Créateurs français, Artistes décoratifs (1640-1792) Automatique traduire

Série Arts Décoratifs en France
(1) Arts décoratifs français (1640-1792)
(2) designers français décoratifs
(3) Meubles royaux français

introduction

Pendant toute la période approximative de 1640 à 1792, le cours suivi par art décoratif en France a été fortement influencé par les concepteurs d’ornement qui ont été généralement nommés par le roi et utilisés par les manufactures royales. Peu d’entre eux étaient uniquement des ornemanistes ; la plupart ont été célébrés dans d’autres branches des arts. Un grand nombre d’entre eux ont publié des livres ou des exemples de leur style de vie. conception au profit d’autres artistes et artisans. (Voir également: Les plus grands artistes visuels 1000-1850.)

Simon Vouet (1590-1649)

Au tout début du 17ème siècle, le plus remarquable du début Artistes baroques français et les designers était le peintre Simon Vouet, qui a passé quinze ans en Italie et a été influencé par Paolo Veronese (1528-1588), Raphaël (1483-1520), et Caravage (1573-1610). Vouet participe à la décoration du Palais du Luxembourg et fournit de nombreuses caricatures aux tapissiers du Louvre, où il reçoit des appartements. Il a accompli un travail considérable, en grande partie avec l’aide de ses élèves, parmi lesquels Charles Le Brun (1619-1690) était le plus remarquable. Vouet c’était – sans doute influencé par les volutes complexes de stucs du premier Ecole de Fontainebleau – Qui était responsable de la mode pour la décoration florale qui est toujours très en évidence par la suite. Il semble avoir influencé le sculpteur et designer Jean Le Pautre (1618-82), qui travailla à Versailles à l’époque des Architecte baroque et favori de la cour Louis Le Vau (1612-1670). Les motifs de Le Pautre sont ceux d’un sculpteur, richement chargé – "surchargé" pourrait être une meilleure description – avec des figures classiques, généralement en haut relief, et nues ou presque, ainsi que des acanthes défilants, des guirlandes florales et foliées. Ceux-ci peuvent être bien vu dans ses conceptions pour des cheminées. L’un est décrit comme "à l’italienne, inventé et gravé par I. Le Paultre, 1665", et un autre, encore plus riche, flanqué de colonnes corinthiennes et surmonté d’un groupe allégorique et d’un tableau disposé au centre, comme " à la romaine ". Ceux-ci, vendus à Paris par Mariette, un graveur de la rue Saint-Jacques, témoignent de la persistance de l’influence italienne héritée du XVIe siècle. Les conceptions de Le Pautre pour les plafonds en stuc n’étaient pas moins élaborées et celles de salles complètes pourraient presque être décrites comme l’apothéose de la grande manière. Celles destinées aux armoires sur des supports dorés richement sculptés correspondent à son travail architectural plus permanent, et il se distingue généralement par son air massif et sa hauteur. Bien qu’il soit impossible de relier les intérieurs existants à ses dessins publiés, son influence doit avoir apporté une contribution très considérable au style Louis Quatorze du milieu. D’autres membres de la même famille ont également exercé des fonctions de dessinateurs, notamment l’architecte Pierre Le Pautre (1659-1744), dont les dessins, beaucoup moins ornés, préfiguraient le style de la Régence.

Charles Le Brun (1619-90)

Un élève précoce de Simon Vouet, Charles Le Brun avait terminé une peinture d’histoire pour le cardinal de Richelieu alors qu’il n’avait que 15 ans. Influencé par Poussin Au cours d’une visite en Italie, il est rentré en France pour recevoir plusieurs commandes, dont des travaux de décoration au château de Vaux-le-Vicomte pour Nicolas Fouquet (1615-1680), surintendant des finances en France (1653-1661). En outre, le cardinal Mazarin a présenté Le Brun à Anne d’Autriche, tandis que Louis XIV lui a confié la tâche de décorer la galerie d’Apollon au Louvre. Il a également été chargé de peindre des parties du château de Versailles Palais, y compris le plafond de la Galerie des Glaces. Il était également responsable de la peinture murale dans le salon de paix, voisin, ainsi que dans le salon de la guerre. Nommé peintre en chef du roi, il travailla à Saint-Germain, Marly et Sceaux, et en tant que directeur du Tapisserie des Gobelins usine, il a produit une variété de art de la tapisserie et conçu des meubles, des bijoux et du fer forgé, veillant sur tous les détails de la production. Une figure centrale en français Architecture baroque aussi bien que La peinture, Le Brun est devenu un dictateur virtuel de art appliqué en France, excellant en tant que designer, décorateur et administrateur. Directeur de la Académie Française, il l’utilisa pour donner une importance particulière aux arts de la peinture et de la sculpture et fonda une Académie française à Rome avec le Prix ​​de Rome. Le Brun a continué à dominer le domaine des arts décoratifs en France jusqu’à la mort de Colbert, son parrain politique, en 1683. Le successeur de Colbert, le marquis de Louvois (1641-1691), remplaça Le Brun par Pierre Mignard (1612-95). mais à cause des difficultés de l’époque, les manufactures royales étaient déjà en déclin. Les fondements posés par Le Brun sont en grande partie dus à la prééminence de l’art français au cours des siècles.

Daniel Marot (1650-1712)

Daniel Marot, fils de Jean Marot, était un huguenot qui a quitté la France après la révocation de l’édit de Nantes pour devenir architecte de Guillaume III d’Angleterre. Le père et le fils étaient des designers prolifiques, mais Daniel est de loin le plus connu. Il semble s’être spécialisé dans la conception de lits, le meuble ménager le plus important du XVIIe siècle. Avec ses poteaux ) allumés à la française) surmontés d’un baldaquin, ou avec un auvent soutenu uniquement à l’arrière ) allumé à la duchesse), ses créations appelaient des rideaux à glands et des cantonnières de la plus grande richesse qui inspiraient l’ornement dit des lambrequins, très utilisé comme motif peint sur la faïence au cours des dernières années du 17ème siècle. Ses auvents étaient surmontés à chaque coin par des plumes. Certaines des conceptions de cheminée de Marot offraient pour la première fois un espace pour l’affichage de vases en porcelaine et en faïence, ce qu’il a peut-être fait pour la reine anglaise d’Angleterre. On trouve des cheminées de conception très similaire à Hampton Court, où la reine a introduit en Angleterre la mode de la porcelaine orientale et de la vaisselle européenne émaillée à l’étain (Delft). Dans ses conceptions de panneaux, Marot utilisait des feuillards, en particulier des rinceaux d’acanthe, des guirlandes florales et des guirlandes foliacées, ainsi que des grotesques, certains avec des sujets allégoriques populaires. Outre l’aménagement intérieur, il a conçu des consoles, des armoires, des cadres de miroirs, des appareils d’éclairage et même de petits objets comme des tabatières. Il s’est également spécialisé dans la conception de boîtiers aux horloges à minuterie richement ornées, appelés régulateurs en France.

Jean Berain l’Ancien (1637-1711)

La période finale du style Louis Quatorze est peut-être mieux représentée par Jean Berain l’Ancien, qui a travaillé avec son frère Claude (déc. 1726), dont il est maintenant rarement fait mention. Il a attiré l’attention de Le Brun par qui il a été formé, travaillant à la Galerie d’Apollon au Persienne et fut nommé dessinateur de la chambre et du cabinet du roi en 1674 avec un appartement au Louvre. Berain a conçu non seulement des intérieurs, mais également des décors pour toutes sortes de fonctions royales, notamment des fêtes et des représentations théâtrales. Il se distingue par une sorte d’ornement grotesque particulièrement caractéristique des dernières décennies du règne du roi, qui a influencé le cours suivi par artistes rococo. Ses créations, qui ont beaucoup en commun avec la décoration d’Urbino maiolica après le milieu du XVIe siècle, incluent des amours martelant un cœur enflammé sur une enclume, des béliers à longues cornes, des masques (mascarons), des singes et des sphinx.

Les sphinx étaient, par ailleurs, un type d’ornement particulièrement populaire au début du XVIIIe siècle, se présentant sous diverses formes, notamment les chenets décoratifs (chenets). Beaucoup étaient des portraits reconnaissables des beautés de la Cour. Les sphinx de portrait, sans doute dérivés de cette source, sont devenus un favori parmi les fabriques de porcelaine anglaises de Bow et de Chelsea, particulièrement au milieu du siècle, notamment parmi les actrices Kitty Clive et Peg Woffington.

Dans d’autres conceptions de Berain, nous trouvons des personnages chinois coiffés de hauts chapeaux coniques sous un auvent en rouleau avec une saveur distinctement chinoise, les avant-toits incurvés tirés de la pagode chinoise. Ces motifs chinois étaient une conséquence de l’intérêt du roi pour Art chinois, manifestée dans le Trianon de Porcelaine à Versailles et dans la décoration orientale du château de Meudon appartenant au dauphin décédé en 1711. La mode reçut une impulsion notable de l’ambassade du roi de Siam en 1688.

Les dessins de Berain étaient largement utilisés par des artisans de toutes sortes. Une grande partie de la décoration de la marqueterie typique en laiton et en écaille de tortue d’André-Charles Boulle est assez manifestement inspirée par cette source, et la faïence de Moustiers a utilisé les grotesques de Berain pour une série de plats remarquables. Boulle (1642-1732) était aussi un designer à part entière qui travaillait non seulement pour le roi, mais aussi pour les financiers les plus en vue de la fin du XVIIe siècle, tels que Antoine Crozat (1655-1738) et Samuel Bernard (1651-1739). Ses compétences de bronzeur et de designer sont particulièrement évidentes dans ses lustres et ses bras de lumière, dont certains préfigurent une asymétrie rococo. Sa collection privée incluse dessins de la renaissance de Raphaël, maquettes de cire, une quantité de gravure et de nombreuses autres œuvres d’art.

Robert de Cotte (1656-1735)

Robert de Cotte, élève et beau-frère de Jules Hardouin-Mansart (1646-1708), était un ornemaniste et un architecte qui devint par la suite le premier architecte du roi et le directeur des manufactures du roi vers 1699. Il exerça une influence considérable influence sur le développement du style Regency, et probablement collaboré avec Berain et Boulle.

Claude Gillot (1673-1721); Claude III Audran (1658-1734)

Appartenant à la même période, Claude Gillot, designer talentueux, était réputé pour sa décoration théâtrale et ses scènes de la comédie italienne, qui employait les satyres, les grotesques et les singes populaires. Claude Audran, conservateur au Luxembourg, était un peintre qui décora de nombreux châteaux et dessina des tapisseries avec les motifs que Berain avait connus. Il a également conçu les célèbres séries de tapisseries des Gobelins intitulée « Histoire de Don Quichotte» et « Histoire de Jason» (d’après De Troy), toutes deux en collaboration avec Pierre François Cozette, futur directeur du plus important département de la manufacture de tapisseries des Gobelins.

Antoine Watteau (1684-1721)

Gillot et Audran sont rejoints par leur relation avec Jean-Antoine Watteau, fils d’un maître-carreleur de Valenciennes, à la fois peintre et designer influent. Il fut l’élève de Gillot en 1704, attirant l’attention d’Audran un peu plus tard, en 1709. Watteau La peinture a aujourd’hui tendance à occulter son travail et son influence en tant que designer, mais ses arabesques (terme commun pour désigner la forme prise par les grotesques au XVIIIe siècle) ont inspiré l’ ébéniste et sculpteur Charles Cressent (1685-1768), et il a également développé le populaire singes. En effet, les chanteurs du peintre Jean-Baptiste Marie Huet (1745-1811) à Chantilly ont été à un moment attribués à la main de Watteau. Ses sujets caractéristiques de la galanterie étaient très populaires, copiés sur la porcelaine de Meissen dans les années 1740.

Watteau obtint plus tard le patronage d’Antoine Crozat, le financier, et sa réputation à cette époque était telle que sept cents de ses peintures furent gravées à l’initiative de Jean de Jullienne, l’un de ses amis, sous le nom de Recueil Jullienne. Un géant de Peinture française, il est mort dans les bras de son ami, Gersaint, le marchand d’art. Les dessins de Watteau ont un air de fantaisie presque sans pareil à cette époque, influençant considérablement le cours du design tout au long de la première moitié du XVIIIe siècle. Bien que ses premiers travaux en tant que designer fassent légèrement écho à ceux de Berain, ils constituent une source évidente et importante. de la phase rococo. Les dessins de Gillot, en revanche, ont de plus grandes affinités avec le 17ème siècle.

Jean-Baptiste Oudry (1689-1755)

Le peintre Jean-Baptiste Oudry fut peut-être le plus influent dans le domaine des arts décoratifs en tant que directeur des métiers à tapisseries de Beauvais, puis de la manufacture des Gobelins, fonction qu’il occupa pendant le règne de Louis Quinze. Sa mort marqua presque la fin de l’organisation artistique de Colbert, bien que le favoritisme royal soit resté pratiquement intact. En tant que peintre, Oudry était particulièrement attiré par les animaux et la chasse, et son travail était une source extrêmement populaire pour la décoration de toutes sortes. Son style n’est pas sans rappeler celui de Desportes avec lequel il est parfois confondu. Desportes était un peintre un peu plus ancien de sujets similaires, qui a contribué à décorer de nombreux principaux châteaux de l’époque, notamment Versailles et Marly, ainsi que Chantilly, appartenant au prince de Condé.

François Lemoyne (1688-1737)

François Lemoyne a également inspiré une partie de l’art décoratif de son époque. L’une de ses principales œuvres a été la décoration du salon d’Hercule à Versailles et beaucoup de ses peintures ont été gravées par Laurent Cars, graveur des fêtes galantes de Watteau.

Gilles-Marie Oppenord (1672-1724)

Avec Gilles-Marie Oppenord, la tendance au rococo s’est accentuée. Oppenord était l’architecte du régent et a influencé les conceptions de meubles de Cressent. Il doit quelque chose à Francesco Borromini (1590-1667), un architecte du début du baroque dont l’influence est visible dans certaines des conceptions d’Oppenord. Aujourd’hui, Oppenord est probablement surtout connu pour ses conceptions en fer forgé, devenant à la mode pour les balcons et les escaliers en plus des portes qui ont toujours été populaires pour les entrées des châteaux. Il a également tourné son attention vers les consoles sur des supports en fer forgé et en fonte et autres meubles en fer, y compris même un prie-Dieu, qui semblent avoir été conçus pour les jardins et les cours extérieures plutôt que pour les intérieurs.

Nicolas Pineau (1684-1754)

Nicolas Pineau fut l’élève de Mansart et de l’architecte Germain Boffrand (1667-1754). Il semble avoir été au début un menuisier principalement concerné par la taille des boiseries, notamment à la cour de Saint-Pétersbourg où il resta dix ans. En Russie, il a également exercé les fonctions d’architecte et de concepteur d’intérieurs. À son retour à Paris en 1726, il devint l’un des principaux concepteurs. Son travail était moins nettement asymétrique que celui de certains de ses contemporains et avait obtenu l’approbation de l’architecte JF Blondel, l’un des premiers critiques des extravagances rococo.

Jacques Verberckt (1704-71)

Jacques Verberckt d’Anvers était un menuisier et sculpteur qui travaillait principalement dans les boiseries, notamment en collaboration avec l’architecte Ange-Jacques Gabriel (1698-1782), dans un style rococo moins prononcé que celui de Meissonnier.

Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750)

Malgré les premiers exemples d’asymétrie déjà mentionnés, les caractéristiques particulières du style rococo développé ne sont pas devenues évidentes avant l’époque de Juste-Aurele Meissonnier, née à Turin. Il travailla principalement comme orfèvre et ornemaniste, devenant orfèvre du roi (orfèvre du roi) en 1726. Deux ans plus tard, il fut nommé dessinateur du cabinet du roi, succédant à Jean Berain le Jeune (1678-1726). de son travail dans cette capacité est existante. En effet, on ne peut attribuer à Meissonnier que ses livres de design, mais ceux-ci ont probablement été la plus grande influence sur le développement du rococo. Une bonne partie de son travail était fait pour la noblesse étrangère et comprenait des boîtiers d’horloge, des appareils de combat, des consoles et d’autres meubles, des boiseries et – un peu naturellement – de l’argent bijoux de toute sorte. Parmi ses créations en argent, certains sels de coquillages étaient une inspiration évidente pour plusieurs des usines de porcelaine, y compris Chelsea et Bow dans les années 1750. D’autres motifs en argent comportant des sujets marins sur une base de volutes asymétriques ont influencé la fabrication de la porcelaine en Saxe et en Angleterre, bien que peu de travaux de ce type aient été effectués à Vincennes ou à Sèvres, où le type de porcelaine employé ne lui convenait guère et les bases en bronze doré étaient mal adaptées. substitué. Les supports de table et les sièges de Meissonnier étaient presque aussi élaborés que son argent. Encore plus avancés étaient les dessins d’un graveur et orfèvre, PE Babel, dont les vignettes et les travaux ornementaux étaient populaires.

Les frères Slodtz étaient plus ou moins contemporains de Meissonnier et travaillaient dans un style qui ressemble au sien, mais sans mettre l’accent sur l’asymétrie. Deux d’entre eux travaillèrent pour le roi en tant que dessinateurs et sculpteurs: Antoine Sébastien (1695-1754) était un dessinateur de la chambre du roi, poste auquel son frère Paul Ambroise (1702-178) lui succéda. En 1739, ils sont associés au graveur Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-1790), qui les aide à concevoir des décors pour les fêtes de la Cour et les cérémonies d’État. Selon un critique de l’époque, les Slodtz étaient doués pour la conception de festivals, mais ils se sont vraiment laissés aller aux funérailles.

Jean-Jacques Bachelier (1724-1806)

Jean-Jacques Bachelier, peintre et ornemaniste et disciple de Jean Chardin, a participé à la décoration de châteaux et d’hôtels avant d’être nommé directeur des studios de la manufacture de porcelaine de Vincennes. Encouragé par Madame de Pompadour, il devint directeur artistique en 1751 et fut en grande partie responsable du développement du style de décoration de porcelaine de Sevres, introduisant l’utilisation de la porcelaine à biscuits (c’est-à-dire non émaillée) pour la fabrication de figures.

François Boucher (1703-70)

L’influence au milieu du siècle de François Boucher, fils d’un créateur de broderie, peut difficilement être surestimé. Un des peintres les plus polyvalents de son époque, il pouvait se tourner vers des scènes de galanterie, des sujets mythologiques, chinoiseries , peintures animalières, sujets religieux, décors de théâtre, dessin de porcelaine, cartoons de tapisserie, et bien d’autres choses encore. Bien qu’il soit surtout connu aujourd’hui pour ses nus féminins, ceux-ci ont en fait constitué une partie relativement petite de son travail. En 1743, une liste des meilleurs peintres le désigne comme un pratiquant de peinture d’histoire habitant rue Grenelle Saint-Honoré, en face de la rue des Deux-Ecrus, élève de Lemoyne, excellant aussi dans les paysages, les grotesques et les ornements à la manière de Watteau, et également doué pour peindre des fleurs, des fruits, des animaux, architecture et sujets de galanterie et de mode.

Boucher, élu à l’Académie en 1734, faisait partie de l’intimité de Meissonnier, parrain de son fils en 1736. Cette année, une série de gravures de Simon François Ravenet (1706-1774) et de Jacques-Philippe Le Bas (1707 -83), des Cris de Paris de Boucher, a été publié et est devenu plus tard une source d’inspiration pour la série de figurines de l’usine de porcelaine Meissen. En 1736, à la suggestion du directeur, Oudry, il soumit aux Gobelins les dessins d’une nouvelle série de tapisseries illustrant Don Quichotte, qui furent les précurseurs de bien d’autres. Dès 1737, ses peintures se vendaient aussi vite qu’elles avaient été enlevées du chevalet, qu’il s’agisse de tableaux du cabinet ou de tableaux destinés à des postes plus permanents, tels que les portes ouvertes. Il avait accumulé une collection de Porcelaine chinoise peut-être à partir de 1740 environ, lorsqu’il entame une série de chinoiseries, «Les cinq sens, représentant divers passe-temps chinois», suivi de la « Suite de figures chinoises», inspirant des figures et des groupes de porcelaine de Meissen, copiés plus tard en Angleterre. Cette phase du travail de Boucher semble avoir débuté lorsqu’il a gravé un dessin pour le catalogue de Gersaint, ce dernier étant spécialisé dans l’art oriental de toutes sortes.

Boucher faisait partie du personnel de l’Opéra de Paris et créa les costumes et les décors du ballet Indes galantes en 1743. Ses créations des montures en bronze doré à la mode et des intérieurs sont moins connues. Son amitié avec Madame de Pompadour (née Jeanne-Antoinette Poisson, maîtresse de Louis XV de 1745 à sa mort en 1764) et ses projets pour la manufacture de porcelaine de Sèvres ont suivi, la marquise lui obtenant le poste de premier peintre du roi. En 1754, Boucher se tourna vers les pastorales, créant ainsi une nouvelle mode, et l’année suivante, il devint directeur des Gobelins à la suite d’Oudry. Sa connexion avec Vincennes a commencé juste avant 1754 lorsque Bachelier lui demanda son aide. Il fournissait des croquis aux modélistes Fernex et Suzanne. L’influence de Boucher diminua après la mort de son amie et patronne, Mme de Pompadour, en 1764, bien que sa réputation survécut de son vivant. Il mourut à son chevalet en 1770.

Jacques François Blondel (1705-74)

Les aspects les plus extravagants de art rococo jamais trouvé la faveur universelle. Jacques François Blondel fut l’un des premiers critiques dont l’ architecture française en huit volumes, publiée de 1752 à 1756, et le cours d’architecture civile (1771-1717) avaient tous deux une influence. Ses projets pour les boiseries, tout en ne sortant pas de l’esprit qui prévalait à l’époque, sont, conformément à ses vues publiées, beaucoup moins extravagants qu’une bonne partie du travail de ses contemporains. Il a déclaré que certaines assiettes inspirées du travail de Pineau étaient «variées sans être trop dans le goût du temps».

Charles Etienne Briseux (1680-1743)

Les cheminées de Charles Etienne Briseux, qui publia un livre sur l’art de construire des maisons de campagne en 1743, avec des plaques gravées par Babel, et qui employa Pineau pour certaines de ses commandes, se distinguèrent par le grand espace réservé aux miroirs. À ce moment-là, des miroirs de cheminée complétaient les verres de la jetée opposés, ajoutant un air spacieux à la pièce. Babel a gravé d’autres conceptions d’intérieur, notamment pour Boffrand, et il a été beaucoup influencé par Meissonnier, mais combien son travail de ce genre était original est problématique.

Jean Pillement (1728-1808)

Jean Pillement, peintre, aquarelliste et graveur, a travaillé pour le prince de Liechtenstein et pour Stanislas Leczinski. En Angleterre, ses chinoiseries caractéristiques ont inspiré la décoration de porcelaine, d’émaux et d’ objets d’art. Dès 1737, il s’excuse d’avoir donné quelques exemples de motifs asymétriques, expliquant qu’ils ne sont qu’une concession au goût du moment et évoquant l’absurde mélange d’obus, de dragons, de roseaux, de palmiers et de feuillages qui commençaient à être à la mode.. Moins connu est son peinture de paysage à la manière de Boucher.

Style néoclassique

Les origines de art néoclassique sont moins faciles à tracer. Dans ses premières manifestations, il s’appelait d’abord « le style grec», puis « le style étrusque», ce qui n’est pas particulièrement approprié. Il est vrai que certains motifs grecs anciens apparaissent, en particulier le motif de vagues utilisé comme ornement de frise, et que certains motifs romains sont dérivés de Art étrusque d’une sorte qui, à son tour, avait été emprunté à Art grec mais on savait si peu de choses sur les Étrusques qu’on leur réclamait toutes sortes de choses auxquelles ils n’avaient pas droit. Lorsque Josiah Wedgwood (1730-1795), par exemple, a commencé son usine de Staffordshire pour fabriquer de la poterie néoclassique, il l’a appelée "Etruria". Cette «étrusco-manie» renaît au 19ème siècle, mais en général, les sources néoclassiques sont généralement Art romain, et l’art romain provincial et bourgeois à cette époque, de Pompéi et non de la capitale.

L’influence la plus importante a peut-être été la publication de la compilation du Comte de Caylus, qui a débuté en 1752. Son influence sur les arts décoratifs est difficilement mesurable, bien qu’elle ait été le point culminant d’une série d’attaques contre les aspects les plus extravagants de rococo que Caylus avait commencé près de vingt ans auparavant. Le catalogue de la collection de Sir William Hamilton a été publié dans une édition somptueusement imprimée et gravée en 1766-1777. Sir William (1730-1803) fut ambassadeur auprès de la Cour de Naples de 1764 à 1800 et est connu pour être le mari de la maîtresse de Nelson, Emma.

Les nombreux dessins gravés ainsi que les écrits de Charles-Nicolas Cochin le jeune (1714-1790) contribuèrent au même but et l’influence de Piranesi, qui connaissait à la fois Clérisseau et Robert Adam, n’était certainement pas négligeable.

Une citation de Cochin publiée dans le Mercure de France en 1754 peut illustrer la nature des attaques contemporaines contre le rococo. Il commence par supplier les orfèvres, les bronziers et les sculpteurs sur bois qui décorent les appartements de respecter certaines lois dictées par la raison. Il écrit
Quand ils ont un chandelier à fabriquer, nous les prions de le rendre droit et non tordu, comme si un voleur avait pris plaisir à le gâter. Nous n’oserons pas nous disputer avec le goût de la décoration intérieure de nos bâtiments. Nous ne demanderons même pas de réticence à utiliser des palmiers cultivés à profusion dans des appartements, sur des cheminées, des miroirs ronds, contre des murs et partout. Les supprimer serait priver nos décorateurs de leur dernière ressource. Mais on peut au moins espérer que lorsqu’une chose sera carrée sans être offensée, elle s’abstiendrai de la déformer, et que lorsqu’un fronton sera légitimement semi-circulaire, elle ne sera pas corrompue par des rouleaux en forme de S, dont ils semblent avoir emprunté un maître d’écriture.

Le manque précoce de designers exceptionnels dans le nouveau style s’explique par le fait que ceux qui jouissaient d’une réputation bien établie étaient déjà employés par le roi, dont l’attachement au rococo était inébranlable. Cochin déclare qu’un artiste obscur et peu connu, Louis Le Lorraine, fut le premier à utiliser des motifs typiques de Louis Seize comme des guirlandes, des urnes et des ornements de câbles tressés, ainsi que le rôle joué par les ébénistes allemands, à commencer par les romans franco-allemands. l’ébéniste Jean-François Oeben (1721-63), ne doit pas être négligé. A Sèvres, les modèles de figurines en biscuit Etienne-Maurice Falconet (1716-1791) ne sont nullement indifférenciés par le nouveau mouvement, bien que son travail pour la manufacture de porcelaine doit quelque chose aux dessins de Boucher. «Léda et le cygne» de Falconet, vers 1760, et la maquette de «Cupidon et Psyché» parurent dans le Salon de 1761. Les bases sont claires et non plus le travail de pierre associé aux figures de Vincennes et du début de Sèvres. Falconet remarqua plus tôt, avant 1760, que sa « Baigneuse» et sa « Nymphe qui sortaient du bain» étaient plus nobles et, dans l’ensemble, moins sujettes aux changements de mode, ce qui impliquait une concession sur les changements dominants. Dans la fabrication des vases populaires pour la décoration de cheminées ou pour le pot-pourri, le style Louis Seize était bien marqué en 1765. En 1772, une vaste table en biscuit reproduisait l’un des plafonds de la galerie d’Apollon. au Louvre, exécuté au 17ème siècle.

Jacques-Germain Soufflot (1713-1780)

Jacques-Germain Soufflot, architecte du Panthéon, qui, avec Cochin, accompagnait le marquis de Marigny (1727-1781) dans son voyage en Italie, avait étudié à l’Académie de Rome dans sa jeunesse. D’abord un designer rococo qui se distingue à peine du reste, il n’en est pas moins satisfait du style et, dès 1744, il avait expatié «la sage et riche simplicité des Grecs et des Romains». Le deuxième voyage en Italie a été sa route vers Damas et, à son retour, il a vigoureusement promu le retour au classicisme, devenant l’un des plus grands architectes Dans le processus.

Voir aussi le grand architecte baroque: Jules Hardouin Mansart (1646-1708).

Autres artistes décorateurs néoclassiques

En regardant les nouveaux développements outre-Manche inspirés par les Adam Brothers, où Robert Adam fut nommé architecte de George III en 1762, il est difficile d’éviter que le classicisme ravivé en Angleterre ne soit pas sans influence en France. Le style rococo n’avait jamais trouvé plus qu’un pied précaire en Angleterre, principalement parce que le palladianisme était si fortement enraciné. Les manufactures de porcelaine et les orfèvres huguenots l’ont adopté. Horace Walpole a fait une excursion légère dans le gothique ressuscité à Strawberry Hill, mais le courant principal a fusionné presque insensiblement du classicisme palladien à la version Adam. Charles-Louis Clérisseau (1721-1820) et Jean-Simon Rousseau de la Rottière (1747-1820) ont tous deux tiré quelque chose des dessins d’Adam.

Le sculpteur Claude Michel, dit Clodion (1738-1814), était associé à Rottiere, tandis qu’Edme Bouchardon (1698-1762), qui revint d’Italie en 1733 et influencé par le nouveau mouvement, influenca le nouveau mouvement. modèles de porcelaine à Meissen et ailleurs. (Pour plus de supporters du nouveau style, voir Sculpteurs Néoclassiques.)

Malgré un geste des débuts du nouveau style de Madame de Pompadour dans ses appartements privés, la mode fit beaucoup plus appel à des percepteurs et des financiers modernes, tels que Grimod de la Reyniere (1758-1837) dont le salon a été conçu par Clerisseau, peut-être dès 1769, et dont la maison, dans l’actuelle rue Boissy d’Anglas, est finalement devenue l’ambassade américaine. Attaché à la Garde-Meuble, Jean Demosthene Dugourc (1749-1825) exerça une influence considérable sur le design néo-classique, tandis que Jean-Charles de la Fosse (1721-90), concepteur rococo, se tourna de plus en plus vers style plus classique.

Hubert Robert (1733-1808)

Hubert Robert, l’un des proches de Fragonard, est un peintre dont l’œuvre mérite l’attention. Plus tard créateur des jardins du roi et gardien de la collection royale, il tomba sous l’influence de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) en Italie, où il se rendit en 1754 avec une introduction à Pannini. Son choix de sujet, généralement architectural, lui valut le soubriquet de Robert des Ruines, et son succès en tant que décorateur de salons était probablement dû à l’intérêt de Diderot, qui admirait beaucoup son travail. Son amitié avec Mme Geoffrin a aidé le jeune Robert à s’établir.

Rôle des artistes et artisans

Il convient de rappeler que l’art décoratif français du siècle et demi auquel nous nous intéressons impliquait de nombreuses types d’art et était le travail de beaucoup. Tous les artisans de la tapisserie, des fabriques de porcelaine, des orfèvres, des ébénistes et des menuisiers, tous les peintres, graveurs et sculpteurs qui ont ajouté quelque chose de nouveau repris ailleurs, ont contribué à donner une image complète et à pour créer le plus grand affichage de décoration intérieure et de design dans le histoire des arts. Les peintres mentionnés ici étaient également des concepteurs d’un genre ou d’un autre, ou des peintres de murs et de plafonds, en plus de tableaux de chevalet, qui ont sensiblement influencé les tendances générales. Mais il ne faut pas négliger les autres, qui se limitent plutôt à des tableaux de chevalet, ont souvent influencé les arts décoratifs en agissant comme une source d’inspiration. Il en va de même pour les sculpteurs. En règle générale sculpteurs étaient plus intimement liés aux arts décoratifs que les peintres.

Louis Quatorze, Louis Quinze et Marie-Antoinette, patrons des arts, ont joué un rôle déterminant dans l’évolution des styles aux XVIIe et XVIIIe siècles. Louis Quinze, avec l’aide de Mme de Pompadour et, dans une certaine mesure, de Mme du Barry, étaient au sommet de la pyramide qui s’élargissait vers sa base pour englober la noblesse, les collecteurs d’impôts et les financiers de Paris, puis les provinces proportionnellement à leur éloignement de la capitale et à l’état des communications avec elle.

Des meubles anciens, des tapisseries fines et d’autres motifs décoratifs de Versailles, ou l’époque de Louis Quatorze, Louis Quinze ou Louis Seize, sont visibles dans meilleurs musées d’art dans le monde.