Illuminations gothiques internationales: histoire, caractéristiques Automatique traduire
REMARQUE: pour plus de détails sur
plus anciennes illuminations bibliques,
voir le Evangiles Garima
d’Ethiopie.
Série de peintures de livres médiévaux
❶ Illumination de manuscrit médiéval (c.1000-1500)
❷ Manuscrits romans enluminés (c.1000-1150)
❸ Manuscrits enluminés gothiques (c.1150-1350)
❹ peintures internationales de livres gothiques (c.1375-1450)
Histoire
le Manuscrits enluminés du gothique international sont les dernières des grandes enluminures européennes: une tradition qui a débuté en Irlande avec la Cathach of Columba (c.610), le Livre de Durrow (c.680), le Évangiles de Lindifarne et le Evangiles d’Echternach (également appelés évangiles de Saint Willibrord) (tous deux d’environ 700) et l’immortel Livre de Kells (c.800). le histoire des manuscrits enluminés nous a ensuite emmenés dans l’Angleterre médiévale et le continent, où Art carolingien (c.750-900) et Art Ottonien (c.900-1050) – inspiré par l’esthétique décorative de Byzance – nous a conduit au style plus large de Peinture romane, avant l’église gothique – avec son glorieux art du vitrail – déclenche son propre style d’illuminations, illustré par des œuvres telles que Bréviaire de Belleville (1323-26) et le Heures de Jeanne d’Evreux (1328) de Jean Pucelle.
Au cours de ces sept siècles, le fabrication de manuscrits enluminés avait changé, mais pas tellement. De nombreux matériaux et techniques sont restés les mêmes, bien que artistes médiévaux était devenu plus habile et la taille des livres avait changé. Au début, les évangiles de cérémonie liés avec bijoux et les métaux précieux n’étaient pas rares. Au XIVe siècle, les psautiers, les livres d’heures et autres objets de dévotion à petite échelle étaient les objets les plus recherchés. L’avènement du gothique international servirait de pont entre l’art médiéval et le nouvel idiome italien connu sous le nom de Art de la Renaissance.
Caractéristiques du style gothique international
La naissance d’un mouvement international en art est souvent le résultat naturel de liens politiques étroits entre les nations. En 1348, Charles IV de Bohême devint empereur d’Allemagne. Sa mère était française, il avait fait ses études en France et s’était marié avec une princesse française. L’ascendance de Prague en tant que centre international de la culture date de cette période et l’Université, basée sur celles de Paris et de Bologne, a accueilli les humanistes italiens Rienzo et Pétrarque. Parmi les artistes convoqués par l’empereur se trouvaient le maçon Matthieu d’Arras pour travailler sur la cathédrale de Prague, l’orfèvre Johannes Gallicus et le peintre italien Tommaso da Modena. Matthieu d’Arras avait auparavant été employé par la cour papale à Avignon. En 1382, Anne de Bohême est devenue l’épouse de Richard II et il est amplement prouvé qu’elle a amené des artistes de Bohême avec elle en Angleterre. L’emploi cosmopolite des artistes est également visible dans le bâtiment de la cathédrale de Milan, où des architectes français et allemands ont coopéré avec Lombards à la demande de la famille Visconti. Un aspect fascinant du style gothique international est qu’aucune ville, ni même pays, ne peut revendiquer des droits d’origine uniques. Il semble que ce soit un mouvement qui se soit développé simultanément à plusieurs endroits à la fois, vraisemblablement au confluent de différentes idées.
Le style gothique international de La peinture se caractérise par une compréhension plus profonde, une nouvelle appréciation de la nature. Les artistes conçoivent de nouveaux idéaux, de nouveaux esthétique et remplissent leurs pages avec des détails merveilleusement précis. C’est essentiellement un art destiné à l’aristocrate avec ses plaisirs mondains, ses beaux chevaux et ses châteaux de conte de fées reflétés dans les peintures. Cependant, ce n’est pas une superficialité vide, pour cette nouvelle Art chrétien est imprégné d’un mysticisme profondément dévotionnel.
Illuminations gothiques internationales en France
Paris, centre culturel extrêmement important de la fin de art médiéval, a attiré de nombreux artistes de l’étranger. Il y avait certainement des Italiens qui travaillaient là pendant les dernières années du XIVe siècle, notamment Zenobo da Firenze , qui a illuminé un livre d’heures pour Charles, roi de Navarre, et les artistes réunis autour de la poétesse italienne Christine de Pisan. Le flux d’immigrants principal venait toutefois du nord. Parmi eux se trouvait Jean Bondol , artiste né à Bruges et travaillant à Paris de 1368 à 1381. On pense généralement que cet homme est le même artiste que le Maître des Bosquets , ainsi appelé en raison de son utilisation de petites touffes d’arbres. Son illustration pour De Civitate Dei de Saint-Augustin (Paris, Bibliothèque Nationale) ne montre pas ses paysages caractéristiques, mais dessin de la figure révèle une nouvelle compréhension et un sens du volume de la figure humaine.
En tant que centre du livre illustration l’importance de Paris s’est estompée temporairement devant le grand patronage des ducs de Bourgogne. En 1361, les terres de Bourgogne revinrent à la couronne française et furent cédées par le roi à son fils Philippe le Hardi, frère du futur roi Charles V. Ce duc épousa Margaret, fille du comte de Flandre, et en 1384, il hérita l’ensemble de la Flandre. Sculpteurs, peintres et orfèvres flamands se sont rassemblés à sa cour à Dijon, parmi eux Claus Sluter, le sculpteur de la célèbre porte de la Chartreuse de Champmol et des Puits de Moise.
Le frère cadet de Philippe le Téméraire, Jean, duc de Berry, était également un grand mécène et s’intéressait de très près à la production de ses livres. Il y avait souvent des scènes supplémentaires peintes, et à en juger par le grand nombre de livres inachevés de sa bibliothèque, nous devons supposer qu’il n’avait souvent pas la patience d’attendre leur achèvement! Véritable connaisseur, il rivalisa avec son frère Philip le Téméraire pour le recrutement des plus grands artistes.
La Tres Belles Heures à Bruxelles (Bibliothèque Royale) a été illustrée par l’artiste flamand Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414), peintre de la cour du duc de Berry en 1402. Les peintures comprennent une Vierge à l’Enfant d’une beauté exquise. Sur fond de choeur d’anges, la Vierge est assise sur un trône aux côtés élevés alors qu’elle allaite l’enfant, qui s’agite avec impatience sur les genoux. C’est une Madone pleine de grâce terrestre et d’humanité, une scène touchante de mère et enfant. Les tentures tombent au sol et sur la chaise dans des plis doux et lourds. Le caractère «international» se voit dans la petite bouche et les yeux en amande typiques de Peinture siennoise et dans les longs doigts fins caractéristiques de la Bohême. La grâce et la sérénité de la page sont renforcées par une bordure sobre avec de petits oiseaux et des papillons reposant sur le feuillage fleuri.
Jacquemart de Hesdin a disparu de la cour en 1409 et a été remplacé par les trois frères limbourgeois Pol, Jean et Herman de Limbourg. Leur chef d’oeuvre était le Tres Riches Heures du Duc de Berry (maintenant dans le Musée Condé, Chantilly), sans doute l’une des plus grandes œuvres de Peinture française produit au 15ème siècle. Le calendrier qui précède les heures est représenté par un demi-cercle au sommet de chacune des douze pages et est orné des signes du zodiaque sur un ciel étoilé. Les travaux habituels des mois sont remplacés par des scènes du duc lui-même, abordant ses poursuites courtoises. Décembre montre une chasse au cerf, les chiens à l’abattoir devant un bosquet boisé, et janvier montre le noble duc divertissant ses amis. Un festin somptueux se déroule devant eux, le vin coule d’aiguières dorées et l’hôte demande à ses invités de s’approcher. le peinture de la figure est très complexe et toutes les scènes ont cette qualité intriguante de détail intime. Les costumes de cour et les mœurs des riches peuvent être minutieusement étudiés.
La caractéristique la plus remarquable de ce livre est l’avancée presque incroyable faite dans le développement de peinture de paysage. Soudain, nous avons de grands panoramas qui s’éloignent au loin; les châteaux et les arbres sont dessinés avec soin et le ciel pâlit au contact de l’horizon. Il existe une nouvelle compréhension, sinon complète, de la perspective picturale, qui doit provenir de l’Italie. Un italianisme omniprésent est évident dans les cadres architecturaux, avec des détails réels empruntés à la cathédrale de Milan. Il n’y a aucune raison de penser que les frères de Limbourg se soient rendus en Italie, mais ils ont dû avoir des contacts étroits avec les artistes italiens travaillant à Paris avant de se rendre à la cour de Jean, duc de Berry. On ne reverra plus jamais de tels exemples de peinture de paysage avant l’apparition de grands maîtres flamands tels que Jan van Eyck (1380 / 90-1441).
En fait, la fourgonnette Eycks a peut-être connu le art religieux des frères Limbourg, même s’ils ne connaissaient pas les artistes eux-mêmes. Les Tres Belles Heures de Notre-Dame étaient l’un des livres de la bibliothèque du duc de Berry qui n’a pas été achevé à sa mort. Il a été achevé après sa mort et les ajouts posent un problème tentant. Le livre a ensuite été divisé en trois parties entre Paris, Milan et Turin. Un incendie a détruit la partie turinoise en 1904, mais la partie milanaise, qui porte à confusion, contient maintenant des illustrations au bas des pages qui sont d’une qualité extrêmement fine et qui pourraient bien être l’œuvre de Hubert van Eyck.
Technique grisaille, une forme de peinture monochrome dans les tons de gris ou de brun avec des rehauts de blanc devient importante à cette date. Les Bureaux de la Sainte Vierge (Turin, Museo Civico) possèdent des illustrations de ce type et la Vierge et l’Enfant sont montrés comme s’ils étaient vus à travers une fenêtre. C’est probablement une œuvre d’illumination flamande, et le poids sculptural caractéristique de Claus Sluter est prédominant dans la plupart des draperies.
Le duc de Berry n’était pas seul dans son grand patronage d’enlumineurs. Beaucoup de chevaliers et de nobles voulaient de beaux livres pour leur usage personnel. Parmi eux se trouvait Jean le Meingre, maréchal de Boucicaut. Il employa un artiste anonyme, connu sous le nom de Maître de Boucicaut , dont le travail principal était un livre d’heures (Paris, Musée Jacquemart André) exécuté entre 1410 et 1415. Il ne faut pas oublier que nous sommes encore au grand âge de la chevalerie et romance. Le maréchal de Boucicaut fut l’un des derniers croisés et le verray parfit gentil knight de Chaucer le décrit bien. Ce livre d’heures comprend l’épisode de Saint Georges et le Dragon, un sujet romantique sans aucun doute au cœur d’un tel personnage. L’artiste affiche un style pictural et un sens inné de perspective linéaire. Les horizons sont encore irréalistes, mais l’artiste lutte pour un sentiment de récession avec des chemins et des rochers tortueux pour dissimuler ses limites.
Le maître de Boucicaut semble avoir travaillé avec le maître de Bedford sur un manuscrit enluminé du Livre de Merveilles (Paris, Bibliothèque Nationale), qui relatait les voyages de Marco Polo vers l’Est. Bedford Master est encore un autre artiste dont le nom est inconnu; il travailla de 1424 à 1435 environ pour le duc de Bedford, Jean de Lancaster, qui avait été nommé régent de la couronne anglaise en France. Parmi les livres qu’il a commandés figurent le Bréviaire de Bedford (Paris, Bibliothèque Nationale) et un livre d’heures (Londres, British Museum). Le livre des heures contient un portrait de la duchesse de Bedford offrant son dévouement à la Vierge Marie. St George et le Dragon se reproduisent dans le bréviaire. Ces volumes se caractérisent par une extrême richesse de décoration; beaucoup de pages ont des scènes subsidiaires autour du sujet principal, et les espaces sont remplis de riches guirlandes de feuillage. Une comparaison entre les peintures de St George et du Dragon de Bedford et de Boucicaut est intéressante. Cela montre que le maître de Bedford a un plus grand sens de la décoration; les expressions faciales ont moins de sens pour lui, mais ses scènes sont imprégnées d’une lumière atmosphérique harmonieuse.
Encore un autre frère du roi Charles V, le duc d’Anjou, et sa duchesse, Yolande d’Aragon, étaient des collectionneurs de manuscrits enluminés. Vers 1414, un artiste connu sous le nom de maître Rohan entra au service du duc. Parmi ses œuvres, il y a les soi-disant Heures Rohan (Paris, Bibliothèque Nationale). Le maître Rohan avait été formé à Paris et travaillait en étroite collaboration avec le maître de Bedford et le maître Boucicaut. Il est peut-être originaire d’Espagne, où réside la duchesse Yolande, et les peintures qu’il a exécutées après son entrée à la cour angevine sont certainement très différentes de celles de ses contemporains parisiens. Dans le livre des heures Rohan, les vêpres commencent par un tableau de la fuite en Égypte. Ici, l’artiste s’est éloigné du style à la mode de l’époque de son association avec les maîtres parisiens pour
beaucoup plus personnel. Il remplace les visages inexpressifs des personnages du maître Bedford par des traits qui montrent clairement les fortes émotions des personnages. Il distingue les personnages principaux de l’histoire en les rendant beaucoup plus grands que les autres; à mi-distance de cette scène, ils sont représentés plus grands que les chasseurs au premier plan. Contrairement aux figures gracieuses et idéalisées du maître Bedford, celles du maître Rohan sont plus courtes et plus robustes et beaucoup moins conscientes d’elles-mêmes. Ce style a séduit la duchesse espagnole et, en fait, les comparaisons les plus proches se trouvent dans les œuvres gothiques du Languedoc et de la Catalogne. En Provence, dirigé par René d’Anjou, l’un des principaux enlumineurs fut Enguerrand de Charenton (Quarton) (c.1410-1466), créateur de La Avignon Pieta (1454-6, Louvre).
Illuminations gothiques internationales en Angleterre
Le rôle de l’Angleterre dans le style gothique international peut être vu dès 1377 dans des livres écrits pour la maison royale. Le livre de couronnement de Richard II (Londres, l’abbaye de Westminster) a des liens étroits avec la Bible de Wenzel écrite pour le beau-frère de Richard, Wenzel of Bohemia. Un certain nombre de manuscrits de la fin du quatorzième siècle ont des notes en bas allemand, probablement écrites par des enlumineurs que la reine de Richard a apportés.
La grande crucifixion du missel écrite pour Robert Lytlington, abbé de Westminster (Londres, abbaye de Westminster), peut également être comparée favorablement aux meilleurs manuscrits bohémiens de l’époque, mais plusieurs autres styles ont également impressionné la scène anglaise.
Le nom d’un moine dominicain anglais, John Sifer , apparaît dans le Missal Sherborne (collection du duc de Northumberland) écrit entre 1396 et 1407. Lui et Herman Scherre étaient les deux artistes remarquables de l’époque. Il existe un carnet de croquis à Cambridge (Fitzwilliam Museum) souvent associé à Herman Scherre. Il contient des oiseaux et des animaux, des costumes et des visages, dessinés avec toute l’attention particulière portée aux détails que montre Giovannino dei Grassi en Italie. Il n’y a absolument aucun lien entre les deux, mais cette comparaison sert simplement à illustrer les idées communes d’artistes de deux centres géographiquement éloignés.
Le Carmelite Missel (Londres, British Museum) est un livre richement décoré. Il est peu probable qu’Herman Scherre ait lui-même décoré ce livre, mais les illustrations sont proches de son style et révèlent des liens frappants avec les développements contemporains en Hollande. Brillant Couleur est utilisé et les figures sont peintes avec les visages ronds et poupés qui étaient tellement une caractéristique de l’école hollandaise.
Le caractère international de ce mouvement est typique du fait que l’un des meilleurs livres d’horlogerie de l’Angleterre était celui de ce même Jean de Lancaster, duc de Bedford, qui avait commandé le bréviaire et le livre d’heures à Paris. Les Bedford Hours anglais (Londres, British Museum) contiennent un très grand nombre de petites initiales historiées, dont certaines contiennent des scènes de la vie du Christ. Comparées aux grandes illustrations du maître français de Bedford, celles-ci semblent presque traditionnelles et très simples, mais la manipulation est assurée et l’artiste fait preuve d’une remarquable naturalisme sur une échelle de minute, préfacer le peinture miniature pour lequel la cour anglaise deviendrait célèbre.
Illuminations gothiques internationales en Italie
L’impact du style gothique international était si fort qu’il a affecté la artistes de la première Renaissance de l’Italie centrale. Même Lorenzo Ghiberti (1380-1455) tomba momentanément sous son influence. Certes, ses origines doivent beaucoup à l’artiste siennois du XIVe siècle, Simone Martini (1284-1344), mais Ghiberti travaillait dans une Florence de plus en plus dominée par le nouvel esprit de la Début de la renaissance (c.1400-90).
Il est rare de trouver un artiste italien majeur travaillant sur des manuscrits enluminés, mais à Florence à la fin du XIVe siècle, nous voyons Lorenzo Monaco (1370-1425) travaillant dans le scriptorium monastique de S. Maria degli Angeli. Ses premiers manuscrits reflètent les fortes traditions florentines d’artistes tels qu’Orcagna , mais plus tard, un raffinement et une finesse croissante s’installent dans son travail sous l’influence du style gothique international. À son tour, l’influence de Lorenzo Monaco se voit dans une œuvre telle que Le livre du choeur de la bibliothèque de San Marco à Florence. Même à son plus gothique, Lorenzo a toujours une force narrative et une grandeur auxquelles les artistes du Nord ne peuvent aspirer. Pourtant, les lignes de ses draperies sont douces et fluides, les personnages hauts et élégants, et il confère ce sens du mysticisme introspectif qui fait tellement partie du style gothique international.
Ce nouveau mouvement trouva le plus grand bénéfice dans les villes plus septentrionales de Vérone et de Milan. Des artistes du nord de l’Italie s’étaient établis à Paris et à Prague, où ils avaient naturellement assimilé le nouveau style. De même, les artistes restés en Italie ont subi son influence. Giovannino dei Grassi , né vers 1370, est l’exposant italien suprême du gothique international. Un carnet de croquis à Bergame montre son intérêt passionné pour l’observation des oiseaux et des animaux, équilibré par son plaisir courtois en costumes et en tissus. On pense qu’il est l’artiste d’un bréviaire appelé Il Beroldo (Milan, Biblioteca Trivulziana). Une grande partie de sa nouvelle observation est perdue dans ce travail, peint sur commande et limité par les illustrations du décor, mais sa vitalité transparaît et est bien illustrée dans la petite scène de David et Goliath. Ses illustrations pour la Divine Comédie de Dante (Biblioteca Trivulziana) contiennent dessins à la plume et à l’encre de moindre qualité que ceux de Grassi, mais l’aspect courtois de l’art milanais est encore souligné.
Le Taccuinum Sanitas était un «livre de la raison» avec un texte court et un grand nombre d’illustrations qui, comme le Biadaiolo de Florence, représentent des sujets humbles peints avec une attention particulière aux détails. Parmi les exemplaires de cette œuvre écrite en Lombardie se trouve le livre actuellement à Paris (Bibliothèque nationale). Cela inclut des scènes de marchands de beurre vendant leurs produits et de tailleurs au travail. On imagine que c’est justement ce type d’illustration qui a impressionné les artistes travaillant à Paris à cette époque, car le réalisme des détails intimes est puissant et d’une importance capitale.
La dynastie dirigeante de Milan, les Visconti, entretient des liens politiques étroits avec les ducs de Bourgogne. La principale réalisation artistique des Visconti a été la construction de la cathédrale de Milan sous leur patronage. Ils ne négligèrent pas les manuscrits et Michelino da Besozzo faisait partie des artistes travaillant pour eux. Cet artiste était responsable du frontispice de l’ oraison funèbre composée en l’honneur de Gian Galeazzo Visconti (Paris, Bibliothèque Nationale). La forme idéalisée et la grâce éthérée se combinent, dans la scène de l’Enfant Jésus attribuant une récompense à Gian Galeazzo, à une perfection telle que Michelino peut être comparé aux meilleurs artistes français et flamands de cette période. Le missel d’hiver des Visconti (Milan, Biblioteca Ambrosiana) a été illuminé pour eux par un certain Anovelo da Imbonate . En comparaison avec les plus belles œuvres de Lombardie, ce missel est assez monotone et la stature nationale de l’artiste est à peine perceptible dans l’abondance de détails de cour décoratifs.
Pendant longtemps Peinture vénitienne est resté en contact étroit avec Art byzantin et ce n’est qu’à la fin du XIIIe siècle qu’un style indépendant a émergé. Peu de livres religieux de cette période ont survécu et il faut retracer l’évolution stylistique de Mariegole - des livres commémorant les fondements des guildes – et d’autres œuvres laïques. Toujours fortement influencés par des exemples byzantins, les artistes s’inspirent de sources diverses et les combinent pour créer un style peu satisfaisant. Vers la fin du XIVe siècle, une nouvelle vague d’influence du Nord peut être détectée et c’est ce qui a redynamisé leur art.
Illuminations gothiques internationales en Bohême
Au cours de la première moitié du XIVe siècle, les centres artistiques de Bohême avaient été amplement préparés à la grande floraison de l’enluminure des manuscrits après 1350. Les implications importantes de la fondation de l’Université de Prague ont déjà été mentionnées. En ce moment, la Bohême est à la pointe du développement artistique et y reste un demi-siècle.
L’illustration de l’Histoire du Nouveau Testament (Munich, Staatsbibliothek) illustre bien la transition vers le nouveau style. Cela montre le Christ et Marie Madeleine dans un jardin clôturé par une barrière de guichet. C’est l’un des premiers exemples d’un sujet devenu très populaire au XVe siècle en Allemagne. Les personnages sont fermement placés sur le sol et derrière la clôture, nous voyons des petites touffes d’arbres qui nous rappellent l’art de Jean Pucelle (1290-1334), le grand enlumineur gothique.
Le chancelier de Charles IV s’appelait Jean de Streda ou Jean de Neumarkt. Il était peut-être responsable de la visite de Pétrarque à Prague et les deux hommes avaient certainement une correspondance. Le Liber Viaticus de Jean de Streda était un bréviaire spécialement conçu pour les voyages. Il est maintenant conservé à la Bibliothèque nationale de Prague. Il a été écrit c.1360 et contient des initiales historiées dans un style clairement basé sur des prototypes italiens. Les figures sont solidement construites et bien disposées dans l’espace. Le feuillage d’acanthe de l’école de Bologne est introduit dans les bordures – Remarque: à ne pas confondre avec l’époque baroque École bolognaise établi par Annibale Carracci. La Laus Mariae de Conrad von Hainburg (Bibliothèque nationale de Prague) est étroitement liée au Liberia Viaticus. La présentation au temple montre à nouveau cette tentative ambitieuse de construction de l’espace. Les courbes douces et balancées de la draperie ne cachent pas les formes dessous, et l’impression générale est celle d’une douceur arrondie.
Le groupe de livres écrits pour Jean de Streda est suivi d’un ensemble de manuscrits écrits pour le successeur de Charles IV, le roi Wenzel de Bohême. Les principales œuvres de ce groupe sont les deux bibles écrites en allemand et un certain nombre de manuscrits profanes, notamment les poèmes de Wolfram et un traité astrologique à Munich. Les illustrations du dernier livre incluent des oiseaux et des animaux habilement dessinés et peuvent être comparées favorablement avec le carnet de croquis de Giovannino dei Grassi à Bergame. En général, les livres du roi Wenzel sont beaucoup plus abondamment illustrés que ceux de Jean de Streda, et l’influence de l’Italie a été modifiée.
Vers 1400, le style qui a atteint une telle perfection à Prague semble s’estomper. Il est remplacé par un style d’éclairage beaucoup plus sommaire et les livres sont décorés de dessins au trait marqués à la plume et à l’encre. Le changement de style brutal peut s’expliquer en partie par l’usage croissant du papier au lieu du parchemin et de ses limitations ultérieures. L’héritage du doux style délicat des enlumineurs de Prague a été repris par des artistes formés au peintures sur panneaux, comme Maître Theodorik , qui a travaillé pour la royauté de Bohême au château de Karlstein. Les illustrations du Sachsenspiegel (Luneburg, Ratsbibliothek) de Lunebourg aux alentours de 1400 conservent la riche qualité picturale de l’école de Bohême, mais c’est probablement le travail d’un artiste qui a peint le «Retable d’or» et qui était réputé pour ses peintures sur panneaux. De même, une page de la crucifixion d’un manuscrit actuellement à Bâle (collection privée) peut être comparée de plus près à des panneaux du soi-disant maître Veronica .
Au fur et à mesure que le quinzième siècle progressait en Allemagne, le style a pris naissance dans les manuscrits de Prague qui sont devenus de plus en plus fluides et dont la fraîcheur immédiate a été perdue. Les visages ont été peints avec une douceur presque écoeurante et le terme «style doux» est justifiable à plus d’un titre.
Le style gothique international ne s’achève pas brusquement mais, dans chaque pays, les caractéristiques nationales commencent à se réaffirmer. En Allemagne, nous assistons à ce changement dès 1405, alors qu’en France, le style a été perpétué par le maître Bedford et le maître Boucicaut pendant encore vingt ans.
Comme au cours des siècles précédents, c’est l’Europe du Nord qui a connu les avancées importantes dans l’enluminure des manuscrits, et notre dernière section sera consacrée presque exclusivement aux manuscrits de France et de Flandre. Bien entendu, les autres pays ont continué à produire de beaux livres. par exemple, le célèbre italien Andrea Mantegna est connu pour avoir été un bon illuminateur. Mais encore une fois, la peinture de livres italiens a traîné derrière les progrès réalisés dans des œuvres d’art plus monumentales.
René d’Anjou
Avant d’aborder les principaux courants de développement en France et en Flandre au XVe siècle, il convient de mentionner René d’Anjou (1409-1480). René était duc d’Anjou, comte de Provence et roi de Naples et de la Sicile, bien qu’il ait perdu ce dernier au profit des Aragonais en 1443. C’était donc un homme dont les intérêts étaient constamment attirés vers le sud. Ses cours d’Anjou et d’Aix étaient des centres cosmopolites où il s’entourait d’érudits italiens et d’illuminateurs flamands. René d’Anjou, homme profondément religieux, était aussi un intellectuel qui écrivait de la belle poésie.
Un certain nombre de manuscrits enluminés d’un homme sont étroitement liés aux écrits de René, et on pense souvent que René était aussi un artiste. C’est une question très discutée à laquelle on ne trouvera probablement jamais de réponse définitive, mais les peintures ont une qualité spirituelle et une originalité que l’on ne retrouve pas dans l’œuvre de ses contemporains immédiats. Le roman de Cuer des Amours Epris (Vienne, Nationalbibliothek) a été composé par René en 1457. C’est un roman allégorique. Sur une page, on voit le lovelorn Cuer endormi, tandis que son compagnon lit l’inscription magique sur la tête de puits. Une translucidité imprègne ces peintures et l’artiste montre hardiment des scènes de nuit; dans cette illustration, on voit le soleil se lever sur les prés. Les premières lueurs du matin inondent les champs et créent de profondes ombres derrière les personnages. René a également écrit le Mortifiement de la Vaine Plaisance (Bruxelles, Bibliothèque Royale) après le décès de sa première femme. C’est une allégorie chrétienne sur l’inutilité de la vie terrestre et les illustrations reflètent le contenu profondément spirituel du texte. La même main apparaît dans les illustrations de la Teseide de Boccace (Vienne, Nationalbibliothek) où l’on voit un artiste capable d’illustrer des récits vivants et animés. Cherchant les vieux idéaux chevaleresques du XIVe siècle, René d’Anjou a fondé l’Ordre des Chevaliers de Saint-Maurice et son intérêt pour les traditions courtoises se voit dans son Livre des tournois (Paris, bibliotheque Nationale) écrit entre 1460 et 1465, dans lequel il savoure chaque détail des cérémonies chevaleresques.
René, comme l’artiste précédent, le Maître des Heures du Rohan, n’avait ni école ni disciples. Artiste isolé et enchanteur, René attirerait notre attention même s’il s’agissait de son seul accomplissement, mais la somme de ses talents, sa noblesse d’esprit et son action en font un personnage vraiment remarquable.
Illuminations flamandes du XVe siècle
L’importance croissante de la Flandre elle-même en tant que centre d’illumination de manuscrits peut s’expliquer dans une large mesure par le maintien du patronage des ducs de Bourgogne. Après la mort de Philippe le Hardi , Philippe le Bon héritera plus tard des domaines de la Bourgogne et de la Flandre. Contrairement à son ancêtre, Philippe le Bon choisit de vivre dans le nord de son royaume et résida à Gand et à Bruxelles, à Lille et à La Haye. le Peintres flamands qui avaient afflué plus tôt vers le tribunal de Dijon, pouvaient désormais travailler chez eux. Suivant la tradition familiale, Philip était un grand collectionneur de livres enluminés. Des historiens tels que David Aubert et Jean Mansel étaient également à sa cour. Il a parfois travaillé avec des artistes parisiens, mais le duc a généralement trouvé un talent abondant à portée de main.
Jean Tavernier est l’un des meilleurs illustrateurs travaillant pour le duc. Son style figure dans Conquests of Charlemagne (Bibliotheque Royale) de David Aubert. Tavernier, qui travaillait au milieu du XVe siècle, possédait une maîtrise inégalée de la technique de la grisaille et, dans les tons monochromes, pouvait rendre compte de manière vivante de la vie quotidienne. Au contraire, Loyset Liedet révèle un style plutôt raide et sec dans ses enluminures des Histoires romaines (Paris, Bibliothèque de l’Arsenal). Il avait un bon sens de la composition et était un artiste très prolifique, mais son travail se compare défavorablement à celui de Tavernier.
Pour voir la domination imminente de la peinture sur panneau sur les miniatures, voir le travail du pionnier flamand Melchior Broederlam (c.1350-1411).
Simon Marmion , qui était connu à son époque comme le «prince des illuminateurs», était un Français qui travaillait également pour Philippe le Bon. Il a illustré la Fleur des Histoires (Bruxelles, Bibliothèque Royale) et sa main a également été attribuée au frontispice des Chroniques du Hainaut (Bibliothèque Royale, Bruxelles) de 1448. L’influence créatrice de Roger van der Weyden et de Jan van Eyck se ressent dans la composition fine et la compréhension claire de l’espace. La taille de la salle, qui laisse beaucoup de place à tous les spectateurs, est soigneusement indiquée par le sol carrelé qui ramène l’œil en profondeur. Chaque visage est traité individuellement et parmi les spectateurs, on peut citer le chancelier Rolin qui apparaît à nouveau dans le tableau de la Madone de Jan van Eyck (Paris, Louvre).
En 1467, son fils Charles le Téméraire succéda à Philippe le Bon, qui employa également un grand nombre d’illuminateurs. En 1477, Charles le Téméraire fut tué au combat contre le roi de France. Les ateliers établis à Gand et à Bruges ont continué à produire des livres d’excellente qualité, mais les artistes qui les ont influencés ne sont plus ces grands pionniers, Roger van der Weyden et van Eyck, Hugo van der Goes et Gerard David . L’un des triomphes de cette dernière école de Peinture flamande est le bréviaire de Grimani (Venise, Biblioteca Marciana). Plusieurs artistes ont participé aux nombreuses illustrations de la plus haute qualité. L’espace et l’éclairage ne posent plus aucun problème sérieux aux artistes, mais il ne faut pas oublier que cela a été écrit au début du XVIe siècle.
Deux grandes familles se distinguent dans cette dernière grande école d’illumination de manuscrits: la famille Bening et la dynastie Horebout . Sanders Bening avait trois enfants actifs qui travaillaient pour lui, et Gerhard Horebout était le père de la première femme illuminatrice, Susanna, qui s’installa plus tard en Angleterre et épousa un membre de la cour d’Henri VIII. L’ Hortulus Animae de Marguerite d’Autriche (Vienne, National-bibliothek), probablement issu de l’atelier de Horebout, présente de charmantes illustrations dans un large cadre de décoration. Ces frontières sont très éloignées des décorations en feuilles des siècles précédents et montrent les premiers signes de la joie du Nord dans peinture de nature morte. Les fleurs et les fruits sont traités avec une minutie irréprochable, tandis que les fleurs et les arbustes sont habilement modelés à la lumière, de sorte qu’ils semblent jaillir de la surface de la page. Les bordures de ces pages sont certainement la partie la plus enrichissante de ces derniers livres, car le traitement des sujets principaux est bon mais nullement inspirant.
Jean Fouquet et enluminures françaises du 15ème siècle
Après 1420, l’importance de Paris a diminué en raison de l’occupation anglaise, de la folie du roi et de la terrible lutte politique. La métropole n’attire plus les artistes et nous assistons à la montée en puissance des écoles de peinture provinciales.
Jean Fouquet (1420-81), né à Tours, était le meilleur peintre français de l’époque. Ses contemporains ont sûrement fait grand cas de lui, car nous savons qu’il est allé à Rome et a peint le portrait du pape Eugène IV. Malheureusement, il n’ya pas de trace de la peinture de Fouquet avant son voyage (1445-1447), à l’exception de Portrait de Charles VII de France (1445-50, musée du Louvre), mais son voyage en Italie laissa une marque permanente dans son travail. Son nom n’apparaît que dans un seul manuscrit, les Antiquites Judaiques, mais d’autres lui sont facilement attribuables pour des raisons stylistiques.
Les heures d’Etienne Chevalier (Chantilly, Musée Condé) sont le meilleur témoignage de la grandeur de Fouquet. Etienne Chevalier était ministre des Finances auprès du roi et son nom est mis en évidence sur presque toutes les pages. Un portrait réaliste de Chevalier et de son saint patron est montré dans l’Adoration de la Vierge. Ce livre a probablement été réalisé peu après le retour de l’artiste d’Italie et montre les liens les plus étroits avec les peintures qu’il a vues ici. Le réglage de cette scène montre un mélange de musique classique et classique. architecture gothique, des idéaux de beauté du Nord et du Sud. Les figures à demi tournées et le regroupement des anges sont à l’image du reflet de l’art de Fra Angelico, mais la Madone est beaucoup plus proche du style des artistes du Néerlandais ancien. Sa robe bleue, rehaussée d’or, s’étend sur le sol en plis riches et ondulants qui nous rappellent Robert Campin / Maître de Flemalle. Bien que profondément impressionné par l’art italien, Fouquet reste un artiste essentiellement nordique.
Peu de temps après l’achèvement du livre des heures d’Etienne Chevalier, Fouquet reçut une commande du roi, Charles VII, pour illustrer les grandes chroniques de France (Paris, Bibliothèque nationale). Ce n’était pas une tâche facile, mais Fouquet avait le pouvoir de donner vie aux événements historiques peu passionnants. Il montre une approche digne du sujet et enrichit ses scènes de détails minutieux.
Les Antiquites Judaiques (Paris, Bibliothèque Nationale) étaient encore un des livres laissés inachevés par ce grand connaisseur, Jean, duc de Berry. On demanda à Fouquet de compléter les illustrations créées par les frères Limbourg. Les scènes sont remplies de personnages et semblent vibrer d’activité. Fouquet n’a pas jugé nécessaire de situer ses scènes dans un contexte historique et Jéricho est présenté comme un petit village français avec une rivière qui serpente au loin autour de la colline.
En 1469, le roi fonda l’Ordre de Saint-Michel et il dut commander à Fouquet d’illustrer le frontispice du Livre des Statuts (Paris, Bibliothèque Nationale). Cette page réaffirme le savoir-faire de Fouquet en portrait d’art, pour un certain nombre de chevaliers peuvent être désignés comme des membres importants du cercle de la cour.
Jean Fouquet a sans doute attiré de nombreux admirateurs et élèves. Jean Bourdichon était parmi ses plus éminents disciples. . C’est Bourdichon qui a perpétué la tradition de l’enluminure des manuscrits jusqu’au seizième siècle; comparé au grand maître, son art doit être considéré comme moins important. Il a fait de Fouquet son exemple mais n’a jamais pu égaler la nouvelle éloquence de ce dernier. À partir de 1944 environ, Bourdichon fut peintre de la cour du roi Charles VII, et parmi ses œuvres figure le livre d’heures écrit pour la reine Anne de Bretagne (Paris, Bibliothèque nationale). Les illustrations de ce livre comprennent de grandes et lourdes peintures représentant des personnages solides dans un cadre architectural. Ils sont compétents mais plutôt froids et mécaniques. Le travail de Jean Bourdichon est également visible sur la scène du Centaure tué par les Lapithes des Heures de Charles d’Angoulême (Paris, Bibliothèque Nationale). Cette scène dramatique devrait être extrêmement excitée, mais on sent que Fouquet aurait transmis ce sentiment avec beaucoup plus d’effet. Bourdichon travailla pour un homme qui cherchait à perpétuer les idéaux chevaleresques des temps anciens et, sachant que Bourdichon n’était pas mort avant 1521, il était évident qu’il était un artiste consciemment rétrograde, totalement insensible aux grands mouvements de la Renaissance en Italie. et la Flandre.
A cette époque, le merveilleux art décoratif L’éclairage des manuscrits, florissant depuis des siècles, s’achève brusquement. La Renaissance devait toucher toutes les facettes de l’existence intellectuelle et artistique de l’homme. La conception de la peinture a subi un changement fondamental, prenant des formes qui se poursuivront dans les temps modernes. La peinture de portrait et de paysage, les peintures religieuses à grande échelle sur toile et sur panneau constituent le nouvel ordre. En même temps, l’invention de l’imprimerie a fait irruption dans le monde tranquille des livres enluminés et manuscrits, comme certains n’ont jamais rêvé d’automation dans notre monde moderne. Lorsque l’impression de livres a pris de l’ampleur, ils sont passés du privilège de quelques privilégiés à la joie d’un grand nombre d’hommes. Même si de tels progrès techniques n’avaient pas été réalisés à cette époque, le changement d’attitude envers la religion, les interrogations des grands intellectuels de la Renaissance, les attaques de la Réforme et la montée ultime du matérialisme auraient suffi à saper la simple piété qui, dans un monde relativement statique, avait produit cet exemple durable d’effort personnel, le manuscrit enluminé.
Des manuscrits enluminés de style gothique international peuvent être vus dans certaines meilleurs musées d’art dans le monde.
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