Peintres Cubistes, Sculpteurs Automatique traduire

CHEFS-D’ŒUVRE CUBISTES
Les Demoiselles d’Avignon
1907, MOMA, NY.
Guernica (1937)
Reina Sofia, Madrid.
Femme en pleurs (1937)
Tate Modern, Londres.

introduction

Bien que Georges Braque et Pablo Picasso sont crédités de la création du nouveau langage visuel de Cubisme, il a été repris et développé par deux artistes en particulier, Juan Gris (1887-1927) et Fernand Leger (1881-1955), qui sont considérés comme les troisième et quatrième cubistes. La peinture cubiste primitive est apparue entre 1907 et 1909, Picasso et Braque réagissant séparément aux expositions parisiennes de Cézanne et art primitif. De 1909 à 1212, les deux hommes collaborèrent étroitement au développement de Cubisme Analytique, qui était la phase la plus austère du mouvement. D’autres, comme Gris, rejoignent cette phase et en 1911, le cubisme est la forme dominante de art d’avant-garde à Paris, après sa représentation au Salon des Indépendants . Parmi les premiers cubistes figuraient des peintres comme Robert Delaunay (1885-1941), Albert Gleizes (1881-1953), Francis Picabia (1879-1953), Jean Metzinger (1883-1956) et des sculpteurs comme l’artiste russe. Alexander Archipenko (1887-1964). En 1912, Picasso et Braque changèrent légèrement de direction et introduisirent Cubisme synthétique, un style plus décontracté et personnel du cubisme, qui impliquait le collage et l’application de matières étrangères sur la toile, quelle que soit la forme de jon art de la première heure. Bien que beaucoup Peintres du 20ème siècle explorés dans le langage cubiste, seuls Picasso, Braque et Gris étaient considérés comme de «vrais» cubistes: les autres avaient tendance à être considérés comme des «salons cubistes» qui adoptaient une approche moins puriste du cubisme. Les principaux marchands d’art utilisés par les artistes cubistes étaient Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), ainsi que Léonce Rosenberg (1879-1947) et son frère Paul Rosenberg (1881-1959).

Juan Gris

Le peintre d’origine espagnole Juan Gris (1887-1927) n’a commencé à peindre sérieusement qu’à la fin de 1910, mais a fait ses débuts sensationnels en 1912 au Salon des indépendants avec son portrait de Picasso (Institut d’art de Chicago) et a rapidement été reconnu comme le troisième cubiste. Bien que fortement influencé par son compatriote espagnol Picasso, il a réalisé sa propre étude de Cézanne et a rapidement établi son propre style de cubisme analytique. Cela impliquait une fragmentation de style géométrique, mais dans le cas de Gris, chaque plan individuel avait tendance à rester distinct, sans la superposition complexe ou la transparence visible dans les œuvres de Picasso et Braque. De plus, pendant la phase de synthèse, Gris a peint avec des couleurs nettement plus brillantes, plus lyriques. Couleur ) The Open Window, 1917, Philadelphia Museum of Art), souvent avec de riches harmonies de couleurs accentuées, qui accentuaient la planéité de la toile ) Landscape at Ceret, 1913, National Museum, Stockholm). D’autres œuvres, comme The Wash-Stand (1912, Collection privée), qui utilise un vrai miroir, ont été construites avec une grande précision et un sens de l’humour.

Fernand Leger

Une des étoiles les plus brillantes du cubisme était Fernand Leger (1881-1955). Après une période d’apprenti architecte et une brève incursion dans l’école de l’Académie, Léger découvre Cézanne lors de la grande rétrospective de cette dernière à la Salon d’Automne , puis rencontre Braque et Picasso en 1910. Sous son influence, il travaille pendant un certain temps dans le facet-cubisme, comme dans Three Figures (1910-11, Milwaukee Art Center), où il est possible de discerner des indices de comme des énergies qui devaient le fasciner plus tard. Mais Léger a toujours été une personne plus directe et moins compliquée que ses collègues, et il s’inquiétait de l’intellectualisme de l’analyse formelle. En 1913, il avait résolu les complexités changeantes et superposées du cubisme analytique en une nouvelle manière, où les cubes et les cylindres commençaient à apparaître plus solidement et plus hardiment, peints de couleurs vives. Le Contraste of Forms (Musée d’art de Philadelphie), peint en 1913, est typique d’un groupe de peintures où Leger combine des formes fortes et simples dans des couleurs primaires pures – rouge, bleu et jaune – avec beaucoup de blanc et de noir. Malgré l’encombrement des formes qui se bousculent et s’épaule sur toute la surface de la toile, une comparaison du contraste de formes avec trois figures doit montrer que non seulement le contraste de formes est une suite logique de la c’est un pas dans la direction de la clarté et de la définition spécifique.

Malgré tout, Léger se sentait toujours dans sa peau et ce n’est qu’après la Première Guerre mondiale (au cours de laquelle il s’est mobilisé et a cessé de peindre) qu’il a trouvé ce qu’il voulait faire. Voir par exemple: Soldats jouant aux cartes (1917, Musée national Kroller-Muller, Otterlo). Tandis que Gris employait le cubisme de manière pensive, Léger l’adapta à la vie mécanique mécanisée de la ville. Partant du principe qu’à l’époque de la mécanique, l’art devait revêtir un caractère mécanique, il développa un style dans lequel chaque forme, si elle n’était pas dérivée d’un motif mécanique, prenait le caractère d’un engrenage, d’un volant, d’un piston ou de quelque chose de différent. autre partie de la machine. Voir par exemple La mécanique (1920, Musée des beaux-arts du Canada). De par sa propre déclaration, son contact quotidien avec des machines pendant la guerre pourrait expliquer sa nouvelle fascination pour un art mécaniste, et son "contact avec la réalité violente et crue" en temps de guerre complétait son divorce d’avec l’hyper-raffinement du cubisme analytique. La vision extérieure de Léger d’une nouvelle société mécanisée ne correspondait pas à celle de Picasso ou de Braque, qui préconisaient tous deux une focalisation plus introspective sur la nature de l’art.

The City (1919, Philadelphia Museum of Art), une grande toile, constitue l’apogée de son nouveau style et probablement la clé de son travail. Certains des motifs les plus facilement identifiables sont des poutres, des poteaux, des bouffées de fumée et, au centre, une volée de marches réduite à des bandes claires et sombres derrière les figures humaines mécanisées qui les descendent. Les couleurs sont pures et lumineuses, voire criardes et stridentes, dominées par plusieurs plaques brillantes de jaune citron et de rouge vif, coupées de haut en bas par un pôle de couleur violette rose. La plupart des formes ne sont pas modelées, à l’exception des figures humaines, des bouffées de fumée et du pôle, qui sont modelés en ovales et cylindres géométriques lisses.

À bien des égards, les formes de The City sont si évidentes qu’elles semblent trop faciles. Les subtilités ne doivent pas être lues dans Léger; plutôt une vigueur chaleureuse, une sorte de primitivisme. Il est le peintre le plus facile à imiter, et il a souffert du fléau des talents de quatrième ordre qui ont adopté sa formule et en ont révélé les limites sans les racheter par sa force et son enthousiasme. L’art de Léger n’a pas de sens s’il est déformé par une recherche d’intellectualités qui n’y figurent pas. Son anti-intellectuel est généralement rafraîchissant; à d’autres moments, elle craint, et on est soulagé de s’éloigner de ses couleurs insistantes et de ses formes évidentes, pour des peintures offrant moins d’excitation de surface et une profondeur plus contemplative. (Bien sûr, cela peut être une question de goût personnel; il peut être aussi vrai que c’est un soulagement de s’éloigner des peintures pleines de subtilités et de profiter de la simplicité de Léger.) Parfois, il impose également son style à des motifs incompatibles avec Voir, par exemple, The Breakfast (1925, Collection privée), dans lequel trois nus autour d’une table de petit-déjeuner sont réduits à des automates déshumanisés.

Leger est un peintre au style personnel emphatique, dans lequel vigueur indigène et affectation curieuse se font concurrence et s’accordent souvent. À ces occasions, il est un bon artiste. sur la plupart des autres, il est au moins un excellent designer. En effet, directement et indirectement, le style de Léger a été l’une des influences les plus puissantes sur le design moderne et sur ses décorateurs, ses concepteurs et ses artistes commerciaux.

Robert Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941), insatisfait des arrangements statiques du cubisme, a commencé à composer dans des plans et des arcs agités dans le but de révéler les forces inhérentes aux objets statiques. Il a choisi comme sujets privilégiés deux pièces d’ingénierie architecturale dans lesquelles des forces dynamiques sont mises en équilibre structurel: la tour Eiffel avec ses poutres en acier et l’église médiévale Saint-Séverin avec ses voûtes en pierre. Sa tour Eiffel semi-cubiste (1909, musée d’art de Philadelphie), comparée à sa dernière tour Eiffel (1925, également à Philadelphie) montre le passage de formes statiques à des formes fragmentées suggérant un mouvement. Delaunay a pareillement égayé la palette de couleurs cubiste. En 1912, année où le cubisme se déchaîna dans une douzaine de directions, Delaunay a formulé " Orphisme, "(alias Cubisme Orphique) ou orchestration des couleurs, dans laquelle il avait essayé de libérer immédiatement le cubisme des nuances qui l’avaient affecté au cours de sa phase analytique et de sa dépendance à l’égard du sujet. En tant qu’orphiste, il a peint une série de" compositions de fenêtres "- voir, par exemple, Windows (1912, Philadelphia Museum of Art) – sur des plans totalement abstraits, ressemblant beaucoup à des feuilles de verre aux couleurs vives qui se chevauchent. Bien qu’il n’ait pas suivi l’orientation de ces peintures, d’autres peintres devaient bientôt le faire. Delaunay a été rejoint par le peintre tchèque Frank Kupka (1871-1957) qui avait aussi tâté avec le cubisme et s’immergeait à présent dans des scènes très colorées. art abstrait.

Jean Metzinger

Jean Metzinger (1883-1956) ont développé certaines nuances de style au cours de cette période de cubisme analytique, ce qui confère à son travail une qualité légère et gaie, assez opposée aux schémas analytiques spartiates de Braque et de Picasso. Pourtant, Metzinger était d’esprit scientifique. Avant de découvrir une pseudo-science plus gratifiante dans le cubisme analytique, il avait été attiré par la codification et l’approche systématique du néo-impressionnisme. En 1912, à la fin de la période du cubisme analytique, il co-écrivit sa déclaration de doctrine, Du Cubisme, avec son collègue Albert Gleizes (1881-1953). Première étude du nouveau mouvement, elle a été publiée quinze fois au cours de 1912 seulement. Metzinger et Gleizes étaient tous deux membres fondateurs de Section d’Or et étaient parmi les cubistes qui ont insisté sur l’utilisation de la couleur, tandis que Braque et Picasso ont mis de côté le problème en faveur de l’analyse pure en bronzage, crèmes et gris.

Francis Picabia

Francis Picabia (1879-1953) était également impliqué dans l’orphisme, mais il pensait en même temps que le cubisme pouvait être un vecteur d’expression d’idées. Il avait commencé comme un imitateur de Sisley, et il passa sa vie à enquêter avec enthousiasme sur chaque nouvel «isme» qui se présentait, sans aller très loin dans aucun d’entre eux. Physical Culture (1913, Philadelphia Museum of Art) est un excellent exemple de son style cubiste.

Marcel Duchamp

Ce qui pourrait être décrit comme un "cubisme dynamique", apparent dans la future tour Eiffel de Delaunay et dans la culture physique de Picabia, est particulièrement vivant dans Nude Descendre un escalier (No 2) (1912, Philadelphia Museum of Art) par Marcel Duchamp (1887-1968). C’est un tableau d’une importance historique considérable, car il est devenu l’exposition clé du Spectacle d’arsenal en 1913 à New York, qui fut la première introduction en masse de l’art avant-gardiste par les États-Unis. Pour la première fois, les Américains ont réagi avec la véhémence des Français face aux œuvres d’art qui les offensaient. Les agents de sécurité ont dû protéger les peintures les plus controversées des attaques d’un public enragé.

Un critique antipathique a qualifié Nude Descending a Staircase "une explosion dans une fabrique de bardeaux". L’insulte était perceptive, jusqu’à un certain point. La figure est en effet brisée dans des plans ressemblant à des bardeaux qui se confondent et se chevauchent dans un motif de grande énergie. Mais l’enjeu est insuffisant en ce que la silhouette brisée n’est pas chaotique. Au contraire, il est réassemblé dans un motif de grand ordre et de vivacité, plus expressif d’un mouvement descendant lumineux qu’une peinture imitative d’un nu descendant un escalier. Mais pour un public qui admirait encore The Golden Stairs de Burne-Jones (1880, Tate Collection, Londres), montrant dix-huit jeunes femmes vêtues de jolis costumes descendant un escalier dans une série d’attitudes gracieuses, une image d’une jeune femme nue descendant un escalier des centaines de fragments de réalité, comme des machines, étaient incompréhensibles et exaspérants. Le fait qu’après un siècle entier, Nude Descending a Staircase ait toujours la capacité d’intéresser les sympathiques et d’irriter les antagonistes, alors que d’autres sensationnelles nouveautés ont éclaté et s’est estompé par dizaines, est une preuve aussi valable qu’une autre repère durable, et une œuvre d’art avec des extensions au-delà du cubisme. L’un d’eux est son titre délibérément provocateur qui, à l’instar des absurdités de Picabia, est associé à deux autres mouvements, Dada et Surréalisme, où Duchamp apparaîtra à nouveau.

Autres cubistes

D’autres représentants du cubisme avaient des objectifs encore plus différents. Par exemple, dans le tableau L’Artillerie (1911), le cubiste français Roger de la Fresnaye (1885-1925) a eu recours à la simplification géométrique non pour créer de l’ambiguïté, mais pour faire une déclaration nationaliste sur la puissance militaire française. Le peintre américain Lyonel Feininger (1871-1956) a utilisé des techniques de cubisme dans sa peinture de l’église franciscaine (1924) pour impliquer un sentiment religieux. Pour sa part, André Lhote (1885-1962), en plus d’être un peintre et sculpteur cubiste de talent, fut un professeur influent et un théoricien de l’art.

Le frère peintre Gaston de Marcel Duchamp, qui adopta le pseudonyme de Jacques Villon (1875-1963), travailla dans une variation personnelle du cubisme, toujours plutôt calme et élégant, et finit par prendre la forme de configurations lucides d’une grande distinction. Dans l’histoire du cubisme, il occupe une place particulière en tant que chef d’un groupe qui s’est réuni dans son studio dans les premiers jours pour discuter et théoriser. En 1912, à la suite de leur exposition controversée dans la Salle 41 du Salon des Indépendants, le groupe se baptise Section d’Or (d’après la formule mathématique des harmonies proportionnelles) et organise une autre grande exposition à la Galerie La Boetie. Parmi les participants figuraient Juan Gris, Fernand Léger, Robert Delaunay, Francis Picabia, Marcel Duchamp et Jean Metzinger, ainsi que Albert Gleizes, Roger de la Fresnaye, Louis Marcoussis (1883-1941), André Lhote (1885-1962), etc. autres. En tant que point culminant de la maturité du cubisme, il résume les forces à l’œuvre avant leur dissémination dans le La peinture, qu’ils ont si profondément affecté. Seuls Picasso et Braque, les deux figures majeures du développement du cubisme et les deux peintres qui y ont fait appel de manière significative, n’étaient pas représentés. La raison immédiate était que l’exposition avait eu lieu dans une galerie commerciale dans laquelle ils ne pouvaient pas se montrer, en raison de leurs obligations contractuelles antérieures vis-à-vis de Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Mais psychologiquement, leur absence était appropriée, car il est possible de penser que les hommes qui exposaient étaient avant tout des cubistes, mais il est impossible de ne pas considérer Braque et Picasso comme d’abord des peintres.

Peintures cubistes notables

Lyonel Feininger (1871-1956)
Eglise franciscaine (1924) Staatsgalerie, Stuttgart.

Albert Gleizes (1881-1953)
Baigneurs (1912) Musée national d’art moderne, Paris.

Fernand Leger (1881-1955)
Dans le contraste des formes (1913) Guggenheim Museum, NYC.
The Stairway (1914) MOMA, NYC.
La ville (1919) Musée d’art de Philadelphie.
La Creation du Monde (1923) modèle de scène pour ballet en un acte.

Jean Metzinger (1883-1957)
Sur la piste cyclable (1911-1912) Musée Peggy Guggenheim, Venise.
Femme tricotant (1919) Musée national d’art moderne, Paris.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911) Metropolitan Museum of Art, New York.
La conquête de l’air (1913) MOMA, NYC.

Robert Delaunay (1885-1941)
La ville, n ° 2 (1910) Musée national d’art moderne, Paris.

André Lhote (1885-1962)
Les joueurs de rugby (1917) Collection privée.

Juan Gris (1887-1927)
Portrait de Picasso (1913), Art Institute of Chicago.
Petit déjeuner (1915) Musée national d’art moderne, Paris.
Violon et cartes à jouer (1913) Metropolitan Museum of Art, NYC.
Bouteille de rhum et journal (1913) Musée Guggenheim, NYC.
Nature morte (1917) Institut des arts de Minneapolis.

Alexander Archipenko (1887-1964):
Verre sur une table (1920) MOMA, NYC.

Sculpteurs Cubistes

Le cubisme a également eu une influence énorme sur Sculpteurs du 20ème siècle, qui a adapté les idées cubistes de différentes manières: notamment en ouvrant des formes afin que les vides et les solides forment des formes distinctes. Picasso lui-même fait de la sculpture cubiste et d’autres artistes de premier plan qui ont travaillé dans l’idiome incluent le peintre / sculpteur Marcel Duchamp (1887-1968), les sculpteurs français Jacques Lipchitz (1891-1973), Henri Laurens (1885-1954), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) et les sculpteurs russes Alexander Archipenko (1887-1964) et Vladimir Baranoff-Rossine (1882-1942). Le tchèque Otto Gutfreund (1889-1927), autre sculpteur de renom, participa à un épanouissement remarquable de l’art et du design cubistes à Prague au cours des années qui précédèrent la Première Guerre mondiale. Dans art appliqué, Le cubisme a été l’une des sources de Art Déco et plus généralement, il a eu un impact énorme et varié sur art moderne et design.

Célèbres sculptures cubistes

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Cheval (1914) Collection Tate; MOMA, NYC.

Pablo Picasso (1881-1973)
Tête d’une femme (1909) MOMA, NYC.

Vladimir Baranoff-Rossine (1882-1942)
Symphonie numéro 1 (1913) MOMA, NYC.

Henry Laurens (1885-1954)
Guitare (1914) Musée Ludwig, Cologne.
Clown (1915) Musée Wilhelm Lehmbruck, Duisburg.

Alexander Archipenko (1887-1964)
Femme qui marche (1912) Denver Museum of Art.
Le match de boxe (1914) Musée Guggenheim, NYC.
Soldat en marche (1917) Collection privée.
Nu debout (1921) Collection privée.

Otto Gutfreund (1889-1927)
Vikey (tête cubiste) (1911-13) Collection privée.

Ossip Zadkine (1890-1967)
Mère et enfant (1918) Musée Hirshhorn / Jardin de sculptures, Washington DC.
Musiciens (1927) Musée des Beaux-Arts Pouchkine.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Homme à la guitare (1915, Museum of Modern Art, New York)
Bather III (1917) Fondation Barnes, Merion.
Femme à la guitare (1927, Collection privée)

Héritage / Influence sur d’autres mouvements et artistes

Le cubisme s’est révélé extrêmement adaptable et a été le point de départ ou un élément essentiel de plusieurs autres mouvements d’art moderne. Dans son utilisation générale de fragmentation d’image, le cubisme a influencé la société italienne. Futurisme (c.1909-14) et anglais Vorticisme (c.1914-15) dirigé par Percy Wyndham Lewis (1882-1957), ainsi que des styles de peinture russes de Rayonisme (c.1912-14) et Suprématisme (c.1913-18), ainsi que les styles de conception de Constructivisme (c.1919-32) et De Stijl (1917-1931). Le cubisme a également influencé l’orphisme de Robert Delaunay, ainsi que le purisme. Parmi les autres groupes du vingtième siècle qui ont bénéficié de dispositifs et d’images cubistes, citons: le mouvement dada, dont la méthode consistant à combiner des mots avec des images et un art avec du non-art, n’aurait pu prospérer sans l’invention du collage de Picasso et Braque, Le précisionisme réalisme urbain / industriel dans les années 1920 en Amérique, développé par Charles Demuth (1883-1935) et Charles Sheeler (1883-1965); tandis que les surréalistes de l’entre-deux-guerres étaient grandement renforcés par l’imagerie ambiguë du cubisme. L’héritage cubiste a également profité à la fois aux expressionnistes allemands, qui ont utilisé ses formes pour affiner leur message, et aux expressionnistes abstraits qui ont profité de sa promotion de la primauté de la toile plate.