Cubisme: Histoire, Caractéristiques

Dans les arts visuels, le terme «cubisme» désigne un style de peinture révolutionnaire inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) à Paris entre 1907 et 1912. Leurs méthodes cubistes - initialement influencées par les motifs géométriques des compositions paysagères d’un peintre post-impressionniste comme Paul Cézanne - ont radicalement révisé la nature et la portée des beaux-arts et, dans une moindre mesure, de la sculpture, et ont inauguré des modes de représentation de la réalité entièrement nouveaux. En ce sens, le cubisme marque la fin de la Renaissance et le début de l’ère de l’art moderne .

Introduction : l’art abstrait révolutionnaire

Essentiellement un type d’art semi-abstrait - bien qu’il s’approche parfois de l’art non-objectif à part entière - le cubisme est traditionnellement divisé en trois étapes :

Outre Braque et Picasso, les peintres Juan Gry (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) et Albert Gliese (1881-1953) sont d’autres artistes célèbres étroitement associés à ce mouvement, André Lotet (1885-1962), Roger de la Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), le peintre universaliste Marcel Duchamp (1887-1968) et les sculpteurs Jacques Lipchitz (1891-1973), Alexandre Archipenko (1887-1964). (Voir Artistes cubistes et Sculpteurs du 20e siècle). Le cubisme a été le point de départ ou l’élément essentiel d’un certain nombre d’autres mouvements artistiques modernes, notamment le futurisme (1909-14), l’orphisme (1910-13), le vorticisme (1914-15), le constructivisme russe, (c.1919-1932) et Dada (1916-1924).

Quelles sont les origines de l’art cubiste?

Après trois décennies d’art d’inspiration impressionniste, culminant avec le mouvement coloriste fauviste (dont Braque faisait d’ailleurs partie), Picasso commença à s’inquiéter du fait que ce type de peinture était une impasse, avec un potentiel d’exploration intellectuelle de plus en plus réduit. Dans cet état d’esprit, il se familiarise avec l’art tribal africain , tandis qu’en Espagne, il commence à peindre Les Demoiselles d’Avignon (1907, MoMA, New York), son chef-d’œuvre révolutionnaire, où les plans plats divisés remplacent la perspective linéaire traditionnelle, marquant ainsi sa rupture avec les traditions naturalistes de l’art occidental. À la même époque, Georges Braque, ancien élève de la prestigieuse École des Beaux-Arts de Paris, est stupéfait par les expositions de peintures de Cézanne en 1907 au Salon d’Haute et à la Galerie Bernheim-June . Il est particulièrement inspiré par Les Grandes Baigneuses (1894-1905). Ils se rencontrent ensuite en octobre 1907 et développent au cours des deux années suivantes ce que l’on appelle le cubisme, une méthode entièrement nouvelle de représentation du monde visuel.

NOTE. Pour voir comment la peinture non naturaliste des impressionnistes a conduit à l’art abstrait comme le cubisme, voir : Du réalisme à l’impressionnisme (1830-1900). Pour comprendre pourquoi le cubisme est lié au classicisme, voir «Le renouveau classique dans l’art moderne» (c.1900-30).

Origine du terme «Cubisme»

Au cours de l’été 1908, alors qu’il séjourne à l’Estaque près de Marseille, Braque peint une série de paysages qui sont exposés la même année dans une galerie parisienne appartenant au marchand d’art Daniel-Henri Kahnweiler . Le célèbre historien de l’art Louis Vauxcelles commenta cette exposition en soulignant que Braque réduisait tous les points de repère, les figures et les maisons à des contours géométriques en forme de cubes. L’année suivante, Vauxcelles utilise l’expression «bizarreries cubiques» (cubic eccentricities) - une expression qui aurait été utilisée pour la première fois par Henri Matisse - et en 1911, le terme «cubisme» est entré dans la langue anglaise. La description correspond bien aux formes en blocs de certains des premiers paysages de Braque et de plusieurs œuvres similaires de Picasso peintes à Horta del Ebro en Espagne, mais pas à leurs peintures cubistes ultérieures, dans lesquelles les formes sont décomposées en visages plutôt qu’en cubes. Le terme a été utilisé par deux cubistes pratiquants, Gleizes et Metzinger, dans leur livre influent de 1912 «Cubisme».

Comment comprendre le cubisme

Tout d’abord, il est très difficile d’apprécier le cubisme sans étudier ses peintures. Un bon point de départ consiste à comparer les premières natures mortes cubistes avec les natures mortes traditionnelles des écoles baroques ou réalistes hollandaises, par exemple. En outre, vous apprécierez la nature radicale du cubisme par rapport à l’art occidental traditionnel. Notez également que le cubisme n’était pas le seul style de peinture : le cubisme analytique est complètement différent du cubisme synthétique plus tardif . Le premier s’intéresse à la structure, c’est-à-dire à la manière dont une peinture doit représenter un objet, tandis que le second s’intéresse uniquement à la surface de l’image et à ce qui peut y être incorporé. Un dernier conseil : ne vous laissez pas décourager par son étrangeté. Le cubisme est symbolique, complexe et plein d’idées, mais ce n’est pas une très belle forme d’art visuel .

Quelles sont les caractéristiques du cubisme?

Depuis la Renaissance, voire avant, les artistes peignent des tableaux à partir d’un seul point de vue fixe, comme s’ils prenaient des photos. L’illusion de la profondeur de l’arrière-plan était créée en utilisant les conventions standard de la perspective linéaire (par exemple, les objets étaient représentés plus petits au fur et à mesure qu’ils s’éloignaient) et en peignant les figures et les objets avec des surfaces ombrées arrondies pour créer un effet tridimensionnel. En outre, une scène ou un objet est représenté à un moment précis dans le temps.

En revanche, Braque et Picasso pensaient que l’on ne pouvait saisir toute la signification d’un objet qu’en le montrant sous plusieurs angles et à différents moments. Ils ont donc abandonné l’idée d’un point fixe unique au profit de points de vue multiples. L’objet a ensuite été réassemblé à partir de fragments de ces différentes vues, comme un puzzle complexe. De cette manière, de nombreuses vues différentes de l’objet sont représentées simultanément dans la même image. Dans un sens, cela revient à prendre 5 photographies différentes (à des moments différents) du même objet, puis à les découper et à les réassembler sur une surface plane.

Cette fragmentation et ce réarrangement de la forme signifient que le tableau ne peut plus être considéré comme une sorte de fenêtre sur le monde, mais plutôt comme un objet physique sur lequel créer une réponse subjective au monde. En termes de technique artistique, le cubisme a montré comment un sentiment de solidité et de structure picturale pouvait être créé sans perspective ni modelage traditionnels.

Ainsi, le style se concentre sur la surface plane et bidimensionnelle du plan de l’image et rejette les conventions traditionnelles de l’espace et les techniques de la perspective linéaire, du clair-obscur (l’utilisation de l’ombrage pour montrer la lumière et l’ombre) et les idées traditionnelles d’imitation de la nature. Au lieu de créer des objets naturels en trois dimensions, les peintres cubistes ont proposé un ensemble entièrement nouveau d’images assemblées à partir de fragments bidimensionnels dans lesquels les objets sont vus sous plusieurs angles à la fois. Alors que les fauves et les impressionnistes cherchaient à exprimer leur sentiment personnel pour un objet ou une scène particulière, les cubistes cherchaient à dépeindre l’idée intellectuelle ou la forme d’un objet et sa relation avec d’autres objets.

Pour d’autres tendances stylistiques importantes similaires au cubisme, voir Mouvements artistiques, périodes, écoles (à partir d’environ 100 avant notre ère).

Expositions cubistes

Le cubisme avait deux identités : publique et privée. Le style a été développé conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque sur la base d’observations dérivées de Cézanne et, dans une certaine mesure, du primitivisme ethnographique , tel que celui exploré par Picasso lorsqu’il s’intéressait à l’art africain . Braque fait ses débuts lors d’une exposition personnelle organisée par Kahnweiler en novembre 1908. Mais après cela, lui et Picasso ont plus ou moins régressé, mais la bannière du cubisme a été défendue par d’autres - les Cubistes de Salon «, à savoir Robert Delaunay, Albert Glaze, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier et Jean Metzinger au Salon des Indépendants en 1911.

En 1912, un groupe de cubistes se désignant comme le Secteur d’Or, avec Delaunay à sa tête, est exposé à la Galerie La Boetie . En examinant cette exposition, l’historien de l’art Guillaume Apollinaire (1880-1918) a inventé le terme «Orphisme», l’appliquant en particulier à l’œuvre de Delaunay. Le premier exposé publié de la théorie cubiste a été fait par «Metisinger et Glaze» - «Du Cubisme», publié en 1912 ; il a été suivi par «Les Peintres Cubistes» d’Apollinaire, publié en 1913. L’année 1913 est également marquée par la célèbre Armoury Exhibition, qui se tient en février-mars sur Lexington Avenue, à Manhattan, New York, et dans laquelle «Nude Staircase (#2)» de Marcel Duchamp (1912) fait figure d’attraction controversée, voire scandaleuse. (L’œuvre a été achetée plus tard par le Philadelphia Museum of Art.)

Vers le début de l’année 1912, Picasso et Braque abandonnent le cubisme analytique avec lequel ils avaient commencé pour passer au cubisme synthétique, un nouveau style plus décoratif et axé sur la surface, créé à l’aide de nouvelles techniques telles que le collage et le papier collé. L’incorporation de détritus dans leurs peintures peut être considérée comme le début du junk art (art de la camelote) . À ce stade, ils ont été rejoints par Juan Gry

Pendant la Première Guerre mondiale, le départ forcé de Daniel-Henry Kahnweiler permet à Léonce Rosenberg (1879-1947) de devenir le principal marchand d’artistes cubistes à Paris. Son frère Paul Rosenberg (1881-1959) fut le principal marchand de Picasso dans l’entre-deux-guerres.

Symbole de la mode artistique et intellectuelle

Le cubisme était un style à prétention. Il était iconoclaste, provocateur. Il se concentre sur les idées plutôt que sur les belles images. Mais il reflétait l’esprit de l’époque - l’époque des musiciens français sophistiqués Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) et Maurice Ravel (1875-1937) - et le cubisme analytique en particulier était en accord avec les idées du philosophe français Henri Bergson (1859-1941), dont le concept de simultanéité affirmait que le passé fait écho au présent, qui s’écoule dans l’avenir. Pendant ce temps, les arts visuels sont à la croisée des chemins. L’impressionnisme est à la mode, la Belle Époque de l’affiche parisienne est révolue, Toulouse-Lautrec est mort, l’ Art nouveau est en déclin et même le Fauvisme coloré est en train de se tarir. Dans le même temps, la température politique en Europe s’élève, révélant les terribles aspects de la guerre et du chaos. En s’attaquant aux anciennes caractéristiques de l’art de la Renaissance, le cubisme reflète les appels au changement lancés dans de nombreuses autres disciplines, ainsi que dans le monde en général. Explication de certaines des grandes œuvres cubistes de Picasso et d’autres : Analyse de la peinture moderne (1800-2000).

Sculpture cubiste

Comme le Constructivisme, il était trop radical pour devenir une partie intégrante du courant artistique dominant. Malgré cela, les idées cubistes ont également été absorbées et adaptées par ceux qui travaillaient dans d’autres disciplines telles que la sculpture abstraite, ainsi que l’architecture et les arts appliqués . La sculpture cubiste s’est développée à partir du collage et du papier vessel, et a alimenté le assemblage . Les nouvelles méthodes ont non seulement permis aux sculpteurs d’utiliser de nouvelles matières, mais les ont également encouragés à considérer les sculptures comme des objets construits, et pas seulement modelés. Les qualités mathématiques et architecturales que l’on retrouve dans l’œuvre de Gris ont exercé une grande influence, comme en témoignent les travaux d’Archipenko et d’Osip Zadkin, de Raymond Duchamp-Villon et d’Henri Laurens, du Lituanien Jacques Lipshitz, du sculpteur français d’origine hongroise Joseph Csaki (1888-1971) et des sculpteurs tchèques Emil Filla (1882-1953) et Otto Gutfreund (1889-1927).

Œuvres célèbres dans le style cubiste

Picasso (1881-1973)
Tête de femme (1909) MoMA, New York.
Guitare (1912) Musée Picasso, Paris.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Grand cheval (1914) Musée national d’art moderne, Paris.

Henri Lauren (1885-1954)
Tête de femme (1915) MoMA, New York.

Alexander Arkhipenko (1887-1964)
Femme marchant (1912) collection privée.
Soldat marchant (1917) collection particulière.

Naum Gabo (1890-1977)
Tête de femme (1917-20) MoMA, New York.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Homme à la guitare (1915) MoMA, New York.
Marin à la guitare (1915) Musée national d’art moderne, Paris.
Baigneuses III (1917) Fondation Barnes.

Le design cubiste en Tchécoslovaquie

Les peintres, sculpteurs, designers et architectes tchèques ont adopté avec enthousiasme les théories cubistes du design, qui traduisaient les caractéristiques de la peinture cubiste (formes géométriques simplifiées, contrastes de lumière et d’obscurité, visages prismatiques, lignes angulaires) dans l’architecture et les arts décoratifs. dont le mobilier, la bijouterie, la vaisselle, la céramique et l’art paysager. Les membres du Groupe des artistes plasticiens, fondé en 1911 par Filla pour se concentrer sur le cubisme, sont les plus remarquables. Le groupe, actif à Prague jusqu’en 1914, comprenait les sculpteurs Filla et Gutfreund, ainsi que les architectes et designers Pavel Janak, Josef Gokar (1880-1945), Josef Hochol (1880-1956), Vlaslav Hofmann (1884-1964) et Otokar Novotny. Gutfreund a publié des articles influents dans le magazine mensuel du groupe.

La Maison de la Vierge noire (1911-12), un grand magasin conçu par Gokar, est la première œuvre d’architecture cubiste. Situé au rez-de-chaussée du Grand Café Orient, avec son intérieur et ses installations cubistes, il est rapidement devenu un lieu de rencontre de l’avant-garde jusqu’à sa fermeture au milieu des années 1920. Le bâtiment fait aujourd’hui partie du Musée tchèque des beaux-arts. Il abrite le musée du cubisme tchèque, ouvert en 1994, qui présente une exposition permanente de peintures, de meubles, de sculptures et de porcelaines. Le musée du cubisme tchèque présente également une exposition de collages de l’artiste et poète tchèque Jiří Kolar, qui a également travaillé en France. Ses idées ont ensuite présenté le collage dans un contexte plus large. Paris a peut-être été le lieu de naissance du cubisme, mais c’est à Prague que ses possibilités ont été le mieux explorées.

Héritage

En fin de compte, le cubisme lui-même est moins important en tant que style artistique qu’en tant qu’indicateur de ce qui est possible dans les arts visuels. Il a élargi les frontières de l’art pour inclure des alternatives au point de vue unique traditionnel ; il a démontré que l’on pouvait faire de l’art avec n’importe quoi, même des gravats ; et il a soulevé d’importantes questions sur la nature de la réalité dans l’art. C’est l’un des mouvements les plus importants associés à l’École de Paris et il a apporté une contribution significative à l’art d’avant-garde au début du 20e siècle. En particulier, le cubisme a eu une influence étendue et continue sur une grande variété de mouvements picturaux, y compris, surtout, le futurisme (c.1909-14) - voir, par exemple, «Femme au balcon» (1912, collection privée) Carlo Carr (1881-1966). Parmi les autres mouvements et styles influencés par les motifs cubistes, citons l’orphisme français (c.1910-13), le vorticisme anglais (c.1913-19), le luchisme russe (c.1912-15) et le constructivisme (c.1914-25), le groupe de design néerlandais De Stijl (1917-31), et les styles américains tels que le Synchromisme (c.1913-18) et le Précisionnisme (années 1920). Ses éléments anti-artistiques ont stimulé l’émergence de Dada en 1916 et Surréalisme en 1924.

Les plus grands tableaux cubistes

Pablo Picasso
Maisons sur la colline (1909) Musée d’art moderne, New York.
Femme à l’éventail (1909) Musée Pouchkine.
Portrait d’Ambroise Vollard (1910), Musée d’État des beaux-arts Pouchkine.
Jeune fille à la mandoline (Fanny Tellier) (1910) Musée d’art moderne, New York.
Nature morte aux chaises (1911-12) Musée Picasso, Paris.
Trois musiciens (1921) Musée d’art moderne, New York.
Guernica (1937) Musée de la Reine Sofia, Madrid.
Femme en pleurs (1937) Tate Collection, Londres.

Georges Braque
Maisons de l’Estaque (1908) Kunstmuseum, Berne.
Grand nu (1908) Musée national d’art moderne, Centre Pompidou.
Nature morte au hareng (1909-11), MoMA, New York.
Portugal (1911) Musée d’art, Bâle.
Coupe à fruits et verre (1912) collection privée.

Juan Gry (1887-1927)
Portrait de Maurice Raynal (1911) collection particulière.
Portrait de Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Violon et guitare (1913) collection particulière.
Nature morte avec fruits et bouteille d’eau (1914) Musée Kroller-Muller, Otterlo.
Emballage de café (1914) Musée Ulmer, Ulm.

Fernand Léger (1881-1955)
Nu dans la forêt (1909-11) Kroller-Müller, Otterlo.
Mariage (1911) Musée national d’art moderne, Centre Pompidou.
Soldats jouant aux cartes (1917) Musée d’État Kroller-Muller, Otterlo.

Marcel Duchamp (1887-1968)
Nu descendant un escalier (n°2) (1912) Philadelphia Museum of Art.
Roi et reine devant un nu rapide à grande vitesse (1912) Philadelphie.

Robert Delaunay (1885-1941)
Fenêtre (1912) Morton J. Neumann Collection, Chicago.
Formes circulaires : soleil et lune (1912) Kunstmuseum, Zurich.

Francis Picabia (1879-1953)
Udny, jeune fille américaine (1913) Musée national d’art moderne.

Albert Glaeses (1881-1953)
Portrait de Jacques Nayral (1911) Tate Modern, Londres.
Femme avec animaux (1914) Collection Peggy Guggenheim, Venise.

Jean Metzinger (1883-1956)
Tea Time (Woman with teaspoon) (1911) Philadelphia Museum of Art.
Danseuse dans un café (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

Lionel Feininger (1871-1956)
Église franciscaine (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Allemagne.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, New York).

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