, Pop Art, Minimalisme , Post-minimalisme, Néo-expressionnisme , et d’autres.