Cubisme: Histoire, Caractéristiques Automatique traduire

Introduction: art abstrait révolutionnaire

En art, le terme Cubisme décrit le style révolutionnaire de la peinture inventé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) à Paris, pendant la période 1907-1912. Leurs méthodes cubistes – initialement influencées par les motifs géométriques des compositions paysagères du peintre postimpressionniste Paul Cezanne – redéfini radicalement la nature et la portée de peinture d’art et, dans une moindre mesure, la sculpture, telle que pratiquée auparavant, annonçait de toutes nouvelles façons de représenter la réalité. Dans cette mesure, le cubisme marque la fin de l’ère dominée par la Renaissance et le début de art moderne .

En grande partie un type de semi art abstrait – bien que parfois, il se rapproche à part entière art non objectif – Le cubisme est traditionnellement classé en trois étapes:

(1) Peinture cubiste ancienne (1907-9)
(2) Cubisme Analytique (1909-12)
(3) Cubisme synthétique (1912-14)

Outre Braque et Picasso, d’autres artistes célèbres étroitement associés au mouvement incluent les peintres Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953).), André Lhote (1885-1962), Roger de La Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), l’artiste polyvalent Marcel Duchamp (1887-1968) et les sculpteurs Jacques Lipchitz (1891 -1973), Alexander Archipenko (1887-1964). (Voir Peintres cubistes , et Sculpteurs du 20ème siècle .) Le cubisme a été le point de départ ou un élément essentiel de plusieurs autres mouvements d’art moderne , y compris le futurisme (1909-1914), l’orphisme (1910-13), le vorticisme (1914-1915), le constructivisme russe (c.1919-1932) et Dada (1916-1924).

Quelles sont les origines de l’art cubiste?

Après trois décennies d’art inspiré par les impressionnistes, culminant dans le mouvement coloriste fauviste (dont Braque était d’ailleurs membre, incidemment), Picasso a commencé à s’inquiéter du fait que ce type de peinture était une impasse avec de moins en moins de potentiel d’exploration intellectuelle.. Dans cet état d’esprit, et récemment exposé au monde africain art tribal tandis qu’en Espagne, il commence à peindre Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, New York), son chef-d’oeuvre novateur, dont les plans plats et éclatés remplacent la perspective linéaire traditionnelle et les volumes arrondis, marquant ainsi sa rupture avec les traditions naturalistes de l’art occidental. Au même moment, Georges Braque, ancien élève du prestigieux Ecole des Beaux-Arts à Paris, venait d’être submergé par l’exposition de 1907 consacrée aux peintures de Cézanne à la Salon d’Automne et la galerie Bernheim-Jeune , notamment le chef-d’œuvre de Cézanne Les grandes baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905). Le couple se rencontra ensuite en octobre 1907 et développa au cours des deux années qui suivirent ce que l’on appelle désormais le cubisme – une méthode totalement nouvelle de représentation du monde visuel.

NOTE: Pour voir comment la peinture impressionniste non naturaliste a conduit à un art abstrait comme le cubisme, voir: Réalisme à impressionnisme (1830-1900). Pour voir pourquoi le cubisme est lié au classicisme, veuillez consulter notre article: La renaissance classique dans l’art moderne (c.1900-30).

L’origine du terme ’cubisme’

À l’été de 1908, alors qu’il séjournait à L’Estaque près de Marseille, Braque peignit une série de paysages qui furent montrés plus tard cette année-là dans une galerie parisienne appartenant au marchand d’art. Daniel-Henri Kahnweiler . En passant en revue cette exposition, le célèbre critique d’art Louis Vauxcelles a commenté la manière de Braque de tout réduire – vues, figures et maisons – à des contours géométriques, à des cubes. L’année suivante, Vauxcelles utilisa l’expression «bizarreries cubiques» – une expression qui aurait été utilisée pour la première fois par Henri Matisse – et en 1911, le terme «cubisme» était entré dans la langue anglaise. La description convient tout à fait aux formes de blocs de certains paysages anciens de Braques et à quelques œuvres similaires de Picasso peintes à Horta del Ebro en Espagne, mais pas à leurs tableaux cubistes ultérieurs dans lesquels les formes sont décomposées en facettes plutôt que sous forme de facettes. cubes. Le terme a été repris par deux cubistes pratiquants, Gleizes et Metzinger, dans leur livre influent de 1912, Du Cubisme .

Comment comprendre le cubisme

Tout d’abord, il est très difficile d’apprécier le cubisme sans examiner ses peintures. Un bon début est de comparer les natures mortes cubistes anciennes avec les natures mortes traditionnelles (par exemple, des écoles baroques ou réalistes hollandaises). Si rien d’autre, vous apprécierez la nature radicale du cubisme par rapport à l’art occidental traditionnel. Notez également que le cubisme n’était pas un style de peinture unique: le cubisme analytique est complètement différent du cubisme synthétique ultérieur. La première concerne la structure: comment l’image doit-elle représenter l’objet en train d’être peint? ce dernier concerne exclusivement la surface de l’image et ce qui peut y être incorporé. Un dernier conseil: ne soyez pas rebutés par son étrangeté. Le cubisme est symbolique, stimulant et plein d’idées, mais ce n’est pas une très belle forme de l’art visuel .

Quelles sont les caractéristiques du cubisme?

Depuis la Renaissance, sinon avant, les artistes ont peint des tableaux d’un seul point de vue fixe, comme s’ils prenaient une photo. L’illusion de profondeur de fond a été créée à l’aide des conventions standard de perspective linéaire (par exemple, les objets ont été montrés plus petits au fur et à mesure qu’ils reculaient) et en peignant des figures et des objets avec des surfaces ombrées arrondies pour transmettre un effet 3D. De plus, la scène ou l’objet ont été peints à un moment donné.

En revanche, Braque et Picasso pensaient que la pleine signification d’un objet ne pouvait être capturée qu’en le montrant à partir de points de vue multiples et à des moments différents. Ils ont donc abandonné l’idée d’un point de vue fixe unique et ont plutôt utilisé une multiplicité de points de vue. L’objet a ensuite été rassemblé à partir de fragments de ces différentes vues, un peu comme un puzzle complexe. De cette manière, de nombreuses vues différentes d’un objet étaient simultanément représentées dans la même image. En un sens, cela revient à prendre 5 photos différentes (à des moments différents) du même objet, puis à les découper et à les réassembler de manière superposée sur une surface plane.

Cette fragmentation et cette réorganisation de la forme signifiaient qu’une peinture pouvait désormais être considérée moins comme une sorte de fenêtre sur le monde et plus comme un objet physique sur lequel une réponse subjective au monde est créée. En ce qui concerne la technique artistique, le cubisme a montré comment créer un sentiment de solidité et une structure picturale sans perspective ni modélisation traditionnelles.

Ainsi, le style cubiste se concentrait sur la surface plane et bidimensionnelle du plan d’image et rejetait les conventions et techniques traditionnelles de la perspective linéaire, du clair-obscur (utilisation de l’ombrage pour montrer la lumière et des ombres) et de l’idée traditionnelle d’imiter la nature. Au lieu de créer des objets à trois dimensions d’apparence naturelle, les peintres cubistes ont proposé un tout nouvel ensemble d’images rassemblées à partir de fragments à deux dimensions qui montraient les objets de plusieurs côtés simultanément. Si les fauvistes et les impressionnistes s’efforçaient d’exprimer leur sensation personnelle d’un objet ou d’une scène en particulier, les cubistes cherchaient à dépeindre l’idée ou la forme intellectuelle d’un objet et ses relations avec les autres.

REMARQUE: pour d’autres tendances stylistiques importantes similaires au cubisme, veuillez consulter Mouvements d’art, périodes, écoles (à partir de 100 avant notre ère).

Expositions Cubistes

Le cubisme avait deux identités, une publique et une privée. Le style a été élaboré conjointement par Pablo Picasso et Georges Braque sur la base d’observations tirées de Cézanne et, dans une certaine mesure, d’ethnographie. primitivisme tel que celui enquêté par Picasso au cours de sa Art africain période. Il a fait ses débuts en public avec l’exposition personnelle de Braque organisée par Kahnweiler en novembre 1908. Mais après cela, Picasso et lui se sont presque tous égarés et la bannière cubiste a été soutenue par d’autres, les soi-disant "salons cubistes". Robert Delaunay, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier et Jean Metzinger au Salon des indépendants de 1911.

En 1912, un groupe de cubistes s’appelant eux-mêmes le Section d’Or , avec Delaunay à leur tête, exposé à la Galerie La Boetie . Quand il a examiné ce spectacle, le critique d’art Guillaume Apollinaire (1880-1918) a inventé le terme ’ Orphisme ’, l’appliquant à Delaunay en particulier. La première déclaration publiée de la théorie cubiste fut Du Cubisme , de Metzinger et Gleizes, publiée en 1912; Les Peintres Cubistes d’Apollinaire , publiés en 1913, suivirent . Spectacle d’arsenal , tenue en février / mars sur Lexington Avenue, Manhattan, New York, dans laquelle le nu descendant un escalier de Marcel Duchamp (no 2) (1912) était l’attraction la plus controversée, voire scandaleuse. (L’œuvre a ensuite été achetée par le Philadelphia Museum of Art.)

Vers le début de 1912, Picasso et Braque passèrent du cubisme analytique avec lequel ils avaient commencé au Cubisme synthétique – un nouveau style plus décoratif et orienté vers la surface créé à l’aide de nouvelles techniques telles que collage et papier colles. L’incorporation de détritus quotidiens dans leurs peintures peut être considérée comme le début de Junk Art . À ce stade, ils ont été rejoints dans leurs explorations par Juan Gris.

Pendant la Première Guerre mondiale, le départ forcé de Daniel-Henry Kahnweiler a conduit à Léonce Rosenberg (1879-1947) devenant le distributeur principal des peintres cubistes à Paris. Son frère Paul Rosenberg (1881-1959) fut le principal distributeur de Picasso pendant l’entre-deux-guerres.

Symbole de la mode artistique et intellectuelle

Le cubisme était un style d’art avec attitude! C’était iconoclaste, stimulant, intellectuel. Il s’est concentré sur des idées plutôt que de belles images. Mais il a capturé l’esprit du siècle dernier – le temps des musiciens français exigeants tels que Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) et Maurice Ravel (1875-1937), et le cubisme analytique en particulier correspondait aux idées du Le philosophe français Henri Bergson (1859-1941), dont le concept de simultanéité affirmait que le passé se chevauchait avec le présent, lui-même qui se jette dans le futur. Pendant ce temps, les beaux-arts étaient à la croisée des chemins. L’impressionnisme était la mode d’hier, la Belle Epoque de l’affiche parisienne était finie, Toulouse-Lautrec était mort, l’ Art nouveau était en déclin et même le fauvisme haut en couleurs s’essoufflait. Dans le même temps, la température politique montait à travers l’Europe, exposant des possibilités horribles de guerre et de chaos. Dans son assaut sur les anciennes certitudes de l’art de la Renaissance, le cubisme reflétait les appels au changement dans de nombreuses autres disciplines, ainsi que dans le monde entier. Note: Pour une explication de certaines des grandes œuvres cubistes de Picasso et d’autres, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Sculpture Cubiste

Sculpture cubiste, comme Constructivisme , était trop radical pour devenir une partie intégrante du courant artistique principal. Néanmoins, les idées cubistes ont également été absorbées et adaptées par ceux qui travaillent dans d’autres disciplines telles que sculpture abstraite , aussi bien que architecture et art appliqué . La sculpture cubiste s’est développée à partir du collage et du papier collège et a assemblage . Les nouvelles techniques ont non seulement libéré les sculpteurs de nouveaux sujets, mais les ont également incités à considérer les sculptures comme des objets construits et non pas modélisés. Les qualités mathématiques et architecturales trouvées dans le travail de Gris ont été très influentes ici, comme le montrent les travaux de Archipenko et Ossip Zadkine, Raymond Duchamp-Villon et Henri Laurens, le lituanien Jacques Lipchitz, le sculpteur français d’origine hongroise Joseph Csaky (1888-1971).) et les sculpteurs tchèques Emil Filla (1882-1953) et Otto Gutfreund (1889-1927).

Picasso (1881-1973)
Tête de femme (1909) MoMA, New York.
Guitare (1912) Musée Picasso, Paris.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Le Grand Cheval (1914) Musée National d’Art Moderne, Paris.

Henri Laurens (1885-1954)
Tête de femme (1915) MoMA, New York.

Alexander Archipenko (1887-1964)
Femme marchant (1912) collection privée.
Marching Soldier (1917) collection privée.

Naum Gabo (1890-1977)
Tête d’une femme (1917-1920) MoMA, NY.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Homme à la guitare (1915) MoMA, NY.
Sailor With Guitar (1915), Musée national d’art moderne, Paris.
The Bathers III (1917) Fondation Barnes.

Design cubiste en Tchécoslovaquie

Théories cubistes de conception En Tchécoslovaquie, des artistes, des sculpteurs, des designers et des architectes ont adopté avec enthousiasme les caractéristiques de la peinture cubiste (formes géométriques simplifiées, contrastes de lumière et d’obscurité, facettes ressemblant à des prismes, lignes angulaires). art décoratif , y compris les meubles, bijoux art , vaisselle, céramique et l’aménagement paysager. Les membres du Groupe des artistes plasticiens , fondé en 1911 par Filla pour se consacrer au cubisme, étaient particulièrement importants. Le groupe a été actif à Prague jusqu’en 1914 et comprenait les sculpteurs Filla et Gutfreund, ainsi que les architectes et designers Pavel Janak, Josef Gocar (1880-1945), Josef Chochol (1880-1956), Vlastislav Hofman (1884-1964) et Otokar Novotny.. Gutfreund a publié des articles influents dans la revue mensuelle du groupe.

La Maison de la Vierge Noire (1911-12), un grand magasin conçu par Gocar, a été la première pièce d’architecture cubiste à être construite. Le Grand Café Orient situé au premier étage, doté d’un intérieur cubiste et de luminaires cubistes, est rapidement devenu un lieu de rencontre pour les avant-gardes jusqu’à sa fermeture au milieu des années 1920. Le bâtiment fait maintenant partie du musée tchèque des beaux-arts et abrite le musée tchèque du cubisme, ouvert en 1994, qui abrite une exposition permanente de peintures, de meubles, de sculptures et de porcelaines cubistes. Le Musée tchèque du cubisme contient également une exposition de collages de l’artiste et poète tchèque Jiri Kolar, également actif en France. Ses idées ont ensuite introduit le collage dans un contexte plus large. Paris a peut-être été le site de la naissance du cubisme, mais c’est à Prague que ses possibilités ont été explorées de la manière la plus complète qui soit, en tant que mode de vie.

Héritage

En fin de compte, le cubisme est moins important en tant que tel – en tant que style artistique – et plus important en tant qu’indicateur de ce qui est possible dans les beaux-arts. Il a étendu les limites de art inclure des alternatives au point de vue traditionnel; cela démontrait que les beaux-arts pouvaient être fabriqués à partir de n’importe quoi, même de restes de déchets; et cela a soulevé d’importantes questions sur la nature de la réalité dans l’art. C’était l’un des mouvements les plus importants associés à la Ecole de Paris et a apporté une contribution significative à l’art d’avant-garde au début du XXe siècle. En particulier, le cubisme a eu une influence généralisée et persistante sur une grande variété de mouvements de la peinture, notamment: Futurisme (c.1909-14) – voir par exemple Femme sur le balcon (1912, Collection privée) de Carlo Carra (1881-1966). Parmi les autres mouvements et styles influencés par des motifs cubistes, on compte: l’orphisme français (c.1910-13), l’anglais Vorticisme (c.1913-19), russe Rayonisme (c.1912-15) et le constructivisme (c.1914-25), le groupe de design néerlandais De Stijl (1917-1931) ainsi que des styles américains tels que Synchromisme (c.1913-18) et Le précisionisme (Années 1920) Ses éléments anti-art ont stimulé l’émergence de Dada en 1916, et Surréalisme en 1924.

Les plus grandes peintures cubistes

Pablo Picasso
Maisons sur la colline (1909) Museum of Modern Art, New York.
Femme à l’éventail (1909) Musée Pouchkine.
Portrait d’Ambroise Vollard (1910), Musée national des beaux-arts Pouchkine.
Fille à la mandoline (Fanny Tellier) (1910) Museum of Modern Art, New York.
Nature morte à la chaise (1911-12) Musée Picasso, Paris.
Trois musiciens (1921) Museum of Modern Art, New York.
Guernica (1937) Musée d’art Reina Sofia, Madrid.
Femme en pleurs (1937) Tate Collection, Londres.

Georges Braque
Maisons de l’Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Grand Nu (Nu) (1908) Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou.
Nature morte avec des harengs / poissons (1909-11), MoMA, NY.
Le Kunstmuseum portugais (1911), Bâle.
Fruit Dish and Glass (1912) collection privée.

Juan Gris (1887-1927)
Portrait de Maurice Raynal (1911) collection privée.
Portrait de Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Violon et guitare (1913) collection privée.
Nature morte aux fruits, bouteille d’eau (1914) Musée Kroller-Muller Otterlo.
Pack de café (1914) Musée Ulmer, Ulm.

Fernand Leger (1881-1955)
Nus dans la forêt (1909-1911) Kroller-Muller, Otterlo.
Le mariage (1911) Musée national d’art moderne, Centre Pompidou.
Soldats jouant aux cartes (1917) Musée national Kroller-Muller, Otterlo.

Marcel Duchamp (1887-1968)
Nu descendant un escalier (n ° 2) (1912) Philadelphia Museum of Art.
Le roi et la reine traversés par des nus rapides à grande vitesse (1912), Philadelphie.

Robert Delaunay (1885-1941)
Fenêtre (1912) Collection Morton G Neumann, Chicago.
Formes circulaires: Soleil et lune (1912) Kunstmuseum, Zurich.

Francis Picabia (1879-1953)
Udnie, jeune américaine (1913) Musée national d’art moderne.

Albert Gleizes (1881-1953)
Portrait de Jacques Nayral (1911), Tate Modern, Londres.
Femme aux animaux (1914) Collection Peggy Guggenheim, Venise.

Jean Metzinger (1883-1956)
Tea Time (Femme avec une cuillère à thé) (1911) Philadelphia Museum of Art.
Danseuse dans un café (1912) Galerie d’art Albright-Knox, Buffalo.

Lyonel Feininger (1871-1956)
Église franciscaine (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Allemagne.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, New York).