Illuminations gothiques internationales:
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Les manuscrits enluminés de style gothique international furent les derniers des grandes enluminures européennes : une tradition commencée en Irlande avec le Cathach (hagiographie) de St Columba (vers 610), le Book of Darrow (vers 680). 610), le Livre de Darrow (vers 680), les Évangiles de Lindyfarne et Echternach (tous deux vers 700), et l’immortel Livre de Kells (vers 800). L’histoire des manuscrits enluminés s’est ensuite déplacée vers l’Angleterre médiévale et le continent, où se sont développés l’art carolingien (vers 750-900) et l’art ottoman (vers 900-1050), inspirés par la décoration des Évangiles (vers 750-900) et l’art ottoman (vers 900-1050). L’architecture des églises gothiques, avec ses magnifiques vitraux, a donné naissance à son propre style d’enluminure, illustré par le Bréviaire de Belleville (1323-26) et la Chapelle de Jeanne d’Heureux (1328) de Jean Pucel.

Pour les détails des premières enluminures bibliques, voir L’Évangile de Garima d’Éthiopie.

Une série d’essais sur l’enluminure médiévale
❶ L’enluminure médiévale (c.1000-1500)
❷ Les manuscrits enluminés romans (c.1000-1150)
❸ Les manuscrits enluminés gothiques (c.1150-1350)
❹ La peinture gothique internationale sur livre (c.1375-1450)

La fabrication des manuscrits enluminés a changé au cours de ces sept siècles , mais pas beaucoup. De nombreux matériaux et techniques sont restés les mêmes, bien que les artistes médiévaux soient devenus plus habiles et que la taille des livres ait changé. Au début, il n’était pas rare de trouver des évangiles de cérémonie reliés avec des bijoux et des métaux précieux. Au XIVe siècle, les psautiers, les livres d’heures et autres petits objets de piété étaient les plus demandés. L’émergence du gothique international est le lien entre l’art médiéval et le nouveau style italien connu sous le nom d’art de la Renaissance .

Caractérisation du style gothique international

La naissance d’un mouvement artistique international est souvent le résultat naturel de liens politiques étroits entre les Etats. En 1348, Charles IV de Bohême devient empereur d’Allemagne. Sa mère était française, il a été éduqué en France et a épousé une princesse française. C’est à cette époque que Prague devient un centre culturel international. Les humanistes italiens Rienzo et Pétrarque sont invités à l’université, qui s’inspire de l’université de Paris et de l’université de Bologne.

Parmi les artistes convoqués par l’empereur, on trouve le tailleur de pierre Matthieu d’Arras pour la cathédrale de Prague, le joaillier Johann Gallicus et le peintre italien Tommaso da Modena. Matthieu d’Arras avait déjà travaillé à la cour papale d’Avignon. En 1382, Anne de Bohême devint l’épouse de Richard II, et de nombreux éléments indiquent qu’elle emmena des peintres bohémiens avec elle en Angleterre.

La nature cosmopolite du travail des artistes est également visible dans la construction de la cathédrale de Milan, où des architectes français et allemands ont collaboré avec les Lombards pour le compte de la famille Visconti. L’un des aspects intéressants du style gothique international est qu’aucune ville ni même aucun pays ne peut en revendiquer l’origine. Il semble s’agir d’un mouvement qui s’est développé simultanément en plusieurs endroits, probablement à partir de la fusion de différentes idées.

Le style gothique international de la peinture se caractérise par une compréhension plus profonde, une nouvelle appréciation de la nature. Les artistes inventent de nouveaux idéaux, une nouvelle esthétique et remplissent leurs pages de détails remarquablement précis. Il s’agit essentiellement d’un art conçu pour l’aristocrate, avec ses plaisirs mondains, ses beaux chevaux et ses châteaux de contes de fées qui se reflètent dans les tableaux. Cependant, il ne s’agit pas d’une superficialité vide, car le nouvel art chrétien est imprégné d’un profond mysticisme pieux.

Paris, le plus important centre culturel de l’art médiéval tardif , a attiré de nombreux artistes étrangers. Dans les dernières années du XIVe siècle, des Italiens y ont certainement travaillé, notamment Zenobo da Firenze, qui a décoré la chapelle de Charles, roi de Navarre, et les artistes qui se sont rassemblés autour de la poétesse italienne Christina de Pisan.

Le principal courant d’immigration est cependant venu du nord. Parmi eux se trouve Jean Bondol, un peintre né à Bruges et actif à Paris de 1368 à 1381. Il est généralement considéré comme le même artiste que Maître des Bosquets, ainsi nommé en raison de son utilisation de petits bouquets d’arbres. Son illustration du De Civitate Dei de saint Augustin (Paris, Bibliothèque nationale) est dépourvue de ses paysages caractéristiques, mais son dessin de figures révèle une nouvelle compréhension et un nouveau sens du volume de la figure humaine.

En tant que centre d’illustration de livres , l’importance de Paris s’est temporairement affaiblie face à l’immense mécénat des ducs de Bourgogne. En 1361, les terres bourguignonnes tombent dans l’escarcelle de la couronne de France et sont données par le roi à son fils Philippe le Hardi, frère du futur roi Charles Quint. Ce duc épousa Marguerite, fille du comte de Flandre, et hérita de toute la Flandre en 1384. Des sculpteurs, peintres et joailliers flamands affluent à sa cour de Dijon, parmi lesquels Claus Sluiter, sculpteur des célèbres portes de la Chartreuse de Champolles et du Puy de Moise.

Le frère cadet de Philippe le Hardi, Jean, duc de Berry, était également un grand mécène et était très attentif à la réalisation de ses livres. Il y dessinait souvent des scènes supplémentaires et, à en juger par le grand nombre de livres inachevés dans sa bibliothèque, on peut supposer qu’il n’avait souvent pas la patience d’attendre qu’ils soient terminés! Véritable connaisseur, il rivalisait avec son frère Philippe le Hardi pour attirer les meilleurs artistes.

Les illustrations de «Trois beaux jours» à Bruxelles (Bibliothèque royale) ont été exécutées par le peintre flamand Jacquemart de Esden (v. 1355-1414), qui fut peintre de la cour du duc de Berry en 1402. Parmi les peintures, on trouve une Vierge à l’Enfant» d’une beauté exquise «. Face à un chœur d’anges, la Vierge est assise sur un trône à haut dossier et allaite l’Enfant, qui se tortille impatiemment sur ses genoux. C’est une Madone pleine de grâce terrestre et d’humanité, une scène touchante de mère et d’enfant. Les draperies tombent en plis doux et lourds sur le sol et sur le fauteuil. Le caractère international est évident dans la petite bouche et les yeux en amande caractéristiques de la peinture siennoise , et dans les doigts longs et fins caractéristiques de la Bohême. La grâce et la tranquillité de la page sont renforcées par une bordure discrète de petits oiseaux et de papillons reposant sur le feuillage fleuri.

En 1409, Jacquemart de Esden disparaît des cercles de la cour et sa place est prise par les trois frères de Limbourg - Paul, Jean et Herman de Limbourg. Leur chef-d’œuvre est la Sentinelle magnifique du duc de Berry (dans l’original «Trois riches nuits du duc de Berry», aujourd’hui conservé au Musée Condé, Chantilly), peut-être l’une des plus grandes œuvres de la peinture française produites au cours du quinzième siècle. Le calendrier, qui précède «le livre d’heures», est représenté en demi-cercle en haut de chacune des douze pages, et est décoré des signes du zodiaque sur un fond de ciel étoilé. Les travaux habituels des mois sont remplacés par des scènes représentant le duc lui-même en train de s’occuper de ses affaires de cour. En décembre, on assiste à une chasse au cerf, les chiens traquant leur proie dans un bosquet, et en janvier, le noble duc reçoit ses amis. Un somptueux festin est étalé devant eux, le vin coule dans des flûtes dorées et l’hôte invite ses invités à s’approcher. La peinture des figures est très élaborée et toutes les scènes ont une qualité intrigante de détails intimes. Les costumes de cour et les manières des riches peuvent être étudiés en profondeur.

La caractéristique la plus remarquable de ce livre est le progrès presque incroyable dans le développement de la peinture de paysage . Soudain, de vastes étendues s’ouvrent devant nous, s’étirant au loin ; des châteaux et des arbres sont peints avec amour, et le ciel pâlit à mesure qu’il touche l’horizon. Une compréhension nouvelle, sinon complète, de la perspective picturale émerge, dont la source doit être l’Italie. L’italianité omniprésente se retrouve dans les solutions architecturales, avec des détails réels tirés de la cathédrale de Milan. Il n’y a aucune raison de croire que les frères de Limbourg se sont rendus en Italie, mais ils ont dû être en contact étroit avec des artistes italiens travaillant à Paris avant leur arrivée à la cour de Jean, duc de Berry. Il faudra attendre l’apparition de grands maîtres flamands comme Jan van Eyck (1380/90-1441) pour voir réapparaître de si beaux exemples de peinture de paysage.

En fait, les van Eyck pourraient bien avoir connu l’art religieux des frères de Limbourg, même s’ils ne connaissaient pas les artistes eux-mêmes. Le livre Tres Belles Heures de Notre Dame («Le Beau Livre des Heures Turin-Milan») était l’un des livres de la bibliothèque du duc de Berry laissés inachevés à sa mort. Il a été achevé après sa mort, et les ajouts qui y ont été faits posent un problème intéressant. Le livre fut ensuite divisé en trois parties entre Paris, Milan et Turin. La partie turinoise a été détruite par un incendie en 1904, mais la partie milanaise, qui se trouve curieusement aujourd’hui à Turin, contient des illustrations d’une grande qualité qui pourraient bien être l’œuvre d’Hubert van Eyck.

La technique de la grisaille, une forme de peinture monochrome dans des tons de gris ou de brun avec des blancs intensifiés, prend de l’importance à cette époque. Dans «La Demeure de la Sainte Vierge» (Turin, Museo Civico), on trouve des illustrations de ce type, avec la Vierge et l’Enfant représentés comme à travers une fenêtre. Il s’agit probablement d’une œuvre d’enluminure flamande, et l’essentiel du drapé est dominé par la lourdeur sculpturale caractéristique de Klaus Sluter.

Le duc de Berry n’était pas le seul à faire de l’enluminure son grand mécène. De nombreux chevaliers et nobles voulaient de beaux livres pour leur usage personnel. Parmi eux, Jean le Meingre, maréchal de Boucicault. Il engagea un artiste anonyme connu sous le nom de Maître de Boucicault, dont l’œuvre majeure est la Chapelle (Paris, Musée Jacquemart-André), exécutée entre 1410 et 1415. N’oublions pas que nous sommes encore à la grande époque de la chevalerie et du romantisme. Le Maréchal de Boucicault fut l’un des derniers croisés et Chaucer le décrit bien dans «verray parfit gentil chevalier». Chaucer inclut l’épisode «Saint Georges et le dragon», un sujet romantique sans doute proche du cœur d’un tel héros. L’artiste fait preuve d’un style pictural et d’un sens inné de la perspective linéaire . Les horizons sont encore démesurément hauts, mais l’artiste lutte pour un sentiment de recul en utilisant des chemins sinueux et des falaises pour masquer ses limites.

Maître Boucicault aurait travaillé avec le maître de Bedford sur le manuscrit enluminé Livre de Merveilles (Paris, Bibliothèque Nationale), relatant les voyages de Marco Polo en Orient. Le Maître de Bedford est un autre artiste dont le nom est inconnu ; il travailla de 1424 à 1435 pour John Lancaster, duc de Bedford, qui avait été nommé régent de la couronne d’Angleterre en France.

Parmi les livres qu’il a commandés, citons le Bréviaire de Bedford (Paris, Bibliothèque nationale) et le Livre d’heures (Londres, British Museum). Le livre d’heures contient un portrait de la duchesse de Bedford offrant ses courbettes à la Madone. Saint-Georges et le dragon se retrouvent dans le Bréviaire. Ces volumes se caractérisent par une extraordinaire richesse décorative : de nombreuses pages représentent des scènes subsidiaires autour du sujet principal, et les espaces sont remplis d’un riche feuillage. La comparaison des peintures de Bedford et de Boucicault «Saint-Georges et le dragon» est intéressante. Elle montre que le maître de Bedford a un plus grand sens de la décoration ; les expressions du visage sont moins significatives pour lui, mais ses scènes sont imprégnées d’une lumière atmosphérique harmonieuse.

Un autre frère du roi Charles V, le duc d’Anjou, et sa duchesse Yolanda d’Aragon étaient des collectionneurs de manuscrits enluminés. Vers 1414, un artiste connu sous le nom de Maître de Rohan entra au service du duc. Parmi ses œuvres figure l’horloge dite de Rohan (Paris, Bibliothèque nationale). Le maître de Rohan a été formé à Paris et a travaillé en étroite collaboration avec les maîtres Bedford et Boucicault. Il était peut-être originaire d’Espagne, où vivait la duchesse Yolande, et les peintures qu’il exécuta après son arrivée à la cour de la dynastie d’Anjou sont certainement très différentes de celles de ses contemporains parisiens.

Dans la chapelle de Rohan, les Vêpres s’ouvrent sur le tableau «La fuite en Égypte». L’artiste s’éloigne ici du style en vogue à l’époque de sa collaboration avec les maîtres parisiens et passe à quelque chose de plus personnel. Les visages inexpressifs des personnages du Maître de Bedford sont remplacés par des traits qui expriment avec force les émotions des personnages. Il met l’accent sur les personnages principaux de l’histoire en les rendant beaucoup plus grands que les autres ; dans la partie centrale de cette scène, ils sont représentés plus grands que les chasseurs au premier plan.

Contrairement aux figures gracieuses et idéalisées du maître de Bedford, les maîtres de Rohan sont plus bas et plus robustes, et beaucoup moins conscients d’eux-mêmes. Ce style plaisait à la duchesse d’Espagne, et c’est d’ailleurs dans les œuvres gothiques du Languedoc et de la Catalogne que l’on trouve les comparaisons les plus étroites avec ce style. En Provence, où régnait René d’Anjou, l’un des principaux enlumineurs était Engerrand de Charenton (Cuarton) (c. 1410-1466), créateur «de la Pietà d’Avignon» (1454-6, Louvre).

Les enluminures gothiques internationales en Angleterre

Le rôle de l’Angleterre dans la formation du style gothique international peut être retracé dès 1377 dans des livres écrits pour la maison royale. Le Livre du couronnement de Richard II (Londres, Abbaye de Westminster) est étroitement lié à la Bible de Wenzel, écrite pour le beau-frère de Richard, Wenzel de Bohême. Un certain nombre de manuscrits de la fin du XIVe siècle comportent des annotations en bas-allemand, probablement rédigées par des enlumineurs amenés par la reine de Richard.

La Grande Crucifixion du Missel, écrite pour Robert Lightlington, abbé de Westminster (Londres, Abbaye de Westminster), peut également se comparer favorablement aux meilleurs manuscrits bohémiens de l’époque, mais d’autres styles ont fait impression sur la scène anglaise.

Le nom d’un frère dominicain anglais, John Cypher, apparaît dans le Sherborne Missal (collection du duc de Northumberland), rédigé entre 1396 et 1407. Avec Herman Scherr, il était l’un des artistes les plus en vue de l’époque. Il existe à Cambridge (Fitzwilliam Museum) un carnet de croquis qui est souvent associé à Herman Scherré. Il contient des oiseaux et des animaux, des costumes et des visages, dessinés avec le même souci du détail que Giovannino dei Grassi en Italie. Il n’y a aucun rapport entre eux, mais cette comparaison ne sert qu’à illustrer la communauté d’idées entre les artistes de deux centres géographiquement éloignés.

Le Missel des Carmes (Londres, British Museum) est un livre orné de grandes dimensions. Il est peu probable qu’Herman Scherr ait conçu ce livre lui-même, mais les illustrations sont proches de son style et révèlent un lien frappant avec les événements contemporains en Hollande. Les couleurs vives sont utilisées et les personnages sont dessinés avec des visages ronds de poupées, si caractéristiques de l’école hollandaise.

Il est caractéristique du caractère international de ce mouvement que l’une des plus belles chapelles réalisées en Angleterre ait été destinée au même Jean de Lancastre, duc de Bedford, qui avait commandé le bréviaire et la chapelle de Paris. La chapelle anglaise Bedford (Londres, British Museum) contient un très grand nombre de petites initiales historiées, dont certaines représentent des scènes de la vie du Christ. Comparées aux grandes illustrations du maître français de Bedford, elles semblent presque traditionnelles et très simples, mais le travail est exécuté avec assurance et l’artiste fait preuve d’un remarquable naturalisme à la plus petite échelle, anticipant la peinture miniature pour laquelle la cour d’Angleterre était célèbre.

L’enluminure gothique internationale en Italie

L’influence du style gothique international est si forte qu’elle touche les peintres de la première Renaissance d’Italie centrale. Même Lorenzo Ghiberti (1380-1455) en subit un moment l’influence. Certes, il doit une grande partie de son origine au peintre siennois du XIVe siècle Simone Martini (1284-1344), mais Ghiberti travaillait à Florence, où le nouvel esprit de la Première Renaissance (vers 1400-90) était de plus en plus dominant.

Il est rare de trouver un artiste italien majeur travaillant sur des manuscrits enluminés, mais à la fin du XIVe siècle à Florence, nous trouvons Lorenzo Monaco (1370-1425) travaillant dans le scriptorium monastique de Santa Maria degli Angeli. Ses premiers manuscrits reflètent la forte tradition florentine d’artistes tels que Orcagna, mais plus tard, sous l’influence du gothique international, un raffinement et une délicatesse croissante apparaissent dans son travail.

A son tour, l’influence de Lorenzo Monaco est perceptible dans une œuvre telle que le Livre de chœur, conservé à la Bibliothèque Saint-Marc de Florence. Même dans le style gothique, Lorenzo conserve une puissance narrative et une grandeur auxquelles les artistes du Nord ne pouvaient qu’aspirer. Cependant, les lignes de ses draperies sont douces et fluides, les figures grandes et élégantes, et il transmet ce sens du mysticisme introspectif qui est si caractéristique du style gothique international.

Cette nouvelle tendance trouve son plus grand écho dans les villes septentrionales de Vérone et de Milan. Les artistes du nord de l’Italie s’installent à Paris et à Prague, où ils assimilent bien sûr le nouveau style. Les artistes restés en Italie en subissent également l’influence. Giovannino dei Grassi, né vers 1370, est le représentant suprême du gothique international en Italie. Dans l’une de ses esquisses conservées à Bergame, nous pouvons voir son intérêt passionné pour l’observation des oiseaux et des animaux, qui est contrebalancé par son plaisir courtois pour les costumes et les tissus.

On pense qu’il est l’auteur du bréviaire connu sous le nom de Il Beroldo (Milan, Biblioteca Trivulziana). Dans cet ouvrage, écrit sur commande et limité à des illustrations fixes, une grande partie de sa fraîcheur d’observation est perdue, mais sa vitalité transparaît et est bien illustrée dans la petite scène de David et Goliath. Ses illustrations pour «La Divine Comédie de Dante» (Biblioteca Trivulziana) contiennent des dessins à la plume et à l’encre de moindre qualité que ceux de Grassi, mais elles soulignent à nouveau l’aspect courtois de l’art milanais.

Taccuinum Sanitas - «livre de l’esprit» avec un texte court et un grand nombre d’illustrations qui, comme le Biadaiolo de Florence, sont des sujets modestes exécutés avec une attention méticuleuse aux détails. Parmi les copies de cette œuvre peinte en Lombardie se trouve un livre qui se trouve actuellement à Paris (Bibliothèque nationale). Il contient des scènes de marchands d’huile vendant des marchandises et de tailleurs au travail. On peut supposer qu’il s’agit là d’illustrations qui ont impressionné les artistes travaillant à Paris à cette époque, car le réalisme des détails intimes est une chose puissante et importante.

La dynastie milanaise des Visconti entretenait des liens politiques étroits avec les ducs de Bourgogne. La principale réalisation artistique des Visconti fut la construction de la cathédrale de Milan sous leur patronage. Ils ne négligeaient pas les manuscrits, et parmi les artistes qui y travaillaient figurait Michelino da Besozzo . C’est à lui qu’appartient le frontispice de l’Oratorio funèbre écrit en l’honneur de Gian Galeazzo Visconti (Paris, Bibliothèque nationale).

Forme idéalisée et élégance éthérée se conjuguent dans la scène de l’hommage de Gian Galeazzo à l’Enfant Jésus avec une telle perfection que Michelino peut être comparé aux meilleurs peintres français et flamands de l’époque. Le Missel d’hiver des Visconti (Milan, Bibliothèque Ambrosienne) a été enluminé pour eux par un certain Anovelo da Imbonate. Comparé aux meilleures œuvres lombardes, ce missel est illustré de façon plutôt monotone, et dans l’abondance des détails décoratifs de cour, la nationalité de l’artiste est à peine perceptible.

Pendant longtemps la peinture vénitienne a été en contact étroit avec l’art byzantin, et ce n’est qu’à la fin du XIIIe siècle qu’un style indépendant s’est formé. Peu de livres religieux de cette période nous sont parvenus, et nous devons retracer l’évolution stylistique dans les Mariegole - livres consacrés à la fondation de guildes - et d’autres ouvrages profanes. Encore fortement influencés par les exemples byzantins, les artistes s’inspirent de diverses sources et les combinent dans un style propre peu satisfaisant. Vers la fin du XIVe siècle, une nouvelle vague d’influence venue du Nord se fait jour, qui revitalise leur art.

Les enluminures gothiques internationales en Bohême

Dans la première moitié du XIVe siècle, les centres artistiques de Bohême étaient suffisamment préparés à la grande floraison de l’enluminure manuscrite après 1350. Les conséquences importantes de la fondation de l’Université de Prague ont déjà été mentionnées. C’est à ce moment-là que la Bohême s’est retrouvée au premier plan du développement artistique et qu’elle y est restée pendant un demi-siècle.

Un bon exemple de la transition vers le nouveau style est l’illustration de l’Histoire du Nouveau Testament» (Munich, Staatsbibliothek). Elle montre le Christ et Marie-Madeleine dans un jardin fermé par un portillon. Il s’agit d’un exemple précoce d’un sujet qui devint très populaire dans l’Allemagne du XVe siècle. Les personnages sont bien campés sur le sol et l’on aperçoit de petits bouquets d’arbres à l’extérieur de la clôture, ce qui rappelle l’art de Jean Pucel (1290-1334), le grand enlumineur gothique.

Le chancelier de Charles IV s’appelait Jean de Streda, ou Jean de Neumarkt. C’est peut-être lui qui est à l’origine de la visite de Pétrarque à Prague, et ils ont sans doute correspondu. Le Liber Viaticus de Jean de Streda est un bréviaire spécialement écrit pour le voyage, conservé à la Bibliothèque nationale de Prague. Il a été rédigé vers 1360 et contient des initiales historicisées dans un style clairement basé sur des prototypes italiens.

Les figures sont clairement construites et bien espacées, et le feuillage d’acanthe de l’école bolonaise apparaît dans les bordures - Note : à ne pas confondre avec l’école bolonaise de la période baroque fondée par Annibale Carracci. La Laus Mariae de Konrad von Heinburg (Prague, Bibliothèque nationale) est étroitement liée au Liber Viaticus . La Purification dans le temple témoigne à nouveau de cette ambitieuse tentative de construction de l’espace. Les courbes douces et inclinées de la draperie ne dissimulent pas les formes cachées en dessous, et l’impression générale est celle d’une douceur arrondie.

La même main est évidente dans les illustrations de la «Théséide» de Boccace (Vienne, Bibliothèque nationale), où l’on voit un artiste habile à illustrer des récits vivants et endiablés. Adhérant aux vieux idéaux chevaleresques du XIVe siècle, René d’Anjou fonde l’ordre des chevaliers de Saint-Maurice, et son intérêt pour les traditions de la cour se manifeste dans le Livre des tournois» (Paris, Bibliothèque nationale), écrit par lui en 1460-1465 «(Paris, Bibliothèque nationale), dans lequel il décrit en détail tous les détails des cérémonies chevaleresques.