Impressionniste Edouard Manet Automatique traduire
❶ Origines et influences
❷ Histoire ancienne
❸ Impressionniste Edouard Manet
❹ Impressionniste Claude Monet
❺ Impressionnistes Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cézanne
❻ Monet & Pissarro à Londres
(sept) Evolution de la peinture impressionniste
❽ Expositions impressionnistes
❾ Division de groupe (dix) Héritage
Son mauvais traitement par le salon
"Ce serait le peintre, le vrai peintre", écrit Baudelaire, "qui pourrait nous faire voir et comprendre à quel point nous sommes grands dans nos cravates et nos bottes cirées." C’est ainsi, et même dans un grand chapeau, qu’il est représenté dans la première grande composition de Manet, "Musique aux jardins des Tuileries", peinte en 1860-1 et exposée au printemps 1863 à la galerie Martinet: une belle composition malgré ses dimensions moyennes (30 x 47 po), et une densité exceptionnelle puisqu’il regroupe plus de cinquante personnes. Avec un peu de soin, on reconnaît un certain nombre d’amis et de personnalités parisiennes du jour assis, debout ou penchés. On est particulièrement frappé, malgré la liberté de traitement, des figures verticales pressées les unes contre les autres, de la distribution animée de chapeaux de forme haute regroupés autour de larges corolles florales de bonnets solaires, de coiffures et de vêtements féminins peints en grand teintes plates choisies avec des notes de couleurs vivantes très contrastées.
NOTE: Pour les travaux ultérieurs de Manet, voir: Le balcon (1868); Portrait d’Emile Zola (1868); Berthe Morisot avec un bouquet de violettes (1872) et Les cantonniers, rue de Berne (1878).
Il n’y a rien d’arbitraire chez tant de gens ensemble. ils sont là dans un environnement naturel et à l’aise. Cependant, il ne fait aucun doute qu’il a été peint en studio, comme c’était traditionnel. Mais le progrès est manifeste si l’on pense aux grandes compositions de Courbet, dans lequel le caractère symbolique de chaque figure est toujours dominant, admirablement car elles peuvent être traitées individuellement. Pour la première fois, à travers Manet, nous avons une vue d’ensemble d’une société dont l’apparence concrète se traduit par une perception pure. Ce ne sont pas des individus placés les uns à côté des autres, mais les différents éléments articulés d’une réalité collective dans laquelle les facteurs distinctifs s’effacent et se fondent dans l’ensemble. Dans le "Vieux musicien", Manet peint encore une juxtaposition de personnages – on pourrait dire marcheurs puisqu’il s’agit d’une sorte de modèle de série – chacun placé dans une pose fixe et à sa place, et possédant en outre une force remarquable de présence individuelle.
Je pense que "la musique aux Tuileries" peut être envisagée avant et beaucoup plus à juste titre que " Déjeuner sur l’Herbe ", en tant que première œuvre de peinture moderne, celle qui illustre le mieux ce que Malraux a si bien défini comme peinture sans autre signification que l’art de peindre. Dans l’œuvre de Manet, il apparaît pour la première fois une certaine simultanéité des sentiments (au lieu de composition fixe) et, dans cette soumission à leur force, un certain nombre de déformations nécessaires. Certaines figures supposent une échelle disproportionnée et abondent les masses colorées. Ce qui compte est l’effet de l’ensemble. C’est aussi un travail courant dans lequel beaucoup de détails, isolés et magnifiés, doivent devenir la base des peintures ultérieures de Manet ou même de ses amis, Monet ou Renoir, qui devaient répéter cet alignement de jaune et de bleu, ou ce vêtement soyeux à rayures noires et blanches.
Curieusement, Manet ne s’est plus jamais permis de s’attaquer à quelque chose d’aussi ambitieux, sauf dans une toile encore plus petite (24 x 29 po) "Balle masquée à l’opéra" (1873), où l’on trouve un ballet encore plus sévère de hautes formes noires, dans une atmosphère claire car elle est à la lumière d’une pièce fermée et non dans un cadre naturel. Mallarmé a peut-être invoqué ce tableau, qui l’a considéré comme le point culminant de l’œuvre de son nouvel ami. Lorsque nous connaissons le type d’effacement volontaire qui caractérisait Manet et qui se retirait toujours de son travail, nous sommes amenés à croire que ces deux œuvres exceptionnellement ambitieuses et significatives portent chacune la marque de deux génies créateurs, Manet et Baudelaire dans le premier, Manet et Mallarmé dans le second. Si Manet se révèle être un découvreur aussi extraordinaire, n’est-ce pas parce qu’il possède également les yeux de ces deux grands poètes qui sont, en quelques années, les figures les plus importantes et les plus importantes de la pensée française? Certains ont tendance à minimiser son amitié avec Baudelaire parce que le poète ne lui a pas accordé la plus grande étude qu’il a consacrée à Delacroix, Daumier ou même Constantin Guys. Mais le travail de Delacroix, bien qu’il ait pu être vieux, appartient déjà au passé, tandis que celui de la nouvelle peinture (comme on l’appelait avant le nom Impressionnisme a été inventé et le terme est beaucoup plus large et convient mieux à Manet) a à peine commencé. Baudelaire l’a vécue non pas comme un spectateur, mais à Manet. Ce fut lui qui, au moment des odieuses attaques sur "Olympia", eut la force, malgré sa situation désespérée, d’écrire sa célèbre lettre à Manet, exhortant et soutenant le peintre. Très vite après, Baudelaire n’est plus lui-même, incapable d’écrire ou de parler. Il meurt avec au moins deux tableaux de Manet à ses côtés. Quelques années plus tard, Mallarmé est devenu l’ami le plus intime du peintre, celui qui le rencontre tous les jours au studio ou l’après-midi après l’école, avec de longues conversations et des échanges qui se reflètent dans les illustrations de la traduction du Corbeau. par Poe et pour l’ après-midi d’un Faune, et dans le magnifique portrait moulé que Manet peint de son ami et qui est exactement le portrait de son interlocuteur.
Cela montre la relation exceptionnelle de Manet avec ses amis peintres et explique leur culte, le respect qu’ils lui témoignent et, de son côté, la réserve qui lui est parfois reprochée, par exemple, quand il reste à l’écart leurs expositions. Il a une physionomie unique et indomptable malgré son caractère de retraite. Cette manière est indépendante de son activité de peinture; il rejette toute activité théorique et n’est que le résultat d’une forme, d’un style de vie, d’une élégance, d’un dandyisme (rappelant Baudelaire), d’une urbanité et d’un goût du débat non sans extrême susceptibilité (il s’est duel furieusement un jour avec son ami Duranty quand il pensait trouver des réserves dans l’esprit de ce dernier). Il a toujours eu une grande curiosité, parfois une lassitude soudaine. Mallarmé devait écrire plus tard, en essayant de rappeler un trait caractéristique de l’ami qui n’était plus là. Manet avait aussi une grande simplicité, voire de la naïveté. Mallarmé a parlé de sa "naïveté". Il se réjouit d’être admis au salon et ne voulait rien d’autre, de même que Baudelaire pensait deux fois plus énergiquement à solliciter son élection à l’Académie française. Ni l’un ni l’autre ne souhaitaient être à l’origine d’un scandale et pourtant, comme l’écrivait assez correctement Georges Bataille, Manet allait devenir l’instrument de hasard de la métamorphose.
Pourquoi le scandale et pourquoi Manet? Jusque-là, sa carrière montrait tous les signes de génie et de facilité. Il est connu depuis qu’il est au studio Couture: en 1861, le portrait de ses parents, sous une forme plutôt néerlandaise, est accepté avec mention honorable. Plus tard, son goût pour l’Espagne, partagé depuis le romantisme par tant d’artistes et d’écrivains n’a rien de surprenant. Il révère toujours le modèle, même s’il le traite de manière inhabituelle.
Le coup tombe avec l’exposition de «Musique aux Tuileries» entourée de peintures espagnoles, à la galerie Martinet en mars et avril 1863. critiques d’art et les artistes ne sont pas trompés. Le jeune Monet, qui ne connaît pas encore son auteur, subit un véritable choc. Le Saul de l’impressionnisme trouve son chemin vers Damas. Mais la réaction ne se déclenche que le 15 mai de la même année, lorsque Manet expose "Dejeuner sur l’Herbe" au Salon des Refuses dans le palais de l’industrie, que l’empereur avait généreusement permis de tenir, en raison du conservatisme extrême du Académie Française sous la forme du jury Salon. Cette hystérie devait durer trois ou quatre ans, renouvelée à nouveau à la Salon de 1865 par " Olympie, "peint en 1863.
Aujourd’hui, il est presque impossible de comprendre comment ces deux peintures auraient pu inspirer de telles injures et prises de vues si violentes. Les arguments ont été évoqués si souvent que nous pouvons nous dispenser de les faire revivre; ils ne présentent aucun intérêt pour eux-mêmes, dans leur répétition monotone, ni à cause de leurs auteurs, qui sont maintenant complètement oubliés. Cette violence ne peut guère s’expliquer que par une sorte de prise de conscience diffuse de l’importance de Manet, du rôle qu’il devait jouer sans savoir quoi exactement. Cela permet de mesurer la colère de ses ennemis.
Parmi les prétextes qui l’ont peut-être provoquée, je n’en vois guère un, que Manet n’a sans doute pas voulu, mais qui découle de la technique des contrastes qu’il avait élaborée: les nus au centre des deux tableaux n’ont plus rien de la Les figures de l’école du dessin classique, mais avec leur blancheur obscure, évoquent une sensation de déshabillage qui, placé dans l’environnement de la vie quotidienne, a profondément ému l’hypocrisie de cette époque. (Rappelons-nous que l’impératrice outrée a coupé sa canne avec la nue plantureuse dans la "Source" de Courbet). Ces couleurs blanches restent frappantes alors que leurs contemporains les considéraient comme sales.
Quel que soit le prétexte, le choix n’aurait pas pu être pire. Les deux compositions, comme le montreront bientôt des esprits plus prévoyants et plus cool, s’inspirent du plus classique des Renaissance modèles: "Jugement de Paris", par Raphaël, rendu populaire par les gravures de Marcantonio Raimondi. Sans doute dans "Dejeuner sur l’Herbe" il y a un effet de choc dans l’alternance de figures nues et habillées (l’une d’entre elles plutôt comique dans une veste d’intérieur et un bonnet à pompons), représentant plutôt une succession de moments qu’un groupe homogène. Le paysage se présente aussi un peu comme un décor de plantations successives, d’où s’éclairent les fonds lumineux. Ce qui nous frappe le plus aujourd’hui dans cette œuvre hybride, c’est l’extraordinaire nature morte au premier plan, étalée sur le vêtement bleu. "Olympia", en revanche, est une œuvre d’une merveilleuse unité dans laquelle tous les éléments sont reliés entre eux sans la moindre rupture, pour donner l’impression de somptuosité à ce corps mince et mince. Les étendues de légèreté – la chair mate, le drapé jaune et rose et les feuilles bleuâtres – sont soulagées par plusieurs éléments noirs, de plus en plus intenses jusqu’au ruban au-dessus duquel la tête semble avoir été coupée. Tout cela se déploie avec une intelligence royale. C’est une pièce maîtresse parfaitement exécutée et on comprend aisément pourquoi Monet n’a pas hésité plus tard à le choisir comme objet d’un abonnement national à offrir aux Persienne. À partir du moment où il est montré, le triomphe de Manet est assuré. Et en fait, en cette année de 1865, qu’est-ce que quelqu’un pourrait faire pour lui? D’où la rage impuissante de certaines personnes. Ainsi Manet est seul. Il porte tout devant lui.
Des autres peintres de son âge, Dégazer expose une autre de ses grandes compositions classiques, "Les malheurs de la ville d’Orléans", sur laquelle l’éminent artiste Puvis de Chavannes le félicite. Cézanne doit encore émerger correctement. De l’autre Peintres impressionnistes (dix ans plus jeune que Manet), le groupe le plus important, celui de Monet, Sisley Renoir et Bazille, à peine sortis du studio Gleyre, n’ont pas encore eu l’occasion de montrer ce qu’ils peuvent faire. C’est cependant là que se prépare la succession, grâce à des supporters comme Paul Durand-Ruel. Pour plus, voir: Meilleures peintures impressionnistes.
SUIVANT:
❹ Impressionniste Claude Monet.
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