Peinture Haute Renaissance: Caractéristiques, Esthétique Automatique traduire
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Peinture haute renaissance: caractéristiques (c.1490-1530)
Le style de peinture italienne dit " Haute renaissance "représente le sommet de Art de la Renaissance et le point culminant de toutes les activités exploratoires du quattrocento . Il se caractérise avant tout par les qualités d’harmonie et d’équilibre. Bien que le mouvement soit à la fois nécessaire et important, il est toujours digne et calme, et l’œil du spectateur est toujours mis au point. Le tableau est invariablement totalement équilibré et autonome, de sorte qu’il réponde à la définition de la beauté proposée par Leon Battista Alberti (1404-72) dans son traité Della Pittura : "une telle harmonie complète de parties auxquelles rien ne peut être ajouté ou enlevé sans détruire le tout." La peinture de la Haute Renaissance n’est ni aussi intense ni aussi consciente que celle du début de la Renaissance. Il n’est pas aussi artificiel que tant de Peinture maniériste devait être. En ce qui concerne son calme évident et sa monumentalité, il est souvent mis entre crochets avec Haute sculpture grecque classique du 5ème siècle avant notre ère.
Les plus grands peintres de la Renaissance
Ses plus grands représentants étaient les génies florentins Léonard de Vinci et Michelangelo avec le maître d’Urbino Raffaello Santi – connu sous le nom de Raphaël – et le coloriste vénitien Tiziano Vecellio – dit Titien. Parmi les autres peintres importants de la Renaissance Andrea del Sarto (1486-1530) et Fra Bartolommeo (1472-1517) à Florence, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) et Sebastiano del Piombo (1485-1547) à Venise. Cela dit, l’histoire de la Haute Renaissance est étroitement associée à la Renaissance à Rome, où des papes ambitieux, dont Jules II (1503-13) et Léon X (1513-21), ont financé un large éventail de l’art publique projets visant à faire en sorte que la ville surpasse Florence en tant que plus grand centre culturel d’Italie. En fait, Florence et Rome sont devenues des escales majeures dans les pays européens. grande tournée du 18ème siècle. Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), créateur de la fresque très influente de la Grande-Bretagne, compte parmi les artistes majeurs actifs en dehors des grands centres. Assomption de la Vierge (Cathédrale de Parme) (1526-30).
Léonard de Vinci (à partir de 1490)
Le style avancé de La peinture La pratique exercée par Léonard de Vinci à Milan a été poursuivie avec des modifications en Lombardie par son principal disciple milanais, Bernardino Luini (1480-1532) et d’autres. Il n’a trouvé aucun converti immédiat dans sa Florence natale, cependant, même si son inachevé peinture sur panneau " Adoration des mages " est restée à proximité de la ville, dans le monastère de San Donato a Scopeto. Certains contemporains de Leonardo, tels que Botticelli, Domenico Ghirlandaio et Philippin lippi imite les grandes lignes du tableau, mais elles ne parviennent pas à en absorber les caractéristiques plus profondes et plus novatrices. L’impact réel de la peinture de Leonardo a été vu seulement quand il est rentré à Florence en 1500. Ses collègues artistes et les membres du public se sont rassemblés à l’église de la Santissima Annunziata pour voir son étude à grande échelle pour La Vierge et l’enfant avec Sainte-Anne. Sa grande fresque murale représentant la bataille d’Anghiari (1503-06) était en concurrence avec l’œuvre de son rival Michelangelo dans le cadre d’un concours civique consacré à l’histoire de Florence. Ni le panneau ni la peinture murale n’ont jamais été finis. Malgré tout, son art a laissé une impression durable sur sa ville natale. Plus devait venir. Son chef d’oeuvre Mona Lisa (La Gioconda), maintenant au Louvre, a révolutionné le portrait avec sa technique d’ombrage innovante – sfumato . (Voir aussi son précédent Dame avec une hermine 1490, Musée Czartoryski, Cracovie.) Fra Bartolommeo (1472-1517), plus tard à la tête de la Haute Renaissance florentine, fut grandement influencé par la manière dont Leonardo aborda la lumière et l’ombre.
En outre, son Dessins de la Renaissance incité les deux artistes à faire des études préparatoires similaires pour leurs peintures et les patrons à les collectionner. Surtout, sa réputation d’artiste – à la fois scientifique et érudit – a touché ses collègues artistes, ce qui a permis d’améliorer les chances et d’améliorer le statut de chacun.
Raphaël (1483-1520)
L’artiste qui s’est le plus assimilé à la peinture de Léonard est sans doute Raphaël. Fils du peintre et écrivain Giovanni Santi, il a été grandement influencé à ses débuts par Perugino (1450-1523). À l’âge de 21 ans, il vint à Florence en tant qu’artiste respecté, seulement pour découvrir à sa consternation que tout ce qu’il avait appris était désuet et finalement provincial. Sa réponse immédiate fut de commencer à apprendre le nouveau style des Florentins, y compris des artistes provinciaux travaillant à Florence, tels que Luca Signorelli (1450-1523). Out est allé son ancien style de dessin, avec ses contours serrés et ses hachures intérieures; en est venu le style plus fluide de Leonardo. D’après une étude attentive de Leonardo Vierge des Rochers il a imaginé un nouveau type de Madonna dans un paysage doux et harmonieux ) La Madone du Chardonneret, Uffizi). Il a emprunté le format de Mona Lisa de Leonardo pour ses portraits, et il a également étudié minutieusement celui de Michelangelo. sculpture. Cinq ans plus tard, à son départ pour Rome en 1509, Raphaël avait absorbé tout ce que Florence avait à offrir et était sur le point de faire sa propre déclaration artistique.
Située à l’étage supérieur du palais du Vatican, la Stanza della Segnatura était utilisée par le vieux pontife Pape julius ii (1503-13) comme une bibliothèque. C’est ici, entre 1509 et 1511, que Raphaël a peint sa célèbre fresque L’école d’Athènes . C’était la seconde de la chambre peinture murale à compléter, après La Disputa, sur le mur opposé et est considéré comme l’un des exemples les plus clairs et les plus raffinés du style de la Haute Renaissance. Comme Léonard avant lui, Raphael crée un équilibre entre le mouvement des figures et l’ordre et la stabilité de l’espace pictural. Il a peuplé la composition avec de nombreuses figures dans une variété de poses, tout en manipulant ces poses de manière à amener finalement l’œil du spectateur à la paire centrale de Platon et Aristote, qu’il a fait converger vers son système de perspective linéaire. Un exemple magistral de technique picturale de la Haute Renaissance. Voir aussi son merveilleusement harmonieux Madone Sixtine (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister Dresden).
Le style de Raphaël continue d’influencer des générations d’artistes à Rome et ailleurs. Voir, par exemple, le travail de Carlo Maratta (1625-1713), premier artiste catholique après Bernini.
Michelangelo (1475-1564)
Alors que Raphaël, âgé de 26 ans, faisait des fresques sur les appartements du Vatican, Michelangelo Buonarroti, âgé de 33 ans, décorait (contre sa volonté) le plafond de la chapelle Sixtine (1508-12) avec son Fresque de la genèse . Bien que formé en fresque par Domenico Ghirlandaio – et influencé par d’autres comme Luca Signorelli – et malgré avoir peint plusieurs panneaux de grande qualité (par exemple, Tondo Doni, 1504-06), Michelangelo se voyait vraiment comme un sculpteur. En fait, il a commencé à peindre sa fresque de la Genèse en collaboration avec un certain nombre d’autres Artistes de la Renaissance qu’il connaissait de l’atelier de Ghirlandaio, mais qu’il a bientôt écarté et peint seul le plafond. Au cours des quatre années suivantes (1508-1512), il décora environ 1 000 mètres carrés de plafond d’une masse grouillante de personnages aux couleurs vives, illustrant des scènes du livre biblique de la Genèse, ainsi que d’autres scènes de l’Ancien Testament et de la mythologie classique. Un de ceux-là peintures religieuses – intitulé La création d’Adam – dans lequel l’énergie cinétique de Dieu le Créateur contraste vivement avec la forme flasque sans vie d’Adam – est considérée par de nombreux chercheurs comme la plus grande œuvre picturale du christianisme. Le plafond Sixtine a été acclamé comme un chef-d’œuvre à son époque, et son créateur a été désormais connu sous le nom de Michelangelo " Il divino ", le divin Michelangelo. Les contemporains ont parlé de son pouvoir impressionnant (" terribilita ") et de son génie divin. Ces trois artistes – Leonardo, Raphael et Michelangelo – ont joué un rôle central dans l’amélioration du statut du peintre (et disegno ) à un niveau supérieur, à égalité avec les architectes et experts similaires. En réalité, leurs énormes réalisations établissaient des normes impossibles à dépasser – un facteur qui a contribué à l’émergence du style anti-classique de Maniérisme (c.1530-1600).
Dispersion du trio Renaissance
En 1513, année de la mort de Jules II et de l’avènement du pape Léon X, les trois plus grands peintres de la Haute Renaissance italienne étaient occupés par de nouveaux projets qui les détournaient de leurs chemins antérieurs. Leonardo était à la cour de France à Milan, où il s’est consacré à perfectionner la Mona Lisa, à rédiger ses traités et à effectuer des tâches pour le monarque français. Entre-temps, les patrons italiens se méfiaient de sa curiosité incessante – une qualité à double tranchant qui laissait la plupart de ses projets inachevés. Michelangelo sculptait la tombe de Jules II à Rome; En 1516, il revint à Florence pour effectuer de nombreux travaux de sculpture et d’architecture pour le Famille Médicis. Quant à Raphaël, il était devenu surchargé de tâches administratives en tant qu’architecte chargé de superviser la construction de la nouvelle basilique Saint-Pierre. À mesure que sa charge de travail augmentait, il commençait à dépendre de plus en plus de Giulio Romano (c.1499-1546) et ses autres assistants. En conséquence, seulement une poignée de peintures ont été réalisées de sa propre main au cours de la période 1514-2015. L’une de ces œuvres était la glorieuse Madone Sixtine (1513-1515, Gemaldegalerie Alte Meister Dresden), qui est sûrement l’un de ses plus grands tableaux.
Remarque: l’historien de l’art a effectué une grande partie des travaux pionniers sur l’attribution de peintures à l’époque de la Haute Renaissance. Bernard Berenson (1865-1959), qui passa la majeure partie de sa vie près de Florence et publia plusieurs ouvrages très influents sur le Renaissance italienne à Florence et ailleurs.
Tendances maniéristes (c.1512 et plus)
Les dernières fresques du Vatican de Raphaël dans la Stanza d’Elidoro (1512-14) montrent déjà des tendances maniéristes – voir, par exemple, L’expulsion d’Héliodore des temples et la Libération de Saint-Pierre. Une de ses dernières œuvres (inachevées), La transfiguration (1518-20, Pinacothèque apostolique, Vatican, Rome) montre également des signes indéniables de l’expressionnisme maniériste. En fait, certains historiens de l’art pensent que la tension dramatique contenue dans les figures de Raphaël, alliée à sa forte utilisation de clair-obscur , anticipe Peinture baroque.
La mort de Léonard en 1519, suivie rapidement par celle de Raphaël, âgé de 37 ans, en 1520, laissa Il Divino Michelangelo comme l’unique génie survivant de la Renaissance italienne. Complètement occupé par les affaires de Médicis jusqu’en 1527, année de l’expulsion de Florence de la puissante famille, puis de 1530 à 1534, ce n’est qu’en 1534 qu’il s’installe à Rome. Entre-temps, le monde de la Haute Renaissance dans lequel il avait mûri en tant qu’artiste avait changé de façon démesurée. Rome avait été saccagée (1527) par les troupes de l’empereur Charles Quint – qui força le pape à abandonner le Vatican et à s’enfuir à Orvieto – et à Florence assiégées. En outre, les principes de la philosophie humaniste de la Haute Renaissance avaient été dépassés par la montée du protestantisme nordique et son conflit avec la contre-réforme catholique militante se profilait à l’horizon. Sans surprise, cet effondrement de l’idéalisme de la Haute Renaissance se reflète dans le contenu dramatique, le mouvement tourbillonnant et les formes déformées de Michel-Ange. Fresque du Jugement dernier (1534-1541) sur le mur d’autel de la chapelle Sixtine – maintenant considéré comme le plus grand chef-d’œuvre de art religieux du 16ème siècle. Dès que la fresque fut dévoilée en 1541, elle devint un modèle pour les jeunes artistes. [En 1586, le peintre Armenini se rappelait comment, lorsqu’il était jeune homme, alors qu’il dessinait dans la chapelle Sixtine, il entendait des discussions sur des détails minutieux de l’œuvre de Michelangelo. C’est devenu une école d’anatomie, le meilleur endroit à Rome pour étudier la nu masculin Après avoir capturé l’ambiance du moment avec son «Dieu du Jugement dernier» tonitruant, qui semblait plus soucieux de condamner la race humaine que d’accueillir les bienheureux au ciel, Michel-Ange a réalisé deux dernières fresques pour la chapelle privée du pape Farnèse, Paul III ) Cappella Paolina) – la conversion de saint Paul et la crucifixion de saint Pierre. Les figures de ces œuvres sont encore plus maniéristes que celles du Jugement dernier. Compte tenu de ses doutes esthétiques et spirituels, il n’est peut-être pas surprenant qu’au cours de ses vingt dernières années, Michel-Ange ait largement abandonné la peinture et la sculpture pour se concentrer sur architecture.
Les idéaux de la Renaissance autour de Rome et de Florence
Les idéaux ou esthétique de la Haute Renaissance – comme illustré par les compositions de Leonardo, Raphael et Michelangelo – a continué à évoluer en dehors des deux grands centres de Rome et de Florence. À Parme, par exemple, Le corrège (1489-1534) a été fortement influencé par Andrea Mantegna (1430-1506) et partisans milanais de Leonardo. Son repos lors de la fuite en Égypte (Uffizi, Florence) et la Madonna of the Bowl (1525, galerie nationale, Parme) sont clairement exécutés dans le langage de la Haute Renaissance. Néanmoins, le Corrège est probablement mieux connu pour ses fresques montantes du dôme de la cathédrale de Parme (1524-30) et de l’église de San Giovanni Evangelista – qui a fourni un modèle parfait pour le monde illusionniste. quadrature et autre trompe l’oeil de la peinture baroque postérieure – et pour sa dernière série de peintures sensuelles de style maniériste telles que Jupiter et Io (1532-3, Kunsthistorisches Museum, Vienne). Voir Ecole de peinture de Parme, pour plus de détails.
Peinture vénitienne de la haute renaissance
À la fin du quattrocento, la peinture à Venise a suivi un type de parcours similaire à celui des Renaissance à Florence, quoique avec une touche vénitienne. Les Madones de 1505-10 de Giovanni Bellini, par exemple, ressemblent stylistiquement à celles peintes par Raphaël à Florence à peu près au même moment. Son retable San Zaccaria ("La Vierge intronisée avec quatre saints ") (1505) confère au thème de la sacra conversazione une saveur particulière de la Haute Renaissance. Giovanni Bellini (1430-1516) était la force dominante dans Peinture vénitienne dans les années 1490, et son style eut un impact considérable sur les jeunes peintres tels que Giorgione et Titian, ainsi que Lorenzo Lotto (1480-1556). En tout état de cause, les peintres vénitiens accordaient traditionnellement plus d’importance à la luminosité des couleurs (en partie grâce à leur expertise de la peinture à l’huile), ainsi qu’à l’expressivité de la composition – contrairement au style de peinture classique plus raréfié pratiqué à Rome. Pour en savoir plus sur les retables d’art de la Haute Renaissance, voir: Retables vénitiens (environ 1500-1600); pour les portraits, voir: Portrait de Venise (1400-1600 environ). Voir également: Peinture de couleurs du Titien et de Venise (environ 1500 à 76). Voir également: Héritage de la peinture vénitienne sur l’art européen.
Giorgione (1477-1510)
Giorgione Bellini a énormément appris, mais il a de loin dépassé son maître pour créer un type de musique lyrique. peinture de paysage cela ne peut être comparé qu’à la poésie pastorale. Au cours de sa courte carrière, ce jeune peintre novateur a donné à ses contemporains une classe de maître sur la manière d’exploiter le médium de la peinture à l’huile pour créer l’illusion de textures et de lumière dans leurs peintures. Son œuvre la plus ancienne, La Vierge à l’enfant avec les saints François et Liperale (vers 1504, cathédrale de Castelfranco), emprunte énormément à Bellini. Pourtant, en quelques années, Giorgione quitta ce style de peinture pour devenir mystérieuse et menaçante. Tempête (c.1505, Galerie de l’Académie de Venise), au lyrique Vénus endormie (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden) et le concert pastoral de rêve (vers 1510, musée du Louvre). La dernière image mentionnée révèle l’amour vénitien des textures, car il rend exactement les textures contrastantes de la chair, du tissu, de la pierre, du bois et du feuillage. La lumière douce et diffuse de Giorgione, alliée à la douceur de son paysage – des collines au loin et tous les contours difficiles supprimés – crée une ambiance parfaitement pastorale: une technique devenue caractéristique de la peinture vénitienne du XVIe siècle et d’une grande importance dans l’évolution de Art baroque.
Titien (c.1488-1576)
L’impact de Giorgione sur l’art vénitien a été immédiat, et pas plus que Titian. Bien que n’étant pas un étudiant de Giorgione, il a collaboré avec lui sur un projet et a achevé un certain nombre de ses peintures. Dans son Sacred and Profane Love (1512-15, Galerie Borghèse, Rome), Titien se montre capable de rivaliser avec Giorgione en utilisant les techniques de peinture de Giorgione. Si l’influence de Giorgione est particulièrement évidente dans les peintures profanes de Titian, celle de Bellini est visible dans les peintures religieuses. Il continua à jouer le rôle d’enseignant et de rival de Titian jusqu’à sa mort en 1516 – environ 6 ans après la disparition de Giorgione – lorsque Titian lui-même devint la figure principale de la peinture vénitienne.
L’inspiration du Titien Assomption de la Vierge (1516-1815, S. Maria Gloriosa dei Frari, Venise), l’établit comme successeur de Bellini. Reflétant l’amour vénitien de couleur en peinture, son équilibre et son mouvement – malgré certains éléments maniéristes évidents – est comparable à celui de l’ École d’Athènes de Raphaël, tant par sa conception que par sa grandeur. L’Assomption – avec l’amour sacré et profane (1512-15), La mise au tombeau du Christ (1523-26, Louvre, Paris) et la Madone Pesaro (1519-26; Santa Maria dei Frari) – illustre la contribution du Titien à l’art de la Haute Renaissance. Une fois dans la quarantaine – à l’exception de compositions calmes comme le Vénus d’Urbino (1538, Uffizi, Florence) – Titien s’éloigna de plus en plus du langage de la Haute Renaissance.
Le portrait de Titian était dérivé mais nettement vénitien. Son chef d’oeuvre Le pape Paul III avec ses petits-fils (Cardinaux Alessandro, Ottavio Farnese) (1546, musée Capodimonte, Naples) – qui rivalise délibérément avec ceux de Raphaël Le pape Léon X avec des cardinaux (Giulio de Medici et Luigi de ’Rossi) (vers 1518, Galleria Palatina, Palais Pitti, Florence) – montre clairement que la peinture vénitienne était l’équivalent de la tradition florento-romaine. Son Danae avec Nursemaid (vers 1553, Prado, Madrid) oppose le colorisme sensuel de la peinture vénitienne à la tradition sculpturale de Michel-Ange pour que les historiens ultérieurs puissent en juger.
Les derniers travaux de Titian portent le médium à l’huile à de nouveaux sommets. Ses méthodes picturales comprenaient: le plein usage d’études préparatoires et de dessins lui permettant de créer des peintures qui semblent avoir été récemment peintes sous le feu de l’inspiration; l’utilisation de taches de couleur faiblement juxtaposées; peinture appliquée librement et lâchement avec le pinceau puis retravaillée avec ses doigts.
Deux œuvres tardives en particulier montrent l’étendue du génie de Titien. Le Martyre de Saint-Laurent (env. 1548-1550, église des jésuites de Venise), peint à l’âge de 60 ans, montre tout l’enthousiasme de la jeunesse. Remarquez le maniériste raccourcir et son exagération, ainsi que sa manipulation de la lumière, qui servent à souligner le contenu dramatique et émotionnel de la peinture. On retrouve la même intensité de théâtre, de lumière et de couleur dans Rape of Europa (vers 1559-1562; Musée Isabella Stewart Gardner, Boston) – un style qui préfigurait le travail de Rubens et du baroque. La longue et magistrale carrière de Titian eut un impact énorme sur Artistes maniéristes à Venise. Les deux autres grands peintres de la ville du 16ème siècle, Paolo Veronese et Tintoret, chacun s’est concentré sur un aspect différent du style de peinture de Titian et l’a développé.
Des collections
On peut voir des fresques et des peintures à l’huile de la Haute Renaissance dans la plupart des meilleurs musées d’art dans le monde entier, notamment le Galerie des Offices, Florence ; les musées du Vatican à Rome, et le Palais Pitti Florence
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