Manuscrits enluminés gothiques, psautiers Automatique traduire

Si l’on compare un manuscrit du XIIe siècle, comme la troisième «Vie de saint Amand», avec un livre du milieu du XIIIe siècle, comme le Psautier de saint Louis, on constate qu’au cours de la première moitié du XIIIe siècle, le style de la peinture médiévale s’est profondément modifié. Le changement complet d’attitude ne peut pas être retracé d’une manière simple. Avant de pouvoir apprécier le nouveau style gothique de la peinture dans son intégralité, il faut démêler un demi-siècle d’idées et de contradictions complexes.

Série d’essais sur l’illustration du livre médiéval
(1) Enluminures de manuscrits médiévaux (c. 1000-1500)
(2) Manuscrits enluminés romans (c. 1000-1150)
(3) Manuscrits gothiques enluminés (c. 1150-1350)
(4) Peinture gothique internationale (c. 1375-1450)

Pour une vue d’ensemble des arts décoratifs chrétiens au
Moyen Âge, voir : Art médiéval (c.450-1450).

Du roman au gothique

Dans une certaine mesure, le déclin de la peinture romane et l’émergence du nouveau style gothique en France, comme en Angleterre, s’expliquent par les nouveaux contacts avec l’art byzantin, venus soit de Sicile, soit de Constantinople même. Le nouveau naturalisme est particulièrement visible dans un livre comme la Bible de Souvigny (Paris, Bibliothèque Nationale), où les scènes sont imprégnées d’un nouveau sens de la forme et de la composition.

La question de l’origine de cette nouvelle tendance est compliquée par le fait qu’un groupe de livres, probablement écrits en France pendant l’exil de saint Thomas Becket, a été transféré à Canterbury. Le moine de Canterbury Manerius est le scribe de la Bible en trois volumes (Paris, Bibliothèque Sainte-Geneviève). Dans la Bible de St André aux Bois (Boulogne, Bibliothèque Municipale) les initiales sont remplies par des combattants qui se sont distingués par leur extraordinaire cruauté. Ces deux livres, et quelques autres, peuvent être regroupés en raison du style de leurs initiales. Tous sont décorés d’un feuillage d’acanthe dense émergeant d’un motif ordonné de tiges, et tous sont puissamment colorés.

Dans ces premiers livres de la période de transition, l’importance du travail du métal mosan doit être soulignée à nouveau. De nombreuses petites œuvres de sculpture en bronze de la seconde moitié du XIIe siècle présentent des draperies remarquablement naturalistes, où l’étoffe est placée en retrait des genoux dans une série de plis parallèles. Les panneaux du retable de Klosterneuburg, exécuté en 1181 par Nicolas de Verdun, grand représentant de l’art de la mosaïque, représentent des figures dont le style s’apparente à celui d’un livre tel que le Psautier d’Ingeborg (Chantilly, musée de Condé). Ce psautier a été écrit pour la reine danoise Philippe Auguste, roi de France, et a probablement été réalisé vers 1200. La peinture a acquis la qualité métallique de ses prototypes et les draperies présentent les plis horizontaux divergents caractéristiques de l’œuvre de Nicolas de Verdun. Sous une autre forme, ce style se retrouve dans certaines sculptures en pierre de la cathédrale de Reims.

L’album de Villard d’Honnecourt n’a pas sa place dans l’introduction aux manuscrits enluminés, mais il mérite tout de même d’être mentionné. Les dessins d’architecture ont apparemment été transférés d’un centre à l’autre dans les livres de spécimens. Malheureusement, ils n’étaient pas considérés comme des éléments importants et ont été détruits par les générations suivantes. Cependant, le carnet de croquis de Villard a survécu, ce qui en dit long sur la diffusion des idées artistiques. Il dessine des contreforts, des rosaces et des plans d’ensemble, essentiellement du point de vue de l’architecte. Mais il est probable que les carnets de croquis étaient également utilisés par les peintres et, en tout état de cause, nous constatons que les peintres médiévaux, les maçons et les métallurgistes utilisaient le même répertoire de formes de base.

Outre le dessin, le nouveau style a été fortement influencé par l’art du vitrail . Bien que l’art roman ait accordé une grande attention au vitrail, la surface qui lui était consacrée dans les églises romanes était comparativement faible, et la décoration était principalement la peinture murale, à laquelle de grandes surfaces pouvaient être consacrées. Mais en perfectionnant la technique de la voûte en pierre, l’architecture gothique a pu alléger la charge par l’utilisation d’arcs-boutants et réaliser des ouvertures de fenêtres beaucoup plus grandes. Celles-ci étaient remplies de vitraux. Ce nouveau support ouvre un large éventail de possibilités aux artistes picturaux, qui influencent à leur tour la création de manuscrits enluminés, tant au niveau de la composition que de la couleur.

Pour le plus ancien texte biblique enluminé connu, voir les Évangiles de Garima (390-660) du monastère éthiopien d’Abba Garima.

Enluminures gothiques françaises

Ce n’est pas un hasard si ce nouveau style d’art chrétien est né en France. L’Université de Paris a été le centre intellectuel de l’Europe tout au long du XIIIe siècle et, à partir de l’époque de Louis le Saint (1226-70), la cour de France a pris de plus en plus d’importance. Des étudiants et des savants de tout le continent se rendent à Paris pour étudier et discuter de questions scientifiques. Les chevaliers revenant des croisades s’intéressent aux théories et aux sciences orientales.

Avec l’essor de l’université, l’importance des monastères en tant que centres d’illustration et d’enluminure diminue. Des guildes commerciales sont apparues et des livres ont commencé à être produits pour la propriété privée. Les grands livres d’apparat, richement illustrés et ornés de joyaux, deviennent moins courants, et nous devons suivre l’évolution du style principalement dans les Psautiers que les laïcs de haute naissance s’appropriaient. Le psautier a fini par céder la place au chapelle encore plus petit, mais le premier était plus populaire au treizième siècle.

Les motifs utilisés dans les enluminures et les illustrations gothiques ont été fortement influencés par les éléments décoratifs utilisés dans L’architecture gothique ornée (1375-1500).

Le développement de la peinture française dans la première moitié du siècle peut être retracé par toute une série de psautiers peints pour la maison royale de Paris. Le premier d’entre eux, déjà mentionné, est le Psautier Ingeborg (Musée de Condé, Chantilly), peint pour la reine Philippe Auguste. Le second est le psautier de Blanche de Castille, un livre probablement apporté d’York par son mari Louis. Il semble peu probable que l’un ou l’autre de ces livres ait été écrit à Paris ; le psautier d’Ingeborg présente des caractéristiques mozartiennes distinctes, tandis que celui de Blanche de Castille présente des caractéristiques anglaises.

En revanche, le psautier écrit vers 1230 pour la princesse norvégienne Christina semble avoir été composé à Paris. Un autre psautier, qui a toujours été associé au nom de Blanche de Castille (Paris, Bibliothèque de l’Arsenal), provient de Paris à la même époque. Il représente des scènes enfermées dans des médaillons entrelacés les uns aux autres comme des panneaux de vitrail.

Le style d’Ingeborg rappelle les plis sculpturaux de la draperie de la Madone, mais dans les petites figures, cette manière passe au second plan. Le riche feuillage charnu de l’acanthe dans la bordure rappelle encore les bibles de la fin du douzième siècle, avec leurs bords enroulés et la curieuse façon dont le pli de la feuille est marqué par une série de points blancs. Les éléments de l’art roman sont totalement absents d’un psautier écrit vers 1250 (Paris, Bibliothèque nationale). Ici, les scènes situées sous les architraves trilobées sont richement colorées. Les figures, placées sur un fond d’or à motifs, sont traitées avec une simplicité nouvelle ; les conventions de la draperie cèdent la place à un intérêt nouveau pour les plis verticaux souples et les contours simples.

Ces deux derniers psaumes constituent la base du plus somptueux de tous les psautiers, le Psautier de Saint-Louis (Paris, Bibliothèque nationale). Cette œuvre exquise d’art biblique a été réalisée entre 1253 et la mort du roi en 1270. Le livre contient soixante-dix-huit illustrations pleine page représentant des scènes de l’Ancien Testament. Le livre est étroitement lié à l’autre œuvre créatrice de Louis le Saint, car l’architecture qui y est présentée est une copie exacte de la Sainte Chapelle (1241-48), construite par son architecte Pierre de Montray. Exécutés dans de riches couleurs, les personnages se détachent sur un fond d’or scintillant qui semble les baigner d’un soleil radieux. Elles sont très élégantes, avec de petites têtes et de grands corps élancés qui se meuvent avec une grâce aisée. Il s’agit avant tout «d’une édition de luxe», reconnue comme digne d’un grand roi.

La Typologie de la morale biblique est l’œuvre de l’érudit dominicain du XIIIe siècle Hugues de St Cher. Elle contient des scènes de la Bible juxtaposées à des scènes ayant une signification morale. Plusieurs copies de ce grand ouvrage ont été produites, dont la plus importante est la «Bible morale de Saint Louis» (Paris, Bibliothèque nationale, Londres, British Museum, et Oxford, Bodleian). Les textes y sont appuyés par des illustrations et chaque événement biblique est accompagné de son analogue moralisateur. Les pages ressemblent à des vitraux transférés sur du parchemin. Les médaillons sont disposés en rangées verticales de quatre dans chaque feuille, et les bandes de texte intermédiaires remplacent les meneaux des fenêtres. La couleur a l’éclat caractéristique du vitrail et les dessins et figures sont caractérisés par des contours forts qui ressemblent à des plombs. La qualité réelle varie parfois, mais les artistes doivent être quelque peu excusés, car l’ensemble du livre contenait plus de cinq mille médaillons.

À la fin du XIIIe siècle, l’enlumineur de manuscrits devient une personnalité artistique à part entière. Un certain maître Honoré de la rue de Boutebris à Paris est mentionné plus d’une fois. Son nom apparaît dans les livres de comptes du roi et dans un manuscrit, les Décrétales de Gratien (Tours, Bibliothèque municipale).

Sur la base d’une comparaison stylistique, d’autres ouvrages peuvent être attribués à Maître Honoré, notamment Le Bréviaire de Philippe le Beau (Paris, Bibliothèque nationale). Ce livre, sans doute destiné à la maison royale, contient des initiales historiées et une illustration en pleine page avec des scènes de la Vie de David. Le récit est facile à suivre et les noms des principaux personnages sont inscrits sous les illustrations. Cet ouvrage est l’aboutissement des tendances du début du siècle. Les scènes sont pleines de vie et le mouvement des personnages est clairement visible sous les draperies. L’artiste a conservé les fonds à motifs, mais il a introduit dans la scène inférieure des éléments de la peinture de paysage, comme des collines couvertes d’arbres, pour donner l’impression d’un décor naturaliste.

Jean Pucelle (v. 1290-1334), actif à Paris dans le deuxième quart du XIVe siècle, est, comme Maître Honoré, un enlumineur professionnel. Pucelle est sans aucun doute l’artiste du Bréviaire de Belleville (1326) et de la Bible de Billings (tous deux conservés à la Bibliothèque nationale, Paris). On retrouve sa main dans un certain nombre d’autres Heures, notamment dans le chef-d’œuvre «Heures de Jeanne d’Evreux» (1324-28, Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York). Cet artiste utilise les décorations marginales si populaires dans le nord de la France et en Angleterre, en remplissant les marges de scènes rustiques empruntées à la vie quotidienne.

Papillons et escargots s’accrochent aux vrilles de pois qui mûrissent, les libellules planent dans le feuillage tandis que le paysan fait sa récolte. Son intérêt pour le naturalisme est manifeste dans «Le travail du mois», où les scènes habituelles de coupe de bois ou de semailles sont remplacées par un arbre dont les branches montrent les changements de feuillage aux différentes époques de l’année. Bien que Jean Pucelle soit le successeur de Maître Honoré et essentiellement un peintre parisien, son œuvre est importante dans la mesure où il témoigne également d’une connaissance de l’école italienne de peinture siennoise, un courant important de l’art du Trecento .

En 1309, la cour papale déménagea de Rome à Avignon, où le grand peintre siennois Simone Martini (1285-1344) travailla dans la seconde moitié de sa vie. Malgré une compréhension quelque peu superficielle de la manière italienne, Pucelle n’est pas encore en mesure d’intérioriser la perspective linéaire et le traitement plastique des volumes et de l’espace. Pour que ces leçons soient pleinement assimilées en Italie, il faut attendre une autre génération, dont les réalisations sont généralement classées dans le style gothique international de l’art. Parmi eux se trouvent des artistes tels que Jacquemart de Esden (c. 1355-1414) et le trio connu sous le nom de les frères de Limbourg (tous morts en 1416), ainsi que le provençaliste, créateur de la remarquable Pietà d’Avignon (1454-6) - Engerrand de Cuarton (c. 1410-1466).

Enluminures gothiques anglaises

Dans l’article sur la peinture de livres romans, nous avons noté les signes de changement mis en évidence par la Bible de Winchester (vers 1170), mais au cours des cinquante années suivantes, aucun ouvrage n’est apparu qui puisse être considéré comme un manuscrit véritablement gothique. La période de transition est un long processus d’expérimentation et de changement.

Les similitudes stylistiques entre les manuscrits rédigés en France et en Angleterre ont déjà été mentionnées. Leur but peut souvent être déterminé par l’inclusion ou l’exclusion de certains saints du calendrier, mais cela ne nous renseigne généralement pas sur la nationalité de l’artiste, car les scriptoria anglais ont certainement employé des artistes français, et des artistes anglais en France. La copie parisienne du Psautier d’Utrecht en est un exemple.

Sur les enluminures anglaises et irlandaises antérieures dans le style insulaire, voir : Book of Derrow (c. 680), Lindisfarne Gospel (c. 700), Évangile d’Echternach (c. 700), Évangile de Lichfield (c. 730), et Livre de Kells (c. 800), en particulier sa Page de monogrammes (Chi/Rho).

À la fin du XIIe siècle, la mode des grandes Bibles destinées à l’usage cérémoniel cède la place à des ouvrages plus petits destinés aux études théologiques et Psautiers à la dévotion privée des laïcs. Avec le changement d’échelle des livres, la qualité de l’art religieux qu’ils contiennent devient de plus en plus fine et minutieuse, ouvrant la voie à la peinture miniature du gothique international. Cependant, les scriptoria monastiques ont duré plus longtemps en Angleterre qu’en France, et il y a eu une activité active à St Albans et à Winchester au moins jusqu’au milieu du treizième siècle.

La période de transition est bien illustrée par un ouvrage tel que le Psautier de Huntingfield (New York, Pierpont Morgan Library). Un livre qui présente des tendances assez semblables est le Psautier d’Imola . Le début du premier psaume est représenté sur la double page d’ouverture avec la lettre initiale «B» «Beatus» faisant face à la page décorée avec le premier verset du psaume. La lettre «B» contient «Le rêve de Jessé». Un ordre calme et posé règne dans les illustrations : les rois et les prophètes sont disposés symétriquement dans les intervalles des initiales, et la bordure est complétée par des récits de la vie de David. La disposition du texte sur un fond coloré, très en vogue à cette époque, est d’une beauté sobre.

La Bible De Bello (Londres, British Museum) a été écrite pour Robert de Bello, abbé de Canterbury de 1224 à 1253. Elle est plus grande que la plupart des livres de cette époque et comporte une grande initiale au début du livre de la Genèse, remplie de scènes de la Création du monde. Pour faire de la place aux scènes du péché originel, l’initiale T a été élargie en bas sous la forme de la lettre «L», ce qui ne permet qu’une seule colonne de texte. Chaque scène est entourée d’un médaillon, comme dans les livres français contemporains, mais les projections de feuillage sur les bords de l’initiale sont une nouveauté qui sera largement développée dans les livres ultérieurs.

Certains des meilleurs livres du deuxième quart de ce siècle sont associés à la figure d’ombre de W. de Brailes. Seul le nom de l’artiste est connu. Sa provenance, le fait qu’il ait été moine ou ecclésiastique séculier, qu’il ait voyagé ou qu’il ait travaillé dans le même scriptorium, sont des questions dont les réponses ne peuvent être que spéculatives. Son nom apparaît dans deux manuscrits, et plusieurs autres lui sont attribués pour des raisons stylistiques. W. de Brailes possède toutes les qualités d’un bon conteur. Il est capable de traduire les idées de son imagination débordante en histoires bien dessinées.

Possédant une connaissance remarquable des détails des événements bibliques, il n’hésitait pas à les utiliser dans ses illustrations. Il existe une copie de l’autographe de W. de Brailes sur les feuilles du Psautier (Cambridge, Fitzwilliam Museum) ; il est représenté de manière charmante sur un petit personnage choisi parmi les damnés lors du Jugement dernier, apparemment dans l’espoir que ses efforts seront récompensés par le salut.

Une figure beaucoup plus tangible est Matthieu Paris . Né vers 1200, il entre au monastère de St Albans en 1217 et est connu pour avoir fréquenté le roi et d’autres nobles. En 1235, il fut nommé historiographe de l’abbaye de St Albans et compila deux chroniques aujourd’hui conservées au British Museum et au Corpus Christi College de Cambridge.

Sur l’une des pages séparées collées dans les chroniques se trouve un dessin de la Vierge à l’Enfant . Cette feuille célèbre, qui montre Paris lui-même prosterné aux pieds de la Vierge, est une œuvre d’art monumentale.

Les qualités de dessinateur de Paris se révèlent pleinement, donnant au dessin des personnages une forme ferme et expressive. Les personnages ont une posture royale, mais sont animés par le travail vivant des drapés, rehaussé par de pâles estompes de couleur. Le texte de la Chronique est richement illustré par des scènes pertinentes esquissées dans les marges et en bas de page, qui nous renseignent sur les événements historiques des années 1230-1251. Toutes les illustrations d’un ouvrage de cette ampleur ne sont pas réalisées par le maître lui-même, mais la similitude des sujets suggère que Matthew Paris était responsable de la conception de l’ensemble de la série.

L’influence de Matthew Paris se fait fortement sentir dans le groupe des Apocalypses provenant de St Albans. Un groupe important de ce type provenant de l’Espagne romane a déjà été mentionné, mais la popularité soudaine des Apocalypses dans l’Angleterre du milieu du XIIIe siècle est difficile à expliquer. L’Apocalypse du Trinity College de Cambridge, préfacée par des scènes de la Vie de saint Jean, compte parmi les meilleures. Une autre Apocalypse intéressante a été commandée à St Albans par un noble anglais.

Le français était la langue d’adoption de l’aristocrate, et c’est pourquoi ce livre est écrit dans cette langue, et est, par une heureuse coïncidence, conservé non pas en Angleterre, mais dans la capitale de la France (Bibliothèque Nationale). Le livre comporte quatre-vingt-douze illustrations en haut des pages de texte et, dans la préface, des scènes à pleine page, disposées sur deux niveaux, tirées de la Vie de saint Jean. Les illustrations, comme dans les «Chroniques», sont des dessins à la plume et à l’encre avec des aplats de couleur. Cette prédilection pour le dessin de contour, si importante dans le Winchester anglo-saxon, persiste à l’époque gothique. Les scènes sont remplies de figures animées, mais le mouvement des personnages est désormais exprimé par des formes plus solides, et les ombres contribuent à créer la forme du corps. (Voir aussi : Sculpture gothique anglaise vers 1150-1250)

Le choix des sujets évolue avec le mécénat. Les représentations de la Vierge et de l’Enfant sont relativement rares dans les livres romans, mais avec l’essor d’une approche plus douce et plus humaine, des peintures représentant la Vierge et l’Enfant sont incluses dans de nombreux psautiers gothiques . Le dessin de Matthew Paris a déjà été mentionné. Le psautier d’Amesbury (Oxford, All Souls College) offre également un exemple touchant : une nonne, probablement la propriétaire du livre, est représentée aux pieds de la Vierge qui allaite son enfant. La religieuse réapparaît aux pieds du Christ dans la Majesté, où le décor est orné de détails architecturaux élaborés. Le psautier d’Amesbury résume les réalisations du milieu du XIIIe siècle. Des couleurs riches habilement choisies font écho au fond d’or, de gracieuses figures de saule se balancent dans de douces courbes, et les draperies conservent une énergie nerveuse qui témoigne d’une intense dévotion.