Peinture Haute Renaissance: Caractéristiques, Esthétique Automatique traduire

Le style de peinture italienne connu sous le nom de «Haute Renaissance», représente l’apogée de l’art de la Renaissance et l’aboutissement de toutes les études de l’époque du Quatrocento . Il se caractérise avant tout par des qualités telles que l’harmonie et l’équilibre. Bien que le mouvement soit nécessaire et important, il est toujours digne et calme, et le regard du spectateur a toujours un point de mire.

La peinture est invariablement pleinement équilibrée et autosuffisante, ce qui correspond à la définition de la beauté proposée par Leon Battista Alberti (1404-1472) dans le traité «Della Pittura» : «une harmonie si complète des parties que rien ne peut être ajouté ou enlevé sans détruire le tout». La peinture de la Haute Renaissance n’est ni aussi intense ni aussi consciente d’elle-même que la peinture de la Première Renaissance. Elle n’est pas non plus aussi artificielle qu’une grande partie de la peinture maniériste qui allait devenir . Dans son calme apparent et sa monumentalité, elle est souvent comparée à la sculpture grecque du Haut Classique 5ème siècle avant J.C.

Les plus grands artistes de la Haute Renaissance

Ses plus grands représentants sont les génies florentins Léonard de Vinci et Michel-Ange, ainsi que le maître d’Urbino Raffaello Santi, dit Raphaël, et le coloriste vénitien Tiziano Vecellio, dit Titien .

Parmi les autres peintres notables de la Haute Renaissance, on peut citer Andrea del Sarto (1486-1530) et Fra Bartolomeo (1472-1517) à Florence, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) et Sebastiano del Piombo (1485-1547) à Venise.

Cela dit, l’histoire de la Haute Renaissance est étroitement liée à la Renaissance de Rome, où des papes ambitieux comme Jules II (1503-13) et Léon X (1513-21) ont financé un large éventail de projets d’art public pour s’assurer que la ville surpasse Florence en tant que plus grand centre culturel de l’Italie. En fait, Florence et Rome sont toutes deux devenues des étapes clés du Grand Tour européen du dix-huitième siècle. Parmi les artistes qui ont travaillé en dehors des grands centres, citons Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), auteur de la fresque très influente «Assomption de la Vierge» (cathédrale de Parme) (1526-30).

Léonard de Vinci (à partir de 1490)

Le style avancé de peinture que Léonard de Vinci pratique à Milan est poursuivi avec des modifications en Lombardie par son principal disciple milanais Bernardino Luini (vers 1480-1532) et d’autres. Il n’a cependant pas trouvé d’application immédiate à Florence, sa ville natale, bien que son panneau inachevé «L’Adoration des Mages» demeure près de la ville, dans le monastère de San Donato a Scopeto. Certains contemporains de Léonard, comme Botticelli, Domenico Ghirlandaio et Filippino Lippi, ont imité les grandes lignes de la peinture, mais n’en ont pas perçu les traits plus profonds et plus novateurs.

L’influence réelle de la peinture de Léonard n’apparaît qu’après son retour à Florence en 1500. Les artistes et le public se pressent à l’église de la Santissima Annunziata pour voir son étude de la nature «, la Vierge à l’Enfant et Sainte Anne». Sa grande fresque représentant La bataille d’Anghiari (1503-06) a rivalisé avec l’œuvre de son rival Michel-Ange dans le cadre du concours civique visant à consigner l’histoire de Florence. Ni le panneau ni la fresque ne furent jamais achevés.

Néanmoins, son œuvre a laissé une impression durable dans sa ville natale. Il lui reste encore beaucoup à faire. Son chef-d’œuvre «Mona Lisa» («Gioconda»), aujourd’hui au Louvre, a révolutionné la peinture de portrait avec sa technique pionnière de hachures - sfumato . (Voir aussi la peinture antérieure «Dame à l’hermine», 1490, Musée Czartoryski, Cracovie). Fra Bartolomeo (1472-1517), futur chef de file de la Haute Renaissance florentine, est l’un des artistes les plus influencés par le travail de Léonard sur l’ombre et la lumière.

En outre, ses dessins de la Renaissance ont encouragé à la fois les artistes à produire de telles études préparatoires pour leurs peintures et les mécènes à les collectionner. En outre, la réputation de l’artiste, qui était également un érudit et un chercheur, a été transmise à ses collègues, ce qui a permis à tous les artistes d’acquérir une certaine autonomie et un certain statut.

Raphaël (1483-1520)

L’artiste qui a le plus appris de la peinture de Léonard est sans aucun doute Raphaël. Fils du peintre et écrivain Giovanni Santi, il est très tôt influencé par le Pérugin (1450-1523). À l’âge de 21 ans, il vint à Florence en tant que peintre respecté et fut horrifié de constater que tout ce qu’il apprenait était démodé et, en fin de compte, provincial. Il commence immédiatement à apprendre le nouveau style auprès des Florentins, y compris des artistes provinciaux travaillant à Florence tels que Luca Signorelli (1450-1523).

L’ancien style de dessin, avec ses contours rigides et ses ombres internes, disparaît au profit du style plus lisse de Léonard. En étudiant de près le tableau de Léonard «La Vierge aux rochers», il crée un nouveau type de Madone sur fond de paysage doux et tendre («Madone à la Boucle d’or», Uffizi). Pour ses portraits, il emprunte le format «de la Joconde de Léonard» , et étudie attentivement la sculpture de Michel-Ange. En cinq ans, lorsqu’il part pour Rome en 1509, Raphaël a assimilé tout ce que Florence a à offrir et est prêt à se faire un nom.

Située au dernier étage du palais du Vatican , la Stanza della Segnatura servait de bibliothèque au pontife vieillissant , le pape Jules II (1503-13). C’est ici qu’en 1509-1511, Raphaël a peint sa célèbre fresque «École d’Athènes» . Il s’agit de la deuxième fresque de la salle après la «Disputation» sur le mur opposé, et elle est considérée comme l’un des exemples les plus frappants et les plus parfaits du style de la Haute Renaissance. Dans cette œuvre, Raphaël, comme Léonard avant lui, crée un équilibre entre le mouvement des figures et l’ordre et la stabilité de l’espace pictural. Il remplit la composition de nombreux personnages dans des poses très variées, mais manipule ces poses de manière à conduire finalement le regard du spectateur vers le couple central de Platon et Aristote, dont il fait le point de fuite de son système de perspective linéaire. Un exemple magistral de la technique picturale de la Haute Renaissance.

Voir aussi sa merveilleuse harmonie «Madone Sixtine» (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden).

Le style de Raphaël a continué à influencer des générations d’artistes à Rome et ailleurs. Par exemple, les œuvres de Carlo Maratta (1625-1713), le principal artiste catholique après le Bernin.

Michel-Ange (1475-1564)

Pendant que Raphaël, âgé de 26 ans, peignait à fresque les appartements du Vatican, Michelangelo Buonarroti, âgé de 33 ans, décorait (contre son gré) le plafond de la chapelle Sixtine (1508-12) avec sa fresque Genèse «» . Bien que Domenico Ghirlandaio lui ait enseigné la fresque, et l’ait influencé, comme Luca Signorelli, et bien qu’il ait peint quelques panneaux de grande qualité (par exemple Tondo Doni, 1504-06), Michel-Ange se considérait comme un sculpteur.

Fresque «Genèse» il commence à peindre en collaboration avec plusieurs autres artistes de la Haute Renaissance, qu’il connaît de l’atelier de Ghirlandaio, mais les écarte bientôt pour peindre seul l’ensemble du plafond. Au cours des quatre années suivantes (1508-12), il décora environ 1000 mètres carrés du plafond avec une masse bouillonnante de figures aux couleurs vives illustrant des scènes du livre biblique de la Genèse ainsi que de l’Ancien Testament et de la mythologie classique.

L’une de ces peintures religieuses - «La création d’Adam» , dans laquelle l’énergie cinétique du Dieu créateur contraste vivement avec la forme flasque et sans vie d’Adam - est considérée par de nombreux spécialistes comme la plus grande œuvre picturale de la chrétienté. Le plafond de la Sixtine était déjà reconnu comme un chef-d’œuvre en son temps, et son créateur fut connu sous le nom de «Michel-Ange» Il divino «Michel-Ange divin».

Les contemporains parlaient de sa puissance impressionnante (» terribilita») et de son génie divin. Ces trois artistes - Léonard, Raphaël et Michel-Ange - ont joué un rôle décisif dans l’élévation du statut du peintre (et de son disegno) à un niveau supérieur, au même titre que les architectes et autres spécialistes. Leurs énormes réalisations ont établi des normes qui ne pouvaient être dépassées, contribuant à l’émergence du style anti-classique du maniérisme (vers 1530-1600).

La dispersion de la troïka de la Haute Renaissance

En 1513, année de la mort de Jules II et de l’avènement du pape Léon X, les trois plus grands artistes de la Haute Renaissance italienne sont occupés à de nouveaux projets qui les détournent de leurs voies antérieures. Léonard est à la cour de France à Milan, où il se consacre à la finalisation «de la Joconde», à la rédaction de traités et à l’exécution de missions pour le monarque français. Ses mécènes italiens, quant à eux, se méfient de son irrépressible curiosité, une qualité à double tranchant qui laisse la plupart de ses projets inachevés.

Michel-Ange sculpte le tombeau de Jules II à Rome ; en 1516, il retourne à Florence pour réaliser un certain nombre d’œuvres sculpturales et architecturales pour la famille Médicis. Raphaël, quant à lui, est submergé par les tâches administratives en tant qu’architecte chargé de la construction de la nouvelle cathédrale Saint-Pierre. Au fur et à mesure que sa charge de travail augmente, il devient de plus en plus dépendant de Giulio Romano (c. 1499-1546) et de ses autres assistants. En conséquence, seules quelques peintures furent exécutées de ses propres mains entre 1514 et 20. L’une d’entre elles, la célèbre «Madone Sixtine» (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden), est sans doute l’une de ses plus grandes peintures.

Une grande partie du travail de pionnier sur l’attribution des peintures de la Haute Renaissance a été effectué par l’historien de l’art Bernard Berenson (1865-1959), qui a vécu la majeure partie de sa vie près de Florence et a publié un certain nombre d’ouvrages très influents sur la Renaissance italienne à Florence et ailleurs.

Les tendances maniéristes (à partir de 1512)

Dans les fresques tardives de Raphaël au Vatican, dans la Stanza d’Elidoro (1512-14), les tendances maniéristes sont déjà évidentes - par exemple, L’expulsion d’Héliodore des temples et La libération de saint Pierre . L’une des dernières œuvres (inachevées) de l’artiste, «Transfiguration» (1518-20, Pinacoteca Apostolica, Cité du Vatican, Rome), présente également des signes évidents d’expressionnisme maniériste. En outre, certains historiens de l’art estiment que la tension dramatique contenue dans les figures de Raphaël, combinée à l’utilisation intensive du clair-obscur, anticipe la peinture baroque .

La mort de Léonard en 1519, rapidement suivie par celle de Raphaël, âgé de 37 ans, en 1520, laisse Michel-Ange comme seul génie survivant de la Renaissance italienne. Entièrement occupé par les affaires des Médicis jusqu’en 1527, date à laquelle la puissante famille est expulsée de Florence, puis de 1530 à 1534, ce n’est qu’en 1534 qu’il s’installe à Rome. Pendant cette période, le monde de la Haute Renaissance dans lequel il mûrissait en tant qu’artiste s’est transformé au point de devenir méconnaissable.

Rome est mise à sac (1527) par les troupes de l’empereur Charles Quint, qui oblige le pape à quitter le Vatican et à se réfugier à Orvieto, Florence est assiégée. En outre, les principes de la philosophie humaniste de la Haute Renaissance ont été abandonnés par le protestantisme nordique, et son affrontement avec la Contre-Réforme catholique militante se profile à l’horizon.

Il n’est pas surprenant que l’effondrement de l’idéalisme de la Haute Renaissance se reflète dans le contenu dramatique, le mouvement tourbillonnant et les formes déformées de la fresque de Michel-Ange «Le Jugement dernier» (1534-41) sur le mur du retable de la chapelle Sixtine - aujourd’hui considérée comme le plus grand chef-d’œuvre de l’art religieux du XVIe siècle. Immédiatement après sa découverte en 1541, la fresque est devenue un modèle pour les jeunes artistes. En 1586, le peintre Armenini se souvient qu’alors qu’il peignait dans la chapelle Sixtine, il avait entendu des discussions sur les moindres détails de l’œuvre de Michel-Ange. Elle devint une école d’anatomie, le meilleur endroit à Rome pour étudier le nu masculin la figure».

Transmettant l’ambiance du moment avec son Dieu du Jugement dernier «tonitruant», qui semble plus préoccupé de condamner la race humaine que d’accueillir les bienheureux au ciel, Michel-Ange achève les deux dernières fresques de la chapelle Farnèse personnelle du pape Paul III ) chapelle Paolina). - Conversion de saint Paul et Crucifixion de saint Pierre . Les figures de ces œuvres sont encore plus maniéristes que celles du «Jugement dernier». Compte tenu de ses doutes esthétiques et spirituels, il n’est pas surprenant qu’au cours des 20 dernières années de sa vie, Michel-Ange ait largement abandonné la peinture et la sculpture pour se concentrer sur l’architecture .

Les idéaux de la Haute Renaissance en dehors de Rome et de Florence

Les idéaux ou l’esthétique de la Haute Renaissance, illustrés par les compositions de Léonard, Raphaël et Michel-Ange, ont continué à se développer en dehors des deux grands centres que sont Rome et Florence. Par exemple, à Parme , Correggio (1489-1534) est fortement influencé par Andrea Mantegna (1430-1506) et les disciples milanais de Léonard. Ses tableaux «Repos pendant la fuite en Égypte» (Offices, Florence) et «Madone à la coupe» (1525, Galerie nationale, Parme) s’inscrivent clairement dans l’esprit de la Haute Renaissance. Cependant, Corrège est probablement plus connu pour ses fresques grandioses sur le Dôme de la cathédrale de Parme (1524-30.) et de l’église San Giovanni Evangelista, qui ont servi d’excellent modèle pour les techniques d’illusionnisme de quadrature et autres trompe-l’œil de la peinture baroque tardive, ainsi que pour une série tardive de peintures maniéristes sensuelles telles que «Jupiter et Io» (1532-3, Kunsthistorisches Museum, Vienne). Voir École de peinture de Parme, pour plus de détails.

La peinture vénitienne de la Haute Renaissance

À la fin du Quatrocento, la peinture vénitienne suit une voie similaire à celle de la Renaissance florentine, mais avec un parti pris vénitien. Par exemple, les Madones «» de Giovanni Bellini de 1505-10 sont stylistiquement très proches des peintures de Raphaël à Florence à peu près à la même époque. Dans son retable de San Zaccaria (» Madone sur un trône avec quatre saints») (1505), le thème de la communion sacrée acquiert une certaine saveur de Haute Renaissance.

Giovanni Bellini (1430-1516) domine la peinture vénitienne dès les années 1490, et son style exerce une grande influence sur des artistes plus jeunes comme Giorgione et Titien, ainsi que Lorenzo Lotto (1480-1556). Quoi qu’il en soit, les peintres vénitiens accordaient traditionnellement une plus grande importance à la vivacité des couleurs (en partie grâce à leur maîtrise de la peinture à l’huile) ainsi qu’à l’expression de la composition - contrairement au style classique plus raréfié de la peinture adoptée à Rome.

Pour en savoir plus sur les retables de la Haute Renaissance, voir Retables vénitiens (vers 1500-1600) ; pour les portraits, voir Peinture vénitienne de portraits (vers 1400-1600). Voir aussi : Titien et la peinture en couleurs vénitienne (v. 1500-76). Voir aussi : L’héritage de la peinture vénitienne dans l’art européen.

Giorgione (1477-1510)

Giorgione a beaucoup appris de Bellini, mais il a ensuite largement dépassé son maître en produisant un type de paysage lyrique qui ne peut être comparé qu’à de la poésie pastorale. Au cours de sa courte carrière, ce jeune artiste pionnier a donné à ses contemporains un cours magistral sur l’utilisation de la peinture à l’huile pour créer l’illusion de la texture et de la lumière dans ses tableaux.

Sa première œuvre, «La Vierge à l’enfant et les saints François et Lépreux» (vers 1504, cathédrale de Castelfranco), emprunte beaucoup à Bellini. Quelques années plus tard, cependant, Giorgione passe de ce style de peinture à la peinture mystérieuse et inquiétante «Bure» (vers 1505.), Galerie de l’Académie de Venise), à la lyrique «Vénus endormie» (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde) et à la rêveuse «Concerto pastoral» (v. 1510, Louvre).

L’amour du Vénitien pour les textures est évident dans le dernier tableau : il capture avec précision les textures contrastées de la chair, du tissu, de la pierre, du bois et du feuillage. La lumière douce et diffuse de Giorgione, combinée à la douceur du paysage - collines ondulantes et contours nets lointains - crée une atmosphère tout à fait pastorale : une technique qui est devenue caractéristique de la peinture vénitienne du XVIe siècle et d’une grande importance pour le développement de l’art baroque .

Titien (v. 1488-1576)

L’influence de Giorgione sur l’art vénitien fut immédiate, et sur aucun autre plus importante que celle du Titien. Sans être un élève de Giorgione, il coopère avec lui dans le même projet et exécute un certain nombre de ses tableaux.

Dans le tableau «Amour sacré et amour obscène» (1512-15, Galleria Borghese, Rome), Titien se montre capable de rivaliser avec Giorgione en utilisant les techniques de la peinture de ce dernier. Si l’influence de Giorgione est particulièrement sensible dans les peintures profanes de Titien, celle de Bellini l’est dans ses peintures religieuses, et il continue à être le maître et le rival de Titien jusqu’à sa mort en 1516 - quelque six ans après celle de Giorgione - quand Titien lui-même devient une figure de proue de la peinture vénitienne.

L’Assomption de la Vierge» (1516-18, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venise) de Titien, inspirée «, le consacre comme le successeur de Bellini. Reflétant l’amour vénitien de la couleur en peinture, de l’équilibre et du mouvement, malgré quelques éléments maniéristes évidents, elle est comparable à «l’école athénienne» de Raphaël, tant par sa conception que par sa grandeur.

«Assomption» - ainsi que «Amour sacré et indécent» (1512-15), «Mise au tombeau du Christ» (1523-26, Louvre, Paris) et «Madone Pesar» (1519-26 ; Santa Maria dei Frari) - illustrent la contribution de Titien à l’art de la Haute Renaissance. Après 40 ans, à l’exception de quelques compositions calmes comme «Vénus d’Urbino» (1538, Uffizi, Florence), Titien s’éloigne de plus en plus de l’idiome de la Haute Renaissance.

Les portraits de Titien sont dérivés, mais distinctement vénitiens. Son chef-d’œuvre Le pape Paul III avec ses petits-enfants (les cardinaux Alessandro, Ottavio Farnese) (1546, Museo Capodimonte, Naples), rivalisant consciemment avec le «Le pape Léon X avec les cardinaux» (Giulio de’ Medici et Luigi de Rossi) (vers 1518, Galleria Palatina, Naples), est une œuvre de Raphaël. 1518, Galleria Palatina, Palais Pitti, Florence) - montre clairement que la peinture vénitienne n’est pas inférieure à la tradition florentine et romaine. Ses «Danois avec nourrice» (v. 1553, Prado, Madrid) placent le colorisme sensuel de la peinture vénitienne au même niveau que la tradition sculpturale de Michel-Ange, comme les historiens le jugeront plus tard.

Dans les dernières œuvres de Titien, la peinture à l’huile atteint de nouveaux sommets. Ses techniques picturales comprennent : l’utilisation complète de croquis et de dessins préparatoires, ce qui lui permet de créer des tableaux qui semblent avoir été peints dans la chaleur de l’inspiration ; l’utilisation de taches de couleur librement juxtaposées ; la peinture appliquée librement et négligemment avec un pinceau et ensuite affinée avec les doigts.

Deux œuvres tardives démontrent particulièrement l’ampleur du génie de Titien. «Le Martyre de saint Laurent» (vers 1548-50, église des Jésuites, Venise), peint alors que l’artiste a 60 ans, montre tout l’enthousiasme de la jeunesse. Remarquez la perspective maniériste et l’exagération, ainsi que le travail sur la lumière, qui sont utilisés pour souligner le contenu dramatique et émotionnel du tableau.

La même intensité de drame, de lumière et de couleur se retrouve dans le tableau «L’enlèvement d’Europe» (vers 1559-62 ; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), un style qui anticipe l’œuvre de Rubens et le baroque. La longue carrière de peintre de Titien a eu une grande influence sur les artistes du maniérisme à Venise. Deux autres grands peintres du XVIe siècle, Paolo Veronese et Tintoret, ont repris et développé divers aspects du style de Titien.

Collections

Les fresques et les peintures à l’huile de la Haute Renaissance sont exposées dans la plupart des meilleurs musées d’art du monde, notamment dans la Galerie des Offices à Florence, dans les Musées du Vatican à Rome et dans le Palais Pitti à Florence.

CHRONOLOGIE DE L’ART VISUEL
Pour en savoir plus sur les directions et les styles artistiques, y compris toutes les périodes de la Renaissance italienne, voir : Histoire de l’art . Pour un guide chronologique, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .