Art Renaissance Néerlandais Automatique traduire
Voir également: Art de la Renaissance allemande (1430-1580)
Qu’est-ce que la Renaissance néerlandaise?
En beaux-arts, le terme "Renaissance néerlandaise" désigne le développement rapide de peinture d’art qui a eu lieu en Flandre et en Hollande aux 15ème et 16ème siècles. Les artistes (et les habitués) des Pays-Bas ont tendance à être plus terre-à-terre que leurs homologues italiens. Moins intéressé par l’Antiquité classique, ou esthétique, ou la théorie de perspective, ils ont peint ce qu’ils ont vu et se sont concentrés sur la maîtrise de la technique de peinture à l’huile. Jusqu’en 1530 environ, l’Église conserva son rôle de principal mécène des arts. Par conséquent, Art chrétien reste la principale forme de peinture et de sculpture. Par la suite, les différences religieuses entre le sud de l’Europe (en grande partie catholique) et le nord de l’Europe (en grande partie protestante) – résumées dans le clivage qui sépare les protestants néerlandais et les catholiques flamands – entraînent des différences majeures entre Art de la Renaissance et celle des Pays-Bas.
En général, l’Église protestante n’avait aucun intérêt à commander des retables ou d’autres œuvres de art religieux. Les artistes ont donc été forcés d’utiliser leur dessin et leur habileté avec les huiles pour répondre aux exigences civiques et culturelles de la bourgeoisie croissante. Portrait d’art, intérieurs et peinture de genre maintenant pris le relais, menant à l’âge d’or de Réalisme hollandais au 17ème siècle. Mais en 1430, les choses semblaient bien différentes.
En règle générale, les plus grands peintres d’une nation apparaissent généralement à l’apogée d’une longue période de développement; mais dans les Pays-Bas, c’est le contraire. Les Van Eycks, fondateurs de la peinture des Pays-Bas, en furent également les plus grands maîtres. Pendant les deux cents ans qui suivirent, jusqu’à l’apparition de Rubens, l’histoire de l’école fut presque celle d’un anti-climax. Presque. Pour les images les plus importantes, voir: Les plus grandes peintures de la Renaissance.
Les origines de la renaissance néerlandaise
L’art tel qu’il existait aux Pays-Bas avant les Van Eyck appartient à la soi-disant Gothique international Ce style, originaire de la France, s’est étendu au sud en Italie et au nord dans les villes rhénanes et les Pays-Bas. Il est illustré dans le nouveau naturalisme et l’humanisme présentés par Illuminations gothiques internationales comme le Tres Riches Heures du Duc de Berry , par le Frères Limbourg – un trio qui travaillait pour le duc de Berry vers le XIVe siècle. Hubert Van Eyck (c.1365-1425) était lui-même un enlumineur, car certaines parties des Heures de Turin-Turin, conçues pour Jean de Bavière en 1417, lui sont maintenant attribuées à l’unanimité. Toute la technique eyckienne est celle de l’éclairage à grande échelle, mais grâce à l’échelle et au médium à l’huile, d’une perfection et d’une brillance insoupçonnées jusqu’à présent. (Remarque: pour plus de détails sur les pigments utilisés dans les peintures de la Renaissance néerlandaise, voir: Palette de couleurs Renaissance.)
Hubert et Jan Van Eyck
Le chef-d’œuvre de Hubert et Jan Van Eyck est le grand Retable de Gand de l’ adoration d’agneau, à la cathédrale Saint-Bavon. Cette polyptyque, avec sa multiplicité de petits panneaux, est évidemment le travail d’hommes formés comme peintres miniatures et incapables de faire face au problème du remplissage de grands espaces. C’est un travail commun des deux frères. Par Hubert seul, qui est une figure plus nébuleuse que Jan, il existe, outre les miniatures Milan-Turin, deux ailes d’un retable de Leningrad et les Trois marques du Sépulcre, qui font maintenant partie de la collection van Beuningen en Hollande. Par Jan Van Eyck (c.1390-1441), il existe une liste impressionnante d’œuvres signées et datées, dont la plus importante est probablement la Arnolfini Portrait (1434, Galerie nationale, Londres).
Dans un pays où le retable était le genre habituel, le thème laïc du portrait d’Arnolfini et le caractère privé du tableau sont dus à la nationalité des clients. Giovanni Arnolfini était un homme d’affaires et un banquier italien extrêmement riche, qui dirigeait la succursale de son entreprise familiale située à Bruges. La valeur qui a été attribuée à l’individu en Italie et la coutume bien connue des hommes importants qui y font peindre leurs portraits ont peut-être incité ce dernier à confier à Van Eyck le mandat de peindre ce «certificat de mariage».
Malgré la minutieuse précision des détails avec lesquels Van Eyck a minutieusement capturé les éléments au premier plan et à l’arrière-plan, l’unité de la composition est assurée par une fine modulation de couleur et de lumière qui joue uniformément autour de tout. Cette méthode d’homogénéisation est réalisée principalement grâce à la technique de la peinture à l’huile, très répandue dans le nord depuis le début. La peinture très pratique et à séchage lent a permis à l’artiste de travailler de manière réfléchie, de retoucher et de peindre. Cela lui permettait d’obtenir les nuances d’ombre les plus fines, les plis des tissus étaient travaillés avec des transitions vives et veloutées vers des tons toujours plus brillants, et les minuscules éclairs de lumière sur des matériaux étincelants pouvaient être transmis avec précision à l’aide de très petites brosses. Les costumes, les corps et les visages ont reçu une matérialité jusque-là inconnue. (Voir par exemple Portrait d’un homme au turban rouge 1433). Cette technique, appelée « ars nova» (art nouveau), était connue et admirée hors des Pays-Bas grâce au travail d’artistes néerlandais ayant travaillé comme peintre de la cour dans le sud. L’influence inverse de la Renaissance italienne au nord, en revanche, n’apparaît que beaucoup plus tard.
Malgré la qualité des œuvres de Jan Van Eyck, il est impossible de rien découvrir de l’artiste lui-même, sauf qu’il était l’un des plus grands peintres réalistes du monde. Dans ses peintures religieuses, telles que la prétendue " Madone Rollin " au Louvre, il y a peu de sentiment religieux; le sujet n’est utilisé que pour donner un prétexte à une étude réaliste d’un intérieur.
Robert Campin, Roger Van Weyden et d’autres
En cela, il est le contraire de son jeune contemporain, Robert Campin (1375-1444), qui a maintenant été identifié comme le maître de Flemalle. Les Van Eyck étaient des peintres de la cour fréquentés par la noblesse; Campin était un peintre travaillant pour des clients de la classe moyenne. Ses œuvres religieuses (comme le Retable merode ), et dans une plus grande mesure encore ceux de son élève Roger van der Weyden (1398-1464) – voir son grand Descente de la croix (1425) – sont chargés d’émotion et de sentiments religieux passionnés. Ce clivage devait perdurer tout au long de l’histoire de la peinture néerlandaise, jusqu’à l’époque du grand hollandais Rembrandt et du grand maître flamand Rubens. Le plus proche disciple de Jan van Eyck était le journaliste basé à Bruges Petrus Christus (c.1400-73), noté pour Portrait d’une jeune fille (1470). Les peintres travaillant sous l’influence de Van der Weyden étaient Dieric Bouts (1410-75), Simon Marmion (1401-65), Hans Memling (c.1430-94) de Bruges (voir son: Triptyque du Jugement Dernier 1471 et Donne Triptych , 1477-80), et, le plus individuel de tous, Hugo van der Goes (1440-82), qui a réussi à égaler l’influence de son maître avec son célèbre Retable de portinari à Florence – L’un des exemples les plus magnifiques et les plus passionnés de Flamands retable d’art et son influence sur le Renaissance florentine était de grande portée.
Autres Néerlandais Maîtres Anciens comprennent le réalisateur méticuleux Gerrit David (1460-1523) de Bruges et d’Anvers; Jan Provost (1465-1529), formé à la miniaturiste, noté pour ses retables; l’inspiration italienne de la Renaissance Quentin Massys (1465-1530), surtout connu pour ses portraits animés de la bourgeoisie; et Joos van Cleve (1490-1540), basé à Anvers, connu pour ses retables de dévotion et ses portraits.
Nord des Pays-Bas (Hollande)
La peinture hollandaise, ou, comme on devrait le dire à cette époque, celle du nord des Pays-Bas, était plus démodée, plus maladroite et plus naïve; mais s’il manque de la suavité des Flamands, il gagne en force et en sentiment. Jérôme Bosch fut le plus grand peintre hollandais de la fin du 15ème siècle – voir, par exemple, son extraordinaire tableau biblique Triptyque Haywain (1516) – mais il convient également de mentionner Albert van Ouwater (actif au milieu du XVe siècle), fondateur de l’école de Haarlem; Geertgen tot sint Jans (c.1465-93), le maître de la Vierge entre vierges basé à Delft (actif vers 1480-1510).
Jérôme Bosch
Tandis que Leonardo, Raphael et Michelangelo poursuivaient les idéaux de la beauté classique, Bosch dépeignait des visions célestes et infernales dont la nature fabuleuse semblait provenir directement du monde des idées médiévales. Mais le message de ces peintures était tout à fait conforme à l’esprit de l’époque, car contrairement à la vision optimiste du monde de la Renaissance italienne, la «conquête de la réalité» était accompagnée de doutes et d’insécurité dans le nord.
Les conflits sociaux provoqués par les changements économiques, les guerres, les fléaux et les famines qui ont frappé les Pays-Bas au XVe siècle ont été interprétés comme le signe qu’ils avaient attiré la fureur de Dieu sur eux-mêmes et avaient été bannis de sa protection divine. Cette insécurité a culminé dans le fanatisme religieux: d’innombrables processions d’individus se flagellant et se reprochant d’être coupables de péchés traversaient le pays, l’engouement pour la chasse aux sorcières atteignait un pic terrible et d’innombrables sectes se proclamant l’unique voie de la rédemption divine. En raison notamment de son intérêt pour le pouvoir séculier, l’Église romaine a de plus en plus perdu l’autorité en matière de foi et n’offrait guère plus de sécurité aux insatisfaits. La religion a traversé une crise profonde. La nécessité d’une réorientation, d’une nouvelle direction – pour la "Réforme" – ne pouvait plus être ignorée.
Tout cela trouve une expression visuelle dans les œuvres de Jérôme Bosch. L’art des anciens peintres hollandais s’inscrivait dans une tradition directe de visions médiévales du ciel et de l’enfer, qu’ils rapportèrent au monde. Bosch rend l’enfer "terrestre", montrant les gouffres de l’homme, son péché et ses défauts, avec la plus grande précision. Le traitement atmosphérique ininterrompu du paysage, de l’homme, de l’animal et de divers types de matérialité donne à l’enfer des dimensions "réelles", produisant un enfer sur terre. Nous pouvons supposer en toute sécurité que les tableaux ont été peints selon une conception planifiée et que certains chiffres et détails qui nous semblent simplement surréalistes aujourd’hui auraient été décodés par un certain nombre de personnes. Son fantasme, qui lui a valu la gloire de son vivant, réside dans le fait que réalisme (dans le style de la peinture) et symbolisme (dans le sens) se confondent en une seule unité. Les peintures qui, selon une source, étaient contrefaites même à l’époque ont encore un effet étrangement convaincant plusieurs siècles plus tard. Entre autres, les surréalistes, qui ont peint des images de rêve tout aussi effrayantes au début du XXe siècle, l’ont pris comme un grand modèle. Mais l’inquiétude de Bosch était très différente de celle de ses derniers adeptes. Il ne voulait pas peindre les gouffres de l’âme humaine, mais révéler ceux de l’action humaine. Derrière ses visions oppressantes se trouvait le doigt moral accusateur. Ses mondes imagés étaient des avertissements de tortures infernales auxquelles l’homme pouvait s’attendre pour ses transgressions en ce monde.
Art des Pays-Bas (à partir de 1500)
Vers le tournant du siècle, la Renaissance italienne commence à se faire sentir aux Pays-Bas. Jusque-là, c’était les Italiens qui avaient été touchés par le Renaissance nordique, particulièrement les Vénitiens, qui, dans leur technique pétrolière et les problèmes de représentation de la lumière, avaient plus en commun avec les Flamands. Joos van Wassenhove (actif entre 1460 et 1480) travailla à Urbino, en Italie, dans les années 1470, mais son style, bien que influencé par la taille et le sujet de son pays, resta remarquablement flamand. il serait impossible de déduire des images de Roger van der Weyden que lui aussi se rendit en Italie vers 1450. Le premier Flamand à montrer une influence italienne en Flandre fut Jan Gossaert de Mabuse (1480-1533); mais il reste fondamentalement entièrement flamand, avec seulement un vernis de matière et de style italiens. Mabuse exerça une influence considérable sur les soi-disant ’maniéristes anversois’, tels que Jan de Beer (1475-1536), ainsi que sur Bernard van Orley (1493-1542) de Bruxelles, connu notamment pour art de la tapisserie et sur son élève, Pieter Coecke (1502-1550), maître de l’ancien Bruegel. Remarque: pour en savoir plus sur l’art en Flandre, voir: Peinture flamande (1400-1800)
Les effets de la Renaissance étaient sensiblement les mêmes en Hollande qu’en Flandre. Lucas van Leyden (1480-1533) est plus connu en tant que graveur et dessinateur qu’en tant que peintre, et son dessin sensible montre l’influence de Durer et de Raphaël. Jan Scorel d’Utrecht (1495-1562) fut le peintre néerlandais le plus réussi à assimiler l’exemple de Raphaël. Martin van Heemskerch (1498 – 1574) et ses successeurs de la soi-disant "Académie de Haarlem", Henrik Goltzins (1558 – 1617), Abraham Bloemart (1564 – 1651) et Jan Suenredam (1565-1607), dérivent, contrairement à Scorel, de Michelangelo, et afficher un exagéré Maniérisme.
Pieter Bruegel l’Ancien
Il y avait aussi une école de paysage florissante aux Pays-Bas à peu près au même moment. Pieter Bruegel l’Ancien (c.1530-69), l’un des plus importants Peintres flamands du XVIe siècle, ne peut être considéré comme un paysagiste pur et simple (voir ci-dessous), car une grande partie de son travail consiste en de grandes compositions de personnages à la manière grotesque et essentiellement autochtone, par opposition à l’italienne, de Bosch; mais strictement en termes de genre, des images telles que Chasseurs dans la neige (1565, Kunsthistorisches Museum, Vienne) ou la chute d’Icare (1558, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles), sont en réalité autant des «paysages avec des figures» Claude, tandis que survivent aussi de nombreux dessins à la plume et à l’encre de paysage, beaucoup d’entre eux exécutés pour le graveur. Joachim Patenier (1490-1524) est un autre peintre paysagiste pionnier, connu pour ses compositions fantastiques de type Bosch (principalement bibliques). Paulus Bril (1554-1626), artiste anversois, s’installe tôt à Rome, où il subit l’influence de l’allemand. Adam Elsheimer (1578-1610), et occupe une place importante dans l’histoire de peinture de paysage, combler le fossé entre Elsheimer et Claude.
Paysages ou non, les œuvres de Bruegel comportent un élément narratif important – une nuance moralement didactique semblable à celle de Jérôme Bosch. Sa peinture était représentationnel à peu près de la même manière que celle de Bosch, mais à cause de sa vision humaniste du monde, cet artiste très cultivé n’a pas peint de visions d’un autre monde de l’enfer ou de thèmes religieux, mais de scènes d’actualité contemporaines. Le sien Tour de Babel conformément à la morale biblique – doit être compris comme un avertissement contre l’arrogance humaine, que le peintre lui-même a pu observer parmi ses contemporains. Au début du XVIe siècle, Anvers – la ville dans laquelle Bruegel vivait lorsqu’il peignit le tableau – était devenue très rapidement l’une des plus grandes villes d’Europe. La découverte de la route maritime reliant l’Afrique à l’Inde et la découverte de l’Amérique ont assuré la croissance rapide de sa ville portuaire de la côte ouest. Des marchandises et des personnes de toutes les parties du monde ont atterri à Anvers. Il y avait un brouhaha de langues presque babylonien, et de nombreux hommes d’affaires s’étant enrichis du jour au lendemain, se sont livrés à une satisfaction suffisante. Ce n’est pas un hasard si Bruegel a peint trois fois le motif de la tour de Babel. Cette histoire lui a permis de présenter un miroir à ses compatriotes. Le panorama contemporain de Bruegel devient un symbole dans lequel le paysage n’est plus une partie du monde (réel) mais un cosmos autonome. Ville, campagne, montagnes, rivières, côte et ciel forment un paysage global. Il est maintenu par son exécution picturale: dans le traitement sensible de la lumière et de la couleur, les détails miniaturistes se fondent en une seule unité. Et Bruegel n’a pas abandonné cette minutie dans son traitement de la vue de la distance – au contraire de l’air, l’atmosphère elle-même est représentée à part entière.
Le lien entre le réalisme et le symbolisme que Bruegel – prenant exemple sur Bosch – apporta à sa description de scénarios «quotidiens» indiquait de nouvelles voies pour l’art néerlandais. Les exemples incluent: La chute des anges rebelles (1562, Musée royal des beaux-arts, Bruxelles), Mad Meg (Dulle Griet) (1562, Musée Mayer van den Bergh), Mariage paysan (1568, Kunsthistorisches Museum, Vienne) , Parabole des aveugles (1568, Museo Nazionale di Capodimonte, Naples), Proverbes des Pays-Bas (1559, Staatliche Museen, Berlin) et les plus effrayants Massacre des Innocents (c.1565-7). Ces œuvres ont ouvert la voie aux scènes de genre qui ont atteint leur apogée dans l’œuvre de Artistes réalistes hollandais du siècle suivant.
Des œuvres reflétant les œuvres de la Renaissance flamande et hollandaise sont présentes dans de nombreux pays. meilleurs musées d’art dans le monde.
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?