Mouvement artistique maniériste Automatique traduire
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Qu’est-ce que le maniérisme?
En beaux-arts, le terme "maniérisme" (dérivé du mot italien "maniera", style ou élégance) désigne un style de peinture, de sculpture et (dans une moindre mesure) d’architecture, apparu à Rome et à Florence entre 1510 et 1520., au cours des dernières années du Haute renaissance. Le maniérisme sert de pont entre le style idéalisé de Art de la Renaissance et la théâtralité dramatique de la Baroque.
Peinture maniériste – Caractéristiques
Il existe deux souches détectables de Peinture maniériste : Le maniérisme précoce (environ 1520-35) est connu pour son style "anti-classique" ou "anti-Renaissance", qui a ensuite évolué vers le haut maniérisme (environ 1535-1580), un système plus complexe, tourné vers l’intérieur et plus transparent. style intellectuel, conçu pour plaire à des clients plus sophistiqués.
Dans l’ensemble, la peinture maniériste a tendance à être plus artificielle et moins naturaliste que la peinture de la Renaissance. Cet idiome exagéré est généralement associé à des attributs tels que l’émotion, des figures humaines allongées, des postures tendues, des effets inhabituels d’échelle, de lumière ou de perspective, ainsi que des couleurs vives et souvent criardes.
Peintres maniéristes
Parmi les meilleurs artistes maniéristes figuraient: Michelangelo (1475-1564) noté pour son Fresques de la chapelle Sixtine comme le Jugement dernier (1536-1541); Le corrège (1489-1534) connu pour ses peintures narratives sentimentales et le premier à dépeindre la lumière irradiante de l’enfant Christ; Les deux élèves d’Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo (1494-1556) et Rosso Fiorentino (1494-1540); Parmigianino (1503-40), influent maître dessinateur et portraitiste de Parme; Agnolo Bronzino (1503-72), connu pour son chef-d’œuvre allégorique appelé Une allégorie avec Vénus et Cupidon (1540-1550) National Gallery, London; Giorgio Vasari (1511-1574) est un peintre de second rang mais un excellent auteur d’œuvres telles que Vies des artistes (1550), ainsi qu’un architecte qui a conçu la galerie d’art Uffizi à Florence; le vénitien Jacopo Bassano (1515-152), Tintoret (1518-1594), l’un des plus grands experts en dessin et compositeur prolifique de grandes peintures religieuses exécutées à la manière du baroque – voir par exemple La crucifixion (1565); Federico Barocci (1526-1612) le peintre religieux pieux actif à Urbino et en Italie centrale; Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) connu pour ses portraits de fruits et de légumes bizarres; Paolo Veronese (1528-1588) le coloriste vénitien; Domenikos Theotocopoulos, dit El Greco (1541-1614), artiste grec formé à Venise et ayant travaillé en Espagne, connu pour son style artistique très individualiste reflétant sa vision du christianisme et de sa signification mondaine; Annibale Carracci (1560-1609), également de Bologne, connu pour son histoire Fresques de la galerie Farnèse (1597-1608); et Adam Elsheimer (1578-1610), dont les paysages exquis et les scènes nocturnes – suspendus entre ténébrisme et clair – obscur – ont influencé des personnalités telles que Claude Lorrain, Rubens et Rembrandt. Pour les développements à Venise, voir Retables vénitiens (1500-1600) et Portrait de Venise (1400-1600).
REMARQUE: pour d’autres tendances stylistiques historiques importantes telles que le maniérisme, voir Mouvements d’art, écoles (à partir de 100 avant notre ère).
Sculpture Maniériste
La sculpture maniériste était plus expressive que son prédécesseur de la Renaissance et est illustrée par des sculpteurs tels que Giambologna (1529-1608), Benvenuto Cellini (1500-71), Alonso Berruguete (c.1486-1561), Juan de Juni (1507-1577), et Francesco Primaticcio (1504-1570), Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthélemy Prieur (1536-1611) et Adriaen de Vries (1560-1626).
Déclin
En Italie, le maniérisme a décliné à partir de 1590 environ, ce qui a coïncidé avec l’arrivée d’une nouvelle génération d’artistes italiens, dirigée par Caravage (1571-1610), qui a rétabli la valeur du naturalisme. En dehors de l’Italie, cependant, le maniérisme a survécu en tant qu’art de la cour jusqu’au XVIIe siècle. En Grande-Bretagne, elle a été peinte à la cour comme étant élisabéthaine puis jacobienne, alors qu’en France, elle a été conservée à la cour royale de Fontainebleau sous le règne de Henri II, sous François Ier (1515-1547) – pour plus de détails, voir Ecole de Fontainebleau (c.1528-1610) – et plus tard Henri IV (1589-1610). L’empereur Habsbourg, Rodolphe II, basé à Prague, était un autre important mécène du maniérisme. Pendant plus de deux siècles (c.1650-1900), l’art maniériste tomba en défaveur, mais durant la première moitié du XX critiques d’art a commencé à prendre un point de vue plus positif, en appréciant la modernité d’artistes comme El Greco.
Architecture de la renaissance pendant la période maniériste a été dirigé par des architectes comme Michelangelo, Giacomo Barozzi Vignola (1507-73) Andrea Palladio (1508-80), Pirro Ligorio (1510-1583), Galeazzo Alessi (1512-1572), Giacomo della Porta (1533-1602), le théoricien Vincenzo Scamozzi (1548-1616) et Antonio Contini (1566-1600). conçu le célèbre pont des soupirs à Venise.
Les origines et le développement du maniérisme
Agitation religieuse
Si les représentations harmonieuses et idéalistes de la Haute Renaissance exprimaient la confiance suprême de l’homme, qui se voyait comme la mesure de toutes choses dans les premières décennies du XVIe siècle, cette certitude fut bientôt brisée. En 1517, Martin Luther déclara avec ses thèses de Wittenberg la guerre de religion de la Réforme contre l’Église catholique. Pour les protestants, la papauté était devenue la quintessence de la décadence morale et religieuse universelle. La principale pomme de discorde était la vente de prétendues «indulgences» avec lesquelles les fidèles pouvaient acheter le pardon du pape. L’argent de cette activité lucrative s’est écoulé dans le magnifique nouveau bâtiment de Basilique Saint-Pierre à Rome. La croissance rapide du mouvement de la Réforme a démontré la nécessité de réformes fondamentales au sein de l’Église. Mais il y avait un prix élevé à payer pour cela. Des guerres sanglantes ont été menées dans toute l’Europe au nom de la foi pendant plus de 100 ans. L’unité de l’église est tombée en panne, son autorité a été de plus en plus remise en question.
L’homme n’est plus le centre de l’univers
L’insécurité qui en a résulté a été intensifiée par les découvertes scientifiques les plus récentes, qui ont mis le monde en déroute dans le vrai sens du terme. Copernic avait établi que le soleil plutôt que la Terre était le centre immuable de l’univers, autour duquel tournaient toutes les étoiles et les planètes, y compris la Terre. Cette vision héliocentrique du monde contredit entièrement la vision que l’Église a d’elle-même et de ses prétentions à la domination, car l’idée que le représentant de Dieu ne soit pas au centre des événements cosmiques était loin d’être séduisante. En outre, la spectaculaire circumnavigation du monde de Ferdinand de Magellan et la découverte de l’Amérique par Christophe Colomb étayaient le soupçon que la terre était ronde et non plate, pas plus que l’Europe centrale n’était le centre du monde.
Le maniérisme reflète la nouvelle incertitude
Le changement copernicien dans la conception du monde se reflète dans l’art italien de l’époque. Les peintres – comme beaucoup de leurs contemporains – ont perdu leur foi en une harmonie ordonnée. Ils estimaient que les lois rationnelles de l’art fondées sur l’équilibre n’étaient plus suffisantes pour illustrer un monde déchiré de ses axes. Dans cette mesure, l’art de cette période, le maniérisme – est l’art d’un monde en mutation radicale, poussé par la quête d’un nouveau langage pictural. Le maniérisme reflète la nouvelle incertitude.
Réaction contre la perfection de la Renaissance
La jeune génération d’artistes a senti qu’elle ne pourrait pas développer le style mis au point par Maîtres Anciens comme Leonardo, Michelangelo et Raphaël plus loin. Ces grands maîtres avaient réussi à peindre des tableaux qui semblaient tout à fait naturels et réalistes, tout en étant parfaitement composés dans les moindres détails. A leurs yeux, les peintres avaient réalisé tout ce qui pouvait être recherché selon les règles de l’art en vigueur. Pour cette raison, les maniéristes cherchaient de nouveaux objectifs et – comme de nombreux artistes d’avant-garde du modernisme des centaines d’années plus tard – ils se sont retournés contre le canon artistique traditionnel, faussant ainsi le répertoire formel du nouveau langage pictural classique. Même le grand Michel-Ange lui-même s’est tourné vers le maniérisme, notamment dans le vestibule de la bibliothèque laurentienne, dans les figures de ses tombeaux de Médicis et surtout dans son jugement dernier. fresque dans la chapelle Sixtine.
Jacopo Pontormo
Jacopo Pontormo combiné les influences de ses professeurs Andrea del Sarto et Leonardo, inspirés par les dernières œuvres de Raphaël, ainsi que par la peinture de Michelangelo, aboutissant à un langage pictural qui, malgré son réalisme, semble encore d’un autre monde. Dans son tableau La Visitation de Marie (1528-30, S. Michele, Carmignano), montrant la rencontre entre Marie et Elisabeth, les femmes semblent être des êtres surnaturels. Ils touchent à peine le sol. Leurs corps sont perdus dans les plis voluptueux de leur drapé métallisé. Ils se tiennent dans les airs comme des flammes vacillantes. L’œil formé à la peinture de la Renaissance a appris qu’il existe d’autres façons de voir que le purement naturaliste.
Plus que tous les artistes avant eux, les peintres maniéristes ont mis l’accent sur la manière de peindre individuelle, la vision personnelle et la compréhension picturale des choses. Ils ont découvert le contenu symbolique de la structure visuelle, l’élément expressif de la peinture. Ils ont toujours résisté à l’équilibre. Les compositions circulaires et pyramidales typiques de la Renaissance ont donc disparu. Les schémas de composition classiques étaient déséquilibrés par des effets asymétriques surprenants. Les peintres ont abandonné le modèle structurel de base qui stabilisait la peinture. Ainsi, par exemple, la structure picturale – basée sur une perspective centrale, focalisant le regard du spectateur sur un seul point – est maintenant remplacée par un espace pictural dynamisé de profondeur indéfinie.
Remarque: l’historien de l’art a effectué de nombreux travaux pionniers sur l’attribution d’œuvres peintes au cours de l’ère du maniérisme du XVIe siècle. Bernard Berenson (1865-1959), qui a publié plusieurs ouvrages très influents sur le Renaissance italienne.
Parmigianino
Dans le tableau de Madonna dal Colla Lungo de Parmigianino (1535, Galerie des Offices, Florence), l’avant-plan immédiat et l’arrière-plan lointain apparaissent sans transition, presque de manière juxtaposée. Les poids illustrés sont inégalement répartis. Sur le côté gauche de l’image, le peintre place une bande d’anges à l’étroit, tandis que la profondeur spatiale s’ouvre sur le côté droit, son seul objectif étant une rangée de colonnes bien éclairée, derrière laquelle s’étend un large paysage. Et pourtant, le tableau ne se décompose pas en deux parties. Le peintre utilise des superpositions (la cape gonflée artificiellement de la Madone retient le regard qui disparaît dans les profondeurs) et des analogies formelles spirituelles pour maintenir le tableau en place. Ainsi, par exemple, il produit une référence de composition entre la colonne à l’arrière-plan, le genou étincelant de Mary et la jambe allongée de l’ange au premier plan.
Les membres sveltes et allongés, les corps évasés, tordus et tournants, qui contredisent toutes les lois traditionnelles de la proportion, sont une caractéristique du maniérisme. Parmigianino – du Ecole de peinture de Parme (1520-1550) – est un autre peintre qui a donné à sa Madone des bras exceptionnellement longs. Le col en forme de cygne, gracieusement courbé, a donné à la peinture le titre de Madonna dal Colla Lungo, ou La Madone au long cou (1535, Uffizi). Le peintre a intensifié les traits idéalisés de la figure organique de Raphaël pour en faire une élégance stylisée que les contemporains admiraient pour sa grâce. Cet artificiel confiant et exagéré, son artifice, ses structures ont donné son nom au maniérisme, ou «manierismo». Au 17ème siècle, cependant, le concept a reçu les connotations négatives qui l’attachent encore aujourd’hui. Elle était désormais associée à une qualité savante, formulée de manière rigide, allant au-delà de toute étude de la nature. Mais au 16ème siècle, ce style jouit d’une grande popularité auprès des cours d’Europe, en particulier celle de François Ier, qui avait son château à Fontainebleau, près de Paris, décoré par un groupe d’artistes italiens, flamands et français (1530-1560). Le magnifique style décoratif de l’école de Fontainebleau qui, comme le montre le tableau de Gabrielle d’Estrées et de sa sœur au bain, n’était pas dépourvu de légèreté et de racisme, mais avait peu de choses en commun avec le maniérisme italien, dont les principes reviennent cent ans plus tard dans le rococo français.
La réalité maniériste
Les maniéristes ont pris l’espace d’image illusionniste, avec son imitation de la réalité, et l’ont transformé en un espace d’image " intellectuel ", montrant ce qui était vraiment invisible et accessible uniquement à l’œil intérieur. L’art moderne trouve ses racines dans cette approche, dans laquelle la vision individuelle et la vision des choses de l’artiste deviennent l’unique critère. Il n’est donc pas étonnant qu’un peintre comme El Greco, l’un des grands maîtres du maniérisme, ait été découvert par des artistes au début du XXe siècle en tant que précurseur essentiel de l’art moderne.
El Greco et le Tintoret
Domenikos Theotocopoulos, qui n’a jamais été qualifié que d’El Greco à la cour espagnole où il a passé la majeure partie de son travail, est – avec Tintoretto de l’école de Peinture vénitienne – l’un des peintres les plus importants de la seconde moitié du 16ème siècle. Les deux peintres voulaient, comme Parmigianino, créer quelque chose de nouveau. Mais leurs peintures n’étaient pas un jeu raffiné avec de nouveaux supports artistiques; mais surtout, ils voulaient montrer un contenu intellectuel dans leur art religieux, qui révélerait l’invisible. Le Tintoret a également admiré les maîtres de la Renaissance, en particulier Michelangelo et Titien. Selon son propre compte, il visait à "unir le dessin de Michel-Ange à la couleur de Titien", afin de révéler l’impossible, le transcendant qui ne pouvait être représenté. Il recherchait un langage pictural permettant de percevoir le contenu spirituel, le divin. S’il vous plaît voir, par exemple: Le déshabillage du Christ (1577), L’enterrement du comte d’Orgaz (1586-1588) Vue de Tolède (1595-1600), Christ chassant les marchands du temple (1600), Portrait d’un cardinal (1600), et Portrait de Felix Hortensio Paravicino (c.1605).
Les peintres de la Renaissance orientés vers la réalité, qui introduisirent avec tant de désinvolture dans le monde des figures mythologiques et des saints chrétiens, se révélèrent inutiles à cet égard. L’objectif des maniéristes n’avait pas été explicitement de créer un espace d’image faussement réel dans lequel le spectateur s’imaginait pouvoir entrer à tout moment. leur but était plutôt de créer des peintures qui n’étaient pas une représentation de ce monde. Comme il n’y avait aucun moyen de visualiser un tel monde surnaturel, les peintres ont été rejetés dans l’imaginaire. Ils ont mis en scène leurs histoires comme des metteurs en scène. Utilisation d’un éclairage irréel ressemblant à une scène avec des effets dramatiques de lumière et d’obscurité, et offrant une perspective ou un audacieux très indépendant raccourcir, ils ont essayé de distancer leurs images de la vie réelle. Ils ont transformé des scènes religieuses en scénarios captivants. Une comparaison des derniers repas de Leonardo et du Tintoret montre clairement la différence de vision et d’approche: contrairement à la composition équilibrée et symétrique du front de Leonardo, l’espace pictural du Tintoret se voit attribuer une qualité dynamique par la table placée en diagonale par rapport à la surface de l’image. Dans la peinture de Leonardo, Christ était ce que la foi chrétienne disait être tout à fait humain et tout à la fois divin. Dans le travail du Tintoret, cette coexistence pacifique s’effondre à nouveau. Il y a une nette différence entre l’agitation du monde au premier plan, où les serviteurs vont chercher de la nourriture et des boissons, et l’histoire théologique au fond de la peinture. Ces deux niveaux ne sont unis que par l’éclairage et la vitalité extatique de la structure picturale dans son ensemble, qui est équilibrée par une bande d’anges à peine visible tournoyant au-dessus de la scène. Voir aussi les effets dramatiques de clair-obscur et Caravagisme, perfectionné par le peintre iconoclaste baroque Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), dans des œuvres comme L’appel de saint Matthieu (1599-1600), Le martyre de saint Matthieu (1599), Conversion sur le chemin de Damas (1601), Souper à Emmaüs (1602), La mort de la vierge (1602, Louvre, Paris) et La mise au tombeau du Christ (1601-3).
La peinture illusionniste maniériste débouche sur le baroque
Un style de peinture suggestif – dans lequel le monde réel et irréel, le monde spirituel et le monde perceptible ne peut plus être distingué – était totalement étranger aux peintres de la Renaissance. Au baroque, vers 1600, les univers picturaux intellectuels créés par les maniéristes dès le XVIe siècle atteignent leur apogée. Les peintres du baroque abandonnent la réalité terrestre ou créent un jeu déroutant d’illusions et de réalité. Les pères de l’Eglise ont surtout reconnu l’effet incontournable de ce type de peinture illusionniste rendu possible par la parfaite maîtrise de la perspective linéaire et aérienne. Face aux grondements menaçants de la Réforme dans le nord, une peinture illusionniste fascinante a frappé l’Église catholique comme un moyen particulièrement approprié de rendre la foi attrayante. En 1562, lors du concile de Trente, qui annonçait la «contre-réforme» dans les pays catholiques, il fut décidé de mettre désormais en avant les aspects mystiques et surnaturels de l’expérience religieuse. Art baroque dûment obligé. Voir par exemple: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle.
Note: On peut voir des œuvres reflétant le style du maniérisme dans certaines des meilleurs musées d’art dans le monde.
- Mannerism. The crisis of humanism
- Manierismus
- Lecture by Svetlana Ershova "Mannerism - Awakening of Anxiety"
- Adam Elsheimer: pintor paisajista manierista / barroco alemán
- Fontainebleau School of Mannerist Art (c.1528-1610)
- Dirk de Vries "Vegetable market in Venice"
- Manieristische Künstler des 16. Jahrhunderts
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