Manuscrits enluminés gothiques, psautiers Automatique traduire
Série de peintures de livres médiévaux
(1) Illumination de manuscrit médiéval (c.1000-1500)
(2) Manuscrits romans enluminés (c.1000-1150)
(3) Manuscrits enluminés gothiques (c.1150-1350)
(4) Peintures de livres gothiques internationales (c.1375-1450)
Pour un aperçu de l’artisanat chrétien pendant
au Moyen Âge, s’il vous plaît voir: Art médiéval (450-250).
Du roman au gothique
Si nous comparons un manuscrit du XIIe siècle, tel que la troisième Vie de Saint-Amand, à un livre du milieu du XIIIe siècle tel que Le Psautier de Saint-Louis , nous constatons qu’un énorme changement a eu lieu dans le style de peinture médiévale au cours de la première moitié du treizième siècle. Le changement complet d’attitude ne peut pas être tracé le long d’un itinéraire simple. Avant de pouvoir évaluer le nouveau style gothique de La peinture dans son ensemble, il faut démêler un demi-siècle d’idées complexes et de contradictions.
Dans une certaine mesure, le déclin de Peinture romane et l’émergence du nouveau style de Art gothique est due en France, comme en Angleterre, à un nouveau contact avec Art byzantin via la Sicile ou depuis Constantinople même. Un nouveau naturalisme est particulièrement perceptible dans un livre tel que la Bible de Souvigny (Paris, Bibliothèque Nationale), où les scènes sont imprégnées d’un nouveau sens de la forme et de la composition. La question de l’origine de ce nouveau mouvement est compliquée par le fait qu’un groupe de livres probablement écrits en France lors de l’exil de saint Thomas Becket a été donné à Canterbury. Un moine de Canterbury, Manerius, était le scribe d’une Bible en trois volumes (Paris, Bibliothèque Ste Geneviève). La Bible de St André au Bois (Boulogne, Bibliothèque Municipale) a des initiales remplies d’hommes qui se battent d’une violence extraordinaire. Ces deux livres ainsi que plusieurs autres peuvent tous être regroupés en raison du style de leurs initiales. Tous sont décorés avec un épais feuillage d’acanthe sortant d’un motif de tiges ordonné, et tous ont une coloration puissante.
Dans ces premiers livres de transition, l’importance de Mosan ferronnerie doit encore être souligné. Beaucoup de petites œuvres de sculpture en bronze de la seconde moitié du XIIe siècle ont des draperies remarquablement naturalistes avec le tissu tiré des genoux en une série de plis parallèles. Les panneaux du retable de Klosterneuburg, réalisés en 1181 par Nicolas de Verdun – le principal représentant de Art mosan – avoir des figures d’un style étroitement reflété dans un livre tel que le psautier d’Ingeborg (Chantilly, Musée Condé). Ce psautier a été écrit pour la reine danoise de Philippe Auguste, roi de France, et a probablement été fabriqué vers 1200. Les peintures ont pris la qualité métallique de leurs prototypes et les draperies présentent les plis horizontaux et pivotants de l’œuvre de Nicolas de Verdun. Ce style se reproduit dans un autre média de certains des sculpture en pierre à la cathédrale de Reims.
Le carnet de croquis de Villard d’Honnecourt ne rentre pas facilement dans une introduction à manuscrits enluminés, mais même ainsi, il convient de le mentionner. Les dessins architecturaux doivent avoir été transportés d’un centre à un autre dans des carnets de patrons. Malheureusement, ils n’étaient pas considérés comme des objets d’importance et ont été détruits par les générations suivantes. Cependant, le carnet de croquis de Villard a survécu et nous en dit long sur la diffusion des idées artistiques. Il a dessiné des contreforts, des rosaces et des plans au sol, principalement du point de vue d’un architecte. Mais il est fort probable que les peintres ont également utilisé des carnets de croquis et, de toute façon, on finit par trouver que Artistes médiévaux, maçons et métallurgistes partageaient le même répertoire de base de formes. Outre le dessin, le nouveau style a été considérablement influencé par la art du vitrail. Bien que l’art roman accorde une grande attention au vitrail, l’espace qui lui est consacré dans les églises romanes est relativement petit et la décoration prend principalement la forme de vitraux. peinture murale, auquel de grandes zones pourraient être consacrées. Mais comme architecture gothique perfectionnant la technique de voûte en pierre, il était capable d’alléger la charge en utilisant des arcs-boutants et de faire des ouvertures beaucoup plus grandes. Ceux-ci étaient remplis de vitraux. Ce nouveau médium laissait beaucoup de place aux artistes picturaux qui, à leur tour, influencèrent le fabrication de manuscrits enluminés, à la fois en composition et en couleur.
REMARQUE: pour plus de détails sur le plus ancien texte biblique illuminé connu, voir: Evangiles Garima (390-660) du monastère Abba Garima en Éthiopie.
Illuminations gothiques françaises
Ce n’est pas un hasard si ce nouveau style de Art chrétien est né en France. L’Université de Paris fut le centre intellectuel de l’Europe tout au long du XIIIe siècle et, à partir de l’époque de Saint-Louis (1226-1270), la cour française devint de plus en plus importante. Des étudiants et des universitaires de tout le continent se sont rassemblés à Paris pour apprendre et discuter de sujets savants. Les chevaliers revenant des croisades ont introduit la théorie et la science orientales. Avec l’ascendant de l’université, l’importance des monastères en tant que centres de illustration du livre et l’illumination a diminué. Des guildes commerciales ont été fondées et des livres ont été produits pour la propriété privée. Grands livres de cérémonie richement illuminés et ornés de bijoux, est devenu moins commun et nous devons suivre les développements stylistiques principalement dans les Psautiers , que les laïcs nés se sont donnés. Finalement, le psautier céda la place à des livres d’heures encore plus petits, mais le premier fut plus populaire au XIIIe siècle.
REMARQUE: Les motifs et motifs utilisés dans les enluminures et les illustrations gothiques ont une forte influence sur les éléments décoratifs utilisés dans Architecture gothique flamboyante (1375-1500).
Le développement de Peinture française pendant la première moitié du siècle, on peut suivre une succession de psautiers écrits pour la maison royale à Paris. Le premier de ce groupe a déjà été mentionné; c’est le psautier d’Ingeborg (Musée Condé, Chantilly) écrit pour la reine de Philippe Auguste. Deuxièmement, il y a le psautier de Blanche de Castille , un livre probablement sorti de York par son mari Louis. Il semble peu probable qu’aucun de ces livres ait été écrit à Paris; le psautier d’Ingeborg présente des caractéristiques distinctement mosanes et celui de Blanche de Castille présente de nombreuses caractéristiques anglaises. En revanche, un psautier écrit vers 1230, pour la princesse norvégienne Christine, semble avoir été écrit à Paris. Originaire de Paris à la même date, un autre psautier a toujours été associé au nom de Blanche de Castille (Paris, Bibliothèque de l’Arsenal). Il montre des scènes enfermées dans des médaillons, s’emboîtant comme des panneaux de vitrail. Un rappel du style Ingeborg persiste dans les plis sculpturaux du drapé de la Madone, mais ce maniérisme est abandonné chez les plus petites figures. Le feuillage riche et charnu d’acanthe de la bordure rappelle encore les Bibles de la fin du XIIe siècle, avec ses bords recourbés et la méthode curieuse qui consiste à indiquer un pli dans la feuille par une série de points blancs. Tous les éléments de Art roman sont totalement absents dans un psautier écrit vers 1250 (Paris, Bibliothèque Nationale). Ici, les scènes, placées sous des architraves trilobées, sont richement colorées. Les figures, posées sur un fond d’or à motifs, sont traitées avec une nouvelle simplicité; les conventions de la draperie cèdent la place à un nouvel intérêt pour les doux plis verticaux et les contours épurés.
Ces deux derniers psautiers ont préparé le terrain pour le plus somptueux de tous: le psautier de Saint-Louis (Paris, Bibliothèque Nationale). Ce travail exquis de Art biblique, a été faite entre 1253 et la mort du roi en 1270. Il contient soixante-dix-huit illustrations d’une page de scènes de l’Ancien Testament. Le livre est étroitement lié aux autres activités artistiques de Saint-Louis, car le architecture il comporte est une copie exacte de Sainte Chapelle (1241-48), construit par son architecte Pierre de Montreuil. Peint en riche Couleur, les personnages sont placés sur un fond d’or chatoyant qui semble les baigner dans un soleil radieux. Leur conception est extrêmement élégante avec de petites têtes et de grands corps minces qui bougent avec une grâce facile. Il s’agit avant tout d’une édition de luxe jugée digne du grand roi.
La typologie de la Bible Moralisee est un produit de l’érudit dominicain Hugh de St Cher du XIIIe siècle. Il contient des scènes de la Bible juxtaposées à des scènes de signification morale. Plusieurs exemplaires de ce grand ouvrage ont été réalisés, le plus important étant la Bible Moralisee de St Louis (Paris, Bibliothèque Nationale, Londres, British Museum et Oxford, Bodleian). En cela, les textes s’appuient sur des illustrations et chaque événement biblique est présenté avec son pendant moralisateur. Les pages ressemblent à du vitrail transposé sur du parchemin. Chaque folio comporte des médaillons disposés en rangées verticales de quatre avec des bandes de texte intercalées remplaçant les meneaux des fenêtres. La couleur a une luminosité normalement associée au vitrail et le peinture de la figure est caractérisé par des contours forts qui nous rappellent les pistes. Parfois, la qualité réelle varie, mais les artistes doivent être excusés dans une certaine mesure car le livre entier contient plus de cinq mille médailles.
Vers la fin du XIIIe siècle, nous voyons l’émergence de l’enlumineur de manuscrit comme une personnalité artistique distincte. Plus d’une référence est faite à un Maître Honoré de la rue Boutebrie à Paris. Son nom figure dans les livres de comptes du roi et dans un manuscrit, Decretals of Gratian (Tours, Bibliotheque Municipale). Sur la base d’une comparaison stylistique, d’autres livres peuvent être attribués à Maître Honoré, notamment le bréviaire de Philippe le Bel (Paris, Bibliothèque Nationale). Certainement un autre livre écrit pour la maison royale, il contient les initiales historiées et une illustration pleine page de scènes de la vie de David. Le récit est facile à suivre, avec les noms des personnages principaux écrits en dessous des figures. Ce travail marque l’aboutissement des tendances amorcées au début du siècle. Les scènes sont pleines de vie et le mouvement des personnages est clairement visible sous les tentures. L’artiste conserve toujours les fonds à motifs, mais dans la scène inférieure, il a introduit des éléments de peinture de paysage, tels que des collines parsemées d’arbres suggérant un cadre naturaliste.
Jean Pucelle (c.1290-1334), qui travailla à Paris pendant le deuxième quart du XIVe siècle, était un autre enlumineur professionnel comme Maître Honoré. Pucelle était sans aucun doute l’artiste du Bréviaire de Belleville (1326) et la Bible Billyng (tous deux à la Bibliothèque Nationale, Paris), et sa main peut également être retrouvée dans plusieurs autres livres d’heures, notamment son chef-d’œuvre le Heures de Jeanne d’Evreux (1324-28, The Cloisters, Musée métropolitain d’art, New York). Cet artiste a utilisé les décors marginaux qui étaient si populaires dans le nord de la France et en Angleterre, remplissant les marges de scènes rustiques empruntées à la vie quotidienne. Les papillons et les escargots s’accrochent aux vrilles en cours de maturation et les libellules glissent dans le feuillage pendant que le paysan récolte la récolte. Son intérêt pour naturalisme C’est le cas dans Labours of the Months, où les scènes habituelles de coupe de bois ou de semis de cultures sont remplacées par un arbre dont les branches indiquent les changements de feuillage à différentes périodes de l’année. Bien que successeur de Maître Honoré, et essentiellement un artiste parisien, Jean Pucelle est important car il montre également une connaissance de l’italien. Ecole siennoise de peinture, un objectif important de art trecento. La cour papale déménage de Rome à Avignon en 1309 et le grand artiste siennois, Simone Martini (1285-1344), y travaillait à la fin de sa vie. Malgré une compréhension quelque peu superficielle de la manière italienne, Pucelle ne pouvait pas encore saisir perspective linéaire et le traitement plastique des volumes et de l’espace. Pour que ces leçons d’Italie soient bien maîtrisées, il faut attendre une autre génération, dont les réalisations sont généralement mentionnées sous le titre de Style gothique international d’art. Ils comprenaient des artistes comme Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414) et le trio connu sous le nom de Frères Limbourg (tous morts en 1416), ainsi que le créateur provençal du merveilleux Avignon Pieta (1454-6) – Enguerrand de Quarton (c.1410-1466).
Illuminations gothiques anglaises
Dans notre article sur la peinture de livres romans, nous avons noté les signes d’un changement attesté par la Bible de Winchester (environ 1 170), mais il n’existe aucune œuvre particulière produite au cours des cinquante prochaines années qui puisse être qualifiée de manuscrit véritablement gothique. La période de transition est un long processus d’expérience et de changement. Les similitudes stylistiques entre les manuscrits écrits en France et en Angleterre ont déjà été mentionnées. Leur destination peut souvent être déterminée par l’inclusion ou l’exclusion de saints particuliers dans le calendrier, mais généralement cela ne nous dit pas grand-chose sur la nationalité de l’artiste, car il y avait certainement des artistes français travaillant dans les scriptoria anglais et des anglais travaillant en France. La copie parisienne du psautier d’Utrecht semble en être un exemple.
Pour en savoir plus sur les précédentes enluminures anglaises et irlandaises du style Insular, voir: Livre de Durrow (c.680), Évangiles de Lindisfarne (c.700), Evangiles d’Echternach (c.700), Évangiles de Lichfield (c.730) et Livre de Kells (c.800), en particulier, ses Page de monogramme (Chi / Rho).
À la fin du XIIe siècle, la mode des grandes Bibles destinées à un usage cérémoniel cède la place à de plus petites œuvres pour l’étude théologique et des psautiers aux dévotions privées des laïcs. Avec le changement d’échelle des livres, la qualité de la art religieux en eux ont tendance à devenir plus délicate et minute, ouvrant la voie à la peinture miniature du gothique international. Cependant, les scriptoria monastiques ont survécu plus longtemps en Angleterre qu’en France et il y avait une activité importante à St Albans et à Winchester au moins jusqu’au milieu du XIIIe siècle.
La période de transition est bien illustrée par un ouvrage tel que le psautier de Huntingfield (New York, bibliothèque Pierpont Morgan). Un livre qui montre des tendances assez similaires est le Psautier à Imola . Le début du premier psaume est indiqué sur une ouverture de deux pages, le ’B’ initial de ’Beatus’ faisant face à une page décorée avec le premier verset du psaume. Le «B» contient le rêve de Jessé. L’illustration est omniprésente: les rois et les prophètes sont placés symétriquement aux interstices de l’initiale et la frontière est enrichie par les récits de la vie de David. La disposition du texte sur un fond coloré était très populaire à cette date et avait une beauté sobre.
La Bible De Bello (Londres, British Museum) a été écrite pour Robert de Bello, abbé de Canterbury de 1224 à 1253. Elle est plus grande que la plupart des livres de cette date et porte une grande initiale au début du livre de la Genèse de la création. Pour faire de la place aux scènes du péché originel, le T initial a été étendu le long du bas en une forme de «L», laissant de la place pour une seule colonne de texte. Chaque scène est contenue dans un médaillon, comme dans les livres français contemporains, mais les projections foliacées du bord de la lettre initiale constituent une nouveauté et seront poussées beaucoup plus loin dans les livres suivants.
Certains des meilleurs livres du deuxième quart de ce siècle sont associés à la figure ombreuse de W de Brailes . Seul le nom de l’artiste est connu. D’où il vienne, qu’il soit ecclésiastique monastique ou séculier, artiste voyageur ou basé dans un scriptorium, sont des questions auxquelles les réponses ne peuvent être que spéculatives. Son nom figure dans deux manuscrits et plusieurs autres sont attribués pour des raisons stylistiques. W. de Brailes a toutes les capacités d’un bon narrateur. Il est capable de traduire les idées de son imagination vive en histoires peintes vives. Ayant une connaissance remarquable des détails des événements bibliques, il n’a pas hésité à le mettre au travail dans ses enluminures. Les feuilles d’un psautier (Cambridge, Fitzwilliam Museum) contiennent un exemple de l’autographe de W de Brailes; il est représenté de manière charmante sur une petite figure choisie parmi les damnés du Jugement dernier, apparemment dans l’espoir de voir ses travaux récompensés par le salut.
Matthew Paris est une personnalité bien plus tangible. Né vers 1200, Paris entra au monastère de St Albans en 1217 et aurait eu des contacts avec le roi et d’autres nobles. En 1235, il fut nommé historiographe à l’abbaye de St Albans et composa deux chroniques divisées entre le British Museum et le Corpus Christi College de Cambridge. Une des pages séparées qui sont reliées dans les Chroniques a une dessin de la Vierge et l’Enfant. Cette célèbre feuille, montrant Paris lui-même prosterné aux pieds de la Madone, est une œuvre d’art monumentale. Les qualités de Paris en tant que dessinateur sont amplement démontrées dessin de la figure une forme ferme et expressive. Les personnages ont une allure royale, mais prennent vie grâce à la tenue vive des draperies teintées de pâles couleurs vives. Le texte de la chronique est richement illustré de scènes pertinentes esquissées dans les marges et au bas des pages, nous donnant un compte-rendu instructif des événements historiques de 1230 à 1251. Toutes les illustrations, dans un travail d’une telle ampleur, ne sont pas le Maître lui-même, mais une cohérence de matière suggère que Matthew Paris était responsable de la conception de la série entière.
L’influence de Matthew Paris se fait sentir fortement dans un groupe d’ apocalypses originaires de St Albans. Un grand groupe de ce type de l’Espagne romane a déjà été mentionné, mais la soudaine popularité de l’Apocalypse en Angleterre au milieu du XIIIe siècle est difficile à expliquer. L’un des meilleurs est celui du Trinity College, à Cambridge, qui est préfacé par des scènes de la vie de saint Jean. Une autre Apocalypse intéressante a été commandée à St Albans par un noble anglais. Le français était la langue acceptée de l’aristocrate et, par conséquent, ce livre est rédigé dans cette langue et, par hasard, conservé non pas en Angleterre, mais dans la capitale française (Bibliothèque nationale). Il comporte quatre-vingt-douze illustrations en haut des pages de texte et est à nouveau préfacé par des scènes de pages complètes disposées en deux niveaux, tirées de la Vie de saint Jean. Les illustrations, comme celles des Chroniques, comprennent dessins à la plume et à l’encre avec des lavages de couleur. Ce goût pour les contours, si évident chez Anglo-Saxon Winchester, persiste encore dans l’ère gothique. Les scènes sont remplies de personnages animés, mais le mouvement des personnages s’exprime désormais sous des formes plus solides, les ombres aidant à modeler le corps. (Voir également: Sculpture Gothique Anglaise 1150-1250.)
À mesure que le favoritisme a changé, le choix des sujets a également changé. Les représentations de la Vierge à l’enfant sont relativement rares dans les livres romans, mais avec l’émergence d’une approche plus douce et plus humaine, de nombreux psautiers gothiques incluent des peintures de la Vierge à l’enfant. Le dessin de Matthew Paris a déjà été mentionné. Un exemple touchant se produit également dans le psautier Amesbury (Oxford, All Souls College), où une religieuse, probablement la propriétaire du livre, est aperçue aux pieds de la Madone qui allaite son enfant. La religieuse apparaît à nouveau aux pieds du Christ en majesté, où le décor est arrangé avec des détails architecturaux élaborés. Le psautier d’Amesbury résume les réalisations du milieu du XIIIe siècle. Un choix habile de couleurs riches se répercute sur un fond doré, des silhouettes élégantes et élancées se balancent dans des courbes délicates, mais les draperies conservent une énergie nerveuse suggérant une dévotion intense.
En général, l’illumination de la seconde moitié du XIIIe siècle réaffirme ses liens avec la France. Cela est particulièrement évident dans un livre tel que le psautier de Tenison (Londres, British Museum), destiné à une personne au même titre qu’un fils du roi Édouard Ier. Les illustrations sont de minuscules proportions situées dans une vaste zone de motifs, les scènes sont devenues extrêmement élégantes. Les marges des pages sont ornées d’une bordure contenant des oiseaux et des animaux et d’étranges petits grotesques ainsi que des scènes de la vie quotidienne. Les décorations de marge deviendraient l’une des caractéristiques de l’ école East Anglian . À partir de 1300 environ, pour des raisons difficiles à comprendre, l’école d’East Anglia devint de plus en plus importante et c’est dans cette zone que l’on peut retracer les développements stylistiques importants des trente ou quarante prochaines années.
Parmi un groupe de psautiers de très grande qualité, on peut citer le psautier d’Ormesby (Oxford, Bodleian) et le psautier de Gorleston (Londres, British Museum). Ici, les scènes bibliques traditionnelles sont organisées à côté de toutes sortes d’images fantastiques et profanes. Les marges sont remplies de papillons et de coccinelles, de centaures et de dragons, de singes et d’hommes. Babewyn est le nom donné à ces marginales et, bien que, dans son sens le plus strict, dérive du mot italien babouin, il est maintenant attribué à toutes sortes de grotesques. Peu à peu, cette importance accordée à la décoration des marges l’emporte sur le contenu narratif des Psautiers. Par exemple, dans le psautier de Gorleston, qui a quelques années de retard sur le psautier d’Ormesby, l’intérêt pour la décoration laïque devient primordial. Le style de cette œuvre est plus humoristique et même satirique – les artistes montrent des lapins lors d’un enterrement! C’est loin des bestiaires du XIIe siècle destinés à l’enseignement.
Ces marginales étaient populaires des deux côtés de la Manche et regorgeaient de manuscrits de cette date du nord-est de la France et des Pays-Bas, mais les aspects les plus sérieux de ces livres méritent également d’être commentés. Nous avons vu qu’en France, Jean Pucelle a montré une certaine connaissance des grands développements picturaux en Italie à une date étonnamment précoce. Il ne faut pas sous-estimer la rapidité avec laquelle l’influence artistique se propage d’un pays à l’autre, pour une connaissance parallèle de l’italien Art proto-renaissance apparaît en Angleterre à cette époque. Il n’existe aucune preuve certaine que les Italiens travaillaient en Angleterre, mais si l’on examine les peintures, il devient évident que les artistes anglais doivent avoir connu les œuvres des grands maîtres italiens, comme Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302), Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319) et Giotto (1267-1337). Le psautier d’Ormesby était en grande partie achevé avant 13h25, mais quelques ajouts ont été faits vers cette date, et c’est ici que l’influence italienne est apparente. On tente réellement de gagner de la profondeur dans le plan d’image et on donne un certain poids aux figures. Cet italianisme est encore plus perceptible dans des ouvrages un peu plus tardifs tels que le psautier de Douai (maintenant gravement endommagé) et le psautier de St Omer (Londres, British Museum). Les artistes de ces livres ont interprété le traitement italien des formes de draperie à peu près de la même manière que Jean Pucelle, en utilisant de lourds plis oscillants de matériaux souples. Le psautier de Robert de Lisle (Londres, British Museum) est particulièrement intéressant, car il montre la dernière étape de l’école de l’East Anglian ainsi que le style qu’il avait connu vingt-cinq ans plus tôt. Dans les dernières illustrations de ce livre, l’artiste, commençant à comprendre la perspective, parvient à encombrer ses personnages dans un groupe de manière assez satisfaisante.
Cependant, cette phase particulière de l’influence italienne n’était pas concluante en Angleterre. Dans le psautier de Luttrell écrit dans East Anglia vers 1340, pour Sir Geoffrey Luttrell d’Irnham, dans le Lincolnshire, nous le voyons déjà s’effacer. Les figures redeviennent plus plates et sont décrites par des rythmes linéaires. Le psautier de Luttrell n’est pas injustement décrit comme la pièce maîtresse de l’école est-anglaise dans sa décadence. La nouvelle originalité cède la place à une technique plus dure et plus mécanique, mais ce livre contient une série d’agriculteurs célèbres au travail, des scènes pleines d’intérêt pour l’historien social, même si la manipulation est grossière et plutôt lourde.
Le psautier Queen Mary (Londres, British Museum) est l’un des plus beaux manuscrits gothiques anglais. Bien que n’étant pas un produit de l’école East Anglian, l’artiste doit quelque chose à leur exemple. Il est préfacé par soixante-six scènes de l’Ancien Testament, et comporte d’autres illustrations en pleine page et d’innombrables décorations de marges de la plus haute qualité. Si, comme cela semble probable, ce livre est l’œuvre d’un seul artiste, il est encore plus remarquable. Ses caractéristiques sont celles de l’école anglaise: des dessins au trait et des lavis délicats.
La peste noire (1348-1349) est probablement à l’origine de la production un peu maigre de manuscrits anglais entre 1350 et 1370 environ. Cependant, il n’y a pas eu de rupture complète et un petit nombre de manuscrits ont permis de combler l’écart. Le plus intéressant d’entre eux est la Genesis d’Egerton (Londres, British Museum), qui montre peut-être le seul et unique épisode anglais de la histoire des manuscrits enluminés où l’artiste a fait toute tentative sérieuse pour se rendre compte de la signification plus profonde de Art de la Renaissance cela commençait à apparaître en Italie. L’objet de ce livre n’a pas de prototypes en anglais et, bien que les illustrations soient dessinées dans des traits anglais caractéristiques, le style doit être en partie dérivé de l’Italie.
La main du maître de la Genèse d’Egerton est visible dans deux pages des Heures du Fitzwarin (Paris, Bibliothèque Nationale), bien que le reste du livre soit beaucoup plus anglais. La caractéristique la plus frappante des Heures Fitzwarin est l’introduction de fantastiques pinacles dans les décors architecturaux et dans le cadre des miniatures.
Ces mêmes fantasmes d’architecture, des structures qui n’auraient jamais pu être construites, font le lien avec un groupe important de livres écrits pour Humphrey de Bohun, comte de Leicester. Sa mort est enregistrée en 1373, fournissant une date approximative pour le groupe, mais sa famille a continué le patronage. Le psautier de Brescia est peut-être vaguement lié à ce groupe d’œuvres. La tradition anglaise survit fortement dans la mise en page, mais les animaux étrangers et les grotesques sont beaucoup moins présents. Nous commençons maintenant à constater une réaffirmation de l’influence de la France. Au cours de la prochaine décennie, d’autres idées nouvelles sont introduites dans la miniature anglaise, et les manuscrits en Angleterre, comme ailleurs, font partie du style international européen.
Illuminations gothiques allemandes
Comme plus tôt Art médiéval allemand, le développement de Art gothique allemand n’était pas centralisé comme en France. Il n’y avait aucune influence stabilisante comparable à la maison royale à Paris, et les scriptoria monastiques ont survécu beaucoup plus longtemps. Dans cette atmosphère, différentes régions du pays ont continué à développer leurs propres idées. Ne serait-ce que pour cette raison, il semblerait plus utile, en discutant de la peinture gothique dans cette région, de faire abstraction des frontières actuelles de l’Allemagne et de considérer la peinture d’Europe centrale dans son ensemble.
Les manuscrits de la première moitié du XIIIe siècle en Allemagne posent un problème particulier de classification. Sont-ils romans ou gothiques? Dans l’ensemble, ils devraient être groupés avec les œuvres gothiques, car elles présentent un autre aspect de l’importance de Byzance dans la formation du nouveau style. Le missel Berthold (New York, bibliothèque Pierpont Morgan) de Weingarten a été écrit peu après 1200 et montre clairement de nouvelles idées. Au lieu des dessins au trait habituels de la fin du XIIe siècle, nous avons des peintures aux couleurs riches et fortes. La dette envers les exemples byzantins est primordiale, et une capacité narrative compétente est associée à un bon sens de la composition. Les chiffres sont donnés les qualités de Sculpture gothique allemande, et encore, on se souvient de l’art du travail des métaux.
L’un des traits frappants de cette deuxième vague d’influence venue de l’Est est qu’elle se trouve rapidement submergée par les caractéristiques nationales des artistes. Cela est particulièrement visible dans les psautiers Landgraf Hermann écrits pour Landgraf Hermann de Thuringe au cours des premières décennies du XIIIe siècle. Parmi ceux-ci se trouve le psautier de sainte Elisabeth, maintenant à Cividale. C’est un livre somptueux illustré de riches rouges, bleus et or, contenant des événements isolés de l’Ancien Testament ainsi que des scènes de la vie du Christ. Encore une fois, des éléments de Art chrétien byzantin sont clairement visibles sur les visages et la lourdeur des figures, mais les tentures sont tranchantes et anguleuses, découpées en une série de plis horizontaux déchiquetés. Ce maniérisme particulier semble avoir pris naissance dans le nord de l’Allemagne, mais il s’est rapidement étendu au sud et à l’est jusqu’en Bavière, en Autriche et en Bohême. Cela devenait de plus en plus exagéré, comme on le voit dans un psautier du Tyrol (New York, Pierpont Morgan Library). Plus tard, ce trait régit tout l’esprit des enluminures et confère aux peintures un expressionnisme nerveux et excité qui nous rappelle ces grands portraits évangélistes de Art ottonien. Des livres tels que les évangiles de Mainz (Munich, Staatsbibliothek) et le psautier de Bonmont (Besançon, Bibliothèque Municipale) atteignent leur apogée, dans un style qui évoque sans doute l’idiome expressionniste du Renaissance allemande du quinzième siècle. Plus immédiatement, cependant, c’est dans des œuvres comme celles-ci que nous voyons également les premiers signes d’influence de la France. Le psautier de Bonmont a des initiales purement françaises avec un feuillage gothique.
La manière dont le style français est arrivé en Allemagne à cette date, vers 1250, est difficile à évaluer, mais elle doit en partie être attribuée aux ordres monastiques des cisterciens et des dominicains. Peu à peu, il s’est étendu vers l’est et a atteint la Bohême avant 1300. Les petits livres d’heures ne sont jamais vraiment devenus à la mode en Allemagne. Il existe donc rarement des copies directes de sujets issus de livres français. C’est dans les manuels juridiques, les chroniques et les ouvrages laïcs que nous voyons d’abord l’influence du style français.
Le manuscrit manuscrit de la famille Manesse (Heidelberg, bibliothèque universitaire) du Minnesanger est l’un des plus beaux livres laïques du Moyen Âge. Il s’agit d’une collection de peintures de poètes, d’amoureux et de troubadours réalisée pour Rudger Manesse von Maneck de Zurich, décédé en 1304, et complétée par son fils Johannes. Parmi les sujets abordés, citons le roi Wenzel de Bohême (1278-1305), le poète Wolfram von Eschenbach (1170-1220) et Heinrich Frauenlob à la tête de son orchestre. Soudain, nous avons émergé dans un nouveau monde de art décoratif plein de détails courtois délicats. Une attention particulière est accordée aux détails du costume; une cape d’hermine est drapée sur les épaules du chef d’orchestre et des bordures de fourrure bordent le manteau du musicien central. Le livre entier est rempli d’une narration vivante et d’actualité et constitue une œuvre d’art extrêmement décorative.
Une copie du poème de Wolfram von Eschenbach, Willehalm von Oranse , a été réalisée en 1334 pour Landgraf Henry II et était autrefois l’un des trésors de la bibliothèque de Cassel. Le manuscrit a tragiquement été perdu pendant la Seconde Guerre mondiale, mais des photographies subsistent pour témoigner de sa beauté. Artistiquement, les peintures étaient d’une qualité supérieure à celle du manuscrit du Minnesanger et révélaient un artiste de grande stature. Il est probablement venu de Cologne et on peut voir sa main de nouveau dans le Gradual de Wettingen (Aarau, Kantonsbibliothek), où les personnages élégants semblent être alourdis par des draperies lourdes et coulantes. On se demande si l’artiste connaissait l’œuvre de Jean Pucelle.
Illuminations gothiques de Bohême
Avant l’adhésion de la dynastie luxembourgeoise (1311), l’indigène art de Bohême montre clairement les différentes influences étrangères dont elle tire son inspiration. Du nord, nous voyons les draperies agitées typiques de l’école saxonne-thuringienne, de Venise au sud, de fortes traces de Byzance et d’Italie, et de l’ouest, de l’influence française qui a ajouté du raffinement à l’ensemble. Après l’adhésion de Jean de Luxembourg, ces dernières influences deviennent plus importantes. Les commandes de la maison royale à Prague au début du XIVe siècle comprennent des livres inspirés des manuscrits franciscains. Ce sont ces œuvres qui initient la belle tradition de l’enluminure des manuscrits bohémiens qui se poursuit jusqu’à la période gothique internationale du début du XVe siècle.
La passionnelle de l’abbesse Kunigunda (Prague, bibliothèque universitaire) a été écrite pour Kunigunda, fille du roi de Bohême. La princesse est décédée en 1321 et le livre doit avoir été écrit et illustré avant cette date. La Passionnelle est inachevée, mais les illustrations sont de la plus haute qualité. Ils incluent la scène émouvante de Christ prenant congé de sa mère. Une émotion intense et profonde lie les deux et semble exclure le spectateur. Le groupe est entouré d’un seul contour et les lignes verticales de la draperie dirigent l’œil vers les deux têtes expressives. Stylistiquement, le tableau reflète quelque chose de l’art de la France, une influence qui se retrouve dans la Bible de Velislav (Prague, Bibliothèque nationale) illustrée quelque vingt ans plus tard. La typologie de cette Picture Bible est basé sur des livres de l’ordre fransciscan; C’est un livre relativement volumineux avec plus de sept cents illustrations accompagnées d’un texte explicatif. C’était fait pour Velislav, qui deviendrait plus tard chancelier de l’empereur Charles IV. Les qualités linéaires de la Passional sont développées plus avant dans ce manuscrit, où les scènes sont dessinées à la plume et à l’encre et ne sont que légèrement colorées.
En 1348, Charles IV fonda la grande université de Prague et ouvrit ainsi les portes de la Bohême aux artistes et artisans étrangers affluant à Prague. C’est dans cette atmosphère internationale que le nouveau style unifié devait être créé.
Illuminations gothiques italiennes
À une époque où Matthew Paris et Master Honore distinguaient l’art de l’enluminure de manuscrits en Angleterre et en France, les enlumineurs en Italie luttaient encore pour un style individuel. Aujourd’hui, l’illumination de manuscrits italiens de la fin du XIIIe siècle est encore considérée comme un art essentiellement mineur, totalement éclipsée par les réalisations de Cimabue, Duccio et Giotto. Ce fait est en soi significatif et il est important de garder à l’esprit que, en Italie, les nouveaux développements artistiques découlent invariablement de peintures sur panneaux et de murale fresque, alors qu’en Europe du Nord, les premières avancées ont été réalisées avec des livres enluminés.
Bologne est l’une des villes universitaires les plus anciennes et les plus célèbres, et c’est ici que se trouve le premier centre de décoration de livres gothiques. Un véritable atelier semble avoir existé ici, produisant non seulement des manuels et des livres séculaires pour l’enseignement de la théologie, mais aussi des livres de service pour des fondations ecclésiastiques. Les codices légaux étaient nombreux; un bon exemple peut être vu dans le Livre de droit civil illustré (Turin, Biblioteca Nazionale) qui contient des scènes aux couleurs éclatantes. Dans une illustration montrant la justice au travail, les chiffres sont traités avec une forte suggestion de Art plastique, sans doute en raison de l’influence omniprésente de Giotto, et les scènes sont dotées d’une vitalité vibrante.
L’ école de peinture de livre de Bologne - à ne pas confondre avec le baroque, École bolognaise établi par Annibale Carracci – avec sa construction solide de chiffres et son utilisation sobre de la décoration, trouve son plus grand exposant à Niccolo da Giacomo. Cet artiste, qui travaillait pendant la seconde moitié du XIVe siècle, dirigeait un grand atelier et plusieurs manuscrits portent sa signature. Niccolo da Giacomo était un individualiste extrêmement doué. La copie de Pharsalia de Lucan (Milan, Biblioteca Trivulziana) est typique de son meilleur travail et montre bon nombre de ses traits caractéristiques. Aucune beauté idéale ne le retient; les visages ont un teint curieusement livide; Des couleurs criardes et une superficialité éclatante soulignent le caractère laïc du maître.
Florence, plus que toute autre ville, montre la subordination de l’illumination du manuscrit aux formes d’art plus monumentales. On peut voir des réflexions sur les peintures de Cimabue dans les grands livres de chœur de San Marco. Pacino da Buonaguida a fondé son iconographie et son style sur ceux de Giotto. Ses œuvres sont grossières et plutôt lourdes, presque comme s’il n’était pas disposé à réduire l’échelle de ses prototypes aux décors minutieux de livres. Le biadaiolo (Florence, Biblioteca Laurenziana) est une sorte de "miroir de la vie" et contient des scènes relatives à des événements quotidiens. Il a été composé par un marchand de grains florentin comme une sorte de journal intime. Le récit est simplement raconté avec quelques chiffres; c’est un manuscrit coloré et essentiellement populaire, mais un chef-d’œuvre à sa manière.
Les manuscrits de Sienne datant de l’époque gothique montrent des liens avec les scriptoria de Bologne, mais le style est modifié sous l’influence du grand Duccio. Le meilleur enlumineur de l’école siennoise était sans aucun doute Simone Martini. Il ne reste plus qu’une page pour témoigner de son talent d’illuminateur. Ceci est le frontispice d’une copie de Virgile ayant appartenu à Pétrarque (Milan, Biblioteca Ambrosiana). Simone s’est lié d’amitié avec Pétrarque lors de son séjour prolongé à Avignon et le caractère humaniste de l’illustration est sans doute dû aux instructions de Pétrarque. Le style de la peinture montre une merveilleuse fusion des rythmes linéaires appris par Simone en France et des couleurs éclatantes de la tradition byzantine italienne. À certains égards, Simone était vraiment un artiste en avance sur son temps. Il mourut à Avignon en 1344 et son influence immédiate est difficile à évaluer, mais l’art de Simone fut certainement un facteur déterminant dans la formation du style international une génération plus tard. C’est à cette époque que les Siennois le considéraient comme leur plus grand artiste.
À Venise et à Milan, les manuscrits les plus importants ne paraissent pas avant la fin du XIVe siècle, nous en discuterons dans notre prochain article sur le style gothique international..
Des textes enluminés gothiques sont visibles dans certains des meilleurs musées d’art dans le monde, notamment le Musée Condé, Chantilly, le British Museum et le Metropolitan Museum of Art de New York.
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