Cubisme analytique:
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introduction

Le Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso (1909-1910) inaugure un nouveau style de Cubisme – connu sous le nom de Cubisme Analytique ou Analytique. Dans ce tableau, Picasso démonté une figure humaine en une série de plaques géométriques plates et transparentes qui se chevauchent et se croisent sous différents angles. Soudain, toutes les images en forme de cube de début de la peinture cubiste a disparu. En effet, désormais, il n’y a plus de cubes dans l’art cubiste. Au lieu de cela, l’élément de base de cette La peinture Le style devient le plan ou la facette – une petite zone en forme de plaque délimitée par des lignes droites ou courbes, généralement disposée en couches superposées.

Caractéristiques du cubisme analytique

Une forme particulièrement austère de art d’avant-garde, le cubisme analytique était l’étape la plus intellectuelle et la plus intransigeante du mouvement cubiste. Dans ce style, les masses relativement solides des peintures anciennes de Braque et de Picasso cèdent la place à un processus de composition cohérent dans lequel les formes des objets représentés sont fragmentées en un grand nombre de petites plaques ou plans opaques et transparents à charnières complexes. faible relief légèrement en oblique par rapport au plan de l’image – fusionnant les uns avec les autres et avec l’espace environnant. De plus, les arêtes de ces plans se dissolvent, ce qui permet à leur contenu de se fondre l’un dans l’autre. Typiquement, les formes sont compactes et denses au milieu du tableau, devenant plus diffuses vers les bords, comme dans Fille de mandoline de Picasso (1910) et Mandora de Braque (1909). En termes très simples, cette approche analytique cubiste semi-abstraite peut être comparée à celle d’un photographe qui prend un grand nombre de photographies d’un objet, toutes sous des angles et à des époques différents. Ces photographies sont ensuite découpées et réarrangées presque au hasard sur une surface plane, de sorte qu’elles se chevauchent.

Cubisme Analytique Rejeté Perspective à Point Unique

Depuis le XVe siècle, des peintres de la Renaissance florentine tels que Masaccio et Piero Della Francesca ont maîtrisé perspective linéaire, la peinture a été basée sur l’idée d’un point de vue unique. Ainsi, une scène ou un objet représenté sur une toile est toujours visualisé exclusivement à partir d’un point fixe de l’espace et à un moment précis. Picasso et Braque ont décidé que cette approche optique stricte était insuffisante, voire malhonnête, car elle ne représentait pas la "vérité". Par exemple, il ne pouvait pas montrer la vue latérale ou arrière de l’objet; il ne pouvait pas non plus montrer l’objet à différents moments de la journée. La solution de Picasso et Braque était le cubisme analytique, un type révolutionnaire de art moderne qui a rejeté la perspective de point unique et a cherché à montrer l’objet sous des angles multiples, sous des éclairages différents. C’était une image conceptuelle d’un objet, basée sur ce que l’on savait à son sujet, plutôt qu’une image optique, basée sur ce qui était vu. En bref, un type d’expérimentation intellectuelle avec la structure.

Remarque: pour comprendre le lien entre le cubisme et le classicisme, consultez notre article: La renaissance classique dans l’art moderne (c.1900-30).

Simultanéité: la quatrième dimension en peinture

Après 1909 et jusqu’en 1912, l’introduction et le développement d’une complication connue sous le nom de simultanéité font du cubisme un concept révolutionnaire. L’idée de la simultanéité est assez simple. Les formes dans Tea Time de Jean Metzinger (1911, Philadelphia Museum of Art), qui porte le titre secondaire malheureux ’Mona Lisa avec une cuillère à thé’, sont découpées en grandes facettes ou en avions. Mais quelque chose d’autre se passe aussi: dans certains endroits, ces avions deviennent transparents afin de révéler d’autres avions derrière eux; ils se croisent et fusionnent avec ces autres avions. A gauche, une tasse de thé et une soucoupe sont divisées en leur milieu par une ligne, sur laquelle on les voit de face, tandis que de l’autre côté, on les voit d’en haut. Théoriquement, nous en savons plus sur la tasse à thé parce que nous la voyons sous deux angles à la fois, ce qui est impossible lorsqu’une tasse à thé et une soucoupe sont représentées dans une perspective conventionnelle, permettant une vue d’un seul angle à la fois.

La tasse de thé de Metzinger démontre de manière élémentaire le dispositif de simultanéité – la révélation simultanée de plus d’un aspect d’un objet dans le but d’exprimer l’image globale. Dans le cas de la tasse à thé, le processus est simple. Ailleurs dans l’image, le croisement et la fusion de plans transparents sont une application plus compliquée de la même idée. La moitié gauche de la tête, si la moitié droite est ignorée ou recouverte, donne un profil. Dans le même temps, il est inclus dans une vue de la face complète. L’argument selon lequel nous n’avons ni un bon profil ni un bon visage par rapport aux normes de représentation habituelles est hors de propos. Le cubiste n’est pas intéressé par les normes de représentation habituelles. C’est comme s’il marchait autour des objets qu’il analysait, car on est libre de se promener dans une sculpture pour des vues successives. Mais il doit représenter tous ces points de vue à la fois.

C’est la fameuse "quatrième dimension" de la peinture. Depuis des siècles, les peintres se sont contentés de représenter une illusion de trois dimensions sur une surface à deux dimensions au moyen d’une distorsion systématique appelée perspective. La troisième dimension de la peinture est la profondeur par perspective; la quatrième dimension est le mouvement en profondeur, ou le temps, ou l’espace-temps, par la présentation simultanée de multiples aspects d’un objet.Une nouvelle distorsion systématique est nécessaire pour cette nouvelle dimension, car l’ancienne dimension de la perspective a été dépassée. le processus du cubisme analytique a été exploré, les objets soumis à son élaboration ont été détruits. Le nu féminin de Picasso (1910-11, Philadelphia Museum of Art) est une complication de quatrième dimension de formes qui ont sans doute commencé comme des formes semblables à celles de sa première femme nue assise (1908, Philadelphia Museum of Art). Mais à mesure que les plans se chevauchent, tournent sur le bord, reculent, progressent, s’allongent à plat ou tournent sous des angles opposés, l’objet dont ils proviennent st plutôt que totalement révélé. Remarque: pour une explication de certaines des grandes peintures cubistes, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

La structure est primordiale: la couleur minimisée

Cet accent mis sur la structure a conduit à minimiser les couleurs, afin de ne pas distraire le spectateur, et les peintures cubistes analytiques par analyse sont pratiquement monochromes, peintes dans des bruns ou des gris chauds. Les ocres sont souvent utilisés pour les plans ou les facettes, le noir pour les contours et les contours requis et le blanc pour les reflets de surface. Cette palette de couleurs monochrome (comme le sujet simple – visages, figures avec instruments de musique, natures mortes) convenait parfaitement à une image abstraite complexe à plusieurs niveaux, où un certain degré de déchiffrement était requis. Une palette de couleurs aussi austère évitait toute suggestion d’humeur et d’émotion et laissait la composition dépourvue d’associations naturalistes et autres associations symboliques ou narratives, afin de permettre au spectateur de se concentrer sur l’aspect structurel de la peinture. Picasso et Braque y voyaient également une rupture complète avec les traditions décoratives des peintres d’avant-garde tels que les impressionnistes, les Nabis et les fauvistes. D’autres artistes, cependant, notamment Robert Delaunay et André Lhote (1885-1962) ne sont pas satisfaits de cet effet monochrome et introduisent plus de couleur dans leurs peintures analytiques cubistes. Dans le cas de Delaunay, cela l’a amené à créer une nouvelle forme de peinture, connue sous le nom de Orphisme ou Cubisme Orphique.

Remarque: malgré sa palette monochrome et sa neutralité émotionnelle, la peinture analytique cubiste pouvait basculer de la mélancolie ) Seated Nude de Picasso (1909-1910) à la Tate Gallery) à la sensualité (collection privée Fille à la mandoline (1910)).

Similarité de style

Les deux artistes ont collaboré extrêmement étroitement au cours de cette période. En tant que fils d’artisan, Braque s’est rapidement attaché à de nouvelles techniques, bien que son partenaire ait pu les utiliser de manière plus créative. Des exemples de peintures qui montrent à quel point les deux styles étaient similaires à cette date sont: The Portuguese (1911, Kunstmuseum, Basel) de Braque et The Accordionist de Picasso (1911, Guggenheim Museum, New York). C’est dans Les Portugais que Braque a tout d’abord incorporé des lettres au pochoir, signalant ainsi peut-être par inadvertance la forme d’événements à venir.

Remplacé par le cubisme synthétique

Comme nous l’avons vu, le cubisme analytique impliquait la déconstruction d’objets et leur réforme sous la forme d’arrangements multicouches de vitres superposées, afin d’accroître la «réalité» du processus de peinture. Au fur et à mesure que la sévérité de ce processus de déconstruction augmentait (comparez le Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso à son Portrait ultérieur de Daniel-Henry Kahnweiler), les images sont devenues de moins en moins reconnaissables. art non objectif. Puis, brusquement, en 1912, ils abandonnèrent complètement le style et se tournèrent vers ce qu’on appelle maintenant Cubisme synthétique – une forme de peinture tout aussi révolutionnaire qui utilise des matériaux de la vie réelle ainsi que de la peinture et de la toile.

Importance du cubisme analytique

Pour beaucoup de laïcs, le cubisme analytique est le cubisme. En comparaison, les couleurs vives des peintures de style cubiste antérieures et du cubisme synthétique ultérieur sont beaucoup moins connues. Le cubisme analytique était-il aussi révolutionnaire que le critiques d’art dire? Picasso et Braque ont-ils vraiment créé un nouveau langage visuel dans les arts visuels? Il est presque impossible de fournir une réponse appropriée à ces questions un siècle après l’événement. Le cubisme analytique a certes été salué comme révolutionnaire à l’époque, mais pas par le public: ce sont les autres artistes, critiques et marchands qui ont été les plus impressionnés. Cela s’explique en grande partie par le fait que, à l’exception de l’Armory Show de 1913 à New York, ni Picasso ni Braque n’ont exposé leurs œuvres analytiques cubistes en public avant la Première Guerre mondiale. Même ainsi, le langage a été adopté et développé par de nombreux peintres à Paris et promu par des marchands d’art comme Daniel-Henry Kahnweiler et Léonce Rosenberg (1879-1947), de sorte qu’en 1911 les commentateurs parlaient d’une "école cubiste". Picasso a continué à utiliser des images de style cubiste à points de vue multiples pendant une grande partie de sa vie (par exemple, Portrait de Dora Maar, 1937, Musée Picasso, Paris; Nu féminin et Fumeur, 1968, Galerie Rosengart, Lucerne), tandis que Braque la vie à nature morte peinture, dans une variété de styles. Le commentaire le plus juste est peut-être de dire: Oui, le cubisme analytique était vraiment révolutionnaire, mais pas vraiment pour lui-même. C’était révolutionnaire car cela incitait les peintres à repenser les canons de la tradition. art.

Les plus grandes peintures analytiques cubistes

Voici une courte liste des meilleures œuvres du cubisme analytique de Picasso et Braque.

Pablo Picasso:
Nu (1909) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Jeune femme (1909) Musée de l’Ermitage.
Nu assis (1909-1910) Tate Gallery.
Femme assise sur une chaise (1910) Musee National d’Art Moderne.
Portrait d’Ambroise Vollard (1910), Musée national des beaux-arts Pouchkine.
Portrait de Daniel-Henri Kahnweiler (1910), Art Institute of Chicago.
Fille à la mandoline (Fanny Tellier) (1910) Museum of Modern Art, New York.
Portrait de Wilhelm Uhde (1910) Collection Joseph Pulitzer, St Louis.
Femme à la guitare (1911), MoMA, NY.
La collection privée du Pont-Neuf (1911).
Homme à la clarinette (1911-12) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Table dans un café (bouteille de Pernod) (1912) Musée de l’Ermitage.

Georges Braque:
Nature morte avec des harengs / poissons (1909-11), MoMA, NY.
Mandora (1909-10), Tate Gallery, Londres.
Nature morte avec violon et pichet (1910), Kunstmuseum, Basel.
Les usines de Rio-Tinto à Estaque (1910) Musée National d’Art Moderne.
Violon et chandelier (1910), musée d’art moderne de San Francisco.
Violon et Palette (1910), Solomon R Guggenheim Museum, New York.
Nature morte au violon (1911) Musée national d’art moderne.
Homme à la guitare (1911), MoMA, NY.
Nature morte avec verre, dés, journal, carte (1913), Art Institute Chicago.

Pour les œuvres d’art d’autres cubistes, voir Peintres cubistes.