Peinture médiévale: peintres gothiques du moyen âge Automatique traduire

EVOLUTION DE L’ART
Pour l’histoire de la peinture,
voir: Histoire des arts
(800 avant notre ère).
Pour plus de détails, voir:
Chronologie de l’histoire de l’art.
Pour des styles spécifiques, voir:
Mouvements d’art.

introduction

Bien que le Art médiéval Les œuvres produites entre le XIIIe et le XVe siècle (c.1180-1420) étaient essentiellement de style gothique. Il s’agissait essentiellement d’une période de transition pour les arts visuels comme la peinture et la sculpture. Au cours de ces siècles, les objectifs des artistes se sont radicalement éloignés des formules rigides imposées par Peinture romane – lui-même fortement influencé par Art byzantin – vers une représentation réaliste du monde et une volonté de maîtriser un effet tridimensionnel en peinture, à l’image des idées nouvelles introduites par Peinture italienne pré-Renaissance (1300-1400) et plus tard par le Renaissance florentine (1400-1512).

Facteurs communs

L’art de cette époque, bien que de style différent, était unifié par quelques facteurs communs. Le plus important était la domination continue de Art chrétien, comme la plupart des œuvres d’art médiévales remplissaient encore une fonction essentiellement religieuse, comme c’était le cas depuis le début de l’époque chrétienne. Plus peintures sur panneaux toujours présenté des sujets religieux et ont été conçus pour des contextes religieux – tels que l’église retables, y compris les deux diptyque et triptyque aussi bien que polyptyque retables: voir, par exemple, le Retable de Dijon (1390, Musée des Beaux-Arts, Dijon) par le peintre flamand Melchior Broederlam (c.1350-1411), peintre officiel de Philippe le Hardi. En outre, presque toutes les fresques ont encore été créées pour les intérieurs d’église. En effet, les peintures gothiques sont mieux caractérisées comme Art biblique, puisqu’ils continuent à présenter des sujets tirés de l’Ancien et du Nouveau Testament et du Calendrier des saints.

NOTE: Pour une vue plus large de la nature religieuse des peintures médiévales, voir: Art paléochrétien (150-1100) et Art chrétien médiéval (600-1200), ainsi que Peinture médiévale russe (c.950-1100).

Plus manuscrits enluminés elle aussi consistait en textes Bibical, conçus soit pour des lectures publiques, soit pour des dévotions privées. Mais de plus en plus, certains aspects de la vie laïque étaient mêlés aux religieux. Des personnages pittoresques et amusants ("drolleries") ont souvent été montrés rampants sur les marges des psautiers. Des scènes montrant l’élégance et les beaux atours de la cour ont été utilisées pour décorer le livre d’heures du duc de Berry. (Voir: Les Tres Riches Heures du Duc de Berry dans le Musée Conde Chantilly, peint par les Frères du Limbourg en 1413.) Ces détails laïques révèlent, à des degrés divers, le désir d’exprimer tous les types d’émotions, pas seulement les religieux, et de célébrer de manière réaliste la diversité de la vie contemporaine et des saisons. Parmi les artistes, la conviction grandissait que toutes les activités avaient été créées par Dieu et faisaient partie de son schéma de choses. Par conséquent, ils valaient tous la peine d’être enregistrés. (Voir également: Fabrication de manuscrits enluminés.)

Le deuxième principe unificateur était l’importance persistante de art décoratif dans toutes ses possibilités. Les milieux de peintures religieuses étaient souvent en or, sur lesquels les dessins étaient imprimés avec des outils chauffants, un processus appelé "outillage". Parfois, un calage multicolore ou un pavage (motifs de losanges réguliers ou de carreaux) peuvent être utilisés pour remplir l’arrière-plan. La sensation de design élégant était satisfaite par les tentures incurvées et le balancement du corps humain. Les corps n’étaient plus décrits comme raides et ressemblant à des marionnettes; les membres et les mouvements ont été autorisés une plus grande fluidité. (Voir, par exemple, des œuvres d’illuminateurs comme Jean Pucelle et Jacquemart de Hesdin et le peintre Enguerrand de Charenton / Quarton.)

À ces facteurs s’ajoute l’importance de la conception architecturale. Le peintre gothique encadrait souvent ses images avec une arche à travers laquelle le spectateur devait regarder comme à travers une fenêtre. (Cette technique est devenue très populaire dans Peinture flamande et Peinture française aux XIVe et XVe siècles.) L’inclusion d’éléments architecturaux dans un tableau est devenue aussi nécessaire que la niche et l’auvent qui encadrent une sculpture gothique.

Nouveaux mécènes d’art

Les changements artistiques au cours du haut et du bas Moyen Âge ont été provoqués par l’évolution rapide des conditions sociales. Le commerce était en augmentation et les villes associées au commerce prospéraient. En conséquence, non seulement les cours royales étaient plus riches, mais les citadins et les marchands plus riches étaient en mesure d’acheter leurs propres œuvres d’art. Au début du XVe siècle, chaque bourgeois s’attendrait à avoir son propre livre d’heures.

Les villes elles-mêmes commençaient à fréquenter les arts. La mairie de Sienne, par exemple, commanda en 1308 un grand retable au maître italien Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), le membre le plus célèbre de la Ecole siennoise de peinture (1250-1550). Connu comme le " Retable Maesta "(1311), il fut achevé trois ans plus tard et, au son des trompettes et des cloches, accompagné des dignitaires de la ville et de l’église, il fut transporté solennellement de l’atelier de l’artiste à la cathédrale où il fut placé sur le maître-autel. Simone Martini (1284-1344) a créé un autre retable exquis pour la cathédrale de Sienne, son Triptyque de l’Annonciation (1333). Tout ça art religieux était une expression de fierté civique, mais la fierté civique a également commencé à être exprimée par des œuvres purement laïques. Par exemple, le conseil municipal de Sienne a également chargé Ambrogio Lorenzetti (c.1285-1348) de produire une série de six fresques – intitulée Allégorie du bon et du mauvais gouvernement (1338-9) – pour la mairie.

Les livres étaient recherchés et les plus populaires, ceux d’amour courtois comme le Roman de la Rose et les ouvrages des auteurs classiques Terence et Ovide, étaient illuminés. (Pour plus d’informations à ce sujet, consultez notamment notre article sur: Manuscrits enluminés gothiques et Illuminations gothiques internationales. Pour les travaux antérieurs, voir: Illumination de manuscrit médiéval.) Les ateliers d’artistes ont pris de l’ampleur en raison de la demande accrue de tous les types d’art et ont généralement été regroupés dans les principaux centres de commerce. Globalement, la vie dans de nombreuses villes au XIVe siècle devenait plus riche, plus tranquille et plus raffinée.

Pour le nouveau type de mécène, soucieux d’afficher sa richesse et sa position dans la société, les aspects les plus importants de l’art étaient la valeur des matériaux utilisés, la quantité de peintures possédées et la virtuosité technique révélée. Ces préoccupations sont illustrées dans la lettre suivante adressée d’Avignon à Florence par un commerçant agissant pour le compte d’un riche mécène:

"Envoyez un panneau de Notre-Dame sur un fond d’or fin… réalisant un beau spectacle avec de bonnes et belles figures, du meilleur peintre et avec de nombreuses figures. Laissez-le être au centre Notre-Seigneur sur la croix, ou Notre Madame, peu importe la personne que vous trouverez, je ne tiens pas à ce que les personnages soient beaux et grands, les meilleurs et les meilleurs que vous puissiez trouver et dont le coût ne dépasse pas cinq florins et demi. "

Des artisans pas des artistes

A partir de cela, est-il clair que, d’une manière générale, Artistes médiévaux avait peu de statut qui a ensuite été acquis par les peintres et les sculpteurs de la Renaissance. En effet, l’idée d’un artiste du Moyen Âge agissant sur son inspiration et sur des sujets de peinture pour se faire plaisir est presque inconnue à cette époque. Pas avant le seizième siècle – grâce aux efforts de Léonard de Vinci (1452-1519) et Michelangelo (1475-1564) et d’autres – cette vue de l’artiste a-t-elle été acceptée? L’accent a été mis sur la peinture plutôt que sur l’artiste qui, à l’époque romane, était considéré comme étant assez modeste dans la hiérarchie des artisans – beaucoup plus bas, par exemple, que l’orfèvre ou l’architecte. (Pour plus, voir: Orfèvrerie et le art du travail des métaux, aussi bien que architecture gothique.)

À l’exception de certaines œuvres italiennes – par exemple de peintres tels que Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti et Giotto – la plupart des peintures restent non signées. Habituellement, les peintures sont attribuées à une certaine école plutôt qu’à des peintres individuels. Parfois, si le travail d’un maître devenait célèbre, son atelier continuerait à peindre dans son style après sa mort. Mais même ces maîtres restaient souvent anonymes, comme par exemple le maître de Flemalle, qui n’avait été identifié que récemment Robert Campin (1378-1444).

Le statut de l’artiste était cependant en train de changer. Au Moyen Âge, la grande majorité des artistes étaient des prêtres; à la fin de la période, la plupart étaient des laïcs. Certains artistes qui ont acquis une renommée ont été comblés de faveurs par la noblesse. le Frères Limbourg Par exemple, ceux qui ont illustré le livre d’heures du duc de Berry étaient tellement appréciés que le duc les a nommés messieurs de sa chambre à coucher. Giotto, le grand peintre italien vivant de 1267 à 1337 environ, était tellement admiré par les pères de la ville qu’il fut nommé chef des travaux de la cathédrale à Florence et architecte de la ville. Ces exemples ne sont pas typiques de tous les peintres, mais une telle reconnaissance n’aurait jamais eu lieu au début du Moyen Âge.

Mouvement vers un plus grand réalisme

Il est impossible de tracer une ligne de développement lisse vers le réalisme dans l’art de ces siècles. Les innovations réalisées dans certaines parties de l’Europe pourraient ne pas être acceptées par d’autres pays avant un certain temps, voire pas du tout. Au tournant du XIIIe siècle, quelques artistes italiens ont fait des progrès qui seront reconnus plus tard comme les prémices d’un nouvel âge de l’art européen, connu sous le nom de Renaissance italienne, leurs idées n’ont été pleinement adoptées que beaucoup plus tard.

Le travail du peintre italien Cimabue (c.1240-1302) avait commencé à montrer quelques tentatives de réalisme, mais dans les peintures de l’artiste siennois Duccio, il existe une plus grande souplesse de style et de portée émotionnelle. Son approche sensible se révèle dans la souplesse des mouvements de ses personnages, la suggestion de la profondeur et de l’ombre et la richesse pigments de couleur il utilise. L’élément décoratif reste dans son utilisation invariable de l’or comme arrière-plan, mais dans sa peinture, vue à son apogée dans le retable de «Maesta», s’ouvre une nouvelle gamme expressive et dramatique.

Le nouveau style de peinture réaliste de Giotto

Une nouvelle qualité dramatique domine les fresques du plus célèbre des premiers peintres italiens, Giotto di Bondone (c.1267-1337). Giotto est à la peinture italienne ce que Chaucer est à la littérature anglaise – une "figure paternelle" et le principal artiste de la Trecento (1300-1400). L’énorme progrès qu’il réalise dans la maîtrise de l’effet de l’espace et la solidité de ses personnages s’accompagne du pouvoir émotionnel qu’expriment ses personnages. La rupture avec les styles antérieurs se voit plus clairement ici – Giotto veut rendre ses figures aussi humaines que possible afin que nous puissions sympathiser avec elles. Dans son Scrovegni (Arena) fresques de la chapelle à Padoue, exécutée entre 1305 et 1310, tout le drame de la vie du Christ s’exprime uniquement par l’homme, ses gestes et ses expressions faciales. Voir, par exemple, celui de Giotto Trahison du Christ (Baiser de Judas) (1305) et le Lamentation du christ (1305). Avec son utilisation de formes simples et épurées, Giotto réalise une monumentalité réellement mémorable. C’est ces fresques qui ont largement défini l’ère de la Art proto-renaissance (1300-1400), et c’est ce qui a fait la réputation de Giotto en tant que pionnier clé de Art de la Renaissance correct.

Style gothique international

L’influence de ces changements révolutionnaires ne s’est toutefois pas fait sentir immédiatement. Jusqu’à la fin du XIVe siècle, la peinture gothique dans le reste de l’Europe n’absorbe que certains aspects des avancées italiennes et les fusionne avec sa propre tradition stylisée et décorative. A partir de cette fusion, une peinture élégante et sophistiquée a évolué, ayant pour caractéristiques une douceur de coloration et une douceur d’expression du visage, des lignes fluides et des corps allongés et incurvés. Cet art raffiné et délicat fait particulièrement appel au goût courtois. De nombreux livres ont été illuminés dans ce style, avec des marges joliment décorées et des scènes animées à la base de la page. Grâce aux relations commerciales, aux relations dynastiques de la royauté européenne et au flux d’artistes et d’œuvres d’art d’un pays à l’autre, le style s’est largement répandu. Pour cette raison, il est devenu connu sous le nom de Gothique international style. Il était pratiqué dans des centres aussi éloignés que Londres, Avignon, la Rhénanie et même la Bohême. En Europe du Nord, le style international est resté statique pendant la seconde moitié du XIVe siècle. De manière significative, les frères Limbourg, qui travaillaient à la cour de Bourgogne en France et étaient exceptionnellement réalistes pour les artistes français dans leur sujet et perspective effets, n’avait pas d’adeptes immédiats. L’art de la cour française était trop ancré dans la stylisation pour répondre. (Pour plus d’informations sur les techniques impliquées dans la peinture de livre, voir: Peinture miniature à partir de 600.)

La Renaissance

Au début du XVe siècle, certains artistes italiens ont commencé à progresser vers un plus grand réalisme. (Voir le Début de la renaissance.) C’est ce qui ressort de la production de certains traités qui exigeaient que le livre contienne des illustrations réalistes et précises. Par exemple, au XIVe siècle, un certain nombre d’éditions illustrées d’un traité sur l’hygiène écrit par un homme appelé Albukasem ont été produites. Celles-ci devaient représenter avec précision les plantes pour qu’elles puissent être facilement reconnues. Une tradition s’est alors établie de les représenter dans le contexte de leur paysage. Ce fut la naissance de réaliste peinture de paysage et probablement inspiré les paysages remarquables des frères Limbourg dans leur livre d’heures.

Une autre tendance au réalisme s’est développée dans un certain nombre de livres d’heures et de psautiers exécutés pour les habitants de Haarlem et d’Utrecht. Ces lieux étaient suffisamment éloignés des tribunaux pour ne pas être affectés par le style qu’ils adoptaient. Ce que ces gens voulaient était un art reflétant leur niveau de vie confortable. Celles-ci illustrations de livres consistait pas en décorations élaborées à la feuille d’or mais souvent en de simples dessins à la plume et à l’encre avec un lavage de couleur, compensant un manque de matériaux fins avec beaucoup de détails simples. Ce style de représentation fidèle de la vie quotidienne a été adopté par le grand peintre Roger van der Weyden (1400-64). Sa peinture présente une partie de la précision des couleurs et des formes que l’on retrouve dans les travaux de son célèbre artiste contemporain. Jan van Eyck mais, comparé à van Eyck, Rogier est toujours gothique dans son utilisation de la ligne, de la stylisation et du symbolisme religieux traditionnel. Néanmoins, son utilisation de détails simples a beaucoup d’influence, contribuant au développement de l’école réaliste de Peinture flamande (c.1400-1800). Voir également Les plus grands peintres flamands (c.1400-1750).