Art byzantin: caractéristiques, histoire Automatique traduire
Centres de style byzantin
art paléochrétien étaient
Ravenne, Kiev, Novgorod
et Moscou. S’il te plait regarde:
Art chrétien byzantin .
Qu’est-ce que l’art byzantin?
Entre l’édit de l’empereur Constantin Ier en 313, reconnaissant le christianisme comme religion officielle, et la chute de Rome aux mains des Wisigoths en 476, des arrangements furent pris pour diviser l’empire romain en une moitié occidentale (gouvernée par Rome) et une la moitié (gouverné de Byzance). Ainsi, alors que la chrétienté occidentale tombait dans l’abîme culturel du moyen-âge barbare, ses valeurs religieuses, laïques et artistiques étaient préservées par sa nouvelle capitale orientale à Byzance (rebaptisée Constantinople après Constantine). Parallèlement au transfert de l’autorité impériale à Byzance, des milliers de peintres et d’artisans romains et grecs ont alors créé un nouvel ensemble d’images et d’icônes du christianisme oriental, connu sous le nom d’art byzantin. Exclusivement concerné par Art chrétien , bien que dérivant (en particulier) de techniques et de formes de grec et Art égyptien , ce style s’est répandu dans tous les coins de l’empire byzantin, où le christianisme orthodoxe a prospéré. Centres particuliers de art paléochrétien compris Ravenne en Italie et Kiev, Novgorod et Moscou en Russie. Pour plus de détails, voir aussi: Art chrétien, époque byzantine .
Caractéristiques générales
Le style qui caractérise l’art byzantin s’intéresse presque entièrement à l’expression religieuse; spécifiquement avec la traduction de la théologie de l’église en termes artistiques. Architecture byzantine et La peinture (peu de sculptures ont été réalisées à l’époque byzantine) sont restées uniformes et anonymes et se sont développées au sein d’une tradition rigide. Le résultat était une sophistication de style rarement égalée dans l’art occidental.
byzantin art médiéval a commencé avec des mosaïques décorant les murs et les dômes des églises, ainsi que fresque peintures murales. L’effet de ces mosaïques était si beau que la forme a été reprise en Italie, notamment à Rome et à Ravenne. Une forme d’art moins publique à Constantinople, était l’icône (du mot grec "eikon" qui signifie "image") – la sainte image peintures sur panneaux qui ont été développés dans les monastères de l’église orientale, en utilisant encaustique peinture à la cire sur des panneaux de bois portables. [Voir: Icônes et peinture d’icônes .] La plus grande collection de ce type de début Art biblique se trouve dans le monastère Sainte Catherine du Sinaï, fondé au 6ème siècle par l’empereur Justinien. Et voir aussi, l’influence byzantine Evangiles Garima (390-660) – Le plus ancien manuscrit de gospel enluminé au monde – d’Éthiopie.
Au cours de la période 1050-1200, des tensions se sont creusées entre l’empire romain d’Orient et la ville de Rome en lente émergence, dont les papes avaient réussi (par des manœuvres diplomatiques prudentes) à conserver leur autorité en tant que centre de la chrétienté occidentale. Au même moment, des cités italiennes comme Venise devenaient riches en commerce international. En conséquence, en 1204, Constantinople tomba sous l’influence des Vénitiens.
Cela a dûment conduit à un exode culturel d’artistes renommés de la ville à Rome – l’inverse de ce qui s’était passé 800 ans auparavant – et aux débuts de la période proto-renaissance , illustré par Giotto di Bondone Fresques de la chapelle Scrovegni . Cependant, alors même qu’elle déclinait, l’influence byzantine continuait à se faire sentir aux XIIIe et XIVe siècles, notamment dans Ecole siennoise de peinture et le Style gothique international (1375-1450), notamment dans Illuminations gothiques internationales , comme les Tres Riches Heures du Duc de Berry , par les frères Limbourg. Voir aussi peintures sur panneaux et retables d’inspiration byzantine, dont Duccio Stroganoff Madonna (1300) et Retable Maesta (1311).
NOTE: Pour d’autres périodes historiques importantes semblables à l’époque byzantine, voir Mouvements d’art, périodes, écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Mosaïques byzantines (c.500-843)
Utilisant des adaptations chrétiennes anciennes de styles romains tardifs, les Byzantins développèrent un nouveau langage visuel, exprimant le rituel et le dogme de l’Église et de l’État unis. Les premières variantes s’épanouirent à Alexandrie et à Antioche, mais la bureaucratie impériale assuma de plus en plus les principales commissions et des artistes furent envoyés dans les régions qui en avaient besoin, de la métropole. Établi à Constantinople, le style byzantin s’est étendu bien au-delà de la capitale, de la Méditerranée au sud de l’Italie, en passant par les Balkans et la Russie.
Rome, occupée par les Wisigoths en 410, est de nouveau saccagée par les Vandales en 455. À la fin du siècle, Théodoric le Grand a imposé le règne des Ostrogoth à l’Italie. Cependant, au VIe siècle, l’ empereur Justinien (règne 527-565) rétablit l’ordre impérial de Constantinople et s’empara de la capitale ostrogothique Ravenne (Italie) pour en faire son centre administratif occidental. Justinien était un organisateur superbe et l’un des clients les plus remarquables du monde. histoire des arts . Il construisit et reconstruisit à grande échelle dans tout l’Empire: son œuvre la plus importante, l’église Hagia Sophia de Constantinople, employait près de 10 000 artisans et ouvriers et était décorée des matériaux les plus riches que l’Empire puisse fournir. Bien qu’elle soit toujours glorieuse, il ne reste pratiquement aucune de ses premières mosaïques, c’est donc à Ravenne que subsistent les vestiges les plus spectaculaires de l’art byzantin du VIe siècle. Voir: Mosaïques Ravenne (env. 400-600).
À l’intérieur de l’extérieur en briques sèches de S. Vitale à Ravenne, le fidèle est ébloui par une explosion de couleur hautement contrôlée qui flamboie sur de l’or scintillant. Art de la mosaïque et le marbre joliment grainé recouvre presque toutes les surfaces murales, effaçant pratiquement l’architecture qui les porte. L’or, inondant le fond, suggère une infinité extraite du temps mortel, sur laquelle flottent les images surnaturelles. Dans l’abside, enveloppés dans leur mystère lointain, le Christ et les saints président sans faille. Néanmoins, dans deux panneaux de mosaïque, l’un montrant l’empereur Justinien avec sa suite et l’autre, son épouse Théodora avec ses dames, persiste une tentative manifeste de portrait naturaliste, en particulier sur les visages de Justinien et de Théodora. Même dans ce cas, leurs corps semblent flotter plutôt que de rester dans les plis tubulaires de leurs draperies.
Dans S. Vitale, et dans l’art byzantin en général, la sculpture ronde joue un rôle minimal. Cependant, les chapiteaux de marbre (datant de l’époque pré-Justinienne) sont sculptés avec une finesse surprenante, avec des rouleaux de vigne très stylisés et des animaux impénétrables. Un exemple rare de sculpture figurative byzantine est une tête impressionnante, peut-être celle de Théodora, dans laquelle la tradition romaine du naturalisme portrait d’art s’attarde.
À l’est, le plus important ouvrage survivant de Justinien se trouve dans l’église (légèrement plus tard que S. Vitale) du monastère Sainte-Catherine sur le mont Sinaï . Là, dans la grande Transfiguration de l’abside, les personnages sont à nouveau des présences substantielles, suspendues en apesanteur dans un empyrée en or. Les contours, cependant, sont plus libres, moins rigides qu’à S. Vitale, et les membres des figures sont étrangement articulés – presque un assemblage de composants. Cela allait devenir un trait caractéristique et persistant dans le style byzantin.
Ailleurs (notamment à Thessalonique), il y avait d’autres variations vocales de style en mosaïque. Il en reste relativement peu sous la forme la moins chère de la fresque et encore moins sous l’illumination du manuscrit. Un très petit 6ème siècle manuscrits enluminés , sur un vélin violet, montrent un développement comparable des conventions classiques vers une formalité austère, bien que stylo et encre ont tendance à produire une plus grande liberté dans la structure et le geste. Dans le célèbre évangile Rabula de 586 en provenance de Syrie, l’intensité rougeoyante des images denses peut même rappeler l’œuvre de Rouault au XXe siècle. Des panneaux d’ivoire sculptés en relief ont également survécu, généralement des couvertures pour diptyques consulaires. Ce type de diptyque consistait en deux plaques d’ivoire, attachées ensemble, avec les archives du bureau du consul partant inscrites sur leurs surfaces intérieures. Les sculptures à l’extérieur, représentant des thèmes religieux ou impériaux, ont la clarté et le détachement caractéristiques des plus belles mosaïques et sont superbement assurées.
Aux VIIIe et IXe siècles, le développement du style byzantin a été interrompu de façon catastrophique dans tous les médias. L’art n’était pas simplement arrêté sur ses traces: il y avait une destruction complète et étendue des images existantes dans les régions byzantines. L’art figuratif a longtemps été attaqué au motif que la Bible condamnait le culte des images; vers 7 h 25, les iconoclastes (ceux qui voudraient faire détruire leurs images religieuses) gagnèrent la journée contre les iconodules (ceux qui se croyaient justifiés) avec la promulgation du premier d’un certain nombre d’édits impériaux contre des images. Des arguments compliqués ont fait rage à ce sujet, mais l’ iconoclasme était aussi une affirmation de l’autorité impériale sur une Église supposée être devenue trop riche et trop puissante. C’est sûrement grâce à l’Eglise que certaines traditions de l’art ont persisté pour qu’elles renaissent lorsque l’interdiction a été levée en 843.
Art byzantin: Renaissance et développement (843-1450)
L’arrêt de l’iconoclasme – la campagne destructrice contre les images et ceux qui y croyaient – s’est produit en 843. La renaissance de art religieux Cela a ensuite été basé sur des principes clairement formulés: les images étaient considérées comme valables non pas pour le culte, mais comme des canaux par lesquels les fidèles pouvaient diriger leur prière et en quelque sorte ancrer la présence de la divinité dans leur vie quotidienne. Contrairement au style néo-gothique tardif, le style byzantin art avait rarement une fonction didactique ou narrative, mais était essentiellement impersonnelle, cérémonielle et symbolique: c’était un élément de la pratique du rituel religieux. La disposition des images dans les églises a été codifiée, tout comme la liturgie, et a généralement adhéré à une iconographie préétablie: les grands cycles de mosaïque se déployaient autour du Pantocrator (le Christ en tant que souverain et juge) central dans le dôme principal et le Vierge et l’Enfant dans l’abside. Ci-dessous, les principaux événements de l’année chrétienne – de l’Annonciation à la Crucifixion et à la Résurrection – avaient leur place. Ci-dessous, les figures hiératiques de saints, martyrs et évêques ont été classées par ordre.
La fin de l’iconoclasme a ouvert une ère de grande activité, dite Renaissance macédonienne . Cela a duré à partir de 867, lorsque Basile I, fondateur de la dynastie macédonienne, est devenu le dirigeant absolu de ce qui était maintenant une monarchie purement grecque, presque jusqu’en 1204, lorsque Constantinople a été destitué de façon désastreuse. Les églises ont été redécorées dans tout l’Empire, et en particulier dans sa capitale: à Hagia Sophia de Constantinople, des mosaïques d’une ampleur gigantesque reprenaient les anciens thèmes et attitudes, parfois avec beaucoup de délicatesse et de raffinement.
En dépit de l’érosion constante de son territoire, Byzance était considéré par l’Europe comme la lumière de civilisation , une ville presque légendaire d’or. Littérature, érudition et étiquette complexe entouraient la cour macédonienne; le 10ème siècle l’ empereur Constantin VII Porphyrogenitos a sculpté et a lui-même illuminé les manuscrits qu’il a écrits. Bien que son pouvoir continue à diminuer, l’empereur jouissait d’un prestige énorme et le style byzantin se révélait irrésistible pour le reste de l’Europe. Même dans les régimes politiquement et militairement hostiles à Constantinople, l’art byzantin fut adopté et sa artistes médiévaux accueilli.
En Grèce, l’église de la Dormition à Daphni, près d’Athènes, d’environ 1100, présente certaines des plus belles mosaïques de cette période: son sens de la grande délicatesse est classique et classique, tandis que la mosaïque en forme de dôme du Pantocrator est une des plus formidables de toute église byzantine. Dans Venise , les immenses étendues de Saint-Marc (commencées en 1063) ont été décorées par des artistes importés d’Orient, mais leur travail a été en grande partie détruit par un incendie en 1106, et plus tard, le travail d’artisans vénitiens est moins pur. Dans la cathédrale de l’île voisine de Torcello, cependant, la Vierge à l’Enfant , grande, solitaire et solitaire comme une flèche contre le vaste espace d’or de l’abside, est une survivance du 12ème siècle. En Sicile, le premier roi normand, Roger II (gouverné par 1130-54), était activement hostile à l’empire byzantin, mais il importa des artistes grecs, qui créèrent l’un des plus beaux cycles de mosaïque de l’abside et du presbytère de Cefalu. La pénétration de l’art byzantin en Russie a été initiée en 989 par le mariage de Vladimir de Kiev avec la princesse byzantine Anna et sa conversion au christianisme oriental. Les mosaïstes byzantins travaillaient dans la basilique Sainte-Sophie à Kiev dans les années 1040, et l’impact byzantin sur Peinture médiévale russe restée cruciale longtemps après la chute de Constantinople.
REMARQUE: Orfèvrerie et précieux ferronnerie une autre spécialité byzantine, notamment à Kiev (environ 950-1237), où les deux cloisonné et styles de nielle de émaillage ont été portés à de nouveaux sommets par les orfèvres orthodoxes orientales.
Les peintures laïques et les mosaïques de la renaissance macédonienne ont rarement survécu – leur manifestation la plus spectaculaire a été perdue lors de l’incendie du légendaire Grand Palais de Constantinople pendant le sac de 1204. De telles œuvres ont conservé des traits nettement plus classiques – les panneaux d’ivoire du Veroli Les cercueils en sont un exemple – mais de tels traits se retrouvent également dans les manuscrits religieux et dans certains reliefs en ivoire (la sculpture en rondelle était interdite comme concession aux iconoclastes). Le rouleau de Josué , bien qu’il célèbre les prouesses militaires d’un héros de l’Ancien Testament, reflète le modèle de colonnes narratives romaines de sculpture en relief tel que Colonne de Trajan à Rome; le célèbre psautier de Paris d’environ 950 est remarquablement romain à la fois en termes de sensations et d’iconographie: le jeune David, en tant que berger musical, est pratiquement impossible à distinguer d’un païen Orphée et est même assisté d’une nymphe allégorique appelée Melody.
Note: L’importance de Byzantine peintures murales sur le développement de l’Ouest peinture médiévale ne devrait pas non plus être sous-estimé. Voir, par exemple, les peintures murales très réalistes de l’église du monastère byzantin de Saint-Panteleimon à Gorno Nerezi, en République de Macédoine.
En 1204, la ville de Constantinople fut mise à sac par les croisés latins et les Latins la dirigèrent jusqu’en 1261, année du retour des empereurs byzantins. Dans l’intervalle, les artisans ont migré ailleurs. En Macédoine et en Serbie, la peinture à la fresque était déjà établie et la tradition a été maintenue. Une quinzaine de cycles de fresques majeurs ont survécu, principalement par des artistes grecs. Le support de fresque a sans doute encouragé une expression fluide et un sentiment émotionnel peu apparent dans la mosaïque.
Les deux derniers siècles de Byzance dans sa décadence furent troublés et déchirés par la guerre, mais produisirent de manière surprenante une troisième grande floraison artistique. La Deesis fragmentaire mais toujours imposante de Hagia Sophia à Constantinople a peut-être été construite après la domination latine, plutôt qu’au cours du XIIe siècle. Elle a conservé une nouvelle tendresse et humanité – par exemple lors du superbe cycle du début du XIVe siècle de l’église monastique du Christ à Chora. En Russie, un style distinctif s’est développé, reflétant non seulement des chefs-d’œuvre tels que les icônes de Rublev, mais également des interprétations individuelles de thèmes traditionnels par Théophane le Grec , un émigrant byzantin, travaillant dans un style fringant, presque impressionniste, dans les années 1370 à Novgorod. Bien que la source centrale du style byzantin ait été éteinte avec la conquête turque de Constantinople en 1453, son influence se poursuivit en Russie et dans les Balkans, alors qu’en Italie la souche byzantine (se mêlant au gothique) persista à l’époque de Peinture pré-Renaissance (c.1300-1400) inauguré par les travaux de Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319) et Giotto (1270-1337).
Icônes Byzantines
Les icônes (ou icônes), généralement petites et si facilement transportables, sont la forme la plus connue de l’art byzantin. Une tradition persiste selon laquelle la première icône a été peinte par St Luc, l’évangéliste, montrant la Vierge montrant l’Enfant sur son bras gauche. Cependant, aucun exemple datant d’avant le 6ème siècle n’est connu. Les icônes devinrent de plus en plus populaires à Byzance aux VIe et VIIe siècles, précipitant dans une certaine mesure la réaction de l’iconoclasme. Bien que les iconoclastes aient affirmé que les icônes étaient vénérées, leur fonction était d’aider à la méditation; à travers l’image visible, le croyant pourrait appréhender l’invisible spiritualité. Condensés dans une petite boussole, ils remplissent et remplissent la même fonction à la maison que les décorations en mosaïque des églises – signalant la présence de la divinité. La production d’icônes pour les églises orthodoxes n’a jamais cessé.
La datation des icônes est donc assez spéculative. La découverte au monastère Sainte Catherine du mont Sinaï d’un certain nombre d’icônes pouvant être ordonnées chronologiquement avec une certaine certitude est récente. Beaucoup de styles différents sont représentés. Un ancien Saint-Pierre a la simplicité frontale, le regard direct de grands yeux grands ouverts, que l’on retrouve encore et encore dans des icônes à une seule figure. Il possède également une élégance et une dignité presque suaves, alliées à une vigueur picturale qui confère une tension distincte à la figure. Une Madonna and Saints bien préservée présente une qualité émotionnelle similaire, malgré une symétrie irréprochable et une modélisation un peu plus grossière. Les deux venaient sûrement de Constantinople.
Immédiatement après la période iconoclaste, les images de dévotion en matériaux plus riches, en ivoire, en mosaïque ou même en métaux précieux, ont peut-être été plus populaires que celles peintes. À partir du XIIe siècle, les icônes peintes sont devenues plus fréquentes et un grand chef-d’œuvre peut être daté de 1131 ou peu avant. Surnommée " la Vierge de Vladimir ", elle a été envoyée en Russie peu après avoir été peinte à Constantinople. La Vierge indique toujours que l’enfant est l’incarnation du divin sous forme humaine, mais la tendresse de la pose, joue contre joue, illustre le nouvel humanisme.
À partir du XIIe siècle, le contenu des icônes s’est considérablement développé, même si les thèmes et les formules établis depuis longtemps, qui sont importants pour le confort des fidèles, ont été conservés. Les chefs du Christ, des Vierges et des saints patrons ont continué, mais des scènes d’action sont apparues – notamment les Annonciations et les Crucifixions; plus tard, pour les iconostases ou les écrans de choeur, des panneaux composites contenant de nombreuses scènes narratives ont été peints. Longtemps après sa fin à Constantinople avec la conquête turque, la production se poursuivit et se développa en Grèce et (avec des styles régionaux clairement perceptibles) en Russie, en Serbie, en Roumanie et en Bulgarie. En Russie, des maîtres individuels sont apparus avant même la chute de Constantinople, ainsi que des centres importants tels que le École de peinture d’icônes de Novgorod . L’iconographe russe le plus célèbre était le moine Andrei Roublev (c.1370-1430), dont le chef-d’œuvre renommé, La Sainte Trinité Icône (1411-25), est la plus belle de toutes les icônes russes. Il transcende les formules byzantines et les maniérismes de l’école de Novgorod fondée par le réfugié byzantin Théophane le Grec. Les icônes de Rublev sont uniques pour leurs couleurs froides, leurs formes douces et leur éclat discret. Le dernier des grands peintres d’icônes russes de l’école de Novgorod était Dionysius (1440-1502), noté pour ses icônes pour le monastère de Volokolamsky et pour sa déèse pour la cathédrale de la Dormition à Moscou. Il était en fait le premier personnage célèbre dans le École de peinture de moscou (c.1500-1700), dont les icônes d’inspiration byzantine ont été produites par des personnalités telles que Nicéphore Savin, Procope Chirine et le grand Simon Ouchakov (1626-1686).
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