Art américain: histoire des beaux-arts en Amérique Automatique traduire

Art américain (c.1750-2000)

Il s’agit d’un guide succinct en 20 étapes sur l’histoire de l’art américain, y compris la peinture, la sculpture, l’architecture et les formes de l’art contemporain, depuis l’époque coloniale. Pour la culture primitive dans les Amériques, voir: Art précolombien (1200 AEC-1535 CE). Pour plus tard la culture amérindienne, voir: Art indien américain (1000 avant JC-1900).

Pour l’histoire et les caractéristiques de la conception architecturale aux États-Unis, voir: Architecture américaine (1600-présent).

1. Artistes coloniaux du 18ème siècle

Art colonial américain Aux XVIIe et XVIIIe siècles, il s’est largement concentré sur le portrait et la peinture de paysage. Les quelques opportunités disponibles pour les artistes proviennent des contacts avec la classe coloniale. Les peintres coloniaux américains importants incluent:

Benjamin West (1738-1820)
Le "père de la peinture américaine", actif en Angleterre, a influencé de nombreux artistes américains, dont John Copley, Gilbert Stuart et Allston Washington.

John Singleton Copley (1738-1815)
Reconnu pour ses portraits et ses peintures d’histoire à Boston et à Londres.

Gilbert Stuart (1755-1828)
Connu pour ses portraits de George Washington, Stuart est considéré comme le plus grand portraitiste américain du XVIIIe siècle et le créateur d’un style d’art typiquement américain.

Parmi les autres peintres américains du XVIIIe siècle, on peut citer le portraitiste Ralph Earl (1751-1801) et le peintre de portraits / histoire John Trumbull (1756-1843).

L’architecture américaine de l’époque coloniale était typiquement géorgienne ou néoclassique. Ce dernier englobe les conceptions du «style fédéral» et de la renaissance grecque. Architectes américains de la période comprennent Thomas Jefferson (1743-1826), William Thornton (1759-1828), James Hoban (1762-1831), Charles Bulfinch (1763-1844) et Benjamin Latrobe (1764-1820).

2. Art du paysage américain du XIXe siècle

Une Amérique indépendante offrait plus de possibilités à tous, y compris aux artistes. Bien que la photographie (inventée en 1839) ait finalement remplacé la peinture en tant que chroniqueuse d’événements et d’expériences, l’Amérique du XIXe siècle s’est fiée aux peintres pour enregistrer ces choses. Le portrait continuait à être financièrement profitable, mais les paysages de la nature sauvage américaine étaient également populaires. Les deux styles les plus célèbres de peinture de paysage, tous deux très romantiques, sont inspirés de Thomas Cole. École Hudson River (c.1825-65) et son rejeton plus tard Luminisme (c.1850-75). L’école française de Barbizon en plein air était également influente, alors qu’un style connu sous le nom de tonalisme a grandi dans les années 1880 et 90. Parmi les peintres américains du XIXe siècle et les peintres en plein air, on compte:

Thomas Cole (1801-188)
Célèbre pour la grandeur et la qualité dramatique de ses scènes de désert.

George Inness (1825-1894)
Apporta les techniques de la Barbizon School en Amérique et contribua à définir le mouvement impressionniste tonaliste.

Frederic Edwin Church (1826-1900)
Elève de Cole, et le plus grand peintre de paysages jamais romantique d’Amérique, Church traversa le continent, peignant des forêts tropicales, des cascades, des volcans et des icebergs.

Albert Bierstadt (1830-1902)
Paysagiste d’origine allemande, membre de l’école de Düsseldorf, de la Hudson River School et de la Rocky Mountain School of Landscape Art.

Parmi les autres artistes de la rivière Hudson figurent: Thomas Doughty (1793-1856), Asher Brown Durand (1796-1886), Robert Walter Weir (1803-1889), John William Casilear (1811-1893), Worthington Whittredge (1820-1910), Robert. Duncanson (1821-1872), William Hart (1823-1894), David Johnson (1827-1908), Jervis McEntee (1828-1891), James McDougal Hart (1828-1901), Thomas Hill (1829-1908), Hermann Ottomar Herzog (1831-1932), William Stanley Haseltine (1835-1900).

Les artistes luministes incluent : John F. Kensett (1816-1872), Martin Johnson Heade (1819-1904), Sanford Robinson Gifford (1823-1880), Jasper Francis Cropsey (1823-1900), William Trost Richards (1833-1905), Norton Bush (1834-1894), Edmund Darch Lewis (1835-1910), Alfred T. Bricher (1837-1908), Thomas Moran (1837-1926).

George Caleb Bingham (1811-1879)
Le célèbre et très populaire frontier-peintre à l’huile, artiste de paysage et artiste de genre luministe du Missouri.

Parmi les autres peintres de la frontière américaine : Frédéric Remington (1861-1909), le plus célèbre représentant de Cowboy West; l’aquarelliste Charles Russell (1864-1926); William Sidney Mount (1807-1868), peintre de genre, se distingue par ses scènes rurales attrayantes pour les citadins; Albert Pinkham Ryder (1847-1917) connu pour ses scènes mythologiques romantiques mais sombres.

Peinture d’histoire
Bien moins populaire que la peinture de paysage et le portrait, la peinture d’histoire américaine a été conservée par le peintre germano-américain. Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), dont on se souvient le mieux pour son chef-d’œuvre, Washington Crossing the Delaware .

3. Peinture de genre et de portrait américain du XIXe siècle

Outre des paysages, des artistes américains ont réalisé des portraits et une gamme de peintures de sujets ou de genres. John Singer Sargent était le plus grand portraitiste de l’époque, tandis que Winslow Homer était l’un des principaux peintres. Les grands mouvements artistiques européens de l’impressionnisme et du post-impressionnisme ont eu quelques adeptes aux États-Unis, mais le réalisme est resté le style dominant.

Parmi les peintres de genre et les peintres de genre américains du XIXe siècle figurent:

Winslow Homer (1836-1910)
Homère, l’un des artistes les plus célèbres d’Amérique, avait le talent de représenter la nature de manière à refléter l’esprit pionnier américain. Autodidacte tant à l’aquarelle qu’à la peinture à l’huile, ses tableaux traitent de la vie obscure de pêcheurs, de soldats, de marins, de bûcherons, de chasseurs, de pionniers – les gens ordinaires du genre humain.

Thomas Eakins (1844-1916)
Tout simplement le plus grand représentant américain du réalisme figuratif; reçu beaucoup moins de reconnaissance officielle de son vivant que ce qu’il aurait mérité.

John Singer Sargent (1856-1925)
Actif en Europe et à Londres, il était le meilleur portraitiste américain de son époque. Ses plus grandes œuvres incluent: Les filles d’Edward Darley Boit (The Boit Sisters) (1882, Museum of Fine Art, Boston); Portrait de madame x (Mme Pierre Gautreau) (1884); et El Jaleo (1882, musée Isabella Stewart Gardner, Boston)

Réalisme en sculpture
Pour des statues réalistes, voir Fin du sentier de James Earle Fraser (1876-1953) et les étalons de combat de Anna Hyatt Huntington (1876-1973).

4. L’impressionnisme américain du XIXe siècle

Le pionnier de Impressionnisme américain était le peintre tonaliste expatrié James McNeill Whistler (1834-1903). Actif en Grande-Bretagne en tant que portraitiste, paysagiste, symboliste et membre du mouvement Esthétique, il est surtout connu pour ses «arrangements», ses «harmonies» et ses «nocturnes». Parmi les derniers peintres impressionnistes américains, citons: l’artiste de Pittsburgh Mary Cassatt (1844-1926); le bostonien Childe Hassam (1859-1935) mieux connu pour ses "peintures de drapeaux"; le portraitiste formé à Munich William Merritt Chase (1849-1916); J. Alden Weir (1852-1919) qui excellait dans les paysages, les natures mortes et les peintures de fleurs; Theodore Robinson (1852-1896), un ami proche de Claude Monet; l’artiste de Cincinnati John H Twachtman (1853-1902); Thomas Dewing (1851-1938), peintre d’intérieur et paysagiste, adepte de l’esthétisme; et John Singer Sargent (1856-1925). De plus, Robert Henri (1865-1929) et William James Glackens (1870-1938), tous deux membres de The Eight , ont produit plusieurs excellentes toiles de style impressionniste.

Au fur et à mesure que le monde de l’art américain s’est développé au 19ème siècle, ses organisations se sont développées. L’Académie américaine des beaux-arts a été fondée dès 1802 et a fonctionné jusqu’en 1841. Elle a ensuite été remplacée par l’ Académie nationale du design (initialement appelée Société pour l’amélioration du dessin), créée en 1825 à New York. La National Academy était l’association des beaux-arts la plus active en Amérique jusqu’au 20ème siècle, lorsque son caractère conservateur l’a progressivement transformée en une institution historique.

En outre, l’Amérique a commémoré une grande partie de son histoire au 19e siècle dans des sculptures commémoratives, telles que celles de Daniel Chester français (1850-1931).

5. Architecture du 19ème siècle

Les styles principaux de l’architecture américaine au XIXe siècle étaient le néo-grec, le néo-gothique, le Second Empire, ainsi que des motifs à l’italienne et au style roman. Le réveil grec a été le premier, mené principalement par Jefferson, Latrobe et Bulfinch. La conception architecturale néo-gothique est illustrée par le travail de Richard Upjohn (1802-1878) et James Renwick (1818-1895), tandis que les dessins de style roman étaient poursuivis par Henry Hobson Richardson (1838-1886). Le style Beaux-Arts moins répandu – mélange d’architecture néo-renaissance et néo-baroque – a notamment été défendu par Richard Morris Hunt (1827-1895) et Cass Gilbert (1859-1934). En attendant, les premiers vrais gratte-ciel ont été conçus par le École d’architecture de Chicago (c.1880-1910), dirigé par William Le Baron Jenney (1832-1907).

6. 1900: développement de l’art moderne en Amérique

À partir de ce moment, l’art européen – et plus important encore, les artistes européens – commencent à avoir un impact beaucoup plus grand sur l’Amérique. Ceci est le résultat de deux facteurs principaux. (1) la montée du pouvoir commercial américain – qui a à son tour entraîné l’émergence de puissants collectionneurs d’art et philanthropes américains, qui ont acheté de l’art européen pour des musées aux États-Unis. La croissance des villes américaines en faisait d’ailleurs des clients idéaux pour les nouveaux styles d’architecture européenne tels que l’ Art Nouveau (épanoui 1890-1914) et l’ Art Déco (années 1920-1930). (2) Le chaos et le carnage de la Première et de la Seconde Guerre mondiale ont conduit de nombreux artistes continentaux à émigrer aux États-Unis. L’influence européenne accrue a eu pour effet, entre autres, l’émergence d’une école d’art abstrait: d’abord orientée vers le cubisme, puis géométrique et coloriste, elle constituait un contraste évident avec le représentationnalisme autochtone.

La célèbre avant-garde Spectacle d’arsenal (officiellement intitulé Exposition internationale d’art moderne) – vu par plus de 250 000 visiteurs à New York, Chicago et Boston – a marqué un tournant dans l’intérêt du public pour l’art moderne. Les expositions présentaient les plus grandes peintures modernes, y compris des œuvres d’artistes modernistes américains et européens. Organisé par Arthur B Davies (1862-1928), président de l’ Association des peintres et sculpteurs américains - un groupe initié par Robert Henri (1865-1929) – le spectacle a attiré plusieurs commanditaires et collectionneurs importants, dont Lillie P Bliss (1864-1931) et Katherine Dreier (1877-1952), qui sont toutes deux devenues des bienfaiteurs clés du Museum of Modern Art (MoMA). Nouveau York. Parmi les autres expositions importantes datant de cette période, citons l’exposition internationale d’art contemporain Carnegie qui se tient depuis 1896 au musée d’art du Carnegie Institute de Pittsburgh; et bien sûr la Biennale de Whitney, un événement sur invitation organisé depuis 1932.

Plusieurs célèbres musées d’art américains, dotés de philanthropes américains, datent du début du siècle. Ils comprennent: le Metropolitan Museum of Art de New York (1870), qui possède maintenant plus de 3 millions d’œuvres; Le Museum of Fine Arts de Boston (1870), dont la collection compte maintenant 450 000 œuvres; Le Philadelphia Museum of Art (1876), avec 200 galeries et plus de 225 000 objets; Le Detroit Institute of Arts (début des années 1880), avec 100 galeries et une collection évaluée à plus d’un milliard de dollars; Art Institute of Chicago (1893), dont la collection comprend 33 chefs-d’œuvre de Claude Monet!; The Frick Collection (1919), l’un des plus grands musées d’art «bijou» du monde; La collection Phillips (1921), un autre des plus "petits" musées du monde; Le musée d’art américain Whitney (1930), fondé par Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942).

Le photographe, éditeur et marchand d’art américain a eu une influence importante sur le développement de l’art américain au début du XXe siècle. Alfred Stieglitz (1864-1946), futur mari de l’artiste Georgia O’Keeffe, qui – avec l’aide de son proche collègue Edward Steichen (1879-1973) – consacra une grande partie de son énergie à promouvoir la photographie d’art ainsi que la peinture et la sculpture modernistes dans la région de New York. Autres premiers artistes de la caméra inclus Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-1975).

7. Art urbain américain du XXe siècle

La jungle de béton croissante des villes américaines, avec son imposante architecture de gratte-ciel , a attiré les compétences techniques et artistiques d’un certain nombre de talents Architectes américains , y compris des figures aussi diverses que Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius (1883-1969), Mies van der Rohe (1886-1969) – champion du " Style international ", et chef de la Deuxième école d’architecture de Chicago – le cabinet d’architectes de renommée mondiale Skidmore, Owings and Merrill et leur concepteur révolutionnaire Fazlur Khan (1929-1982), ainsi que Philip Johnson (1906-2005), IMPei (né en 1917) et Frank O. Gehry (b.1929). La scène urbaine a également attiré l’attention de plusieurs mini-mouvements artistiques. Ils comprenaient: le École Ashcan (New York c.1892-1919), un ensemble progressiste de peintres et illustrateurs américains décrivant la vie de la ville de New York dans un style sablonneux et non poli. L’école Ashcan (dont le "noyau" était connu sous le nom de " The Eight ") comprenait Arthur B. Davies, William J. Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Luks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) et John Sloan (1871-1951), y compris les peintres de deuxième génération d’Ashcan. George Wesley Bellows (1882-1925) et Edward Hopper (1882-1967) qui a produit de nombreuses œuvres de genre réalistes ainsi que des paysages – voir, par exemple, House by the Railroad (1925, Museum of Modern Art) et Phare à deux lumières (1929, Metropolitan Museum) et son chef-d’œuvre Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago).

Une autre influence sur la peinture moderne en Amérique était Precisionism (ou Réalisme cubiste, années 20), qui se concentrait sur l’industrie moderne et les paysages urbains, se caractérisaient par une représentation réaliste des objets, mais d’une manière qui mettait également en valeur leur forme géométrique. Cela a été illustré dans les œuvres de Charles Demuth (1883-1935) et Charles Sheeler (1883-1965), tandis que les images urbaines de Georgia O’Keeffe (1887-1986) sont également associés au style Precisionist. Parmi les autres spécialistes de la précision, on trouve George Ault (1891-1948), Ralston Crawford (1906-1978) et Niles Spencer (1893-1952). Un style de postérieur Réalisme social a été pratiqué par les peintres urbains américains de la période de la dépression, comme Ben Shahn (1898-1969), Moses Soyer (1899-1974), Raphael Soyer (1899-1987), Reginald Marsh (1898-1954), William Gropper (1897-1977), Jack Levine (né en 1915) et Isabel Bishop (1902-1988). La plupart ont été inspirés par les traditions de l’école Ashcan de New York, ainsi que par les Peintures murales mexicaines de Diego Rivera (1886-1957), Jose Clemente Orozco (1883-1949) et David Alfaro Siqueiros (1896-1974).

8. Croissance de l’art moderne autochtone en Amérique (c.1920-1940)

La plupart des arts américains d’avant-garde étaient basés sur les tendances émanant de Paris, toujours le centre de l’art mondial. Le cubisme , l’ expressionnisme , le dada et le surréalisme sont les plus importants de ces mouvements et ont attiré de nombreux artistes autochtones américains, notamment: le cubiste / expressionniste du New Jersey, John Marin (1870-1953); le moderniste vigoureux Marsden Hartley (1877-1943); l’expressionniste russo-américain Max Weber (1881-1961); le pionnier du Bauhaus né à New York Lyonel Feininger (1871-1956); l’infortuné Patrick Henry Bruce (1881-1937), connu pour ses tableaux empâtés semi-abstraits; Stanton Macdonald-Wright (1890-1973) et Morgan Russell (1883-1953), deux Américains vivant à Paris qui ont inventé un style abstrait coloré appelé Synchromisme ; Arthur Garfield Dove (1880-1946) remarqua pour ses résumés, collages et assemblages à petite échelle; Burgoyne Diller, inspiré par Mondrian et De Stijl (1906-1965); l’influent cubiste américain Stuart Davis (1894-1964); le peintre abstrait calligraphique Mark Tobey (1890-1976); le surréaliste Man Ray (1890-1976); l’artiste multi-média russo-américain Louise Nevelson (1899-1988); le sculpteur de métal Indiana David Smith (1906-1965); Joseph Cornell (1903-1972) noté pour ses installations; l’Iowa élevé Grant Wood (1892-1942) noté pour son chef-d’œuvre gothique americain (1930), et le Missouri né Thomas Hart Benton (1889-1975), tous deux champions de la vie rurale et de la petite ville Régionalisme – partie de l’idiome réaliste plus large de Peinture de scène américaine ; et Jacob Lawrence (1917-2000), célèbre artiste afro-américain. Pendant ce temps, l’école traditionaliste de la vanille simple était représentée par grand-mère Moses (1960-1961), connue pour ses scènes rurales idylliques; l’illustrateur et portraitiste sentimental Norman Rockwell (1894-1978); et Andrew Wyeth (b.1917) L’artiste aquarelle et tempera à l’œuf, réputé pour ses représentations nostalgiques et parfois symboliques de la Pennsylvanie et de la côte du Maine, telles que Christina’s World (1948).

Il faut également mentionner le développement de la photographie artistique et l’émergence de photographes paysagistes comme Ansel Adams (1902-1984), Imogen Cunningham, et Edward Weston (1886-1958). Pour plus de détails sur d’autres photographes américains influents du XXe siècle, tels que Robert Mapplethorpe (1946-1989), et Cindy Sherman (b.1954).

9. Arrivée d’artistes modernes d’Europe (1920-1940)

Les artistes importants qui ont quitté l’Europe et se sont installés en Amérique pendant l’entre-deux-guerres, dont l’Arménien Arshile Gorky (1905-1948), qui s’établit aux États-Unis en 1920, l’Allemand né Hans Hofmann (1880-1966), Joseph Albers (1888-1976), ancien peintre du Bauhaus, le cubiste Fernand Leger (1881-1955), l’abstractioniste géométrique Piet Mondrian (1872-1944) et les surréalistes Yves Tanguy (1900-1955) André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976), qui épousa brièvement l’héritière et collectionneuse américaine Peggy Guggenheim, et André Breton (1896-1966). Les artistes surréalistes étaient très influents avec leur idée de «peinture automatique» inconsciente, reprise par Jackson Pollock et d’autres.

L’échange d’idées a été facilité à New York par une infrastructure grandissante de lieux de promotion de l’art moderne, notamment: le Museum of Modern Art (MoMA, fondé en 1929), le Whitney Museum of American Art (fondé en 1931 par Gertrude Vanderbilt Whitney ), Le musée d’art vivant d’ Albert Gallatin et le musée de la peinture non-objective (fondée en 1939), précurseur du musée Solomon R. Guggenheim . L’éducation a également joué un rôle: l’artiste allemand Hans Hofmann a exercé une influence considérable sur les peintres grâce à son école d’art de New York où il a enseigné de 1933 à 1958. Enfin, de nombreux mécènes et collectionneurs américains – notamment Peggy Guggenheim - étaient des conduits actifs et créatifs.

L’action était centrée sur New York. En 1936, un certain nombre de peintres et sculpteurs abstraits de New York formèrent un groupe appelé American Abstract Artists , afin d’exposer et de promouvoir leurs œuvres, en particulier auprès d’institutions américaines comme le Museum of Modern Art (MoMA), qui favorisaient généralement les œuvres européennes. Balcombe Greene (1904-1990) fut le premier président de l’AAA. Joseph Albers, Willem de Kooning et Jackson Pollock comptaient parmi ses premiers membres. C’était un signe de choses à venir.

10. Expressionnisme abstrait (c.1940-1960)

Au début des années 1940, alors que l’Europe était en ébullition, New York prit tranquillement le relais de Paris en tant que centre innovant de l’art. Cela a coïncidé avec l’apparition du premier grand mouvement artistique américain, connu sous le nom d’expressionnisme abstrait (florissant de 1943 à la fin des années 1950). Les principaux pratiquants inclus: Jackson Pollock (1912-1956), son épouse Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962) Robert Motherwell (1915-91), Willem De Kooning (1904-97) Mark Rothko (1903-1970), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-70), Josef Albers (1888-1976), Ad Reinhardt (1913-67), Philip Guston (1913-80), Adolph Gottlieb (1903-1974) et William Baziotes (1912-1963). La deuxième génération comprenait: Morris Louis (1912-1962), Norman Bluhm (1920-1999), Richard Diebenkorn (1922-1993), Jules Olitski (né en 1922), Ellsworth Kelly (b.1923), Kenneth Noland (b.1924), Joan Mitchell (1926-92), Helen Frankenthaler (b.1928) et Frank Stella (b.1936). Ni purement abstrait ni expressionniste, le style embrasse deux grands groupes: l’école de "Action Painting" (un style de peinture gestuelle ) dont les membres dirigeants comprenaient Jackson Pollock et Willem De Kooning; et le style plus passif de Peinture de champ de couleur pratiqué par Mark Rothko et autres. Voir: Peintures de Mark Rothko (1938-1970). Philip Guston développa sa propre version, souvent appelée "impressionnisme abstrait", tandis qu’Adolf Gottlieb s’intéressait beaucoup à l’art amérindien à partir duquel il développa ses "pictogrammes". Helen Frankenthaler, qui a débuté comme cubiste avant d’enquêter sur la peinture expressionniste abstraite au début des années 50, a également été admirée. Une troisième tendance, moins géométrique et purement abstraite, a été poursuivie différemment par Josef Albers et Ad Reinhardt. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, des artistes plus jeunes comme Ellsworth Kelly, Kenneth Noland et Frank Stella se sont développés. Peinture de bord dur , dont les contours nets contrastent avec le foyer plus doux de la série Homage to the Square d’Albers et d’autres formes similaires. En 1964, cette tendance a été nommée abstraction post-peintre par le critique d’art Clément Greenberg (1909-94) quand il organisa l’exposition influente " Abstraction Post-Painterly "au musée d’art du comté de Los Angeles.

11. Néo-Dada (années 1950): réaction contre l’expressionnisme abstrait

Au début des années 1950, une tendance anti-esthétique connue sous le nom de Art néo-dada – illustré par Robert Rauschenberg (1925-2008) & Jasper Johns (b.1930) – est apparu en réaction à l’intellectualisme de l’expressionnisme abstrait. Comme le mouvement à part entière Dada, il utilisait des matériaux modernes, une iconographie populaire et un contenu absurde. Cela a également coïncidé avec Art Assemblage – une œuvre d’art constituée de fragments d’objets «trouvés» tels que des débris ménagers, des détritus urbains – en fait tout matériau (généralement reconnaissable), grand ou petit. Bien que de courte durée et l’un des nombreux groupes anti-artistiques de ce type, Neo-Dada fut le précurseur du Pop Art. Voir aussi les activités de l’important marchand d’art et collectionneur Leo Castelli .

Autres mouvements modernes et contemporains

L’art cinétique (mobiles) a été mis au point par le célèbre ingénieur, dessinateur et peintre en gouache Alexander Calder (1898-1976). Alfonso Ossorio (1916-1990) représentait aux États-Unis l’art de peindre sur du papier recouvert de cire, ainsi que des assemblages décoratifs sur du ciment avec de nombreux ajouts. Richard Anuszkiewicz (né en 1930) en est un exemple. George Brecht (né en 1925), Ray Johnson (né en 1927) et le Japonais-Américain Yoko Ono (né en 1933) pratiquaient l’art du fluxus. Pour "l’art des fluides corporels" contemporain, consultez Kiki Smith (née en 1954), fille du sculpteur Tony Smith.

12. Conceptualisme américain (années 1950-1960)

L’art conceptuel ou conceptualisme est un mouvement mondial qui affirme que "l’idée" d’une œuvre d’art est plus importante que l’œuvre elle-même. Les artistes conceptuels essaient de produire des idées astucieuses conçues pour choquer et amuser sans nécessairement laisser derrière eux des œuvres d’art impressionnantes. Est-ce qu’ils essaient de détruire l’art formel, ou simplement d’étendre ses frontières? Personne ne semble savoir avec certitude. Les principaux participants à l’art conceptuel américain comprennent: le compositeur avant-gardiste John Cage (1912–1992) qui créa la composition musicale controversée «4-33», dont les trois mouvements ne contiennent aucun son ni aucune note de musique; le sculpteur Sol LeWitt (B.1928) a noté pour son essai influent "Paragraphs on Art Conceptual" (1967); les artistes Allan Kaprow (1927-2006), John Baldessari (né en 1931), Edward Kienholz (1927-94) et Joseph Kosuth (né en 1945). La première œuvre d’art conceptuelle fut Erased de Kooning Drawing (1953) de Robert Rauschenberg. Il réside maintenant au musée d’art moderne de San Francisco.

Parmi les autres représentants américains du conceptualisme, citons: Jenny Holzer (née en 1950), artiste en installation; l’artiste photomontage Barbara Kruger (b.1945); le conceptualiste Bronx, Lawrence Weiner (né en 1942); et Mel Bochner (né en 1940), né à Pittsburgh, le cubano-américain Felix Gonzales-Torres (1957-96) et l’artiste multimédia Matthew Barney (né en 1967).

13. Pop Art (années 1960/1970)

Influencés par Dada et le surréalisme, les artistes pop cherchent à se démarquer de l’expressionisme abstrait en utilisant des images reconnues immédiatement reconnaissables (hamburgers, personnages de bandes dessinées, mégots de cigarettes, voitures, gant de baseball), ainsi que des technologies modernes de gravure la sérigraphie – tout en faisant un fou rire à la société américaine consumériste. Wayne Thiebaud (né en 1920), Larry Rivers (1923-2002), Jim Dine (b.1935), Robert Indiana (alias John Clark) (né en 1928), Alex Katz (né en 1927), Roy Lichtenstein (1923-97), Claes Oldenburg (b.1929), Ed Ruscha (b.1937), James Rosenquist (b.1933), Andy Warhol (1928-1987) et Tom Wesselmann (né en 1931). Pour en savoir plus sur le leader de ce style, voir Le Pop Art d’Andy Warhol des années soixante et soixante-dix.

14. Art environnemental (années 1960) (travaux de terrassement, art terrestre)

Le land art était une forme de sculpture contemporaine dans laquelle le paysage est manipulé pour créer des formes artistiques ou des "événements". Parmi les pionniers de cette forme d’art, dont beaucoup ont participé à une exposition majeure "Art de la terre" au musée d’art Andrew Dickson White de l’Université Cornell, inclus: Robert Smithson (1938-1973), son épouse Nancy Holt (née en 1938), Walter De Maria (né en 1935), Agnes Denes (née en 1938), Dennis Oppenheim (né en 1938), Alice Aycock (née en 1946), James Turrell (né en 1943), Michael Heizer (né en 1944) et le couple époux Christo & Jeanne-Claude (1935-2009). Remarque: les portraits présidentiels du mont Rushmore, bien qu’il s’agisse clairement d’œuvres d’art, ne sont pas considérés comme du Land Art car ils ne célèbrent pas la terre, mais les images qui en sont faites.

15. Art vidéo

L’art vidéo est apparu vers 1963 aux États-Unis, puis en Europe. Il a été repris par plusieurs des principaux mouvements, notamment le conceptualisme et le minimalisme. Les vidéastes américains les plus importants sont: Joan Jonas (née en 1936), Peter Campus (né en 1937), Vito Acconci (né en 1940), Bruce Nauman (né en 1941), Dan Graham (né en 1942), Gary Hill (né en 1951), Tony Oursler (né en 1957) et le grand Bill Viola (né en 1951). Matthew Barney (né en 1967) et l’américano-américaine Mariko Mori (né en 1967) font partie des exposants plus récents.

16. Minimalisme (années 1960)

Art minimal est une forme puriste de art abstrait qui deviennent un style influent dans le monde entier en sculpture, peinture et architecture. Les œuvres minimalistes (de sculpture et de peinture) se composent généralement d’éléments nus et uniformes constituant un certain type de grille ou de motif. Des choses effrayantes! Le terme «minimalisme» s’applique également aux œuvres tridimensionnelles d’artistes tels que Carl Andre (né en 1935), les artistes new-yorkais Dan Flavin (1933-1996) et Ellsworth Kelly (né en 1923), née au Missouri Donald Judd (1928-1994), le sculpteur du Connecticut, Sol LeWitt , l’artiste de Kansas City Robert Morris (né en 1931), Kenneth Noland, né en Caroline du Nord (né en 1924), le San Franciscan Richard Serra (b.1939), le sculpteur du New Jersey Tony Smith (1912-1980) et l’artiste de Baltimore Anne Truitt (née en 1933); et aux peintures des new-yorkais Ad Reinhardt (1913-1967), Robert Mangold (né en 1937) et Brice Marden (né en 1938), née au Canada Agnes Martin (1912-2004), l’italo-américain Frank Stella , et l’artiste du Tennessee Robert Ryman (né en 1930), entre autres. Pour l’exposant principal du post-minimalisme, voir: Eva Hesse (1936-70) l’élève germano-américain de Joseph Albers.

17. Art féministe américain (fin des années 1960)

Né du mouvement de libération des femmes, art féministe visait à donner plus d’importance aux femmes artistes de l’histoire et à améliorer le traitement réservé aux femmes artistes du monde de l’art. Parmi les artistes féministes américaines les plus en vue, mentionnons Nancy Spero (née en 1926), née à Cleveland (Ohio), Judy Chicago (née Judy Cohen) (née en 1939), Mary Kelly, née en Oklahoma (né en 1941), Miriam Schapiro, née dans l’Iowa (né en 1923) et Barbara Kruger, née dans le New Jersey (né en 1945). Notez également la sculpture féministe de l’américaine d’origine française Louise Bourgeois (1911-2010).

18. Photoréalisme, superréalisme (années 1960, années 1970)

Ces termes décrivent un style de peinture hyperréaliste apparu à la fin des années 1960, dans lequel les sujets sont décrits de manière très détaillée, à la manière d’une photographie. Souvent utilisé pour démontrer la virtuosité technique, cet idiome est illustré par des peintres comme Richard Estes (b.1932) spécialisé dans les scènes de rue; Chuck Close (né en 1940) qui réalise des portraits monumentaux et des autoportraits; Robert Cottingham (né en 1935), qui représente des panneaux publicitaires; Audrey Flack (né en 1931) a noté pour ses natures mortes émotionnelles; Howard Kanowitz (1929-2009) qui employait des découpes collées; Ralph Goings (né en 1928) qui se concentre sur les voitures. Parmi les sculpteurs renommés Duane Hanson (1925-96) qui reproduit les consommateurs mondains, John de Andrea (né en 1941), spécialiste de la sculpture de nu, Carole Feuerman (né en 1945), spécialisée dans les nageurs, et Robert Gober (né en 1954), connu pour ses parties de corps en cire d’abeille.

19. Graffiti Art (années 1970, 1980)

Aussi appelé "Écriture", "Art Spraycan" et "Art aérosol", Art de graffiti est étroitement liée au mouvement culturel hip-hop, qui a vu le jour dans diverses villes américaines au début des années 1970, notamment dans le métro de New York. Au milieu des années 1970, la plupart des normes créatives de l’art aérosol étaient déjà établies et le genre commençait à stagner. Au début des années 1980, un groupe de peintres d’avant-garde du XXe siècle, connus sous le nom de United Graffiti Artists (UGA), fondé en 1972 par Hugo Martinez, avait élargi son effectif à de nombreux grands tagueurs et pulvérisateurs de graffitis, en vue de montrant des œuvres dans des lieux officiels, comme la galerie Razor. Par la suite, à la fin des années 1980 et dans les années 1990, des graffeurs renommés ont commencé à louer des studios et à montrer leurs œuvres dans des galeries et à louer des studios d’art. Le graffeur américain le plus célèbre était probablement Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Autres: Futura 2000 (1956), Keith Haring (1958-1990), David Wojnarowicz (1954-92), Rhonda Zwillinger, Mike Bidlo, Kenny Scharf, Rammellzee (né en 1960), Blade (né en 1957), Vinnie Ray et Shepard Fairey. En dehors des États-Unis, le peintre de graffitis le plus célèbre est l’artiste au pochoir connu sous le nom de Banksy . De nombreuses œuvres d’art graffiti peuvent être vues à la galerie B5, à New York.

20. Art néo-pop (fin des années 1980)

Les termes "néo-pop" ou "post-pop" dénotent le regain d’intérêt pour les thèmes et les méthodes du mouvement Pop-Art des années 1950 et 1960. En particulier, il fait référence au travail d’artistes tels que l’anglo-américain Ashley Bickerton (né en 1959), Jeff Koons (b.1955) et Haim Steinbach (b.1944). Utilisant des objets reconnaissables, des images de célébrités et des symboles de la culture populaire, cette forme mise à jour de Pop-Art s’inspirait également de Dada (dans leur utilisation de readymades et d’objets trouvés) et du conceptualisme moderne.

21. L’art américain au 21e siècle

L’art postmoderniste, illustré par les œuvres novatrices de Jeff Koons aux allures de kitsch, continue de dominer l’Amérique, reflétant des développements similaires en Grande-Bretagne illustrés dans les œuvres de Damien Hirst (né en 1965). Cependant, alors qu’en Grande-Bretagne et sur le continent, l’art postmoderniste se tient maladroitement aux côtés de Michel-Ange et de Monet, le monde de l’art américain a tendance à être davantage basé sur le produit. Pour le dire simplement, alors que les Européens s’inquiètent de l’ esthétique , les Américains achètent et vendent de l’art comme si c’était juste une autre série de produits. Si cela est vrai, la récession de 2008-2009 devrait donner une nouvelle valeur aux œuvres d’art américaines du 19e siècle, du début / du milieu du 20e siècle et de l’époque contemporaine. Déjà, l’art contemporain a subi une baisse importante de la valeur financière, alors que la période Warhol semble bien se dérouler.

Les meilleurs musées d’art en Amérique

Pour expérimenter au mieux la peinture et la sculpture américaines (de 1750 à nos jours), visitez les collections de ces musées. Voir également Musées d’art en Amérique .

Collectionneurs d’art américains

Voir également: Collectionneurs d’art: le plus grand .

Isabella Stewart Gardner (1840-1924)
Collectionneur d’art et de décoration de Boston, axé sur les peintures de la Renaissance.

Solomon R Guggenheim (1861-1949)
Le collectionneur d’art américain, fondateur du musée, s’est concentré sur l’art contemporain du 20ème siècle.

Dr Albert C Barnes (1872-1951)
Le plus grand collectionneur d’art américain, célèbre pour son assemblage de toiles impressionnistes et postimpressionnistes.

Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942)
Fondateur du Whitney Museum, NY, dédié à la peinture et à la sculpture américaines.

Duncan Phillips (1886-1966)
Fondateur de Phillips Collection, l’un des plus grands petits musées d’art.

J Paul Getty (1892-1976)
Un magnat du pétrole, collectionneur d’art et d’antiquités, a créé la Getty Villa, le Getty Center et la Getty Foundation.

Peggy Guggenheim (1898-1979)
Collection d’art abstrait moderne, installé dans sa maison du Grand Canal à Venise.