Peinture médiévale:
peintres gothiques du moyen âge Automatique traduire

Bien que l’art médiéval produit approximativement entre le treizième et le quinzième siècle (c. 1180-1420) soit essentiellement de style gothique, il s’agit essentiellement d’une période de transition pour les arts visuels tels que la peinture et la sculpture. Au cours de ces siècles, les objectifs des artistes ont radicalement changé, passant des formules rigides qui leur étaient imposées par la peinture romane, fortement influencée par l’art byzantin, vers une représentation réaliste du monde et une volonté de maîtriser l’effet tridimensionnel en peinture, conformément aux nouvelles idées introduites par la peinture italienne de la pré-Renaissance (1300-1400) et plus tard par la Renaissance florentine (1400-1512).

Facteurs généraux

L’art de cette période, bien que diversifié dans son style, est uni par plusieurs facteurs communs. Le plus important d’entre eux est la domination continue de l’art chrétien, car la plupart des œuvres d’art médiévales remplissent toujours une fonction essentiellement religieuse, comme c’était le cas depuis les premiers temps du christianisme. La plupart des peintures sur panneau représentaient encore des sujets religieux et étaient destinées à des contextes religieux - par exemple, les retables d’église, y compris les diptyques et les triptyques, et les retables polyptyques : Voir, par exemple, le Retable de Dijon (années 1390, Musée des Beaux-Arts, Dijon) de l’artiste flamand Melchior Broderlam (c. 1350-1411), peintre officiel de Philippe le Hardi. En outre, presque toutes les fresques étaient encore créées pour l’intérieur des églises. En effet, la peinture gothique est mieux caractérisée comme art biblique, car elle contient toujours des sujets tirés de l’Ancien et du Nouveau Testament et du calendrier des saints.

Pour une vision plus large du caractère religieux de la peinture médiévale, voir L’art chrétien primitif (150-1100) et L’art chrétien médiéval (600-1200), et La peinture médiévale russe (c. 950-1100).

La plupart des manuscrits enluminés se composaient également de textes bibliques, destinés soit à la lecture publique, soit à la dévotion privée. De plus en plus, cependant, des aspects de la vie séculière se mêlent à la vie religieuse. Des figures fantaisistes et amusantes («drolleries») étaient souvent représentées en marge des psautiers. Des scènes montrant l’élégance et le raffinement de la vie de cour sont utilisées pour décorer la chapelle du duc de Berry (voir : la magnifique chapelle du duc de Berry au musée de Condé à Châtilly, peinte par les frères de Limbourg en 1413). Dans ces détails profanes, le désir d’exprimer toutes sortes d’émotions, et pas seulement religieuses, et de célébrer avec réalisme la diversité de la vie contemporaine et des saisons, se manifeste de manière variée. Les artistes étaient de plus en plus convaincus que toutes les activités sont créées par Dieu et font partie de son plan. Par conséquent, elles sont toutes dignes d’être enregistrées. (Voir aussi : La fabrication des manuscrits enluminés .)

Le deuxième principe unificateur est l’importance permanente des arts décoratifs dans toutes leurs possibilités. Les fonds des peintures religieuses étaient souvent en or sur lequel des motifs étaient imprimés à l’aide d’outils chauffés, un procédé connu sous le nom de «tooling». Parfois, des emmaillotages multicolores ou des tessellations (motifs de losanges ou de chapelets réguliers) étaient utilisés pour remplir le fond. Les courbes des draperies et le balancement du corps humain satisfont le sens de l’élégance. Les corps ne sont plus représentés comme des marionnettes rigides ; les membres et les mouvements deviennent plus fluides. (Voir, par exemple, l’œuvre d’enlumineurs tels que Jean Pucelle et Jacquemart de Esden, ainsi que le peintre de panneaux Engerrand de Charenton (Quarton) .)

A ces facteurs s’ajoute l’importance de la conception architecturale. L’artiste gothique encadrait souvent ses tableaux d’une arche à travers laquelle le spectateur devait regarder comme à travers une fenêtre. (Cette technique est devenue très populaire dans la peinture flamande et française aux quatorzième et quinzième siècles). L’incorporation d’éléments architecturaux dans la peinture devient aussi nécessaire que les niches et les auvents qui encadrent la sculpture gothique.

Nouveaux mécènes

Les changements dans l’art au cours du haut et du bas Moyen Âge ont été provoqués par l’évolution rapide des conditions sociales. Le commerce s’est développé et les villes associées au commerce ont prospéré. En conséquence, non seulement les cours royales se sont enrichies, mais les citadins et les marchands plus riches ont pu acquérir leurs propres œuvres d’art. Au début du quinzième siècle, chaque bourgeois pouvait s’attendre à avoir sa propre chapelle…

Les villes elles-mêmes ont commencé à parrainer les arts. Par exemple, le conseil municipal de Sienne a commandé en 1308 un grand retable au maître italien Duccio di Buoninsegna (vers 1255-1319), le plus célèbre représentant de l’école siennoise de peinture (1250-1550). Connu sous le nom de «Retable de la Maesta» (1311), il fut achevé trois ans plus tard et, au son des trompettes et des cloches, accompagné des dignitaires de la ville et de l’église, il fut solennellement transporté de l’atelier de l’artiste à la cathédrale, où il fut placé sur le maître-autel.

Simone Martini (1284-1344) créa un autre retable exquis pour la cathédrale de Sienne, son Triptyque de l’Annonciation (1333). Tout cet art religieux était une expression de la fierté civique, mais la fierté civique a également commencé à s’exprimer dans des œuvres purement profanes. Par exemple, le conseil municipal de Sienne commanda à Ambrogio Lorenzetti (vers 1285-1348) une série de six fresques, intitulées «Allégorie du bon et du mauvais gouvernement» (1338-9), pour l’hôtel de ville.

Les livres étaient très demandés, et les plus populaires d’entre eux, les livres sur l’amour courtois, tels que Le Roman de la Rose, ainsi que les œuvres des auteurs classiques Térence et Ovide, étaient enluminés. (Pour en savoir plus, voir notamment nos articles : Manuscrits gothiques enluminés et Illuminations gothiques internationales . Pour les travaux antérieurs, voir : Manuscrits médiévaux enluminés). Les ateliers d’artistes sont devenus de plus en plus grands en raison de la demande croissante pour toutes sortes d’œuvres d’art et sont généralement situés dans les grands centres commerciaux. En général, la vie dans de nombreuses villes au XIVe siècle devient de plus en plus aisée, riche et raffinée.

Pour un nouveau type de mécène, désireux de démontrer sa richesse et sa position élevée dans la société, les aspects les plus importants de l’art étaient le coût des matériaux utilisés, le nombre de peintures disponibles et la virtuosité technique dont elles faisaient preuve. Ces préoccupations sont illustrées par la lettre suivante, envoyée d’Avignon à Florence par un marchand agissant pour le compte d’un riche mécène :

«Envoyez un panneau représentant la Vierge Marie sur un fond d’or fin…. présentant un beau spectacle avec de bonnes et belles figures, fait par le meilleur artiste et avec de nombreuses figures. Que le centre soit le Seigneur en croix ou la Vierge, peu m’importe, pourvu que les figures soient belles et grandes, les meilleures et les plus belles que vous puissiez obtenir, et qu’elles ne coûtent pas plus de cinq florins et demi.»

Des artisans, pas des artistes

Il en ressort que, d’une manière générale, les artistes médiévaux n’avaient guère le statut qu’ont acquis plus tard les peintres et sculpteurs de la Renaissance. En effet, l’idée que l’artiste médiéval agit selon l’inspiration et peint des sujets pour se faire plaisir est presque inconnue à cette époque. Ce n’est qu’au XVIe siècle - grâce aux efforts de Léonard de Vinci (1452-1519) et Michel-Ange (1475-1564) et d’autres - que cette vision de l’artiste a été reconnue. L’accent était mis sur la peinture plutôt que sur l’artiste, qui, depuis l’époque romane, était considéré comme plutôt bas dans la hiérarchie des artisans - bien plus bas, par exemple, qu’un bijoutier ou un architecte. (Pour plus de détails, voir Joaillerie et L’art du travail des métaux, et Architecture gothique).

À l’exception de quelques œuvres italiennes - des artistes tels que Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti et Giotto, par exemple - la plupart des peintures ne sont pas signées. En général, les peintures sont attribuées à une école particulière plutôt qu’à des artistes individuels. Parfois, lorsque l’œuvre d’un maître est devenue célèbre, son atelier a continué à peindre dans son style après sa mort. Mais même ces maîtres sont souvent restés anonymes, comme le maître de Flemalle, qui n’a été identifié que relativement récemment comme Robert Campen (1378-1444).

Le statut de l’artiste évolue cependant. Au Moyen Âge, la grande majorité des artistes étaient des prêtres ; à la fin de la période, la plupart étaient des laïcs. Certains artistes qui atteignaient la célébrité bénéficiaient des faveurs de la noblesse. Par exemple, les frères Limburgi, qui illustrèrent la chapelle du duc de Berry , étaient si estimés que le duc les nomma gentilshommes de sa chambre à coucher. Giotto, le grand peintre italien, qui vécut de 1267 à 1337 environ, fut tellement admiré par les pères de la ville qu’il fut nommé surintendant des travaux de la cathédrale de Florence et architecte de la ville. Ces exemples ne sont pas représentatifs de tous les artistes, mais une telle reconnaissance n’aurait jamais eu lieu au début du Moyen Âge.

Mouvement vers un plus grand réalisme

Il est impossible de tracer une ligne régulière d’évolution vers le réalisme dans l’art de ces siècles. Les innovations réalisées dans certaines parties de l’Europe peuvent ne pas avoir été adoptées par d’autres pays avant un certain temps, voire pas du tout. Bien qu’au début du treizième siècle, plusieurs artistes italiens aient fait des progrès qui ont été reconnus plus tard comme le début d’une nouvelle ère de l’art européen connue sous le nom de Renaissance italienne, leurs idées n’ont été pleinement acceptées que beaucoup plus tard.

Les œuvres du peintre italien Cimabue (vers 1240-1302) avaient déjà commencé à montrer des tentatives de réalisme, mais les peintures du peintre siennois Duccio font preuve d’une plus grande souplesse de style et d’une plus grande gamme émotionnelle. Son approche sensible est évidente dans les mouvements souples de ses personnages, la prise en compte de la profondeur et de l’ombre et la richesse des pigments de couleur qu’il utilise. L’élément décoratif demeure dans l’utilisation inchangée de l’or comme fond, mais une toute nouvelle gamme expressive et dramatique s’ouvre dans sa peinture, qui atteint son apogée dans le retable «Maestas».

Le nouveau style de peinture réaliste de Giotto

Une nouvelle qualité dramatique atteint son apogée dans les fresques du plus célèbre des premiers peintres italiens, Giotto di Bondone (vers 1267-1337). Giotto est à la peinture italienne ce que Chaucer est à la littérature anglaise - «la figure paternelle» et le peintre principal du Trecento (1300-1400). Les progrès considérables qu’il a accomplis dans la maîtrise de l’espace et la massivité de ses figures n’ont d’égal que la puissance émotionnelle de ses personnages. C’est ici que la rupture avec les styles précédents est la plus évidente : Giotto s’efforce de rendre ses personnages aussi humains que possible afin que nous puissions sympathiser avec eux.

Dans ses fresques de la chapelle des Scrovegni (Arena) à Padoue, exécutées entre 1305 et 1310, tout le drame de la vie du Christ est exprimé exclusivement par des êtres humains, leurs gestes et leurs expressions faciales. Voir, par exemple, les peintures de Giotto La trahison du Christ (Baiser de Judas) (1305) et Le deuil du Christ (1305). En utilisant des formes simples et épurées, Giotto parvient à une monumentalité mémorable. Ce sont ces fresques qui ont largement défini l’époque de la Proto-Renaissance (1300-1400) et établi la réputation de Giotto en tant que pionnier clé de l’art de la Renaissance proprement dit .

Le style gothique international

L’impact de ces changements révolutionnaires ne s’est toutefois pas fait sentir immédiatement. Jusqu’à la fin du XIVe siècle, la peinture gothique dans le reste de l’Europe n’absorbe que certains aspects des réalisations italiennes, qu’elle fusionne avec sa propre tradition stylistique et décorative. De cette fusion est né un style de peinture élégant et raffiné, caractérisé par des couleurs douces et des expressions faciales délicates, des lignes fluides et des corps allongés et courbés. Ce style raffiné et subtil était particulièrement apprécié des courtisans.

De nombreux livres ont été enluminés dans ce style, avec des marges décorées de manière charmante et des scènes animées en bas de page. Grâce aux relations commerciales, aux liens dynastiques des familles royales européennes et à la circulation des artistes et des œuvres d’art d’un pays à l’autre, ce style s’est largement répandu. C’est pour cette raison qu’il est connu sous le nom de gothique international . Il a été pratiqué dans des centres aussi éloignés que Londres, Avignon, la Rhénanie et même la Bohême. En Europe du Nord, le style international est resté statique pendant la seconde moitié du quatorzième siècle.

Il est important de noter que les frères de Limbourg, qui travaillaient à la cour de Bourgogne en France et se caractérisaient par un réalisme dans leurs sujets et leurs effets de perspective qui était extraordinaire pour des artistes français, n’ont pas eu de disciples immédiats. L’art de la cour française était trop ancré dans la stylisation pour y répondre. (Pour plus d’informations sur les techniques utilisées dans la peinture de livres, voir : La peinture miniature, à partir de 600).

Renaissance

Au début du XVe siècle, certains artistes italiens commencent à s’orienter vers un plus grand réalisme. (Voir : Début de la Renaissance)) Cette évolution s’est traduite par la création de certains traités qui nécessitaient des illustrations réalistes et précises pour que le livre soit utile au lecteur. Par exemple, au XIVe siècle, il y a eu plusieurs éditions illustrées d’un traité d’hygiène écrit par un homme nommé Albucasem. Il fallait représenter les plantes avec précision pour qu’elles soient facilement reconnaissables, et une tradition s’est instaurée pour les représenter dans le contexte du paysage. C’est la naissance de la peinture de paysage réaliste et elle a probablement inspiré les frères limbourgeois à produire les remarquables paysages de leur «Chapelle».

Une autre tendance au réalisme s’est développée dans un certain nombre de livres d’heures et de psautiers réalisés pour les citadins de Haarlem et d’Utrecht. Ceux-ci étaient suffisamment éloignés des cours pour ne pas être influencés par le style en vigueur. Ces personnes souhaitaient que l’art reflète leur niveau de vie confortable. Ces illustrations de livres ne consistaient pas en des décorations élaborées à la feuille d’or, mais souvent en de simples dessins à la plume et à l’encre avec des lavis de couleur, compensant le manque de matériaux nobles par une abondance de détails domestiques.

Ce style de représentation fidèle de la vie quotidienne a été adopté par le grand peintre Rogier van der Weyden (1400-1464). Sa peinture présente une certaine précision des couleurs et des formes que l’on retrouve dans les œuvres de son célèbre contemporain Jan van Eyck, mais comparé à van Eyck, Rogier reste gothique dans son utilisation de la ligne, de la stylisation et du symbolisme religieux traditionnel. Néanmoins, son utilisation des détails de la vie quotidienne a eu une grande influence, contribuant au développement de l’école réaliste de la peinture flamande (vers 1400-1800). Voir aussi Les plus grands peintres flamands (v. 1400-1750).

L’ÉVOLUTION DE L’ART
Sur l’histoire de la peinture, voir : L’histoire de l’art (800 av. J.-C. à nos jours). Pour plus de détails, voir :
Chronologie de l’histoire de l’art . Pour les styles spécifiques, voir : Mouvements artistiques .

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